College Outlines I

HISTORIA DE LA MUSICA I
ANTIGUEDAD, EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO

Notas compendiadas de la
College Outline Series No.55, History of Music
By Hugh M. Miller
Barnes and Noble Inc. 1955
(Traducción-adaptación de Sara C. Neuman)

CONTENIDO

PARTE I - L A MUSICA MONODICA HASTA APROXIMADAMENTE 1300

I DESDE LA ANTIGUEDAD HASTA APROXIMADAMENTE 1300
Conocimiento limitado de la música Antigua. La música
en las civilizaciones antiguas.

II LA ERA CRISTIANA
La monodia sagrada: El canto llano (o gregoriano).
La monodia profana.

PARTE II – EL PERIODO POLIFONICO (800 A 1600)

III POLIFONIA TEMPRANA

IV ARS ANTIQUA

V ARS NOVA

VI LAS ESCUELAS NEERLANDESAS
Borgoña y Flandes. Formas musicales en el Siglo XV.
Manuscritos.

VII EL SIGLO XVI
Consideraciones generales. La polifonía sagrada de la
Iglesia Católica. Música de la Reforma. Polifonía
profana.

VIII LA MUSICA INSTRUMENTAL HASTA 1600
Consideraciones generales. Formas instrumentales.
Clases instrumentales: estilos, formas, escuelas,
compositores.

IX LA NOTACION MUSICAL HASTA 1600
Notación neumática, mensural.

PARTE I - L A MUSICA MONODICA HASTA APROXIMADAMENTE 1300

I DESDE LA ANTIGUEDAD HASTA APROXIMADAMENTE 1300
Mientras más atrás se va en el tiempo más dificil es
determinar cómo sonaba la música. A esto se agrega el hecho
de que es poco lo que se ha podido encontrar como material
de referencia. Los esfuerzos de los investigadores han
logrado acercamientos al decodificar los signos que
acompañan los textos musicales antiguos y así hacernos a
una idea de cómo era la música en tiempos remotos.

El estudio de los sistemas musicales en las antiguas
civilizaciones (India, la China, etc.), en las tribus
primitivas de hoy, la reconstrucción de los sistemas
deducidos a partir de pinturas, dibujos y algunos
instrumentos, y los pocos fragmentos de antigua notación
musical encontrados han arrojado cierta luz al respecto.

Acerca del origen y antiguo uso de la música se piensa que
se empleó inicialmente como un medio de comunicación a
partir de gritos y tambores y que se la asoció con ritmos
para el trabajo y expresión de sentimientos. Cuando la
música empezó a diferenciarse de otras faenas diarias, se
la relacionó principalmente con rituales religiosos,
ceremonias y festivales, usos presentes hasta el dia de hoy.

La influencia de las antiguas civilizaciones también ha
llegado hasta nuestros días. La música china, por ejemplo,
empleaba la escala pentatónica, como también lo hicieron
nuestros indios precolombinos; a Egipto se le atribuye la
creación de instrumentos pertenecientes a la familia del
arpa y la lira y su influencia en la teoría de la música
griega. En cuanto a los hebreos, se sabe por las Escrituras
que cantaban al unísono y empleaban ornamentos musicales.
Conocian el canto antifonal y usaban instrumentos. Su
importancia radica en la influencia que tuvo en la música
de la liturgia cristiana de los primeros siglos D.C.
Si la música hebrea influyó en el desarrollo de la música
cristiana, la música griega fue decisiva en otros aspectos:
(1)la teoría griega tuvo una influencia directa en la
teoría de la Edad Media. p.ej. los términos
“consonancia perfecta”, para referirse a los
intervalos de cuartas, quintas y octavas y
“consonancia imperfecta”, para las terceras y sextas,
vienen del griego y aún se usan;
(2)el renacimiento de la tragedia griega a fines del S.

XVI dio origen a la ópera;
(3)la doctrina del “ethos”, según la cual la música
tiene un efecto directo en el alma, se ha manifestado
de varias maneras a lo largo de la historia de la
música.

LOS CULTOS GRIEGOS: Los más importantes fueron: (1) el
culto a Apolo, que representaba la claridad de la forma y
la pureza y objetividad en la expresión; en estas
celebraciones se empleaban la cítara y otros instrumentos
de cuerda; y (2) el culto a Dionisio, caracterizado por el
éxtasis, la pasión, la sensualidad y la subjetividad en la
expresión; en sus ritos se empleaba el aulos, lo mismo que
otros instrumentos de viento. Ambos conceptos tuvieron su
papel en el desarrollo de la música occidental y
encontraron sus paralelos en la música clásica y la
romántica de los siglos XVIII y XIX, respectivamente.

LA TEORIA MUSICAL GRIEGA: Se basaba en gran parte en la
matemática acústica de Pitágoras y un complicado sistema de
escalas a las que daban el nombre de “modos”, formados a
partir de tetracordios adyacentes que podían ser conjuntos
(donde la nota más baja de un tetracordio se convertía en
la más alta del siguiente tetracordio inmediatamente
inferior); o disjuntos (donde la nota más baja del primer
tetracordio se encontraba al lado de la nota más alta del
siguiente tetracordio inmediatamente inferior). Estos
tetracordios podían ser diatónicos, cromáticos o
enarmónicos.

LA NOTACION era de dos clases: (1) instrumental, con signos
tomados probablemente del alfabeto fenicio; y (2) vocal
donde los símbolos, tomados del alfabeto jónico, se
colocaban encima de las palabras del texto. En cuanto a
los RITMOS, estaban directamente asociados con la poesía.
La DOCTRINA DEL ETHOS, que ya mencionamos, fue propuesta
por los peripatéticos y los estoicos, siendo factores
determinantes el ritmo, la tonalidad (o modo) y el
instrumento empleado.

Recordemos también que la música no existía individualmente
para los griegos, sino que era parte inseparable de la
poesía y el drama. En cuanto a los romanos, su música no
pasó de ser una imitación de la griega, aunque es posible
que ellos marcaran la diferencia entre música y poesia.
Construyeron instrumentos de metal, que empleron más bien
para propósitos militares.

II LA ERA CRISTIANA abarca un período que va de ca. 200 a
ca. 1600 D.C. Los términos MONODIA SAGRADA, CANTO LLANO O
GREGORIANO se emplean casi siempre indistintamente, si
bien cuando hablamos del “gregoriano” nos referimos
particularmente a la música de la liturgia católica y se
caracteriza porque:
(1)es monódica;
(2)es modal, basada en los modos de la iglesia derivados
de los griegos;
(3)no es acompañada;
(4)no tiene métrica;
(5)emplea ritmos prosódicos libres;
(6)emplea intervalos pequeños y su rango es limitado;
(7)se canta en latín;
(8)utiliza especialmente la notación neumática.

Los MODOS ECLESIASTICOS eran de dos clases: “auténticos”,
con un “ámbito” o rango melódico de más o menos una octava;
empleaba los mismos nombres griegos; y “plagales”, con un
rango melódico de aproximadamente una cuarta o quinta por
debajo de la nota final, agregando el prefijo “hipo” a los
modos griegos. Sus nombres son: dórico (de D a D con nota
final D), hipodórico (A a A con nota final D); frigio (E a
E, nota final E), hipofrigio (B a B con notal final E);
lidio (F a F, final F), hipolidio (C a C, final F);
mixolidio (G a G, final G) e hipomixolidio (D a D, final
G). La iglesia posteriormente acotó estos: eolio,
hipoeolio, jónico e hipojónico, raramente usados.

El TEXTO podía expresarse de manera:
(1)silábica, con una nota por sílaba, empleada comúnmente
para los himnos y tropos;
(2)neumática, con algunas notas por sílaba, que es la
forma más común;
(3)salmódica, con muchas sílabas por notas, empleada en
la lectura de los salmos y evangelios; y
(4)melismática, con muchas notas por sílaba,
especialmente para los aleluyas.

La monodia sagrada de culturas anteriores a la cristiana
influyó mucho en ésta. Las principales fueron la SIRIA,
con sus cantos antifonales (coros alternados) y
responsoriales (solista y coro alternados); la BIZANTINA,
que contribuyó a la escritura de los himnos y se mantuvo en
la Iglesia Ortodoxa; la ARMENIA, que empleó primero una
notación alfabética y luego neumática. Sus cánticos eran al

estilo de himnos; y la HEBREA, la más importante, porque
los cánticos de la iglesia cristiana fueron tomados
directamente de los hebreos.

Los cánticos cristianos tienen varias ramas: el RUSO, el
AMBROSIANO, el GALICO, el MOZARABICO y el GREGORIANO, este
último el más importante de todos. Comienza con la
organización litúrgica llevada a cabo por el papa Gregorio
El Grande, en el Siglo VI.

La LITURGIA CATOLICA que se emplea en la Misa y en otros
servicios menores se conoce bajo el titulo de Horas
Canónicas. La Misa la componen dos tipos de liturgia: el
ORDINARIO, que comprende el Kyrie, el Gloria, el Credo, el
Sanctus-Benedictus y el Agnus Dei; sus textos no varían; y
el PROPIO, que comprende el Introitus, el Graudale, el
Alleluia, el Offertorium y el Communio, cuyos textos varían
según la época del año. El Ordinario se desarrolló despues
del Propio, el cual se estandarizó hacia el Siglo VII.

TROPOS Y SECUENCIAS. Entre los Siglos IX y XII se
interpolaron melodías y textos (en estilo silábico) a una
melodía gregoriana ya existente, que se llamaron TROPOS.
La SECUENCIA es una clase especial de tropo, surgida de la
adición de textos al “jubilus” melismático que se canta al
final del Alleluia. Con el tiempo las secuencias se
independizaron de la melodía gregoriana original.

LA MONODIA PROFANA no tuvo la divulgación sistemática que
tuvo el canto llano en manos de la Iglesia. Por ello,
aunque muy extensa, no se preservó. Lo poco que se tiene
data aproximadamente del Siglo XII. Se diferencia de la
monodia sagrada prácticamente en todo:
(1)generalmente es rítmica;
(2)emplea un rango mayor;
(3)las frases son más regulares;
(4)no es necesariamente modal;
(5)es nacionalista, en comparación al carácter universal
del gregoriano;
(6)es más armónica y puede acompañarse instrumentalmente;
(7)se canta en la lengua vernácula. Este último aspecto,
con excepción de la música de los GOLIARDOS,
estudiantes vagabundos y miembros de las ordenes
eclesiásticas menores que componían y cantaban
canciones en latín al amor, la sensualidad, las
estaciones, o hacian parodias de los textos liturgicos
empleando casi siempre un lenguaje procaz.

Los JUGLARES eran entretenedores ambulantes, más que poetas
o compositores, lo que no excluía esta posibilidad. En su
calidad de intérpretes mantuvieron viva gran parte de las
melodías profanas. La monodia profana más importante
proviene de los TROVADORES. Eran personas de rango y
surgieron al sur de Francia desde finales del Siglo XI
hasta finales del XIII. Algunos nombres importantes son:
Guillermo de Aquitania y de Poitiers, Marcabrú de Gascuña,
Bernart de Ventadorn, Rimbaut de Vaqueiras, Guiraut de
Riquier. Al norte de Francia se los conoció con el nombre
de TROVEROS; algunos de ellos fueron Blondel de Nesle,
Thibaut IV (Rey de Navarra) y Adam de la Halle, conocido
por su “Drama de Robin y Marion”. Otros nobles trovadores
fueron Ricardo Corazón de León, el mencionado Guillermo de
Poitiers (nieto de Leonor de Aquitania) y Alfonso X El
Sabio, de España. En Alemania el equivalente a estos
músicos fueron los MINNESINGER, quienes cantaban
principalmente al amor caballeresco. Algunos de sus
representantes más importantes fueron Walther von der
Vogelweide, Neihart von Reuenthal y Heinrich von Muglin.

El movimiento trovadoresco surgió y murió con las Cruzadas
(Siglox XI a XIII). Sin embargo, en Alemania fue
reemplazado por otro tipo de músicos: los MEISTERSINGER
quienes, a diferencia de sus aristocráticos antecesores,
provenían de la surgiente clase burguesa; eran
principalmente artesanos y constituyeron el primer gremio
de compositores de que se tiene noticia. Con el tiempo
crearon un código complicadísimo para los aspirantes a ser
aceptados, sacrificando a menudo la músicalidad en aras de
un tecnicismo inútil. Se distinguieron entre ellos Heinrich
von Meissen, Michel Behaim, Hans Folz y, sobre todo, Hans
Sachs, zapatero de Nürnberg, inmortalizado por Richard
Wagner en su ópera “Los Maestros Cantores”.

CARACTERISTICAS DEL ESTILO TROVADORESCO:
(1)El rango melódico es generalmente de una octava;
(2)aunque se emplean los modos eclesiásticos, la
tendencia es a emplear los modos mayor y menor;
(3)los ritmos se basan en los ritmos poéticos griegos.
Los principales son:

Trochaeus o o Dactylus o o o Spondeus
o o
Iambus o o Anapaest o o o Tribrachys
o o o

(4) Una característica importante de la música
trovadoresca es la variedad de formas que empleaban.
Parece que improvisaban acompañamientos con la VIELLE
o la LIRA .

Según su CONTENIDO las canciones recibían el nombre de:
(1)“chanson” o canción amatoria;
(2)“sirventes”, poema satírico sobre temas políticos,
moralidad, etc.;
(3)“planch”, lamento por la muerte de un gran personaje;
(4)“pastourelle”, que canta el amor de un caballero a una
campesina;
(5)“chanson de geste”, crónica épica de las hazañas de un
héroe;
(6)“chanson de toile”, forma menor de la anterior sobre
personajes no heroicos, p.ej. la desdicha de la hija
de un rey;
(7)“aube”, en la que el amanecer separa a los amantes;
(8)“jeu parti”, diálogos o disputas entre dos o tres
personas. Y otras más

Según su FORMA, muy variada, podían reconocerse cuatro
clases principales:
(1) La LETANIA, donde cada verso se canta sobre la misma
melodía. Sus variaciones son: la “canción de gesta”,
el “laisse estrófico” el “rotrouenge” y la “chanson
con refrán;
(2) El RONDEL, forma de canción con estribillo y sus
variaciones, la balada, el virelai y el rondó;
(3) La SECUENCIA, similar a la sacra, con versículos
dobles, donde cada dos versos tienen la misma rima y
la misma melodía, con semi-conclusión y conclusión
definitiva; los pares de versos son de medida
desigual. Sus variaciones son el “lai”, el “lai
reforzado”, el “lai estrófico”, el “descort” y la
“estampie” o estampida, esta última una danza
instrumental. La famosa estampida “Kalenda Maya”
seguramente fue ejecutada originalmente por dos
vielistas que se alternaban y sólo más tarde se le
aplicó el texto. En contra del antiguo principio de la
secuencia, su primera línea se repite, pero solo tiene
conclusión definitiva;
(4) El HIMNO, que se remonta al himno ambrosiano con
“iambos” en cuatro versos y melodías, cuyas
variaciones reciben los nombres de “vers”, “chanson” y
“chanson circular”.

En Inglaterra la música existente no es muy abundante pero
se sabe que hacia el Siglo XV estaba muy desarrollada. Hubo
dos clases de cantores: los “Scops”, residentes, y los
“Gleemen”, viajantes. Parece que recitaban largos poemas
con acompañamiento. A St. Godric (S. XII), hermitaño del
norte de Inglaterra, se le atribuyen numerosas canciones.

PARTE II – EL PERIODO POLIFONICO (800 A 1600)

III POLIFONIA TEMPRANA
La innovación más significativa en toda la historia de la
música es el advenimiento de la polifonía en el Siglo IX.
Su concepto –más de una línea musical simultánea – domina
el desarrollo artístico de toda la música occidental. Sus
principios tienen lugar hacia el final del período
Carolingio.

ORGANUM: es la primera forma de polifonía y aparece hacia
el Siglo IX con la práctica del canto llano en una melodía
a dos partes, separadas una cuarta o una quinta de manera
paralela sin independencia melódica o rítmica. Es muy
posible que se haya dado primero en la música profana, o
como consecuencia de la práctica de cantar en octavas
aparte, o que surgiera de imitar esta práctica ya empleada
en el órgano. Se reconocen las siguientes clases:
(1) el ORGANUM ESTRICTO SIMPLE, como se definió más
arriba. A la melodía original del canto llano se la
denomina VOX PRINCIPALIS y a la que se canta
simultáneamente por debajo, VOX ORGANALIS;
(2) el ORGANUM COMPUESTO, con más de dos voces, donde la
vox principalis es doblada una octava abajo o la
organalis una octava arriba. Continúa el movimiento
paralelo;
(3) el ORGANUM LIBRE, donde la independencia melódica se
manifiesta en las dos voces que parten de la misma
nota; entonces la vox organalis permanece estacionaria
mientras la principalis se mueve melódicamente; una
vez se alcanza el intervalo de cuarta o quinta las
voces se mueven paralelamente hasta el final de la
melodía, (OCCURSUS), cuando alcanzan y siguen
nuevamente en unísosono. Esta era la forma preferida
por Guido d’Arezzo (Siglo XI); por entonces ya no se
aceptaba la moción paralela de quintas. Esta práctica
dio origen a la independencia melódica. El paso
siguiente se dirigio a la independencia rítmica,
ganada en el
(4) ORGANUM PURUM, también conocido como ESTILO DE TONO

SOSTENIDO, donde cada tono de la melodía del canto
llano es sostenida (de ahí viene el término “tenor”),
mientras el contrapunto agregado se mueve libremente
en estilo melismático. Es posible que la parte del
tenor fuera interpretada por un instrumento.
Finalmente,
(5) el GIMEL (o “canto gemelo”), que consistía en cantar
una melodía en terceras. Esta práctica no parece
haber tenido conexión con los desarrollos
eclesiásticos en el organum y es posible que fuera
anterior a éste. Se cree que es de origen galés o
inglés. El tratado más importante donde se describe el
organum detalladamente es de autor anónimo y se
denomina MUSICA ENCHIRIADIS. Data del Siglo IX o
antes. Otros manuscritos de la época son el DE
HARMONICA INSTITUTIONE, por Hucbald, y el WINCHESTER
TROPER.

IV ARS ANTIQUA
Se conoce con este nombre la música de los Siglos XII y
XIII. Fue la época de los trovadores, de las últimas
cruzadas y de la construcción de las grandes catedrales.
Surgieron las escuelas polifónicas, inicialmente en la
catedral de San Marcial, (en Limoges, Francia), Chartres
(en el Siglo XII) y Notre Dame de Paris, a fines del Siglo
XII y principios del XIII.

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA MUSICA DEL ARS ANTIQUA:
(1)Se alcanza total independencia melódica y rítmica;
(2)todos los intervalos se emplean en varias
combinaciones; las octavas, unísonos y quintas
predominan como consonancias perfectas y las terceras
y sextas se emplean con más libertad, en tanto que las
segundas, séptimas, novenas y cuartas se consideran
disonancias;
(3)los choques agudos y disonantes de las partes
caracterizan la armonía del período;
(4)se usa casi exclusivamente el tiempo triple (“tempus
perfectum”);
(5)monotonía rítmica por el rígido empleo de los modos
rítmicos;
(6)prevalece la polifonía a tres voces, aunque se sigue
usando a dos partes y se comienza a usar a cuatro;
(7)aparece un recurso denominado “hoquetus”, consistente
en varias interrupciones en la línea melódica de una
parte, alternando con interrupciones similares en otra
parte.

FORMAS: Se emplean varios estilos de organum libre,
especialmente el estilo sostenido, y se crean otras nuevas:
(1) La CLAUSULA donde, a diferencia del organum, que
empleaba un canto llano completo como base del “cantus
firmus”, se propone un corto melisma del canto llano
en el tenor del cantus firmus. A esto se agregan dos
partes contrapuntísticas que se mueven más
rápidamente, cantadas sin texto o interpretadas por un
instrumento. En los manuscritos aparecen una palabra o
dos, a veces una sílaba, para indicar la melodía de
donde se tomó prestada la voz del tenor.
(2) el CONDUCTUS POLIFONICO, donde la melodía del tenor es
compuesta independientemente del canto llano. Todas
las partes se mueven con un ritmo más o menos uniforme
utilizando el mismo texto;
(3) el MOTETE DE PARIS, la forma más importante de todo el
período; se lo llama así, “motete de Paris” o “motete
del Siglo XIII” para distinguirlo del motete
renacentista. La parte baja, el tenor, es una melodía
del canto llano en uno de los modos rítmicos,
generalmente el lento “spondeus”; por encima se
mueven dos voces con ritmos distintos y más rapidos,
cada voz con un texto diferente en latín. Hacia fines
del Siglo XIII se emplearon textos profanos en
francés. La parte del tenor podía ser ejecutada por un
instrumento. Los choques armónicos entre las voces son
una característica de este motete del Siglo XIII;
finalmente
(4) el RONDEL, forma menos importante que el motete donde
se intercambian diferentes motivos melódicos o frases
entre dos o más voces (una voz puede cantar a-b-c
mientras otra hace c-a-b y otra más b-c-a). Su
importancia radica en haber abierto el camino a
ciertos medios contrapuntísticos como la imitación y
el canon.

Los nombres más destacados son los de Leonin, probablemente
el primer compositor importante en la historia de la
música, conectado con la Escuela de Notre Dame a fines del
Siglo XII; y su sucesor, Perotin (fines del S. XII y
comienzos del S. XIII). Teóricos distinguidos de esta época
fueron Franco de Colonia y Pierre de la Croix. La mayor
colección de motetes del Siglo XIII se encuentra en el
Código de Montpellier.

V ARS NOVA
Se conoce con este nombre la música del Siglo XIV para
distinguirlo de las antiguas prácticas o Ars Antiqua, como
ya vimos. Este siglo se caracterizó por su intensa
actividad literaria con los nombres de Petrarca, Dante,
Boccaccio y Chaucer. En las artes el pintor más importante
fue el florentino Giotto. La Iglesia tuvo que enfrentarse a
serios disturbios, un doble papado (Avignon y Roma) entre
1378 y 1418. Europa se vio igualmente afectada por la
Guerra de los Cien años entre Francia e Inglaterra
(1337-1453) y la Gran Plaga (o Muerte Negra) en 1349.
Durante este período Italia compartió el liderazgo musical
con Francia.

La música del Ars Nova se caracteriza por:
(1)predominio de la música profana, tal vez debido a los
problemas intestinos de la Iglesia;
(2)aparición de nuevas formas polifónicas;
(3)frecuente empleo de la imitación y el canon;
(4)mayor libertad rítmica con predominio del “tempus
imperfectum” (doble) sobre el “perfectum” (triple) y
desaparición de los patrones de ritmos cortos y
monótonos del Ars Antiqua;
(5)predominio de la polifonía a dos partes, especialmente
en Italia, en tanto que en Francia e Inglaterra se
prefiere a tres y cuatro partes;
(6)el estilo melódico es más florido, también
particularmente en Italia;
(7)el estilo armónico se caracteriza por un mayor empleo
de terceras y un tratamiento atrevido de las
disonancias, con poco paralelismo.

Nombres importantes: Philippe de Vitry (ca. 1290-1361),
teórico y compositor francés, autor del tratado que tituló
Ars Nova (y que le dio nombre al nuevo movimiento),
enfocado principalmente a la expansión del sistema de
notación. Aquí aparece por primera vez la prohibición de
quintas paralelas. El compositor más importante de la
época es Guillaume de Machaut (ca. 1300 –1377). Mencionemos
también al compositor italiano Francesco Landini
(ca.1325-1397), organista ciego que le dio su nombre a un
tipo de cadencia (síncopas y salto de tercera B-D), muy
empleado en la época.

FORMAS del Ars Nova francés: en su mayoría son una
continuación de las empleadas a lo largo de la Edad Media:
(1) el MOTETE ISORRITMICO, la forma litúrgica más

importante del Siglo XIV, desarrollado a partir del
motete de Paris. Es una composición polifónica a tres
o cuatro partes con base en un cantus firmus en el
tenor; pero en lugar de emplear patrones modales
cortos como en el motete de Paris, aquí los patrones
son más largos, llamados TALEA (“cortes” donde vuelve
a comenzar un patrón). También tiene repeticiones de
unidades melódicas, llamadas COLOR, que no coinciden
con la talea. Esta isorritmia era aplicada más
estrictamente al tenor que a las partes superiores;
(2) la BALADA fue seguramente la forma profana más
importante, derivada de la forma trovadoresca que
lleva el mismo nombre;
(3) otras formas del Ars Nova francés fueron el LAI, el
VIRELAI y el RONDO. Machaut fue el primer compositor
que escribió una misa completa en forma pollifónica.

FORMAS del Ars Nova italiano: fueron predominantemente
profanas. Hay poca música sagrada producida en Italia
durante este período. Mencionemos
(1) el MADRIGAL, una composición por lo general a dos
partes, la superior más florida, la inferior más
lenta, que podían ser interpretadas por un
instrumento. Consiste en dos o tres estrofas de tres
líneas con la misma melodía y una final de dos líneas
llamada “ritornello”;
(2) la CACCIA, canciones de cacería, generalmente a tres
partes con dos en canon estricto y la voz del tenor
con una melodía libre que podía ser ejecutada por un
instrumento. Era una composición larga; finalmente
(3) la BALLATA corresponde al virelai francés, no a la
ballade. Está conformada por varias stanzas de seis
líneas, cada una precedida y seguida por un refrán.
Landini escribió ballatas a dos y tres voces.

VI LAS ESCUELAS NEERLANDESAS
Borgoña y Flandes. Formas musicales en el Siglo XV.
Manuscritos.

En el Siglo XV el liderazgo polifónico paso de Francia e
Italia a los Países Bajos, gracias a la actividad de la
Escuela de Borgoña en la primera mitad del siglo y la de
Flandes en el segundo. Las técnicas empleadas por esta
última se extenderían por toda Europa durante el Siglo XVI.

Marco histórico: El Siglo XV representa la transición de la
Edad Media al Renacimiento. Es la culminación del período

gótico cuyos albores se remontan al Siglo XII, con la
construcción de las grandes catedrales. El feudalismo y el
poder de la Iglesia se resquebrajan, como ya se había
mencionado y en su lugar se levanta una clase burguesa
acomodada, especialmente en las ciudades comerciales.
Francia e Inglaterra surgen como poderes nacionales. Para
la música es importante la influencia cultural en las
cortes de Borgona bajo Felipe el Bueno (1419-1467) y Carlos
el Calvo (1467-1477). Su patronazgo de la música, tanto
sagrada como profana, le dio un gran ímpetu al divino arte.
En la pintura, es el período de Leonardo da Vinci, Van Eyck
y Rafael. En 1456 la invención de la imprenta por
Guttenberg y la primera publicación de la Biblia abrirá las
puertas del conocimiento a todo el que pueda leer y
escribir y permitirá un más facil acceso a la música entre
los compositores de toda Europa, particularmente en el
Siglo XVI.

Existe una marcada diferencia entre la música de la primera
mitad del Siglo XV, representada por la Escuela de Borgoña
y la de finales de siglo, conocida como Escuela Flamenca,
siendo esta última la de mayor importancia, ya que sus
técnicas conformarán las bases de la polifonía vocal
sagrada en el siglo XVI y que, como ya se dijo, éstas se
extendieron por toda Europa.

LA ESCUELA DE BORGOÑA. Se caracteriza porque:
(1)prevalece la polifonía a tres voces;
(2)el interés melódico y rítmico se concentra en la voz
aguda;
(3)el intervalo melódico de tercera se convierte en la
principal característica del estilo melódico;
(4)la armonía se caracteriza por tríadas incompletas (sin
terceras) y no se usan las quintas y octavas abiertas
en movimiento paralelo;
(5)el paralelismo se da en recursos conocidos como el
“fauxbordon” y el “discanto inglés” (progresiones de
tríadas en primera inversión de manera que la tercera
del acorde es la que suena más bajo, p.ej. en el
acorde C-E-G la E se encuentra en el bajo);
(6)la imitación contrapuntística no es común;
(7)la cadencia 7-6-1, conocida erróneamente como
“Cadencia de Landini” es muy común;
(8)desaparece la politextualidad;
(9)el empleo de un “cantus firmus” o “tenor prestado” se
usa menos que antes o después de la primera mitad del
Siglo XV.

Compositores destacados: John Dunstable en Inglaterra (ca.
1370-1453); Guillaume Dufay (ca.1400-1474) y Gilles
Binchois (ca. 1400-1460) en Francia.

LA ESCUELA DE FLANDES. Se caracteriza porque:
(1)prefiere la polifonía a cuatro voces;
(2)hay más igualdad entre las partes;
(3)se agrega un bajo que le da más profundidad a la
música;
(4)se emplean más tríadas completas y la música tiene
mayor sonoridad;
(5)se emplea el estilo de acordes en bloque
alternadamente con secciones más independientes
rítmicamente, estas últimas por lo general en forma
fugada (p.ej. por medio del empleo de contrapunto
imitativo);
(6)se revela un dominio de la técnica contrapuntística en
este período, lo que no significa que se sacrifique el
aspecto artístico. Se emplean recursos como el canon,
la imitación, el aumento (del valor del tiempo de cada
nota en un tema o melodía), la inversión (voltear el
tema bocarriba) y la retrogradación (tema o melodía
leídos al revés), como en el “canon de cangrejo”;
(7)se emplea mucho el estilo de dueto, especialmente en
los motetes de Josquin, con pasajes de solamente dos
partes a la vez;
(8)desaparece el “fauxbordon” y la cadencia 7-6-1, que es
reemplazada por una “autentica” (V-I), “plagal” (IV-I)
o “modal” de varias clases;
(9)en términos generales Flandes alcanza una belleza
expresiva que se conocerá posteriormente con el nombre
de “música reservata”, con abundantes cromatismos,
enarmonías y disonancias.

La mayoría de los compositores importantes no se quedaron
en los Países Bajos, sino que viajaron a establecerse en
las cortes de otros países europeos, lo que contribuyó a
diseminar su arte. Algunos nombres destacados de finales
del Siglo XV son: Jean Ockeghem (fallecido en 1495), Jacob
Obrecht (fallecido en 1505), Josquin Desprez (fallecido en
1521), Pierre de la Rue (ca. 1460-1518), Jean Mouton
(fallecido en 1522) y Heinrich Isaac (ca. 1450-1517).

Formas musicales en el Siglo XV. Manuscritos. Las formas
que dominaron la música religiosa en el Siglo XV fueron de
carácter litúrgico; esto es, compuestas para el servicio

católico, siendo las principales la Misa y el motete.
Luego de que Machaut compusiera la primera misa polifónica
para el Ordinario del servicio (Kyrie, Gloria, Credo,
Sanctus-Benedictus y Agnus Dei), esta costumbre se extendió
a lo largo de los siglos XV y XVI. El “cantus firmus” para
cada parte de la Misa se tomó de una melodía del canto
llano o incluso de una canción profana. La canción popular
“L’homme armé” fue una de las más usadas por los
compositores, hasta Palestrina. El cantus firmus iba casi
siempre en la voz del tenor y con notas de mayor valor que
las de las otras voces. El texto naturalmente era en latín.

En cuanto al MOTETE de los siglos XV y XVI, puede definirse
como una composición polifónica sobre un texto en latín
(generalmente tomado de la Biblia). Se empleaba en el
Propio del servicio y para ciertos oficios canonicos,
principalmente las Vísperas. Se diferencia de la Misa aún
más en que hace más uso de la imitación y menos del cantus
firmus.

La música profana iba a la zaga de la religiosa. Era menos
convencional, pero también menos sofisticada y erudita.
Mucha seguía siendo monódica y se empleaban algunas formas
del Siglo XIV, como las baladas, los rondos, los virelais,
etc. La CANCION FRANCESA podía ser polifónica u homofónica
y tenía un vivaz ritmo de danza. Los maestros flamencos
contribuyeron mucho a este tipo de música. En Italia se
acumuló una cantidad importante de piezas de carácter
folclorico y sin pretensiones, como la “villota”, la
“canzonetta” y el “balletto”. Hacia finales del siglo XV y
principios del XVI la corte de los Medici en Florencia
comenzó a producir canciones de carnaval. Eran sencillas y
se cantaban a cuatro partes. Heinrich Isaac escribió
muchas de estas piezas. En Alemania surgio el LIED
POLIFONICO, canción popular en forma polifónica. Isaac
también se destacó en este tipo de composiciones. Algunas
de las colecciones importantes son el Old Hall MS inglés,
con himnos y composiciones para la Misa; los siete
volúmenes del Código de Trento, con piezas de 75
compositores; el Odhecaton, imprimido en 1501 por Petrucci,
con composiciones de fines del S. XV, en su mayoria
profanas; el Choralis Constantinus, primer ciclo completo
de motetes para todo el año litúrgico, de Heinrich Isaacs;
y otros más que comprenden música tanto monofónica como
polifónica, como el Lochamer, el Munchner y el Glogauer
Liederbucher.

VII EL SIGLO XVI
Consideraciones generales. La polifonía sagrada de la
Iglesia Católica. Música de la Reforma. Polifonía
profana.

Marco historico: La política del S. XVI está dominada por
Carlos V y Felipe II, del Sacro Imperio Romano. La
filosofía predominante es el Humanismo, lejos de la
teología medieval y más inclinada hacia los intereses del
individuo en este mundo. Este espíritu renacentista se
manifiesta más claramente en las artes y la literatura: Da
Vinci (fallecido en 1519), Miguel Angel, Durero, Holbein;
Maquiavelo en Italia, Rabelais, Montaigne y Ronsard en
Francia; Cervantes en España; Shakespeare, Spenser, Bacon
y Ben Jonson en Inglaterra. Corpernicus y Galileo, lideran
las ciencias, y Lutero domina la esfera religiosa del Siglo
XVI con la Reforma Protestante, seguida por la
Contrarreforma Católica. Desde el punto de vista musical la
Reforma Protestante ejerce la mayor influencia en la
música (religiosa) más que ningún otro evento de la época.
(Aunque no se tratará en esta síntesis, cabe anotar que el
Siglo XV marca la etapa del descubrimiento, conquista y
posterior colonización de America).

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA MUSICA:
(1)la polifonía vocal iniciada en el S. IX alcanza su
maxima perfección en el XVI;
(2)la música profana aumenta en importancia;
(3)la música religiosa es patrocinada por la iglesia, la
profana por la nobleza;
(4)surge un estilo instrumental independiente hacia
finales del S.XVI;
(5)prevalece la modalidad tanto en la música religiosa
como la profana pero aparecen signos de cambio en la
segunda mitad del siglo;
(6)la impresión de partituras ayuda a diseminar la
literatura musical por toda Europa;
(7)Italia le arrebata el liderazgo musical a la escuela
flamenca y Francia e Inglaterra también se convierten
en importantes centros músicales.

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA POLIFONIA SAGRADA DE LA
IGLESIA CATOLICA: Existe una uniformidad de estilo, tal
vez debido a la influencia de los flamencos, lo que no
aplica para la música de la Reforma, como se vera más
adelante:
(1)completo dominio del contrapunto, libertad rítmica y

melódica entre las partes vocales y textura hermosa y
eufónica;
(2)prevalece el ánimo tranquilo en la música litúrgica
renacentista la cual, al no atraer la atención hacia
sí misma se convierte en el vehículo ideal para la
adoración;
(3)se emplean composiciones de cuatro a ocho y hasta más
partes, siendo la más común a cinco partes;
(4)se emplean recursos fugados y acordes en una misma
composición;
(5)la tríada completa se convierte en la base de la
armonía;
(6)tratamiento estricto de la disonancia en la música
polifónica sagrada del Siglo XVI: notas de transición,
tonos vecinos, suspensiones y grupos de notas
cambiantes;
(7)modalidad diatónica con marcada tendencia a mayor y
menor. El cromatismo afectará definitivamente el
estilo modal, como se puede apreciar en la obra de
Lasso y la Escuela Romana tardía;
(8)desaparecen efectos arcaicos como el paralelismo y las
quintas abiertas;
(9)la música litúrgica renacentista probablemente fue
compuesta “a capella”, aunque es posible que se
emplearan instrumentos para doblar las voces o llevar
su propia voz. Sin duda los instrumentos fueron más
importantes en el campo de la música profana del
Renacimiento.

FORMAS, ESCUELAS Y COMPOSITORES: Misa y motete para la
Iglesia Católica; en Italia principalmente se compusieron
“laudi spirituali” (canciones religiosas de alabanza) por
fuera de la influencia de la Iglesia Católica. Se
componían en acordes sencillos y estilo rítmico muy
parecido a la música profana y se escribían en italiano más
que en latín. La música no litúrgica en otros países tuvo
menos importancia. La ESCUELA FLAMENCA preservó las
tradiciones del Siglo XV en la persona de Josquin. El
compositor más importante del S. XVI es Orlando Lassus (ca.
1510-ca. 1558), quien se disputa con el italiano Palestrina
la contribución a la música de la Iglesia Católica. La
ESCUELA ROMANA, estando cerca de la silla papal, se
distinguió en la tradición “a capella” con la figura del
mencionado Giovanni Pierluigi da Palestrina (ca.
1525-1594), cuyo nombre es sinónimo de perfección en la
polifonía sagrada vocal. A la música de la ESCUELA
ESPAÑOLA contribuyeron las figuras de Cristóbal de Morales

(ca.1500-1553) y Tomas Luis de Victoria (ca. 1540-1611),
quienes siguen los principios de la escuela romana, con una
agregada cualidad expresiva. Pero el estilo más
sobresaliente es quizá el de la ESCUELA VENECIANA, con el
aporte de su: (1) “música policoral” para dos o más coros y
efectos antifonales al ubicar los coros en diferentes
partes de la iglesia; y (2) la magnificencia de su música,
en parte consecuencia de lo anterior, de sus atrevidas
amonías y ricas texturas. Los compositores más importantes
fueron Adrian Willaert (flamenco, fallecido en 1562),
Andrea Gabrieli (ca.1510-1586) y su sobrino, Giovanni
Gabrieli (1557-1612). En cuanto a la ESCUELA INGLESA,
llama la atención la extensa literatura en música católica
a pesar de los conflictos religiosos y del surgimiento del
Anglicanismo, doctrina que retuvo muchas de las prácticas
católicas. El motete se escribió en lengua inglesa y se lo
llamó “anthem”. Hacia finales del Siglo XVI apareció el
“verse anthem” (himno en verso) con solistas,
acompañamiento instrumental y coro, donde solista y coro
alternaban por secciones. Principales compositores: Thomas
Tallis (ca.1505-1585), William Byrd (1543-1623), el más
importante; y Orlando Gibbons (1583-1625), quien escribió
solamente para el servicio anglicano. Finalmente, la
ESCUELA ALEMANA pasó por una experiencia distinta: la
música católica no floreció en el Siglo XVI debido a la
Reforma Protestante de Lutero y no hubo una escuela de
polifonía sagrada propiamente dicha. Los únicos nombres de
importancia son el alemán Jacobus Gallus (1550-1591) y el
suizo Ludwig Senfl (ca.1492-ca.1555).

LA MUSICA DE LA REFORMA. Tal vez el peor cataclismo
ocurrido en la historia de la iglesia católica fue la
Reforma de Martín Lutero (1483-1546) en el Siglo XVI, quien
con sus Noventa y Seis Tesis (1517) y ataques políticos y
teológicos a la Iglesia (1520) puso en evidencia los
profundos conclictos que venía sufriendo la institución
desde tiempo atrás. La revuelta protestante se extendió a
Suiza con Zwingli y Calvino, aunque estos no tenían la
disposición musical del gran reformador. En Francia los
hugonotes (calvinistas) desarrollaron una importante
escuela de música y en Inglaterra el Anglicanismo defendió
algunos adelantos musicales.

Influencia de Lutero en la música: Lutero estaba convencido
de la importancia de la música en la religión. Conservó la
Misa y el motete del servicio católico y fortaleció la
tendencia de sustituir el latín por el alemán en el mismo.

Se invitó a la congregación a participar, una práctica que
se habia perdido en la iglesia católica desde las reformas
gregorianas a fines del Siglo VI. Surgió un número
considerable de canciones religiosas llamadas “corales”,
comparables en importancia al mismo canto llano. Estas
corales eran cantadas al unísono por la congregación, a
cuatro partes por el coro y finalmente ejecutadas por el
órgano. El principal colaborador de Lutero en este proceso
fue Johann Walter (1496-1570).

La melodía del coral se aparta del canto llano católico en
que:
(1)tiene métrica;
(2)el ritmo es lento y parejo;
(3)la fraseología es más clara y regular;
(4)la melodía es mayor o menor, más que modal;
(5)su rango limitado, ritmo parejo y progresión melódica
lo hace fácil de cantar;
(6)es armonizada (Las corales armonizadas más famosas son
las de Johann Sebastian Bach en el Siglo XVIII); y
(7)se canta en alemán.

Las fuentes de las melodías de los corales son
principalmente tres:
(1)el canto llano modificado y adaptado a textos en
alemán;
(2)melodías tomadas del repertorio profano (p.ej. la
canción de Isaac “Innsbruck, ich muss dich lassen” se
convierte en “O Welt, ich muss dich lassen”; y el
famoso coral “Cabeza ensangrentada” de la Pasión
según San Mateo de Bach viene de una canción amorosa
que dice “Mis sentimientos están confundidos por causa
de una tierna joven”; finalmente, las
(3)melodías originales de los corales fueron compuestas
por músicos protestantes; la más famosa sin duda es el
“Ein Feste Burg” (Castillo fuerte), de Martín Lutero,
convertido en el Himno de la Reforma.

Usos del coral: la importancia del coral se aprecia en el
hecho de que se convirtió en la espina dorsal del servicio
luterano; no solamente agrupó un enorme numero de melodías
para canto congregacional y en el hogar, sino que se empleó
como cantus firmus en muchas formas polifónicas:
(1)en el preludio coral para órgano;
(2)en los montajes polifónicos vocales; y
(3)en los coros de las cantatas sagradas y partes
instrumentales de la cantata como se apreciará más

adelante durante el período barroco.

Música de la Reforma francesa: Aquí el movimiento musical
fue más bien modesto. El Salterio Hugonote fue completado
en 1561 y su intención probablemente fue para usarla en el
hogar más que en la congregación. Algunos de los
compositores más importantes fueron Claud Goudimel
(ca.1505-1572), Claude Lejeune (1528-ca.1600) y Jacques
Mauduit (1557-1627); los salmos fueron versificados por
Clement Marot y Theodore Beze. Las melodías semejan la
armonización de los corales alemanes y:
(1)son de estilo sencillo;
(2)aunque escritas principalmente en acordes en bloque no
excluyen totalmente la polifonía;
(3)la melodía principal la lleva la soprano;
(4)emplean un ritmo directo, más variado y animado que el
coral alemán;
(5)el ritmo y la métrica siguen la acentuación del texto.

La música en la iglesia anglicana está relacionada con la
polifonía sagrada, a la que se le debe agregar el “Canto
Anglicano” para cantar salmos, cánticos y otros que
difieren de la Iglesia Católica porque:
(1)se canta en inglés;
(2)su amonía es sencilla, a cuatro partes; y
(3)es muy métrica.
Los compositores más importantes: Tallis, Byrd, Morley y
Gibbons.

LA MUSICA PROFANA DEL SIGLO XVI tuvo progresos importantes
y por primera vez en la historia de la música rivalizó con
la polifonía religiosa, pero sus características difieren
de ésta en que:
(1)tiende a tener un ritmo más fuerte y vivaz;
(2)tiende a la tonalidad mayor, más que al sabor modal;
(3)emplea consistentemente textos profanos en lengua
vernácula;
(4)se limita a cuatro o cinco voces; y
(5)el cantus firmus se emplea con menos frecuencia y
menos estrictamente como base de la polifonía.

La música profana en Italia: El Renacimiento en Italia no
solamente produjo una gran literatura, pintura y música
sagrada, sino que contribuyó también al desarrollo de la
música profana con formas como (1) la FROTTOLA, danza del
norte de Italia de comienzos de siglo, de estilo popular.
La melodía la lleva la soprano y generalmente es armonizada

en acordes. Las voces bajas probablemente eran
interpretadas por instrumentos. Compositores de esta forma
fueron Marco Cara y Bartolommeo Tromboncino; la VILLANELLA,
relacionada con la anterior; proviene del sur de Italia
pero sus textos son más refinados y su música más
sofisticada; tiende a lo paródico. Compositores: Adrian
Villaert, Baldassare Donati, Giovanni Gastoldi y Luca
Marenzio. Todos ellos fueron también compositores de
MADRIGALES, los cuales no deben confundirse con los del Ars
Nova; se proyecta ademas hasta muy entrado el siglo XVII y
se reconocen tres períodos: (1) el PERIODO TEMPRANO
(1525-1560), de estilo homofónico con la melodía en la voz
más alta, más bien tranquilo, como en la polifonía sagrada.
Compositores: Adrian Willaert, Jacques Arcadelt (ca. 1514-
ca.1570), Philippe Verdelot (fallecido antes de 1567) y
Constanzo Festa (fallecido en 1545); (2) el PERIODO MEDIO
(1560-1590) generalmente con melodías a cinco partes y
estilo más polifónico; el texto es interrumpido por
silencios que le agregan emoción; también emplea
descripciones sencillas extramusicales. Representantes de
este estilo fueron Lasso, Palesltrina, Andrea Gabrieli,
Cyprian de Rore (1516-1565) y Philippe de Monte; y (3) el
PERIODO TARDIO, donde se aprecia una transición de la
polifonía a la homofonía con uso de voces solistas. Es
todavia más expresivo y despliega cierto virtuosismo
(facilidad técnica). También hace mucho uso del cromatismo.
Los principales representantes son Luca Marenzio,
Baldassare Donati, Orazio Vecchi (ca.1550-1605), Don Carlo
Gesualdo (ca. 1560-1614), Giovanni Gastoldi y Claudio
Monteverdi (1567-1643).

Un antecedente interesante de la ópera del Siglo XVII es la
COMEDIA MADRIGAL, forma cuasi-dramática en la que se
entrelazan madrigales a manera de diálogo sobre temas
pastoriles. Un ejemplo es el AMFIPARNASSO (1594) de Vecchi
y el MADRIGAL ESPIRITUAL, de contenido religioso y moral.

La música profana del Renacimiento en Inglaterra brilló
bajo el esplendor de la época Isabelina y sus grandes
logros en el campo del drama y la poesía. Alcanza su punto
máximo poco después del madrigal italia,o. El MADRIGAL
INGLES se ve influenciado por el de Italia pero se
desarrolla dentro del espiritu del temperamento inglés,
mezcla de melancolía y regocijo. Citemos algunas de sus
características:
(1)la excelencia del verso inglés, de gran contribución
al valor artístico de la música;

(2)está escrito para voces solistas en pequeños grupos;
(3)emplea de cuatro a seis voces;
(4)utiliza más acordes y es más ritmico que el madrigal
italiano;
(5)es característicamente diatónico, en contraste con el
cromatismo italiano;
(6) usa el coro “fa-la-la” y otras sílabas sin sentido en
el refrán, práctica tomada tal vez del balletto o la
villanella de Italia;
(7)no es raro encontrar cambios en la métrica (p.ej. 3/4
y 4/4 en la misma composición).
Compositores: William Byrd, Thomas Morley (ca.1557-1603),
John Wilbye (ca.1574-1638), Thomas Weelkes (ca.1575-1623),
John Ward (fallecido hacia 1640), Orlando Gibbons
(1583-1625) y otros más. La colección más importante de
madrigales ingleses se titula “Triunfos de Oriana” (1603),
dedicada a la reina Isabel I y compuesta por los
principales madrigalistas de la época. Cada uno concluye
con la linea “Larga vida a Oriana”. La idea imita una
colección similar de madrigales italianos titulada “ El
Triunfo de Dori” (1592)

Los ingleses manejaron otras formas como la CANZONET,
similar al madrigal pero solamente para dos o tres voces,
con ritmos y textos alegres, generalmente de indole
campesina. Su principal representante fue Thomas Morley;
el AYRE, desarrollada a partir del madrigal, canción
estrófica, homofónica. La melodía es apoyada por otras
voces o instrumentos, o ambos, siendo el laúd el
instrumento preferido. Mencionemos los nombres de John
Dowland (1563-1626) y Francis Pilkington (fallecido en
1638), entre otros.

La canción polifónica francesa: Su mayor contribución a la
música del Renacimiento fue la CANCION POLIFÓNICA. También
aqui la excelencia literaria llevó un papel importante
gracias a la presencia de poetas como Ronsard. La CHANSON
(CANCION) francesa del Siglo XVI se distingue porque:
(1)está escrita generalmente para cuatro voces, siendo la
alta la más prominente;
(2)tiene casi siempre un ritmo alegre;
(3) presenta dos estilos métricos: el de la CHANSON RIMEE,
muy regular; y la CHANSON MESUREE de fines de siglo,
donde la sílaba acentuada recibe el doble del valor de
las no acentuadas que producen efectos de
irregularidad;
(4)uso frecuente de motivos con notas repetidas al

comienzo de la canción;
(5)la composición es libre (no basada en un cantus
firmus);
(6)finalmente hay tres tipos de chanson: fugado, de
acordes en bloque y la canción solista acompañada
instrumentalmente.

Hubo numerosos compositores, pero mencionemos solamente a
Pierre de la Rue (ca. 1460-1518) y Claude Lejeune
(1528-1600).

La canción polifónica alemana se basaba en melodías
folclóricas ya existentes; algunas se acompañaban con
acordes sencillos, pero otras eran de una fina polifonía.
Utilizaban la imitación, generalmente a cuatro voces y
había numerosos arreglos para órgano. En la segunda
mitad del siglo se siguieron los modelos italianos.
Entre sus compositores mencionemos a Heinrich Isaac y
Hans Leo Hassler (1564-1612). Ludwig Senfl escribió unas
composiciones llamadas QUODLIBET, de carácter
humorístico, donde se combinaban varias piezas
folclóricas disímiles al mismo tiempo. Los quodlibets
fueron muy populares en los siglos XV y XVI.

LA MUSICA INSTRUMENTAL HASTA 1600 no se desarrolló tanto
como la vocal pero a partir del Renacimiento hay un
despertar que continuará creciendo hasta el Siglo XVIII,
cuando su importancia sobrepasará la de la música vocal.
Ello implicaba el darse cuenta de que los instrumentos
permiten y necesitan un tratamiento diferente al de las
voces:
(1)angularidad de la linea melódica, y uso de saltos;
(2)mayor rango de la línea melódica;
(3)notas sostenidas, frases largas;
(4)ritmos agudos, acentos fuertes, síncopa;
(5)tratamiento de la disonancia más libre que en la
música vocal;
(6)notas y figuras rápidas y repetidas;
(7)escalas rápidas;
(8)partes agregadas libremente y acordes, especialmente
en la música para laúd y teclado;
(9)ornamentacion melódica, incluyendo la “figuración”
(figuras o patrones repetidos sobre cada nota de la
melodía básica), “embellecimientos” (mordentes,
trinos, etc.) y “coloración” (material melismático
libremente agregado a las notas básicas de la
melodía); esto último no se limitaba a la música

instrumental.

Instrumentos y música instrumental antes de 1600:
Recordemos que la música instrumental no se desarrolló
sino a partir del Siglo XVII, pero el laúd y la música de
teclado tenían ya su idioma particular. La mayor parte
siguió el estilo tradicional de la música vocal del
período. Antes de 1600 los instrumentos se empleaban
para acompañar la monodia (p.ej. de los trovadores) de
manera improvisativa; también doblaban o llenaban la
polifonía vocal. Por lo demás, los instrumentos se
empleaban para la danza. Muchos de los instrumentos de
entonces se hicieron obsoletos (salvo por el reciente
interés por recuperar los aires antiguos), excepción
hecha del oboe que, con algunas mejoras en su mecanismo,
ha permanecido prácticamente igual. El clavecín, el
virginal, el clavicordio y demás instrumentos de teclado
fueron desplazados definitivamente por el piano hacia
finales del Siglo XVIII. Las violas fueron reemplazadas
a su vez por el violín y sus parientes a fines del Siglo
XVII. El sonido suave y opaco de la flauta dulce fue
reemplazado por el de la brillante flauta travesera. Los
instrumentos de metal eran rudimentarios y limitados; al
laúd le sucedió la guitarra, aunque esta nunca gozó de la
popularidad de su ancestro. Solamente a partir de los
esfuerzos de Andrés Segovia ha logrado la guitarra
posicionarse como un instrumento a nivel concertante; la
guitarra eléctrica ha sido favorita de los conjuntos
populares, de jazz y de rock. El órgano dio pasos
gigantescos y fue el instrumento por excelencia para
acompañar la música sagrada. Se construyeron enormes y
complejos instrumentos que todavía se encuentran en las
principales catedrales del mundo. Antes de 1600 se
utilizaban principalmente instrumentos de viento pero sin
ser estandarizados y no se los utilizaba en música de
conjunto.

Formas instrumentales
Danzas del Siglo XIII: Las más comunes son la
“estampida” y la “danza real”, fuertes, en tiempo triple,
característico del período. Patrón rítmico monótono (a
partir de los modos rítmicos). Rango limitado. Las
danzas eran interpretadas por un solo instrumento,
generalemente un oboe o una flauta y tambor.
Danzas del Siglo XIV: La “rota” y el “saltarello” son las
más comunes. Emplean tiempos dobles o triples y los
patrones rítmicos son más variados que los del Siglo

XIII. Se ejecutaban con instrumentos de cuerda o de
viento y tambores.
Danzas del Renacimiento (siglos XV y XVI): generalmente
iban en pares con la misma melodía pero con diferente
ritmo y métrica ya que esta era la forma prevalente de la
danza y se convertiría en el prototipo de la suite de
danza barroca. La “basse dance” es lenta, en 3/4 y va
seguida del “tourdion”, alegre y en 4/4; otro par esta
conformado por la “pavane”, lenta, en 4/4, seguida de la
“gaillarde”, en tiempo triple, rápido. Su equivalente
en Italia eran la “ronde” y el “saltarello”. En Alemania
se llamaba a estos pares “Tanz” y “Nach-Tanz” y se
escribían para laúd, instrumentos de teclado o ensamble
instrumental.
Fantasías: Las piezas asi denominadas también eran
escritas para laúd, instrumentos de teclado o ensamble
instrumental. Generalmente eran polifónicas con mucho
contrapunto imitativo. No siguen una forma estructural
básica ni son estrictamente contrapuntísticas, aunque en
Inglaterra podían tener un tratamiento polifónico. Se
basaban en canciones folclóricas.
La toccata y el preludio: Eran de estilo improvisatorio,
escritas para órgano, clavecín o laúd y se caracterizaban
por su virtuosidad (pasajes de escalas rápidos, arpegios,
etc.) Podían emplear material polifónico o de acordes en
bloque.
Composiciones de cantus firmus: Las composiciones basadas
en una melodía prestada (que podía ser del canto llano,
un coral alemán o una melodía profana) se escribían
principalmente para el órgano. Llevaban el nombre de la
melodía prestada y eran consistentemente polifónicas. El
cantus firmus se destaca por notas largas y sostenidas,
aunque podían llevar algún adorno.
El ricercare: En los Siglos XVI y XVII este término se
uso para varios tipos de piezas instrumentales, siendo el
más comun el polifónico, como una pieza eclesiástica para
el órgano. Es más bien un motete instrumental en un
tiempo lento y solemne. Al igual que en el motete,
emplea varios temas cortos o motivos que se presentan
sucesiva, contrapuntísticamente imitado en todas las
voces con inversiones, aumentos y retrogradaciones del
material temático.
La canzona: Es la contraparte profana del ricercare.
Difiere de éste en sus largos pasajes fugados imitados
por todas las voces y es más vivaz que el ricercare. Se
utiliza la misma melodía en tiempos y medidas
contrastantes. Tanto el ricercare como la canzona darán

paso a la fuga del Siglo XVII.
La variación: Es importante porque se ha mantenido hasta
nuestros dias. Es una de las contribuciones más
importantes de los laudistas españoles y los
virginalistas ingleses del Siglo XVI. Se basa en una
melodía popular repetida varias veces con una figuración
distinta. La virtuosidad es una de sus características.
El “ground” inglés es un tipo especial, con un tema que
se repite constantemente con la variación por encima del
mismo. Otras formas similares son la “passacaglia” y la
“chacona”, muy comunes durante el barroco.

Clases instrumentales: estilos, formas, escuelas,
compositores: (1) Música para laúd: de ca. 1450 a ca.1650
el laúd, un instrumento similar a la guitarra, con trastes,
6 cuerdas y un largo cuello, fue tan importante entonces
como hoy lo es el piano. Servía como instrumento
acompañante, como solista, o dentro de un ensamble. Se
exigía cierto virtuosismo para las escalas rápidas y los
adornos. Se intentaba un estilo polifónico auncuando el
instrumento no lo permitía, saltando de una voz a otra. El
uso más común era en acordes. Aunque hubo importantes
laudistas en toda Europa, nos limitaremos a mencionar al
español Luis de Milán (ca.1500-ca.1561) y al inglés John
Dowland (1563-1626). El órgano se asoció casi
exclusivamente con la música para la iglesia y duplica el
estilo de la polifonía vocal. No se aprecia mucho
virtuosismo excepto por algunas toccatas y se empleaba
mucha ornamentacion en la ejecución de fantasías, toccatas,
ricercares, canzonas, cantus firmus basados en melodías del
canto llano para la Iglesia Católica y corales para los
servicios protestantes, lo mismo que “verses” o “versets”,
piezas cortas que interpretaba el organista entre los
versos de un himno cantado por la congregación o el coro.
A pesar de haber también nombres famosos, se destaca el de
Antonio de Cabezón (1510-1566) en Espana (quien también se
recuerda por sus “diferencias” (variaciones) para el
clavecín) y Andrea y Giovanni Gabrieli en Italia. John
Bull (ca.1562-1628) en Inglaterra. Este compositor, William
Byrd, Orlando Gibbons y otros más, se destacaron como
compositores de música para el virginal, un instrumento muy
preferido en Inglaterra. No existían ensambles como tal
pero cuando tocaban varios instrumentos de la familia de
las violas se le daba el nombre de “consort” de violas y,
si se mezclaban con flautas, consort mixto. Los grupos de
metales fueron más bien empleados por la escuela veneciana.

IX LA NOTACION MUSICAL HASTA 1600
Ver ATLAS I, pp.182/3, 114/5, 174/5, 186/7 (neumas),
220/1,2 (10/11, 214/15, 224/25 – mensural)

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