Arte siglo xix y xx

• Introducción • Henri de Toulousse
• Antonio Canova Lautrec
• Auguste Rodin • George Seurat
• Thorvaldsen • Paul Gauguin
• Vincent Van Gogh • Paul Signac
• Claude Monet • Le Courbusier
• Camille Pissarro • Edouard Manet
• Francisco de Goya • Francisco Toledo
• David Alfaros Siqueiros

Índice
• Edgar Degas
• Santiago de Calatrava • José Clemente Orozco
• Antonio Gaudi • Diego Rivera
• Mary Cassatt • Rufino Tamayo
• Berthe Morisot • Conclusiones
• Referencias

Introducción
• En la presentación se abordaran distintos
autores del arte de los siglos XIX y XX,
pertenecientes a distintos estilos y
vanguardias; desde el neoclasicismo hasta
el postimpresionismo, sin olvidar el arte
que se dio en México.
• Se revisaran obras de escultura,
arquitectura y pintura según el artista
abordado.

• Comenzaremos con algunos artistas cuyo
ramo es la escultura como son; Antonio
Canova, Auguste Rodin y Thorvaldsen.
• Continuaremos con algunos impresionistas
y postimpresionistas como; Van Gogh,
Monet, Pissarro, Degas, Seurat, Signac y
Manet.
• Después seguiremos con arquitectos como;
Calatrava, Gaudi y Le Courbusier.
• Finalizamos la presentación con los artistas
mexicanos; Toledo, Siqueiros, Orozco,
Rivera y Tamayo.

Antonio Canova
(1757-1822)

• Escultor italiano
• Junto con Bertel Thorvaldsen, fue uno de los exponentes máximos
de la escultura neoclásica.
• Conoció el arte clásico en sus visitas a Roma y Nápoles.
• En Roma , 1781, fomentó la recuperación del gusto por los estilos
romano y griego antiguos.
• Recibió encargos de Napoleón, entre los que se cuenta la famosa
Paulina Bonaparte Borghese como Venus.
• Después de la caída de Napoleón, Canova fue enviado por el Papa a
París para recobrar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio
italiano, gestión que le valió el título de marqués de Ischia.
• También realizó encargos en Inglaterra.
• Murió en Venecia.

Apolo coronándose a sí mismo

Antonio Canova
(1781)
Mármol. 84.77 cm.
Paul Getty Museum. Los Angeles

Paulina Bonaparte

Antonio Canova Paulina Bonaparte Borghese como Venus,
(1807)
Mármol. 185 cm.
reclinada en un diván con una serena
Galería Borghese. Roma sensualidad.

Hércules y Lichas

A causa de la poderosa
musculatura de
Hércules, produce una
impresión de fuerza.

Antonio Canova
(1815)
Mármol. 350 x 152 x 212 cm.
Galleria d'Arte Moderna. Roma

Eros y Psique

Antonio Canova
(1793)
Mármol. 155 x 168 x 101 cm.
Museo del Louvre. París

Las tres gracias

Antonio Canova
(1815-1817)
Mármol

Magdalena
penitente

Antonio Canova
1796
Mármol, 94 cm

Teseo lucha con el
centauro

Antonio Canova
(1804-1819)
Mármol
Museo de Bellas Artes de Viena.

Hebe

Antonio Canova
(1816-1817)
Mármol

Auguste Rodin
(1840-1917)
• Escultor francés.
• Dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del
modelado y la textura.
• Uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.
• Hijo de un oficial de policía.
• Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en
el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.
• Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest
Carrier-Belleuse.
• Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de
una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas.
• Se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción
muscular en las obras del renacimiento; Donatello y Miguel Ángel.
• Para Rodin, la belleza consistía en una representación fidedigna del
estado interior por lo que distorsionaba sutilmente la anatomía.

Hombre dando un paso

Auguste Rodin
(1877)
Yeso. 34 pulgadas.
Museo Rodin. París

• Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos
estilos.
• El estilo más característico revela una dureza
deliberada en la forma y un laborioso modelado de
la textura.
• El otro estilo está marcado por una superficie pulida
y la delicadeza de la forma.
• Rodin produjo algunas esculturas importantes entre
1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente
Hombre con la nariz rota.
• Su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición
en el Salón de su desnudo masculino La era de
bronce, que levantó controversia dado su
extremado realismo y provocó la acusación de que
Rodin había hecho moldes de yeso a partir de
modelos vivos.

Puertas del infierno
La puerta representaba
principalmente escenas del
Infierno, la primera parte de la
Divina Comedia de Dante.
Tratando de realizar una gran
alegoría del amor y la condena

Romanticismo y simbolismo

Auguste Rodin
Contiene 180 figuras (1917)
cuyas dimensiones Bronce
fluctúan entre los 15 cm 6 x 4m x 1 de profundidad
y más de un 1 m. Museo Rodin. París

• En 1880, su desnudo San Juan Bautista, que
resaltaba las cualidades humanas del sujeto,
acrecentó su reputación.
• En 1880 comenzó a trabajar en las Puertas
del infierno, una puerta de bronce esculpido
para el Museo de las Artes Decorativas de
París.
• No completó las Puertas del infierno, pero
creó modelos y estudios de muchos de sus
componentes escultóricos, siendo todos
ellos aclamados como obras independientes.
• Entre estos trabajos se encuentran El beso,
Ugolino, El pensador, Adán y Eva.

El beso
En principio fue llamada Francesca da Rimini,
nombre de uno de los personajes del Infierno
de Dante, que se enamoró del hermano de su
marido, Paolo, a su vez casado. Enamorados
mientras leían juntos la historia de Lanzarote y
Ginebra, fueron descubiertos y asesinados por
el marido de Francesca.

Auguste Rodin
1886
Mármol. 1,90 x 1,20 x 1,15 m.
Museo Rodin. París

El pensador
El pensador, en su origen, buscaba
representar a Dante frente a Las Puertas del
Infierno, ponderando su gran poema.

La escultura es un desnudo, ya que Rodin
deseaba una figura heroica al estilo de
Miguel Ángel para representar tanto el
pensar como la poesía.

Auguste Rodin
1900Bronce
1,98 x 1,29 x 1,34 m
Museo Rodin. París

• En 1886 terminó Los burgueses de Calais.
• Produjo numerosos retratos en los que se
revelan los estados emocionales de los
sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo
entero de los escritores franceses Honoré
de Balzac y Victor Hugo, así como del
pintor Jules Bastien-Lepage.
• Hizo bustos de los artistas franceses Jules
Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de
Chavannes.
• Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de
noviembre de 1917.
• Una parte de su obra puede verse en el
Musée Rodin, de París.

Los burgueses de Calais

Esta escultura es un
monumental grupo en
bronce en el que se
representa a los seis
burgueses que en 1347,
al inicio de la Guerra de
los Cien Años (1337-
1453), se ofrecieron a
dar sus vidas para
Auguste Rodin
salvar a los habitantes
(1895)
de la sitiada ciudad
Bronce. 0,82 x 0,94 x 0,75 m.
Museo Rodin. París francesa de Calais.

Los burgueses de Calais, la escultura
• Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos en ropajes similares.
• No se presenta jerarquía alguna en el grupo.
• Los hombres dirigen sus miradas a puntos diversos.
• Cuatro de ellos hacen ademanes y toman un paso al frente, los otros dos
permanecen tranquilos.
• Las figuras forman un grupo compacto sin embargo permanecen libres entre
ellos.
• Las figuras están a tamaño natural y parecen agobiadas por sus prendas y sus
desproporcionadamente grandes manos y pies.
• Los hombres no se comunican entre ellos ni con el espectador.
• Cada rostro refleja rasgos individuales y da la impresión de sentimientos
variados —resolución, angustia, apatía—
• Rodin expresa con realismo a seis hombres que han sobrevivido un sitio de un
año y que ahora dan su primer paso hacia la muerte. Algunos se inclinan, otros
se toman la cabeza, todos dudan.
• Con su realismo épico la escultura se opone al rígido academicismo del siglo
XIX pero también se mantiene libre tanto de los rápidos momentos de los
impresionistas como de la verdad cruda de los realistas.

Honoré de Balzac

Auguste Rodin
(1897)
Bronce. 3,0 x 1,2 x 1,2 m.
Museo Rodin. París

Bertel Thorvaldsen
(1770-1844)

• Escultor danés que nació en Copenhague.
• Hijo de un tallador de madera islandés.
• Estudió en la Academia de Copenhague y en 1797 se trasladó a
Italia para estudiar la escultura clásica.
• Vivió en Roma hasta 1838, y allí se convirtió en uno de los líderes
del neoclasicismo.
• En Roma disfrutó de un considerable patronazgo, y su obra llegó a
alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40
personas para ayudarle a finalizar los encargos.
• En 1820 volvió temporalmente a Copenhague con el fin de
comenzar la planificación del conjunto decorativo a base de
estatuas de mármol y relieves para la nueva iglesia de Nuestra
Señora.
• Sólo las figuras de Cristo y San Pablo fueron esculpidas por
Thorvaldsen, el resto fueron realizadas por los miembros de su
taller sobre los modelos del maestro.

• Entre su producción sobresalen relieves
alegóricos y esculturas de temática
clásica, como Cupido y Psique.
• A él se debe la Tumba de Pío VII y la
célebre escultura al aire libre El león de
Lucerna.
• El Museo Thorvaldsen en Copenhague,
construido (1839-1848) en estilo
neoclásico, contiene su colección de
escultura antigua y numerosas obras de
su propia producción.

Cupido y Psique

Bertel Thorvaldsen
(1807)
Mármol. 247 cm.
Thorvaldsen Museum.
Copenhague

El león de Lucerna

Este monumento conmemora el
sacrificio de más de seiscientos
guardias suizos que murieron
defendiendo las Tullerías durante
la Revolución Francesa.

El monumento representa a un
león moribundo que yace sobre
símbolos rotos de la monarquía
francesa.

Bertel Thorvaldsen
(1821)
Roca tallada. 6,80 m.
Urbana. Lucerna

Zeus y Ganimedes

Bertel Thorvaldsen
(1817)
Mármol. 93,3 x 118,3 cm.
Thorvaldsen Museum.
Copenhague

Zeus y Ganimedes

• Tema: El tema clásico elegido es Ganimedes dando de beber a Zeus,
convertido en águila.
• Ganimedes: La mitología atribuye a Ganimedes el papel de dar de
beber a los dioses en el Olimpo. Resulta que fue el objeto de deseo
del dios Zeus y, como era habitual, éste se transformó en águila para
satisfacerlo y lo raptó.
• Joven: El joven es representado como casi un niño, por eso la
musculatura parece aún no formada y la cara es tan infantil. La
mitología habla de que Ganimedes era un niño cuando fue raptado y
así se quedó en el Olimpo.
• Frialdad: La forma de representar los protagonistas de la escena es
muy fría y sin emociones, aunque el tema sea dramático ya que es un
rapto.
• Clasicismo: La mirada hacia la Antigüedad se ve bien en Thorvaldsen,
que es uno de los protagonistas del neoclasicismo junto a Antonio
Canova. A diferencia de él, Thorvaldsen defendió un arte más frío, no
tan en contacto con el Barroco como el primero.

Jasón con el vellocino de oro

Bertel Thorvaldsen
1828
Mármol. 242 cm.
Thorvaldsen Museum. Copenhague

Vincent Van Gogh
(1853-1890)

• Pintor postimpresionista holandés.
• Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra
influyó de forma decisiva en el movimiento
expresionista.
• Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-
Zunder, hijo de un pastor protestante holandés.
• Desde su juventud demostró tener un
temperamento fuerte y un carácter difícil que habría
de frustrar todo empeño que emprendía.
• A los 27 años ya había trabajado en una galería de
arte, había dado clases de francés, había sido
estudiante de teología y evangelizador entre los
mineros de Wasmes, en Bélgica.

• Si hay un personaje en la historia del arte que
responda al prototipo de genio loco, solitario, con
devoción absoluta hacia el arte, ese es Vincent van
Gogh.
• Fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin.
• No se decidió a dedicarse profesionalmente a la
pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años de edad.
• Solamente tuvo 10 años de vida artística.
• Realizó más de 800 cuadros, y numerosos dibujos.
• Desde el punto de vista del estilo, recibió influencias
de los impresionistas, del divisionismo y de los
simbolistas. No adoptó plenamente ninguna de
estas influencias, sino que las adaptó para conseguir
una personal forma de expresión.
• Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre
todo, para el movimiento expresionista.

Con mi trabajo he procurado dar a
conocer a estas pobres gentes, que, a la
luz de su lámpara, comiendo sus patatas,
tomando el plato con las manos, las
mismas que han cavado la tierra en la
que han crecido las patatas...
Vincent a Theo

Los comedores de patatas

Van Gogh (1885)

Los comedores de patatas
• En esta obra hay una clara intención de denuncia social, de
atribución al arte de una función moral.
• Su experiencia entre la población minera y su sensibilidad ante el
sufrimiento ajeno le llevan a pintar este tema en varias ocasiones.
• Para mejor reflejar el sufrimiento y las penurias por las que pasan
los personajes elige una paleta oscura, con tonos marrones y
pardos.
• El dibujo es enérgico, de gruesos trazos, resaltando los duros rasgos
de los rostros y las formas recias de las manos.
• La iluminación contribuye a remarcar el dramatismo de la escena, y
sirve para enfatizar los duros rasgos de los personajes.
• Al principio de su carrera van Gogh tiene una mayor preocupación
por lograr efectos de luz, que por conseguir efectos expresivos a
través del color.

Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero
reproducir exactamente lo que tengo delante
de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente
del color para expresarme con más fuerza.
Vincent a Theo

De París a Arles
• En marzo de 1886 Vincent llegará a París,
donde continuará su formación artística.
• En el taller del pintor Cormon conocerá a
Toulouse-Lautrec, Bernard, Seurat, Signac,
Pissarro, Gauguin.
• El conocimiento que adquiere de las nuevas
tendencias impresionistas, divisionistas y
simbolistas le sirven para aclarar su paleta, y
experimentar con el uso arbitrario del color
con fines expresionistas.

Retrato de Père Tanguy
•Père Tanguy, -comerciante de material para
pintores- muy conocido entre los impresionistas.

•El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo
vigoroso. En el fondo, repleto de estampas
japonesas, hay un fuerte colorido.
•Van Gogh emplea una pincelada suelta,
alargada y empastada, que será su marca
identificativa en adelante.

•La línea roja del contorno de Tanguy contrasta
con los verdes que predominan en el contorno.
•También en las manos y barba hay toques de
verde.

•Este uso arbitrario del color (la piel no es verde)
en beneficio de la expresión del artista también Vincent Van Gogh
será constante a lo largo de su obra. (1887-88)

Quería ver una luz diferente; creí que observar
la naturaleza bajo un sol más claro podría dar
una idea más cabal de la manera en que
sienten y dibujan los japoneses.
Vincent a Theo

El puente de Langlois
•La influencia de las estampas
japonesas es decisiva.
•Plasmación de la limpia atmósfera
provenzal.
•Las pinceladas alargadas y
empastadas se alternan
magistralmente en tonos fríos y
cálidos para configurar el reflejo del
puente sobre el agua.
•La sensación de profundidad se
consigue aclarando el azul cerca de
la línea del horizonte.
•La diagonal de la ribera en la
esquina inferior derecha aporta
dinamismo a la composición y Van Gogh
acerca al espectador a la (1888)
contemplación del paisaje.

El puente de Langlois
• El puente, símbolo de paso, de transición entre la
juventud y la madurez, es un tema enormemente
sugestivo, que había apasionado a los
impresionistas de la vieja escuela.
• Van Gogh ha añadido dos cipreses, símbolo de la
muerte, hacia los que se dirige la carreta y la
mujer que está sobre el puente.
• ¿Significa algo la gran nube blanca que hay a la
izquierda (detrás) de los cipreses?
• Van Gogh, que era un maestro de la sugestión
simbólica, transforma una estampa
aparentemente anodina en una alegoría de la vida
como camino hacia la muerte.

En mi cuadro Café de noche he intentado
expresar que el café es un lugar en el que uno
puede arruinarse, volverse loco, cometer un
crimen.
Vincent a Theo

Café de noche interior
El objetivo de Vincent
era transmitir, mediante
el color, una atmósfera
de soledad y
degradación.

El cuadro es una
auténtica sinfonía de
uso arbitrario del color a
base de pares de
complementarios.
Van Gogh
(1888)

Café de noche interior
• Es llamativa la contraposición del verde (techo, mesa
de billar, mostrador con botellas) contrapuesto con el
rojo de las paredes.
• Van Gogh se muestra más comedido en la
contraposición del azul de los veladores con el
naranja de las sillas.
• Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito
a su hermano Theo que buscaba «crear una
atmósfera de horno infernal, de azufre desvaído, para
expresar el poder de las tinieblas de un tabernucho.»
• En esta escena de interior, la luz proviene únicamente
de las lámparas del techo, y de la habitación que se
abre en la pared del fondo.
• En esta atmósfera asfixiante aparecen varios
parroquianos juntos en el mismo local, pero en una
pesada soledad.

Café de noche exterior

Vincent se olvida de la sordidez y la
sordidez para centrarse en la
alegría de disfrutar de un rato
agradable en buena compañía.

Hay una especie de lucha entre la
iluminación natural de un
maravilloso cielo estrellado y la luz
artificial de la lámpara de gas que
ilumina la terraza.

Van Gogh
(1888)

Café de noche exterior
• En este caso, la contraposición de
complementarios es entre el azul-violeta (del
cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de
la tarima, la pared y la parte inferior del toldo)
• La composición es más clásica, con una
perspectiva con el punto de fuga en el centro.
• El verde de un árbol recortado en la parte
superior derecha, así como el portal también
cortado en la parte izquierda facilitan la sensación
de inmersión del espectador en la agradable
plaza.

Esta vez se trata simplemente de mi
dormitorio; por lo tanto, solamente el color
debe hacerlo todo.
Vincent a Theo

La habitación de Vincent en Arles

Vincent Van Gogh
1888
Óleo sobre lienzo.
72 x 90 cm.
Rijksmuseum Vincent
Van Gogh. Amsterdam

• Transmite un uso expresivo del color: la silla era más
oscura, pero la pinta amarilla.
• El suelo era de baldosas rojizas, que se transforman
en un color rosa terroso.
• Las paredes eran blancas, pero Vincent, para reforzar
la viveza del color elige para ellas un azul claro,
complementario de los naranjas y amarillos
predominantes en los objetos.
• Los toques de rojo en la manta de la cama y de
amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza
al conjunto.
• Al marcar el dibujo en negro, se consigue enfatizar
aún mas el uso de los colores llenado los objetos.

• La pincelada es tremendamente pastosa.
• Con frecuencia pintaba con los colores extraídos
directamente del tubo, sin mezclas.
• Al aplicar el color sigue la veta de la madera, reforzando su
presencia.
• En cuanto a la composición, la perspectiva y el tamaño
relativo de los objetos están deliberadamente
distorsionados.
• Las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de
120 grados, por lo que la mesa está paralela a la pared del
fondo.
• Esto explica que la cama parezca más cercana al fondo en
nuestra parte izquierda que en la derecha, dejando sitio
para la percha con las ropas.
• Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas
de objetos (dos almohadas, dos pares de cuadros, dos
sillas...) una plasmación simbólica de los deseos de afecto
del artista.

Noche estrellada sobre el Ródano
La convivencia de las estrellas en el cielo,
con los reflejos de las luces de lámparas de
gas de la ciudad de Arles sobre el agua del
río Ródano es sencillamente maravillosa.

En la parte inferior un detalle conmovedor;
en palabras del propio Vincent en una carta
a su hermano: «Dos figuritas coloreadas de
enamorados en primer plano».

Pero no son dos enamorados cualquiera:
mirados con atención resultan ser una
pareja de ancianos que pasean a la luz de
las estrellas. Próximas a ellos, hay unas
barcas en el recodo del río. Esta obra emana
una poesía que cala hasta en los espíritus
menos sensibles. Van Gogh
(1888)

En el psiquiátrico
• Entre finales de octubre y finales de diciembre de
1888 Paul Gauguin estuvo visitando Arles alojándose
en la casa alquilada por Vincent.
• Tuvieron una turbulenta relación de colaboración
artística.
• Charlaban, con frecuencia acaloradamente,
intercambiando opiniones.
• A finales de diciembre Vincent, presa de un ataque
psicótico intentó agredir a Gauguin, que, asustado se
fue a pasar la noche a un hotel.
• Arrepentido, Vincent se cortó el lóbulo de su oreja
izquierda, y salió hacia un burdel en busca de su
amigo, para ofrecérselo como muestra de
arrepentimiento.

En el psiquiátrico
• Este escandaloso incidente tuvo mucho eco en Arles.
• Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital
psiquiátrico en la localidad cercana de Saint-Rémy.
• Siempre que se lo permitían los ataque psicóticos
(con alucinaciones auditivas y visuales) pintaba.
• Está probado que estos ataques en nada influyeron
sobre Vincent para la creación directa de cuadros.
• El artista con frecuencia establecía un plan previo que
ejecutaba sobre el lienzo cuando no padecía crisis.

Los cipreses me preocupan siempre (...) me
sorprende que nadie los haya pintado todavía
como yo los veo. En cuanto a líneas y
proporciones un ciprés es bello como un
obelisco egipcio.
Vincent a Theo

La noche estrellada
La composición de este
cuadro está marcada por la
presencia de los cipreses, que
se alzan como dos llamas
negras sobre un cielo
estrellado con la luna en
cuarto menguante al fondo.

La línea del horizonte está
baja, dando el protagonismo
al cielo. La presencia
imponente de los cipreses a la
izquierda queda equilibrada
por la de la luna, a la derecha.
Van Gogh
(1889)

La noche estrellada

• La pincelada de Vincent en esta etapa
seguía siendo pastosa y alargada, pero ya
había evolucionado hacia grandes espirales
y remolinos, que intensificaban la sensación
de dramatismo en sus obras.
• Hay un contraste entre la verticalidad de los
cipreses y la horizontalidad predominante
en el cielo estrellado.
• Los cipreses cumplen la función de dotar al
cielo estrellado de su verdadera
profundidad y dimensión.

La ronda de los presos

Detalle

Van Gogh
(1890)

• Este cuadro es un maravilloso ejemplo de la
extraordinaria capacidad de van Gogh para
transmitir a las imágenes una carga simbólica
estrechamente unida a sus estados de ánimo.
• En la obra aparecen un grupo de presos
caminando en círculo, bajo la vigilancia de unos
guardias, dentro de los altos muros de una prisión.
• Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo con el
tema de la obra.
• Los únicos elementos de color son el rojizo de los
ladrillos y la casaca azul de uno de los vigilantes.

• Según Crepaldi algunos críticos han creído
identificar al propio Vincent en el preso rubio
que mira al espectador.
• El mensaje de Van Gogh parece más nítido si a
ello unimos las dos mariposas blancas, símbolo
de la libertad, que parecen elevarse entre los
muros de la prisión.
• La capacidad expresiva de Van Gogh para
retratar su propio mundo interior alcanza una
cima en esta obra, que puede ayudar a entender
cómo se sentía en esa etapa de su vida.

Bueno, mi trabajo; arriesgo en él mi vida, y mi
razón se ha hundido en él hasta la mitad.
Vincent a Theo
en una carta que portaba el día que murió

El final de su vida
• Quizá impresionado por cuadros como La ronda de
los presos, Theo se decidió a seguir el consejo de
Pissarro y trasladar a Vincent al norte.
• Después de pasar un año en Saint-Rémy, Van Gogh
estuvo los últimos tres meses de su vida en Auviers-
sur-Oise, un pueblecito cerca de París.
• Allí estuvo bajo los cuidados del doctor Gachet,
médico homeópata aficionado a la pintura y
conocido de los impresionistas.
• Los cuidados del doctor parece que iban dando sus
frutos, pero Vincent seguía teniendo alucinaciones,
y un día decidió salir al campo y se disparó en el
pecho.
• Murió dos días después, que los pasó fumando en
pipa junto a Theo.

Campo de trigo con cuervos

Vincent Van Gogh
Museo Nacional Van Gogh, Amsterdam
Óleo sobre lienzo, 50.5 cm. x 103 cm.

Campo de trigo con cuervos
• Sobre esta pintura hay algunos malos
entendidos.
• No es la última obra de Vincent .
• El carácter del cuadro y el hecho conocido
del suicido de Vincent días más tarde incitan
a pensar en ello.
• El cuadro está vigorosamente pintado con
espátula.
• Destaca la inquietante presencia del vuelo
de los cuervos sobre el agitado trigal, con un
turbulento y sombrío cielo como telón de
fondo.

• En la interpretación del cuadro, otro malentendido: la
función de los cuervos en el cuadro como heraldos de la
muerte parece desacreditada por las cartas de Vincent.
• Van Gogh apreciaba a estos animales como motivo
pictórico.
• Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar
una estampa de la naturaleza donde se unía el vuelo de los
cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo.
• En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales,
resulta atractivo especular sobre su significado. Hay quienes
han sugerido que el cuadro es un reflejo de la
incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su
vida. Según este punto de vista los tres caminos
representarían el pasado, presente y futuro de la vida del
artista.
• Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh, y en las
grandes obras de arte, la interpretación es una tarea que el
artista deja al juicio del espectador.

La obra de Vincent
• Empaste: La obra pictórica de Vincent Van Gogh se
caracteriza siempre por un uso de la pincelada muy cargado
de pintura. Sus pinceladas son cortas pero cargadas de
material, por lo que da un aspecto tosco a sus cuadros pero
extremadamente cuidado en cuanto a iluminación y colores.
Aunque usa mucha pintura, sabe unir cada tramo para
generar luz nocturna, que tanto le apasionaba.
• Expresión: Van Gogh, precursor de los expresionistas
posteriores, es el artista que mejor ha expresado los
sentimientos en los lienzos. Su carga pictórica reside
fundamentalmente en los colores usados, en la composición
abrupta pero cuidado y, sobre todo, en la melancolía que
impregna su obra.
• Suicidio: Cuando murió, llevaba la carta de suicidio que
ponía: ...en mi trabajo arriesgo mi vida y mi razón, al borde
del naufragio...

Los girasoles

Vincent Van Gogh
1889
Óleo sobre lienzo. 93 x 73 cm.
National Gallery. Londres

Dr. Paul Gachet

Vincent Van Gogh
(1890)
Museo de Orsay. París

Autorretrato con
oreja vendada

Vincent Van Gogh
(1889)
Courtauld Instituto de Arte.
Londres

Puente de Gleize

Vincent Van Gogh
(1888)
Colección privada. Tokio

Autorretrato

Vincent Van Gogh
1887
Óleo sobre lienzo
42 x 37 cm.
The Art Institute. Chicago

Puente de la Grand Jatte

Vincent Van Gogh
(1887)
Óleo sobre lienzo
32 x 40.5 cm.
Rijksmuseum Vincent van Gogh.
Amsterdam

Vista de París frente a Meudon

Vincent Van Gogh,
(1886)
Óleo sobre lienzo.
54 x 72.5 cm.
Rijksmuseum
Vincent van Gogh
Amsterdam

Naturaleza muerta con Biblia

Vincent Van Gogh
(1885)
Óleo sobre lienzo
65 x 78 cm.
Rijksmuseum Vincent
van Gogh. Amsterdam

La lotería

Vincent Van Gogh. (1882)
Acuarela. 38 x 57 cm.
Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam

Claude Oscar Monet (1840-1926)

• A los 17 años entró en contacto con
Boudin, quien reconoció su talento y le
estimuló para pintar paisajes al aire libre.
• A los 18 años conoce a , Constant Troyon
de la Escuela de Barbizon.
• En la Academia Suisse, conoció a Camille
Pissarro.
• En 1862, Monet ingresa en el taller de
Gleyre. Aquí conoció a Renoir, Sisley, y
Bazille.

• Temas: escenas cotidianas,
la naturaleza cobraba
protagonismo por sí misma,
plasmándose tal y como se
percibía.

En el acantilado
Claude Monet (1873)

Color
• Colores luminosos,
vibrantes, que con
frecuencia yuxtaponían
o mezclaban
directamente sobre el
lienzo.

• Hay color incluso en las
zonas de sombra.

Composición
• Experimentaban con la
composición, haciendo
encuadres audaces de
las escenas que
pintaban.

• En este cuadro de
Monet el encuadre es
muy audaz, desde un
punto de vista
inusualmente bajo.

Pincelada
• Captar la fugacidad del
momento.
• Pincelada rápida y
espontánea.
• Sin preocuparse por un
acabado excesivamente
elaborado.

La merienda campestre
Claude Monet (1865-66) 4,20 m. de alto

La Grenouillère
Claude Monet (1869)

Composición y pinceladas

Pinceladas
redondeadas

«pincelada descriptiva», con breves
Pinceladas gruesas alternas
trazos verticales

• 1870 (Guerra Franco-Prusiana), Monet
se marcha a Londres con su mujer e
hijo.
• Conoce a Paul Durand-Ruel, el
marchante de arte.
• En 1871, Monet se traslada, con su
familia, a vivir a Argenteuil.
• Allí construyó, con ayuda de
Caillebotte, un bote que le servía de
estudio.

Regata en Argentuil
Monet (1872)

Pincelada y color

Los reflejos del agua se El uso de los colores
convierten en el lienzo en aporta brillantez por el
gruesas pinceladas uso del contraste de
alargadas colores
complementarios

La estación de Saint-Lazare
Claude Monet (1876-77)

Impresión. Sol naciente
Monet (1872)
«Me piden el título para el catálogo; la verdad es que aquello no podía pasar
por una vista de El Havre. Contesté: “¡Pon Impresión!” De ahí se pasó a
Impresionismo y se extendieron las bromas» -- Monet

Serie de Ruán
• Vistas de la catedral de
Ruán, entre 1892 y 1894,
de la que llegó a hacer
más de 40 versiones.

• Son una de las obras
cumbres del
expresionismo, pinceladas
gruesas, imágenes
borrosas, texturas
rugosas; una genialidad
sin duda.

• 1890 Monet compró la residencia de
Giverny.
• En el jardín de Monet en Giverny el
estanque tiene un puente de estilo
japonés y en el agua proliferan los
nenúfares, que serán el tema
predominante de su pintura
prácticamente hasta su muerte en
1926.

Nenúfares y reflejo de nubes
Claude Monet

El puente japonés
Claude Monet

La Japonesa
Madame Monet en kimono

Claude Monet

Camille Pissarro
(1830-1903)

• Pintor impresionista francés.
• Fue el único que participó en las ocho
exposiciones organizadas por los impresionistas al
margen del arte oficial.
• Cuando surgieron las discrepancias dentro del
grupo, Pissarro jugaba el papel de conciliador.
• Definido por Duret como el «pintor de la
naturaleza rústica», Pisarro mostró preferencia
por los temas relacionados con la vida natural y
rural, casi siempre con campesinos dando un
toque de humanidad a sus obras.

Autorretrato

Camille Pissarro
(1873)
Óleo sobre lienzo.
56 x 46,5 cm.

• Asociado en un principio con la Escuela de
Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los
impresionistas y tuvo representación en
todas sus exposiciones.
• Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-
1871), vivió en Inglaterra y estudió el arte
inglés, interesándose sobre todo por los
paisajes de Joseph Turner.
• En la década de 1880, desanimado con su
trabajo, experimentó con el Puntillismo, el
nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los
coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver
a un estilo impresionista más libre.

El camino de
Louveciennes

Camille Pissarro
(1872)
Óleo sobre lienzo.
60 x 73,5 cm.

• Pintor del sol y de destellantes juegos de
luz, Pissarro produjo buen número de
tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes,
también pintó escenas callejeras en París
como La calle Saint-Honoré después del
mediodía, efecto de lluvia, Le Havre y
Londres.
• Era un excelente profesor, entre sus
alumnos y colegas se encontraban Paul
Gauguin y Paul Cézanne, su hijo Lucien
Pissarro y la pintora impresionista
estadounidense Mary Cassatt. Pissarro fue
un artista prolífico, muchas de sus pinturas,
acuarelas y gráficos cuelgan de la Galería de
Luxemburgo en París.

Lluvia en la calle
Saint-Honoré

Camille Pissarro
(1897)
Museo Thyssen-Bornemisza

Naturaleza rústica
• Su afán de independencia y de libertad
consigo mismo le llevó a rechazar los
dogmas académicos al uso. Esto explica que
en la etapa inicial de su carrera esté muy
influido por los paisajes de Corot y de los
maestros de la Escuela de Barbizon.
• Lo mismo que Monet, Pissarro estudió en la
Academia Suisse, donde también conoció a
Cézanne, y a finales de los 60 participaba
regularmente en las tertulias del café
Guerbois, con Manet, Degas, Renoir, etc.

Castaños en Osny

Camille Pissarro, c.1873

Castaños en Osny
• Pissarro compone una cálida escenografía en el que
unas diminutas figuras humanas realizan tareas
agrícolas.
• Los dos pares castaños de ambos lados enmarcan el
paisaje.
• Se crea la sensación de profundidad mediante la
iluminación.
• Mientras en el primer plano dominan las sombras,
en la lejanía el campo está soleado, y los colores son
más claros.
• En la paleta predominan los tonos cálidos,
equilibrados por toque de verde.
• La ausencia de modulación tonal, es suplida por la
habilidad de Pissarro para aplicar los colores puros
en rápidas pinceladas.

Helada

Camille Pissarro
1873

Helada
• Pissarro logra transmitir una sensación de gélida
placidez con el uso que hace del color para la
iluminar el paisaje.
• Se deduce que la escena se desarrolla a primeras
horas de la mañana, porque las sombras todavía son
largas, y cruzan el camino que ha de atravesar el
campesino.
• En el cuadro no aparecen los árboles cuya larga
sombra vemos, ya que la luz proviene de la esquina
inferior derecha del encuadre de sesgo y espaldas al
campesino.
• Es interesante observar el tratamiento de Pissarro de
la luz y la sombra sobre una misma superficie. El
artista, en cualquier caso, casi no usa el negro para
las sombras, que en la parte más alejada son de un
violeta pálido.

Técnica divisionista
• Aproximadamente entre 1885 y 1890 Pissarro,
siempre abierto nuevas experiencias estéticas
para dar cauce a su creatividad, conoció a Signac
y Seurat, que ensayaban una nueva técnica que
llamaron puntillismo o divisionismo.
• Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en
pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores
puros (como un mosaico).
• Esta técnica requería de un detallado estudio
previo de las combinaciones de colores más
adecuadas para conseguir el efecto buscado.

Perales en flor en Eragny. Mañana

Camille Pissarro
1886

Perales en flor en Eragny. Mañana
• En esta obra de estilo divisionista de 1886, es notable la
habilidad de Pissarro para combinar elementos naturales,
como los perales, la pradera y el cielo con elementos
creados por la mano del hombre, como la valla y las casas
del fondo.
• Es evidente que el dibujo no existe, al ser sustituido por el
color aplicado en pequeños toques de pincel de forma
redonda. Es fácil apreciar la pincelada de estilo
divisionista, y el efecto de extrema luminosidad así
conseguido.
• La elección de colores yuxtapuestos, sin duda contribuye
enormemente a dar luminosidad al conjunto. Así, el rojo y
el verde aparecen juntos en la zona del suelo, y el
amarillo y el violeta en el cielo.
• Incluso en la pequeña sombra del árbol de la izquierda
hay pinceladas de un rojo intenso; la sombra es pequeña
porque el paisaje se ha captado por la mañana.

Paisajes urbanos

• Desde 1896 hasta su muerte siete años
después, Pissarro abandonó el
divisionismo y retornó a sus orígenes
Impresionistas, pero esta vez dedicado
principalmente a escenas de tipo urbano.
Así, pintó vistas de la ciudad de Ruán y su
puerto, y también de París y sus calles.

Bulevar de
Montmartre

Camille Pissarro
1897

• Pissarro alquiló una habitación del Grand
Hotel de Russie, desde donde dominaba una
magnífica vista sobre el bulevar de
Montmartre.
• Llegó a componer hasta 13 vistas del mismo
bulevar, representando distintas condiciones
atmosféricas, de luz y de estado de ánimo
del artista.
• Lo que tienen en común todas estas obras es
que no hay nada de solemne ni ceremonial
en las vistas: muestran una ciudad animada,
llena de vida, con movimiento y actividad.

• Con las rápidas pinceladas descriptivas
Pissarro ha captado instantáneamente
esta actividad.
• La composición tiene una estructura
geométrica determinada por la
pronunciada perspectiva de la gran
avenida.
• La dominancia de las diagonales que
confluyen en un punto de fuga que no
está en el centro del cuadro contribuyen a
dar dinamismo a la composición.

El Louvre, mañana
brumosa

Camille Pissarro
(1901)
Óleo sobre lienzo
73 x 92 cm.
Colección Banco de la
República. Bogotá

Francisco de Goya
(1746-1828)

• Pintor y grabador español.
• Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez,
en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura
contemporánea.
• Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un
estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de
mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña del Príncipe
Pío, siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el
momento en que fueron realizadas.
• Goya nació en la pequeña localidad aragonesa el 30 de
marzo de 1746.
• Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre
descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón.

Los fusilamientos del 3 de mayo

Francisco de Goya
(1814)
Óleo sobre lienzo
268 x 347 cm.
Museo del Prado
Madrid

Francisco de Goya
(1746-1828)

• En 1763 el joven artista viajó a Madrid, donde
esperaba ganar un premio en la Academia de San
Fernando (fundada en 1752).
• Aunque no consiguió el premio deseado, hizo amistad
con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de
la corte que trabajaba en el estilo académico
introducido en España por el pintor alemán Anton
Raphael Mengs.
• Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse
Goya más adelante) tuvo una enorme influencia en la
formación temprana de Goya y a él se debe que
participara en un encargo importante, los frescos de
la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771,
1780-1782), y que se instalara más tarde en la corte.

Francisco de Goya
(1746-1828)
• En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en
1799 ascendió a primer pintor de cámara, decisión que le convirtió
en el pintor oficial de Palacio.
• Goya disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que
determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte
muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos
oficiales y los cuadros de historia.
• Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la guerra y
trascienden la representación patriótica y heroica para crear una
salvaje denuncia de la crueldad humana.
• Los cartones para tapices que realizó a finales de la década de
1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la
visión fresca y amable que ofrecen de la vida cotidiana española.
• Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese
momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del
pintor flamenco del siglo XVII David Teniers.

La familia de Carlos IV

Francisco de Goya
(1801)
Óleo sobre lienzo.
280 x 336 cm.
Museo del Prado. Madrid

• Algunos de los retratos más hermosos
que realizó de sus amigos, de personajes
de la corte y de la nobleza datan de la
década de 1780.
• Obras como Carlos III de cazador, Los
duques de Osuna y sus hijos o el cuadro
la Marquesa de Pontejos , demuestran
que en esa época pintaba con un estilo
elegante, que en cierto modo recuerda
al de su contemporáneo inglés Thomas
Gainsborough.

Carlos III de cazador

Francisco de Goya
(1788)

Los duques de Osuna y sus hijos

Francisco de Goya
(1788)

• Dos de sus cuadros más famosos, obras
maestras del Prado, son, La maja desnuda y La
maja vestida.
• En el invierno de 1792, en una visita al sur de
España, Goya contrajo una grave enfermedad
que le dejó totalmente sordo y marcó un punto
de inflexión en su expresión artística.
• Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte
la primera de sus grandes series de grabados,
Los caprichos, en los que, con profunda ironía,
satiriza los defectos sociales y las supersticiones
de la época.
• Series posteriores, como los Desastres de la
guerra (1810) y los Disparates (1820-1823),
presentan comentarios aún más cáusticos sobre
los males y locuras de la humanidad.

La maja desnuda

Francisco de Goya. (1795)

La maja vestida

Francisco de Goya . (1805)

• Los horrores de la guerra dejaron una profunda
huella en Goya, que contempló personalmente
las batallas entre soldados franceses y
ciudadanos españoles durante los años de la
ocupación napoleónica.
• En 1814 realizó El dos de mayo de 1808, la lucha
contra los mamelucos y El tres de mayo de 1808,
los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío
• Pinturas que reflejan el horror y dramatismo de
las brutales masacres de grupos de españoles
desarmados que luchaban en las calles de
Madrid contra los soldados franceses.
• Ambas están pintadas, como muchas de las
últimas obras de Goya, con pinceladas de grueso
empaste de tonalidades oscuras y con puntos de
amarillo y rojo brillante.

La gallina ciega

Francisco de Goya, (1789)

Ferdinand Guillemardet

Francisco de Goya
1800
Óleos obre lienzo
186 x 124 cm.

• Sencillez y honestidad directas también se
aprecian en los retratos que pintó en la cúspide
de su carrera, como Carlos IV con su familia,
donde se muestra a la familia real sin la
idealización habitual.
• Las célebres Pinturas negras reciben su nombre
por su espantoso contenido y no tanto por su
colorido y son las obras más sobresalientes de
sus últimos años.
• Originalmente estaban pintadas al fresco en los
muros de la casa que Goya poseía en las afueras
de Madrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873.
• Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un
hijo (c. 1821-1823), Aquelarre (escena sabática)
(1821-1823).

Saturno devorando un hijo

Francisco de Goya
(1823)
Pintura mural pasada a lienzo
146 x 83 cm.

• Predominan los tonos negros, marrones y
grises y demuestran que su carácter era
cada vez más sombrío.
• Posiblemente se agravó por la opresiva
situación política de España por lo que
tras la primera etapa absolutista del rey
Fernando VII y el Trienio constitucional
(1821-1823), decidió exiliarse a Francia
en 1824.

• En Burdeos trabajó la técnica, entonces
nueva, de la litografía, con la que realizó
una serie de escenas taurinas, que se
consideran entre las mejores litografías que
se han hecho.
• Aunque hizo una breve visita a Madrid en
1826, murió dos años más tarde en el exilio,
en Burdeos, el 16 de abril de 1828.
• Goya no dejó herederos artísticos
inmediatos, pero su influencia fue muy
fuerte en los grabados y en la pintura de
mediados del siglo XIX y en el arte del siglo
XX.

Edgar Degas
(1834-1917)

• Edgar Degas es un pintor particularmente difícil de
etiquetar.
• Su estilo pictórico más que Impresionista, parece
Realista.
• Fue uno de los principales promotores de las
exposiciones del grupo impresionista: sólo dejó de
exhibir sus obras en una de ellas.
• Por otra parte, no pintaba al aire libre, bajo la luz
natural, como sus compañeros impresionistas, sino que
prefería la luz artificial del interior de cafés, locales de
ensayo, teatros, etc.
• Sin embargo, mostraba un claro interés por captar
momentos instantáneos de las escenas que le rodeaban.
Y esto era característico de los impresionistas por
influencia de la fotografía y de las estampas japonesas.

Los inicios
• Con 17 años entra en el taller de un discípulo de Ingres,
Louis Lamothe, aficionado a los temas históricos.
• Fue una etapa en la que, según la costumbre de la época,
visitó muchas veces el museo del Louvre para hacer
copias de obras de los grandes maestros.
• Dos años después, en 1855, ingresaba en la escuela de
Bellas Artes, pero la abandona poco después para irse a
Italia, donde tuvo ocasión de admirar las obras de Rafael
y Miguel Ángel.
• En esta época tuvo particular devoción por los maestros
venecianos Tiziano, Tintoretto y Veronés, lo que le llevará
a interesarse por la concepción del color de Delacroix.
• Por tanto, nos encontramos con que muy pronto une el
interés por el dibujo aprendido con Lamothe, con la
pasión por el color defendida por Delacroix.

Ejercicios de jóvenes espartanos

Degas

Retratos
• Durante los años 60, el género que
más cultivó Degas fue el del retrato.
Mostró una gran habilidad y
perspicacia para seguir una de las
reglas de oro de todo buen retratista:
captar la personalidad del retratado
para plasmarla en el lienzo.

Retrato de la familia Bellelli

Edgar Degas
1860
Óleo sobre lienzo.
200 x 250 cm.
Museo de Orsay.
París

Bailarinas
• Si hay un tema con el que se relacione a Degas,
son, sin duda, sus estudios de bailarinas.
• Degas estaba apasionado por el estudio del
cuerpo humano en movimiento. Las bailarinas
preparándose en el camerino para el trabajo,
ensayando o actuando en escena, ofrecían la
oportunidad perfecta para ello.
• Si pintores impresionistas «puros» como Monet
o Renoir conseguían el efecto de inmediatez a
través de la pincelada suelta y la mezcla óptica,
Degas lo alcanzaba mediante el tratamiento del
tema y una cuidadosa composición.

• Decía Degas, que «no hay arte menos
espontáneo que el mío. Lo que hago es
resultado de la reflexión y del estudio de los
grandes maestros; de inspiración,
espontaneidad, temperamento, no sé nada.
Hay que rehacer diez, cien veces, el mismo
tema. En el arte nada debe parecer un
accidente, ni siquiera el movimiento».

• Estudiaba la composición hasta el más
mínimo detalle, y con frecuencia realizaba
numerosos estudios preparatorios.

La clase de
danza

Degas
1874
Óleo sobre lienzo.
85 x 75 cm.

Interiores
• Hacia 1868 se incorpora a las tertulias del café
Guerbois, lideradas por Manet. Allí conoce a
Monet, Sisley, Cézanne y Renoir.
• A diferencia de estos impresionistas, Degas no
se siente atraido por la pintura al aire libre,
prefiriendo la pintura de escenas de interior
iluminadas con luz artificial.
• Llegó a decir a sus compañeros impresionistas
«Vosotros necesitáis la vida natural; yo la
artificial».
• Y Degas llegó a desarrollar una habilidad
excepcional para la representación de escenas
de interior.

• Ese entorno más recogido parece que se
prestaba mejor para lo que
verdaderamente apasionaba a Degas: el
estudio del movimiento del cuerpo
humano, captado en momentos
inesperados, y bajo encuadres
tremendamente audaces e inusuales
influidos por la gran afición de Degas por
la fotografía y las estampas japonesas.

El ajenjo

Edgar Degas
1876
Óleo sobre lienzo.
92 x 68 cm.

Caballos
• Durante el siglo XIX la burguesía parisina
adquirió la costumbre, de origen británico, de
acudir al hipódromo a las carreras de caballos.
Este es uno de los temas que más frecuentó
Degas. Estaba atraido, sobre todo, por la
oportunidad que ofrecía para estudiar el tema
del movimiento. El desafío consistía en extraer
de un amplio repertorio de gestos y
movimientos su esencia para congelarlos en
una instantánea.

En las carreras. Antes de la salida

Degas

Santiago Calatrava
1951-

• Arquitecto nacido en 1951 en Benimamet
(Valencia), profesionalmente ha llevado a cabo
toda su actividad en sus estudios de Arquitectura
e Ingeniería de París y Zurich.
• Considerado un especialista en el diseño de
puentes -aunque ha realizado trabajos de diverso
tipo- es autor de obras tan conocidas como el
puente del Alamillo y el Pabellón de Kuwait en la
Expo´92, ambas en Sevilla, o la torre de
comunicaciones de Montjuic, en Barcelona, y fue
uno de los nominados para realizar la reforma
del histórico edificio del parlamento alemán
(Reichstag).

L'Hemisferic

Santiago Calatrava
1999
Ciudad de las Artes y las Ciencias
Valencia (Com. Valenciana)
España, Europa

• En 1993, el prestigioso Museo de Arte Moderno de
Nueva York (MOMA) dedicó una gran exposición
monográfica a su obra, como también se ha hecho
en otras numerosas ciudades de varios países.
• Recientemente inauguró en Valencia un
espectacular cine y planetario, L Hemisferic, primer
edificio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y
trabaja también en la estación de Oriente, de Lisboa,
el nuevo aeropuerto de Bilbao o la estación de Lieja,
que será el enlace para las líneas de alta velocidad
del centro de Europa, entre otros.
• Miembro de la Europa Akademie y de la Fazlur
Rhaman Vihan International, ha recibido un gran
número de distinciones, como el premio Augusto
Perret, de la Unión Internacional de Arquitectos, el
premio internacional Vereinigungg fur Brückenhan
und Hochabn de Suiza, el Fritz Schumaher alemán o
el premio FAD de 1988.

Puente Oudry Mesly

(1988)
Santiago Calatrava
Creteil (Ile de France)
Francia, Europa

Estilo
• Hoy se considera a Calatrava como uno de los
arquitectos especializados en grandes estructuras
que se caracterizan por una extraordinaria estética
y armonía.
• Contrariamente a lo que es habitual en muchos
arquitectos, que ocultan las estructuras de sus
edificios, Calatrava, como ingeniero que es, las
convierte en elementos esenciales y en obras de
arte.
• Calatrava ha recibido numerosos premios y
reconocimientos por su trabajo entre los que
destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes
en 1999.
• Ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en doce
ocasiones.

Estación de Lyon

(1994)
Santiago Calatrava
Lyon (Ródano)
Francia, Europa

• La obra de Clatrava supone una auténtica
revolución en la arquitectura, caracterizada por
la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que
vienen circulando separadas desde el siglo XVIII.
• Calatrava supone un reencuentro con la tradición
constructiva de la arquitectura, con influencias
de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antonio
Gaudí, y las arquitecturas gótica y romana.
• En un momento en que muchas arquitecturas
hacen gala de una gran vanalidad, y muchas
obras de ingenieria hacen ostentación
involuntaria de una gran ordinariez, Calatrava ha
producido una gran influencia en la arquitectura
contemporánea.

Palau de les Arts

Santiago Calatrava
Ciudad de las Artes y las Ciencias
Valencia (Com. Valenciana)
España, Europa
2005

Antoni Gaudi
(1852-1926)

• Arquitecto catalán, máximo representante del modernismo
y uno de los principales pioneros de las vanguardias
artísticas del siglo XX.
• Su figura es una de las más sorprendentes de la historia de
la arquitectura, tanto por sus innovaciones, en apariencia
intuitivas, como por su práctica aislada de las corrientes
internacionales e imbuida a menudo en el mero trabajo
artesanal.
• Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en la ciudad
tarraconense de Riudoms, a 5 km de Reus, hijo de un
calderero.
• Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona,
donde se graduó en 1878. Aunque ya colaboró en algunos
proyectos siendo estudiante, su primer encargo como
arquitecto fue la casa Vicens (1883-1888), un edificio
neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad.

Sagrada Familia

Antoni Gaudí
1926
Mallorca, 401
Barcelona
(Barcelona - Catalunya)
España, Europa

• Poco después comenzó a trabajar para el
que sería su principal mecenas durante el
resto de su carrera, el empresario textil
Eusebio Güell: primero con las caballerizas
de su finca en Pedralbes, y más tarde con el
palacio Güell (1885-1889) en Barcelona, un
edificio pleno de espacios y formas
innovadoras.
• Durante esta primera etapa de carácter
historicista también construyó algunas
obras fuera de Catalunya, entre las que cabe
reseñar el palacio episcopal de Astorga
(comenzado en 1887) y la casa de los
Botines en León (1891-1892).

Xalet de Catllarás

(1902)
Antoni Gaudí
Pista forestal a la Serra del Catllaràs a
unos 12 Km. del pueblo
Catllarás (Barcelona Pr. - Catalunya)
España, Europa

• En 1883 se hizo cargo de la continuación en
Barcelona del templo expiatorio de la
Sagrada Familia, una catedral neogótica que
modificó totalmente el joven Gaudí.
• Así, en 1891 concluyó las trazas generales
de la iglesia, compuesta por cinco naves y
tres fachadas monumentales, en 1893
decidió concentrar sus esfuerzos en la
construcción de la fachada del Nacimiento,
que no pudo ver completamente concluida,
y en 1908 publicó la primera imagen
definitiva del templo, una especie de
bosque ascendente de elevadas torres.

Villa el Capricho

(1885)
Antoni Gaudí
Carretera de Comillas a San Vicente de
la Barquera, s/n
Comillas (Cantabria)
España, Europa

• A comienzos del siglo XX levantó otras tres obras no menos
sorprendentes en la capital catalana: el Parque Güell (1900-
1914), una obra paisajística jalonada de elementos
arquitectónicos, como la gran sala hipóstila sobre la que se
asienta la plaza principal —conocida como el teatro griego—
, el banco ondulado que delimita esta explanada y los
soportales inclinados sobre los que discurre el viaducto; la
casa Batlló (1904-1906), edificio del pleno modernismo
destacado por sus balconadas curvilíneas y por su expresiva
cubierta en forma de dragón, recubierta por piezas
cerámicas que simulan escamas; y la casa Milá (1906-1912),
conocida por los barceloneses como La Pedrera —cantera en
castellano— por su carácter monolítico, que supone un hito
de la historia de la arquitectura no sólo por su capacidad
expresiva, sino también por las numerosas innovaciones —
como la planta libre o las grandes proporciones de los
vanos— que más tarde caracterizaron a los maestros del
movimiento moderno.

Casa de los botines

Antoni Gaudí
1892
Ancha, s/n
León (Castilla-León)
España, Europa

• Gaudí también fue un destacado diseñador, tanto por
las imaginativas forjas que caracterizan sus balcones y
cancelas, como por el excepcional mobiliario que
fabricó para distintos encargos privados.
• Al igual que sus coetáneos Victor Horta o Henry van
de Velde, practicó la arquitectura desde una
concepción globalizadora, esmerándose en la
concreción de cada detalle y proponiendo el
mobiliario completo de cada vivienda que
proyectaba.
• Entre sus piezas más relevantes se encuentran el
sillón Calvet, la bancada del Parque Güell así como la
silla y el banco Batlló, donde su exuberante genio se
alió a las exigencias ergonómicas en una armonía
insólita, que anticipó en más de medio siglo las
innovaciones del diseño moderno.

• Su obra ejerció innumerables influencias sobre las
vanguardias históricas, entre las que destacan los
paralelismos con el expresionismo alemán y la
herencia recogida por Salvador Dalí y otros artistas
del surrealismo.
• Su desconcertante personalidad destaca en la historia
de la arquitectura como la de un visionario, que
inspiró el camino estructuralista de Pier Luigi Nervi o
Félix Candela tanto como el brutalismo expresionista
de las últimas obras de Le Corbusier.
• Su obra fue menospreciada por sus compatriotas
noucentistas, defensores de un catalanismo basado
en la cordura —el seny— antes que en la aparente
locura del genio mediterráneo.
• Gaudí, que en sus últimos años se recluyó en la
construcción de la Sagrada Familia, murió en
Barcelona el 10 de junio de 1926, atropellado por un
tranvía frente a su inacabada obra maestra.

Finca Miralles

Antoni Gaudí
1902
Manuel Girona, 55
Barcelona (Barcelona - Catalunya)
España, Europa

Mary Cassatt
(1844-1926)

• Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia,
donde se adscribió al grupo de los impresionistas. Nació en
Allegheny City, Pennsylvania.
• En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de
Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia, pero en 1866 se
trasladó a Francia para pintar.
• Hacia 1872, después de estudiar las obras de los museos
más importantes de Europa, se instaló en París y su estilo
comenzó a madurar.
• Su obra atrajo la atención del pintor francés Edgar Degas,
que la invitó a exponer con sus amigos impresionistas.
• Una de las obras que expuso fue El palco del teatro (1879,
National Gallery, Washington). A partir de 1882 el estilo de
Cassatt dio un giro.

Lydia Cassatt

Mary Cassatt
(1878)
Óleo sobre lienzo.
78.7 x 59 cm.
Joslyn Art Museum. Omaha

Mary Cassatt
• Al igual que en Degas, las xilografías japonesas ejercieron
una gran influencia en su obra, empezó a destacar los trazos
y a experimentar con composiciones asimétricas, como en
Paseo en barca (1893) y con gestos y posturas más
naturales e informales.
• La relación de las madres con sus hijos en escenarios
domésticos se convirtió en su tema característico.
• No hacía retratos por encargo sino que pintaba a miembros
de su propia familia.
• En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor y, aunque
fue una pieza decisiva para la difusión de la obra
impresionista entre los coleccionistas estadounidenses, el
reconocimiento en su país le llegó con más retraso que en
Francia.
• Después de 1914 abandonó la pintura a causa de
problemas de visión.

Madre e hijo

Mary Cassatt
(1898)
Óleo sobre lienzo. 81.6 x 65.7 cm.
Havemeyer Collection

Dama en la mesa
del té

Mary Cassatt
(1884)
Óleo sobre lienzo
73,4 x 61 cm.
MOMA. Nueva York

Margot en azul

Mary Cassatt
(1902)
Pastel. 61 x 49,8 cm.
The Walters Art Gallery.
Baltimore

Berthe Morisot
(1841-1896)

• Pintora impresionista francesa. Influida por
los artistas Camille Corot y Édouard Manet,
abandonó su primera formación clasicista
en busca de un estilo impresionista muy
personal, caracterizado sobre todo por la
delicadeza y sutileza que supo imprimir a
sus cuadros. Su técnica, basada en grandes
pinceladas aplicadas libremente en todas
direcciones, dio a sus obras unas calidades
transparentes, iridiscentes, tornasoladas.

El Muelle de Lorient

Berthe Morisot, (1869)
Óleo sobre lienzo. 43,5 x 73 cm.
National Gallery of Art. Washington

• Trabajó tanto la pintura al óleo como la
acuarela, realizando principalmente paisajes
y escenas de mujeres con niños, como es el
caso de Madame Pontillon sentada en la
hierba y escenas de interior en las que
predominan los blancos, como en El espejo
de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza
de Madrid).
• Murió el 2 de marzo de 1896, dejando cerca
de setecientas pinturas.

París desde Trocadero

Berthe Morisot, (1872)
Óleo sobre lienzo. 46,1 x 81,5 cm.
Santa Barbara Museum of Art

Madame Pontillon

Berthe Morisot
(1871)
Pastel sobre papel.
81 x 65 cm.

Tendiendo ropa a secar

(1875)
Óleo sobre lienzo.
33 x 40,6 cm.
National Gallery of Art.
Washington
Berthe Morisot

Un Día de Verano

Berthe Morisot. (1879)

Henri Toulouse-Lautrec
( 1864-1901)

• Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas
que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales
del siglo XIX.
• Toulouse-Lautrec nació en Albi el 24 de noviembre de 1864,
en el seno de una de las familias aristocráticas más
importantes de Francia.
• Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de
una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio,
durante el resto de su vida conservó un torso normal pero
las piernas no le crecieron.
• Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por
su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como
también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas
aficionados amigos de la familia.

Adele de Toulouse-Lautrec

• (1883)
Óleo sobre lienzo. 93.5 x 81 cm.
Museo de Toulouse-Lautrec. Albi

( 1864-1901)

• Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses
Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.
• Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados
cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el
Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un
nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se
encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor
holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette
Guilbert.
• Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los
burdeles.
• Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y
de sus personajes más destacados los plasmó con gran
maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y
originalidad.

Emile Bernard

(1886)
Óleo sobre lienzo.
54.5 x 44 cm.
Tate Gallery. Londres

• Ejemplos característicos son La Goulue entrando en el
Moulin Rouge (1892), Jane Avril entrando en el
Moulin Rouge (1892) y En el salón de la calle des
Moulins (1894).
• Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de
parálisis le llevaron a abandonar su estudio para
refugiarse con su madre en el castillo de Malromé,
propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de
1901 falleció.
• Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó
gran número de óleos, dibujos, aguafuertes,
litografías y pósters o carteles, así como también
ilustraciones para varios periódicos de entonces.
• Muchas de sus obras se conservan en el Museo
Toulouse-Lautrec en Albi.

Crouching Woman Red Hair

(1897)
Oil on cardboard.
47 x 60 cm.
San Diego Museum of Art

• A su peculiar y personal estilo incorporó
elementos de otros artistas de la época,
especialmente de los pintores franceses
Edgar Degas y Paul Gauguin.
• El arte japonés, de moda en París por
aquellos años, ejerció también su influencia
en Toulouse-Lautrec, con sus contornos
fuertemente marcados, su composición
asimétrica y la utilización de manchas de
colores planos.
• Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges
Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos
artistas interesados en el trabajo de
litografías y carteles.

Solo

(1896)
Oil on board. 31 x 40 cm.

Georges Seurat
(1859-1891)

• Pintor francés, uno de los máximos representantes del
neoimpresionismo.
• Seurat nació en París y recibió su formación en la Escuela de
Bellas Artes.
• Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas,
realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más
científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se
construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños
puntos de colores puros sobre un fondo blanco.
• Seurat tuvo una vida corta (murió a los 31 años), pero muy
fecunda.
• No hizo muchas obras de gran tamaño, pero las que hizo han
quedado como emblemas de la pintura del siglo XIX por su
tremenda originalidad.

• Seurat nació en París una familia de clase media
acomodada, aunque no rica. Nunca pasó los
apuros económicos que otros artistas
contemporáneos, como Gauguin, Van Gogh, o
tantos otros. A los 18 años ingresa en la Escuela
de Bellas Artes de París, bajo el magisterio de
Henri Lehmann, un discípulo de Ingres.
• Pronto se mostró como un chico muy curioso y
poco dispuesto a dejar marchitar su creatividad
bajo la rigidez academicista a que estaba
expuesto.

Las modelos

• Georges Seurat
• (1888)
• Óleo sobre lienzo.
• 200 x 249.9 cm.
The Barnes Foundation,
Pensilvania

• No sólo estudió la teoría del color;
también leyó una obra de Humbert de
Superville en la que este autor alemán
proponía, en 1827, que las líneas del
dibujo tienen un significado psicológico
según cómo sea el trazo.

• El revolucionario puntillismo de Seurat encontró
muchos seguidores e imitadores.
• Muchas de las teorías de Seurat referidas a la
pintura derivan del estudio de los tratados
contemporáneos de óptica.
• Su tendencia científica se refleja también en sus
hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y
una meticulosa sistematización de su técnica.
• En 1884 Seurat acabó Los bañistas, una escena
donde unos jóvenes se bañan en el río Sena,
éste fue el primero de seis grandes lienzos que
conformaron la mayor parte de su trabajo
artístico.

• En ése y otros trabajos posteriores, continuó la
tradición impresionista de mostrar las
excursiones y distracciones de los días festivos.
• Su obra maestra, Un domingo de verano en la
Grand Jatte, representa a los paseantes del
domingo de una isla del Sena.
• La pintura muestra una atmósfera de dignidad
monumental a través de un orden equilibrado de
sus elementos y los contornos de sus figuras.
• Las modelos , La parada, El chahut y El circo
son otras de las grandes obras de Seurat.

Los bañistas en Asnières

• Óleo sobre lienzo. 201 x 300 cm.
Georges Seurat, 1884

Los bañistas en Asnières
• En esta obra es claro que hay grandes diferencias
de enfoque con respecto a los pintores
academicistas.
• Aunque mantiene algunas concomitancias con los
impresionistas en lo que se refiere a la técnica que
aplica, también hay diferencias.
• Mientras Renoir, pintaría, poco después, mujeres
bañándose en un entorno idílico, Seurat nos
muestra en esta tela a un grupo de varones de
clase media en la ribera del Sena cerca de una
ciudad industrial, como denuncian las chimeneas
y la humareda del fondo.

Una tarde en la Gran Jatte

• Óleo sobre lienzo. 202 x 300 cm.
Instituto de Arte de Chicago
Georges Seurat, 1886

Una tarde en la Gran Jatte
• Con ella asistimos al manifiesto del divisionismo.
• En toda esta obra se aplica de manera escrupulosa el método
puntillista desarrollado por Seurat.
• Se ha querido ver en esta obra una crítica velada a la
hipocresía de la Francia de fines del s.XIX.
• Así, las mujeres que pescan con cañas en la orilla del río
serían en realidad prostitutas que así disimulan su verdadera
actividad.
• Los militares que se acercan un poco más lejos podrían ser
sus verdaderas pesas.
• Por otra parte, la mujer acompañada por un hombre en el
primer plano sería otra prostituta que consigue un aire de
respetabilidad del brazo de un elegante caballero.
• Va paseando un mono capuchino (de moda entre la
burguesía), que según algunos críticos representa el
libertinaje.

El circo

• 185,5 x 152,5 cm.
Georges Seurat
• 1891

El circo
• Fénéon sugiere que esto se puede apreciar
en que hay amplias zonas del lienzo en las
que los contornos apenas se han esbozado
con pequeñas pinceladas de azul.
• En esta obra es llamativo el uso que hace
Seurat de las líneas curvas, con un claro
predominio de las horizontales (a excepción
de la gran puerta que aparece arriba a la
derecha).

Paul Gauguin
(1848-1903)

• Pintor postimpresionista francés, cuyos
colores exuberantes, formas
bidimensionales planas y temática
contribuyeron a dar forma al arte
moderno.
• Nació en París el 7 de junio de 1848, en
una familia liberal de clase media, su
madre era hija de la célebre socialista y
feminista Flora Tristán.

• Paul Gauguin fue un pintor con
importantes influencias sobre la pintura
posterior. De vocación tardía sus
primeras obras eran de un impresionismo
«atenuado», que pronto sintió la
necesidad de superar.
• Las influencia sobre corrientes artísticas
posteriores es evidente en grupos como
los simbolistas, o Los Nabis.

El personal camino que siguió para dar cauce
a su necesidad de expresión le llevó a
elaborar lo que el llamaba «simbolismo
sintético», caracterizado, desde el punto de
vista formal, por:
• La simplificación de formas, combinada con
grandes superficies de color plano.
• Un uso no convencional y simbólico del
color, que utilizaba en sus tonos más
brillantes y puros
• Uso de la composición influido por un fuerte
sentido ornamental.

• En un principio su pintura estaba muy
cercana a los presupuestos
impresionistas. Incluso expuso con ellos
en todas sus muestras posteriores a 1880.
• Sin embargo no tarda en distanciarse del
impresionismo que había aprendido con
Pissarro, comenzando a experimentar
nuevos cauces de expresión.

Bodegón con retrato de Charles Laval

• Paul Gauguin (1886)

Bodegón con retrato de Charles Laval
• Se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne.
Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar
la escena mostrando en un primer plano el perfil de
su amigo Laval (desbordamiento del primer plano).
• La influencia de Cézanne se manifiesta en la
simplificación de formas enérgicamente modeladas.
• La pincelada está ejecutada a base de pequeñas
pinceladas de raíz impresionista, lo mismo que el uso
del color (contraste de complementarios).
• Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por
el efecto ornamental que Gauguin imprime a la
pintura.

El Cristo amarillo

• Paul Gauguin 1889
Óleo sobre lienzo.
92 x 73 cm.
General Purchase Funds

El Cristo amarillo
• Esta obra es otro ejemplo de «cloisonnisme»: grandes
zonas de color plano contorneadas en azul o negro.
• El dibujo y las formas están muy simplificadas.
• El color se aplica arbitrariamente, sin conexión con lo
observado en la naturaleza, sino más bien con las
necesidades expresivas del artista.
• El amarillo del Cristo indica el sufrimiento y la humanidad
de la figura, transmitiendo al espectador una
sobrecogedora sensación de dramatismo.
• La composición, de forma análoga a la Visión se basa en el
«corte fotográfico» de las mujeres arrodilladas formando
un arco abierto alrededor del Cristo.
• Al fondo los árboles rojos contrastan con las colinas y los
prados de un amarillo verdoso (un nuevo uso arbitrario del
color con fines expresivos).

Tahitianas en la playa

• (1891)
Óleo sobre lienzo.
• 69 x 91,5 cm.
Paul Gauguin

Susana cosiendo

• (1880)
Óleo sobre lienzo.
• 115 x 80 cm.
Ny Carlsberg Glypotek.
Copenhage
Paul Gauguin

Paul Signac
(1863-1935)
• Paul Signac nació, como Seurat, en una familia
acomodada y próspera (su padre tenía una
guarnicionería). Igual que en el caso de Seurat,
estuvo libre de preocupaciones y estrecheces
económicas, por lo que pudo desarrollar más
libremente su creatividad, sin la obligación de
tener que vender sus obras para sobrevivir.
• No tuvo una formación académica como la de
Seurat, sino que tuvo una vocación autodidacta
que le llevó a visitar la cuarta exposición
impresionista con sólo 15 años. Rewald cuenta
que, al verle tomar bocetos de una obra de Degas,
Gauguin le expulsó de la muestra gritándole
«¡Aquí no se copia!»

• Esta muestra le causó un gran impacto
que le espoleó para seguir estudiando la
obra de Monet y su grupo.
• Esta necesidad de mantener a toda costa
su libertad creativa, le llevó a ser uno de
los promotores de la Sociedad de Artistas
Independientes, en 1884, cuando conoció
a Seurat que sería a partir de entonces su
amigo.

El comedor

• Paul Signac (1886-87)

El comedor
• La pintura que aquí presentamos se titula El
comedor (Desayuno), y es una obra de juventud;
está fechada en 1886-87.
• Signac emplea breves pinceladas al estilo
divisionista.
• Fiel a la definición que los neoimpresionistas
daban de su estilo como «cromo-luminismo», es
llamativo el tratamiento de la luz y del color en
esta obra.
• Para empezar, la iluminación es a contraluz, es
decir, con el foco de luz detrás de las figuras, lo
que crea un interesante juego de sombras.

El comedor
• Signac elige tonos cálidos (amarillo y
naranja) para las zonas iluminadas por el sol
que entra, y tonos fríos (como el azul y el
violeta) para las sombras. Para delimitar las
zonas de luz y de sombra, Signac sigue la
«ley del contraste simultáneo»
yuxtaponiendo colores complementarios.
• Por ejemplo:
• 1. El macetero azul reposa sobre una
superficie en la que Signac ha pintado una
zona anaranjada.

• 2. El borde azulado del azucarero de porcelana
está perfilado por uno de sus lados con el color
naranja reflejado por la botella roja.
• 3. En la sombra de la botella roja aparecen
pinceladas del complementario del rojo: el verde.
• 4. En el pecho de la señora que está de pie de
perfil, se crea la sensación de volumen mediante
pinceladas que varían desde el amarillo y naranja
hasta el azul y violeta, con toques de verde. Aquí
no hay modulación tonal, puesto que se aplican
tonos de color puro yuxtapuestos como en
mosaico, pero se crea la ilusión de volumen
gracias a la mezcla óptica.

Una vista de Marsella

• Paul Signac (1905)

Una vista de Marsella
• La vista del puerto de Marsella fue un tema que
pintó en varias ocasiones. La tela que tenemos
delante es un estupendo ejemplo de la típica
pincelada casi rectangular de Signac. Cada pincelada
venía a ser como una tesela de un mosaico pictórico.
• Las pinceladas de colores puros aparecen
complementadas por colores secundarios, para
crear un vibrante efecto de luminosidad a través del
color:
• 1. La luz del sol se simula con pinceladas de amarillo,
en contraste con el violeta del perfil de la ciudad en
el horizonte. Signac también esparce pinceladas de
amarillo complementadas con violeta en los reflejos
de la luz sobre el agua.

• 2. En los cascos rojizos de los barcos de la izquierda
abundan los toques de verde. Signac incluso pone un
casco verdoso al lado de otro con una franja rojiza.

• Signac logra el efecto de profundidad al emplear
colores más tenues en los elementos más alejados, y
más vivos en los cercanos (que están a ambos lados
del lienzo). La barquita con figuras humanas cumple
una función de enlace entre el resto de los
elementos compositivos de la imagen.

• Por último, es destacable el logrado efecto de
contraste entre las líneas de color horizontales del
agua del mar, y las verticales de los mástiles de los
barcos, lo que aporta equilibrio al conjunto.

• En la última etapa de su vida Signac (de
ideas anarquistas, como Fénéon y
Pissarro) presidió el Salón de los
Independientes (de 1908 a 1934).

• Su labor supuso un estímulo para los
fauvistas y cubistas, a quienes animaba
sin descanso a exponer sus obras.

Le Corbusier
(1887-1965)
• Sobrenombre profesional de Charles Edouard Jeanneret,
pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera
la figura más importante de la arquitectura moderna.
• Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza),
y en esta misma ciudad estudió artes y oficios.
• Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y
más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente
con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y
el Deutscher Werkbund.
• En 1922 se asoció en París con su primo, el ingeniero Pierre
Jeanneret, y adoptó para la arquitectura el seudónimo Le
Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido Lecorbésier de su
bisabuela), que ya había empleado con anterioridad en sus
escritos.
• Aunque su principal carrera fue la de arquitecto, también
practicó con acierto la pintura y la teoría artística.

Unidad de Habitación

• (1952) Le Corbusier
Marsella (Provenza)
Francia, Europa

• Como pintor se asoció a Amédée Ozenfant para
fundar el movimiento purista, una corriente
derivada del cubismo.
• En 1920 fundó con él la revista L Esprit Nouveau
(El espíritu nuevo), para la que publicó numerosos
artículos sobre sus teorías arquitectónicas.
• Una de sus principales aportaciones, aparte del
rechazo a los estilos historicistas compartido con
otros arquitectos y teóricos del movimiento
moderno, es el entendimiento de la casa como
una máquina de habitar (machine à habiter), en
consonancia con los avances industriales que
incorporaban los automóviles, los grandes
transatlánticos y los nuevos aeroplanos.

• Definió la arquitectura como el juego correcto y
magnífico de los volúmenes bajo la luz,
fundamentada en la utilización lógica de los
nuevos materiales: hormigón armado, vidrio
plano en grandes dimensiones y otros
productos artificiales.

• Una de sus preocupaciones constantes fue la
necesidad de una nueva planificación urbana,
adecuada a las necesidades de la vida moderna
(Plan Voisin para París, Ville Radieuse, Plan Obus
para Argel, Chandigarh, etc), y sus ideas han
tenido una enorme repercusión en el urbanismo
de este siglo.

Palacio de Justicia

• (1956)
Le Corbusier
Chandigarh (Punjab)
India, Asia

• Durante la década de 1920 propuso
numerosos proyectos urbanísticos y
residenciales, pero sólo pudo construir una
serie de villas unifamiliares cercanas a París
que le sirvieron para concretar sus cinco
postulados sobre la nueva arquitectura:
bloques elevados sobre pilotis (pilares),
planta libre, fachada libre independiente
de la estructura, ventanales longitudinales
(fenêtre en longueur) y cubiertas planas
ajardinadas.

Asamblea de Chandigarh

• Le Corbusier 1961
Chandigarh (Punjab) India, Asia

• Entre los edificios de esta época destacan el
Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925), la
villa de Monzie en Garches (1927) y la villa Savoye
en Poissy (1929-1931), aparte de los proyectos no
construidos para la Sociedad de Naciones en
Ginebra (1927-1928) y el palacio de los Soviets en
Moscú (1928). Sus obras posteriores más
representativas son la Casa de Suiza de la ciudad
universitaria de París (1931-1932), la Unidad de
Habitación de Marsella (1947-1952), donde puso
en práctica su elaborado sistema de proporciones
publicado con el nombre de modulor, la iglesia de
peregrinación de Notre Dame du Haut en
Ronchamp (Francia, 1950-1954),

• El monasterio de los dominicos de La Tourette
(1957-1960) y el planeamiento urbano de
Chandigarh, la ciudad construida en la India
como nueva capital del Punjab, para cuyo
capitolio proyectó los edificios de la Asamblea
(1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y
el Secretariado (1958). Sus escritos más
importantes se recogen en varios libros, entre los
que destacan Vers une architecture (Hacia una
arquitectura, 1927), La maison des hommes (La
casa de los hombres, 1942) y Quand les
cathédrales étaient blanches (Cuando las
catedrales eran blancas, 1947). Le Corbusier
murió el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin
(Francia).

Secretariado

• Le Corbusier, (1958)
Chandigarh (Punjab)
India, Asia

Edouard Manet (1832-1883)
• Precursor del Impresionismo.
• Nunca participó en las exposiciones
organizadas por los impresionistas.
• Considerado por la revista Les
Contemporains como «el Rey de los
Impresionistas»
• Mantuvo el afán a lo largo de su vida de
conseguir reconocimiento en “el Salon”.

La merienda campestre
Edouard Manet (1863)

Composición e influencias

El concierto campestre El juicio de Paris
Tiziano Raimondi

La reacción de la crítica

• «¿Qué significa esa odalisca de barriga
amarilla, innoble modelo recogido de no
sé dónde y que representa a Olimplia?»
Moniteur des Arts

• «Una epidemia de locas carcajadas se
desata ante el cuadro de Manet»
Moniteur des Arts

«Grupo de Batignolles»
• Reuniones en las que participaban habitualmente
admiradores de Manet como Astruc, Zola, Duranty,
Duret y pintores como Bazille, Degas, Fantin-Latour, y,
siempre que visitaban París, Cézanne, Monet, Pisarro y
Sisley.

• Lo que unía a estos pintores era su menosprecio por el
arte tradicional, buscando nuevos cauces de expresión
que cada uno perseguía siguiendo su propio camino.

Monet pintando en su estudio flotante
Edouard Manet (1874)

Bar en el Folies-Bergère
Edouard Manet (1881) 95,2 x 129,5 cm

Francisco Toledo
1940-
• Pintor, grabador y ceramista mexicano. Su obra nos adentra
en un mundo mágico, onírico, plagado de mitos, de
recuerdos de su tierra y de su pueblo, de fantasía poética y
símbolos eróticos, que ha creado escuela en la joven pintura
mexicana.
• Nació en Juchitán de Zaragoza (Oaxaca). Descendiente de
indios zapotecas, comenzó su formación artística en el Taller
Libre de Grabado de la ciudad de México.
• Vinculado desde un primer momento al surrealismo, en
1959 celebró dos exposiciones individuales en Texas y
ciudad de México que le supusieron el éxito y el
reconocimiento de la crítica de ambos países.
• Al año siguiente viajó a Europa, donde permaneció hasta
1965.

Muerte

Óleo sobre lienzo.
Colección particular
Francisco Toledo
1960

• Compaginó su formación artística en París
en el taller del grabador británico Stanley
William Hayter con diversas exposiciones
individuales en Londres, Ginebra,
Hannover, Toulouse, París y Nueva York.
• A su regreso a México en 1965, y
definitivamente en 1968, se retiró en
Ixtepec (Oaxaca), dedicándose al grabado,
la acuarela y la pintura al gouache.

El profesor de lenguas

Óleo sobre lienzo.
Francisco Toledo
1987

• Los temas animalísticos y mitológicos, muy
frecuentes en su obra, proceden de sus
raíces indígenas, ya que en la mitología
zapoteca las alegorías protagonizadas por
animales son constantes.
• También trabaja la cerámica, el tapiz y la
litografía.
• Tiene obra representada en el Museo de
Arte Moderno de México, en la Tate Gallery
de Londres y en el Museo de Arte Moderno
de París, entre otros.

Tamazul (Sapo)

Óleo sobre lienzo.
Francisco Toledo
1977

La máquina de
coser

Óleo sobre lienzo.
Francisco Toledo
1988

David Alfaro Siqueiros
(México, 1896-1974)

• Pintor mexicano, uno de los más famosos
muralistas de su país junto a Diego Rivera y
José Clemente Orozco. Siqueiros nació en
Chihuahua y se formó en la Escuela de
Bellas Artes de México y en la escuela de
Santa Anita de esta ciudad.
• Participó en el renacimiento de la pintura al
fresco efectuada bajo el patrocinio
gubernamental de las decoraciones murales
en edificios públicos. Vivió en París,
Barcelona y Estados Unidos.

Niño sentado

(1931)
David Alfaro Siqueiros

• Regresó a México y organizó el sindicato de
pintores, escultores y grabadores
revolucionarios.
• Miembro del Partido Comunista Mexicano,
fundó su periódico El Machete y se dedicó al
activismo político, representando en sus
frescos temas de dinámica revolucionaria
para alentar a las clases sociales más
desfavorecidas.
• Sus pinturas representan una síntesis muy
particular de los estilos futurista,
expresionista y abstracto, con colores
fuertes e intensos.

Autorretrato

Pyroxylin.
100.3 x 121.9 cm.
Instituto Nacional
Bellas Artes.
México
David Alfaro
Siqueiros, 1943

• En 1962, el gobierno mexicano sentenció a
Siqueiros a ocho años de prisión por organizar
disturbios estudiantiles de extrema izquierda dos
años antes, el artista fue indultado en 1964.
• Sus obras más monumentales son, Marcha de la
Humanidad (1971), realizada después de su
salida de la cárcel, que decora las paredes del
Hotel de México, y que ocupa una superficie de
4.600 m2 de paneles articulados, y Del
porfirismo a la revolución, de 4.500 m2, en el
Museo de Historia Nacional de la ciudad de
México. Recibió el Premio Nacional de Arte de
México y el Premio Lenin de la Paz.

Suicidio colectivo

Esmalte sobre madera. 124.5 x 182.9 cm.
MOMA. Nueva York
Autor: David Alfaro Siqueiros, 1936

Eco por un grito

Lienzo sobre madera. 91.44 x 121.91 cm.
MOMA. Nueva York
David Alfaro Siqueiros, 1937

José Clemente Orozco
(México, 1883-1949)

• Pintor muralista mexicano, contribuyó a
recuperar la técnica, el diseño y los temas de la
pintura al fresco. Está considerado como uno
de los más destacados muralistas desde los
tiempos del renacimiento.
• Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de
noviembre de 1883. A los 7 años se trasladó a
la ciudad de México, donde realizó sus estudios
superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y
en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Cortes y la
Malinche

Fresco.
Colegio San Ildefonso. México
1926

• Conoció el taller del grabador José Guadalupe
Posada, que lo impresionó y cuya influencia
marcaría toda su obra.
• En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro
Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores,
que buscaba recuperar el arte de la pintura mural
bajo el patrocinio del gobierno mexicano.
• Una de sus primeras y más destacadas obras fue
la serie de murales que hizo para la Escuela
Nacional Preparatoria sobre la conquista, la
colonización y la Revolución Mexicana. Entre
1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos.

Combate

Óleo sobre tela. 66,7 x
85,7 cm.
Museo Carrillo Gil.
México
1927

• Allí realizó un grupo de murales para la New
School for Social Research de Nueva York y
en el Pomona College de California pintó un
mural con el tema del héroe griego
Prometeo.
• Sus murales para la Biblioteca Baker en el
Dartmouth College (1932-1934) escenifican
la historia de América con la serie La llegada
de Quetzalcóatl, El retorno de Quetzalcóatl
y Modern industrial man.

Prometheus

Fresco.
Pomona
College.
Claremont
José Clemente
Orozco
1930

• De regreso a su país realizó grandes
murales en el Palacio de Bellas Artes (1934)
o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la
ciudad de México, además de diversas
series en importantes instituciones de la
ciudad de Guadalajara, como el Palacio de
Gobierno, la Universidad o el Hospicio
Cabañas.

• En la década de 1940 pintó algunos lienzos
caracterizados por las líneas diagonales y el
color gris que ya venía utilizando para sus
murales.

Zapata

Óleo sobre lienzo. 178,4 x 122,6 cm.
Instituto de Arte de Chicago
1930

• En los últimos años su estilo se fue
simplificando, buscando sobre todo un
carácter más dramático y violento que le
aproximara más al expresionismo.
• Orozco murió en México D.F. el 7 de
septiembre de 1949. Fue enterrado en la
Rotonda de los Hombres Ilustres, honor
que por primera vez se dio en México a
un pintor.

Zapatistas

Óleo sobre lienzo.
114.3 x 139.7 cm.
MOMA. Nueva York
1931

Civilización Americana

Fresco.
Dartmouth College. New Hampshire
José Clemente Orozco, 1932

Diego Rivera
(México, 1886-1957)

• Pintor mexicano que realizó murales con temas
sociales, considerado como uno de los grandes
artistas de este siglo.
• Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia
de Bellas Artes de San Carlos, en la ciudad de
México.
• Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa,
principalmente en España y Francia, familiarizándose
con las innovadoras formas cubistas de Pablo
Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición
de Cézanne y otros artistas de la época.
• En 1921, Rivera regresó a México, donde representó
un papel determinante en el renacimiento de la
pintura mural iniciado por otros artistas y
patrocinado por el gobierno.

El vendedor de alcatraces

• Diego Rivera

• Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y
los problemas sociales de su país, en los techos y
paredes de edificios públicos, ya que consideraba que
el arte debía servir a la clase trabajadora y estar
fácilmente disponible o a su alcance.
• Entre 1923 y 1926 realizó los murales al fresco de la
Secretaría de Educación en la ciudad de México, pero
su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la
Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde
representa el desarrollo biológico del hombre y su
conquista de la naturaleza.
• Diego Rivera pintó murales en el Palacio de Cortés, en
Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad.
• En 1929 se casó con Frida Kahlo, considerada una
representante insigne de la pintura introspectiva
mexicana del siglo XX.

Vista de Toledo

Óleo sobre lienzo.
112 x 91 cm.
Fundación Amparo de
Espinosa. Puebla
Diego Rivera
1912

• Fue uno de los fundadores del Partido Comunista
Mexicano.
• Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados
Unidos, su obra allí incluye un mural (1932-1933)
para el Instituto de Bellas Artes de Detroit y un
fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado
para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller
Center de Nueva York, y destruido poco después de
su realización porque contenía, al parecer, un retrato
del líder soviético Lenin.
• Un año después, Rivera lo reprodujo para el Palacio
de Bellas Artes de México.
• En 1935 concluyó uno de sus proyectos más
ambiciosos, los frescos para la escalera monumental
del Palacio Nacional de la ciudad de México, con su
propia interpretación de la historia de su país, desde
los tiempos precolombinos hasta la actualidad.

Festival de las flores

(1925)
County Museum of Art. Los Angeles
Diego Rivera

• En la década de 1940 pintó dos grandes
murales en el Instituto Nacional de
Cardiología (1944), y otro gran mural para el
Hotel del Prado, Sueño de la Alameda
(1947), de tema histórico-crítico.
• Sus últimas obras las realizó en mosaico de
piedras naturales, como las del Estadio de la
ciudad universitaria de México o el del
Teatro Insurgentes, ambas en el exterior.
• Diego Rivera fue también prolífico en su
obra de caballete, con una visión muy alegre
y también sensual del folclore de su país.

• Dibujante magistral y estupendo colorista,
demostró un gran talento para estructurar
sus obras.
• Legó a México una importante colección de
estatuillas de diversas culturas indígenas,
que instaló en su casa museo, el
Anahuacalli, en la ciudad de México.
• Como él mismo dijo, condensando el
sentido de su obra, su propósito era ligar un
gran pasado con lo que queremos que sea
un gran futuro de México.
• Murió el 24 de noviembre de 1957 en la
ciudad de México.

América Prehispánica

70 x 92 cm.
Colección Licio
Lagos. México
Diego Rivera, 1950

Rufino Tamayo
(México, 1899-1991)

• Nacido en Oaxaca, pintor mexicano cuyo estilo combina
temas populares autóctonos con las formas artísticas de la
vanguardia europea como el cubismo.
• Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas
dimensiones (con un color insensible a las influencias
posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al
servicio de la temática social.
• Tamayo también recuperó la pintura de caballete, que
combinó con la pintura mural de carácter social, como La
revolución (1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo
cual marchó a vivir a Nueva York.
• En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería
Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las
figuras fuertes y monumentales del arte tradicional
mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en
el cubismo francés.

Mujer alcanzando la luna

• (1946)
Óleo sobre tela. 92 x 66 cm.
Cleveland Mueum of Art. Cleveland
Rufino Tamayo

• Sus obras gozaron de un reconocimiento
internacional, que derivó en encargos para
amplias decoraciones murales como Homenaje a
la raza (1952), en París, o México hoy (1953,
Palacio de Bellas Artes, México).
• Le siguieron otros murales como América (1956,
Banco del Suroeste, en Houston), el de mayor
envergadura que ejecutó, y para el nuevo edificio
de la UNESCO en París realizó Prometeo (1958) y,
posteriormente, Eclipse total (1977). En 1943
Tamayo realizó su primera obra completamente
abstracta, La naturaleza y el artista (Smith College
Collection, Northampton, Massachusetts).

El hombre del bastón

• Óleo sobre tela. 100 x 80 cm.
Colección Roberto García Mora.
México
Rufino Tamayo, 1966

• Muchas de sus obras siguientes en la década
de 1950 desarrollaron esta tendencia hacia la
abstracción unida a un estilo sumamente
emocional y violento.
• Tamayo fue un gran conocedor del arte
prehispánico y en 1974 donó su espléndida
colección de piezas de ese periodo a su
ciudad natal.
• En la capital mexicana se encuentra el
museo que lleva su nombre y que fue
inaugurado en 1981.

El hombre ante el infinito

• Óleo sobre tela. 95 x 135 cm.
Musées Royaux des Beaux-Arts. Bruselas
Rufino Tamayo, 1950

• Se trata de uno de los centros de arte
contemporáneo más modernos del mundo
en el que se exhiben obras de más de 150
artistas internacionales.
• La donación del museo y de casi la totalidad
de su acervo artístico al pueblo de México
representó una de las mayores
satisfacciones para el pintor y artista gráfico.
• Además de sus obras monumentales, la
permanencia de Tamayo radica en la belleza
de los retratos que pintó de su esposa Olga
y en la sensualidad que despiertan sus
inolvidables cuadros de sandías.

Autorretrato

• (1967)
Óleo sobre tela. 175 x 125 cm.
Museo de Arte Moderno. México
Rufino Tamayo

Conclusión
• El conocimiento del contexto artístico y
social es preciso para entender las
dificultades contra las que tuvieron que
luchar los pintores impresionistas para
promocionar su arte, y para definir sus
preocupaciones estilísticas y temáticas.

Los artistas del impresionismo, neo y
post impresionismo
• El movimiento artístico conocido como "Impresionismo"
surgió en la Francia de la segunda mitad del s.XIX.

• Un escenario relevante para el surgimiento del
Impresionismo fue la ciudad de París.

• La burguesía francesa de fines del s.XIX influyó sobre el
Impresionismo por que adquirió nuevas costumbres (asistía
a espectáculos de ópera, ballet, etc.) que servían como
motivo a los impresionistas y se interesaba crecientemente
en el mundo del arte y en la compra de obras de arte.

• El entorno social e ideológico en el que desarrollaron sus
ideas pictóricas los impresionistas era muy cambiante.

• Las nuevas ideas que aparecían en Francia durante el
s.XIX tendían a desplazar a la tradición como única guía
de conducta.
• El mundo artístico de la Francia del s.XIX estaba
dominado por “El Salon”, organizado por el estado
francés.
• Las obras expuestas en el Salon eran seleccionadas por
un jurado que solía seguir criterios muy conservadores,
fuertemente arraigados en lo tradicional.
• El academicismo que triunfaba en el Salon se
caracterizaba por: Temas mitológicos, históricos o
bíblicos, composiciones teatrales y monumentales, se
dio en La Francia de la segunda mitad del s.XIX.

• El nuevo lenguaje pictórico propuesto por los
impresionistas se caracterizaba por: Uso de
colores puros, luminosos, presentes incluso en las
zonas de sombra, pincelada suelta y espontánea,
aplicada rápidamente y sin un acabado
demasiado elaborado y como temas: escenas de
la vida cotidiana o paisajes donde la Naturaleza
no era idealizada.
• Una de las innovaciones pictóricas que
acompañaron a la llegada de las nuevas ideas
impresionistas fueron las composiciones
novedosas, con audaces encuadres de las
escenas.

• El Muralismo fue pensado como modo de
enseñanza y era empleado en lugares públicos
a los que todo tipo de gente sin importar raza
y clase social pudiera acceder. Trabajaban
sobre una superficie de hormigón (concreto) o
sobre la fachada de un edificio. Los temas que
relataban o retrataban lo que estaba pasando
en el país políticamente. Los murales de Diego
Rivera hablaban en especial de la revolución.
• Hay murales en la mayoría de los edificios
públicos de la Ciudad de México y de otras
ciudades, siendo una de estas Guanajuato,
localizada en un Estado muy importante para
el país por ser cuna del movimiento de
Independencia.

Referencias
• http://www.calatrava.com/main.htm
• MILICUA, J. Historia Universal del Arte, Editorial Planeta, Madrid, 1989.
• PIJOAN, J. Summa Artis: Historia general del arte, Vol.XXIII, Espasa-Calpe,
Barcelona, 1954.
• SGARBI, V.et al. Historia Universal del Arte, Editorial Everest, León, 1988.
• VV.AA. El mundo de los grandes genios (2 vol.), El Mundo, Madrid, 1995.
• http://www.epdlp.com/
• http://arte.observatorio.info/2008/05/ganimedes-y-el-aguila-bertel-thorvaldsen-
1817/

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