Programa Málaga Clásica

Jesús Reina & Anna Nilsen
directores artísticos
INSPIRADO EN EL FOLCLORE
del 25 de mayo al 1 de junio
2014
FESTIVAL INTERNACIONAL
DE MÚSICA DE CÁMARA

Este avance de programación tiene carácter informativo y puede ser objeto de posteriores
modificaciones. Actualizaciones en www.teatrocervantes.es
www.malagaclasica.com
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MÁLAGA
MAYO JUNIO
2014
INSPIRADO
EN EL FOLCLORE

MÁLAGA#CLÁSICA
Festival Internacional de Música de Cámara
Jesús Reina & Anna Nilsen directores artísticos
Inspirado en el folclore
del 25 de mayo al 1 de junio 2014
TEATRO ECHEGARAY
25 mayo 19.00 h. Presentación
(Dvorák, Brahms)
26 mayo 21.00 h. Música folclórica húngara
(Bartók, Dvorák, Ravel, Brahms)
27 mayo 21.00 h. Música folclórica rusa
(Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Stravinsky, Tchaikovsky)
29 mayo 21.00 h. Música folclórica americana
(Gershwin, Copland, Ravel, Ives, Dvorák)
30 mayo 21.00 h. Música folclórica noruega
(Grieg, Kvandal, Halvorsen, Grøndahl, Sommerfeldt, Grieg)
31 mayo 20.00 h. Música folclórica alemana & austríaca
(Haydn, Mahler, Schumann, Schubert)
TEATRO CERVANTES
1 junio 19.00 h. Música folclórica española
(De Falla, Turina, Shostakovich, Granados, Sarasate)
El concierto del 25 de mayo irá precedido de una charla introductoria con proyección de imágenes.
Los conciertos de los días 26, 27, 29, 30, 31 y 1 irán precedidos de una charla introductoria y la
actuación de un grupo folclórico del país al que se dedica el programa.
The concert on May 25th will be preceded by an introductory talk and the projection of images.
The concerts from the 26th to the 31st of May and June 1st will be preceded by an introductory talk
and the performance of a folk music group from the country to which the program is dedicated.

Estimado público,
Es un placer daros la bienvenida un año más a Málaga#Clásica. Después de haber podido obsequiaros con un programa que
abarcaba música indispensable de todas las épocas, os brindamos un festival, bajo el subtítulo ‘Inspirado en el folclore’, lleno de
colorido, la magia del folclore y en el que se mostrará el origen folclórico en el repertorio de música clásica, tomando la música
de cámara como protagonista. Además, pondremos de nuevo a disposición de jóvenes músicos los artistas de Málaga#Clásica,
quienes impartirán cursos a grupos de cámara y clases magistrales abiertas al público.
Somos muchos los músicos clásicos y demás artistas que nos iniciamos en el folclore. Un gran número de compositores tomaron
como base el folclore de su país y el de otros que consideraban exóticos como inspiración para su música: Turina, Debussy, Grieg,
Tchaikovsky, Stravinsky, Bach, Beethoven, Brahms... la lista es extensísima. En esta edición de Málaga#Clásica ‘Inspirado en el
folclore’ mostraremos varios de los folclores que más relevancia tuvieron en el repertorio que ha perdurado en el mundo de la
música. Cada folclore será interpretado en directo por una banda folclórica del país correspondiente e intercalado en el programa
por obras de compositores, en formación camerística, que incluyeron estos folclores en su música.
Bandas folclóricas de siete países tomarán los escenarios de los teatros Echegaray y Cervantes: Alemania, Austria, España,
Estados Unidos, Hungría, Noruega y Rusia. Más de treinta músicos se citarán en este evento musical y social, en el que se resalta
esa unión por medio del lenguaje universal de la música y sus orígenes, cuyas raíces se encuentran en el folclore.
Atentamente,
Jesús Reina y Anna Nilsen
Directores artísticos
Dear audience,
It is a pleasure to welcome you once again to Málaga#Clásica. After being able to offer you a program that included music
essential to all epochs, we bring you a festival under the subtitle ‘Inspired by Folklore’, full of color, the magic of folklore and
where the folkloric origins of classical music will be shown, having chamber music as the protagonist. In addition, the artists of
Málaga#Clásica will once again be available to young musicians, giving them master courses and masterclasses open to the
public.
Many of us musicians and other artists initiated our journey in folk music. A great number of composers took as a base folk music
of their country -or of some other country they may have considered exotic- as an inspiration: Turina, Debussy, Grieg, Tchaikovsky,
Bach, Beethoven, Brahms... and the list goes on. In this edition of Málaga#Clásica, ‘Inspired by Folklore’, we will show various
types of folk music which had relevance to the renowned music repertoire. Each kind of folk music will be performed live by a
folk band of its respective country and interchanged in the program by works of composers (in chamber music formations) whom
included these folk tunes and dances in their music.
Folk bands from six different countries will take the stages of the theaters Echegaray and Cervantes: Germany, Hungary, Norway,
Russia, Spain and the United States. More than thirty musicians will be united in this musical and social event, highlighting this
unity through the universal language of music and its origins, rooted in folklore.
Sincerely,
Jesús Reina & Anna Nilsen
Artistic Directors

TEATRO ECHEGARAY
Mayo
19.00 h.
Presentación
I
ANTONÍN DVORÁK (1841-1904)
Quinteto para piano y cuerdas en La mayor, Op. 81
Anna Margrethe Nilsen y Jesús Reina violín Jesús Rodolfo Rodríguez viola
Dmitri Atapine violonchelo Christopher Schmitt piano
II
JOHANNES BRAHMS (1833-1897)
Quinteto de cuerdas en Sol mayor, Op. 111
Jesús Reina y Anna Margrethe Nilsen violín Chieh-Fan Yiu y Jesús Rodolfo Rodríguez viola
Hiro Matsuo violonchelo
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TEATRO ECHEGARAY
Mayo
21.00 h.
Música folclórica húngara
I
BÉLA BARTÓK (1881-1945)
“Contrasts” para violín, clarinete y piano
Regi Papa violín Christine Carter clarinete Anna Petrova piano
Selección de Zigeunerlieder (Canciones gitanas), Op. 55
Aurelio Gabaldón tenor Edvinas Minkstimas piano
MAURICE RAVEL (1875-1937)
Tzigane
Anna Margrethe Nilsen violín Christopher Schmitt piano
II
JOHANNES BRAHMS (1833-1897)
Cuarteto para piano y cuerdas en sol menor, Op. 25
Jesús Reina violín Matthew Lipman viola Hiro Matsuo violonchelo Edvinas Minkstimas piano
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ENTRE LAS DIVERSAS MÚSICAS Y DANZAS HÚNGARAS se encuentran el verbunkos (originada en la música que
se solía tocar en los reclutamientos militares), la csárdás (procedente del verbunkos) y la nóta (música húngara
interpretada en el estilo gitano).
En el siglo XX, los compositores húngaros se influenciaron por la tradición musical de su nación, que se
convertiría en una fuente directa de inspiración. Este hecho perduró y motivó que el folclore se hiciera parte
de la identidad de la música clásica de Hungría. Al pianista y compositor húngaro Béla Bartók le fascinaron las
melodías folclóricas y la cultura que las rodeaba. Él y su compatriota Kodály viajaron por todo el país buscándolas
y escuchándolas para luego archivarlas y utilizarlas en su música. Béla Bártok fue uno de los fundadores de la
etnomusicología y se le considera uno de los compositores más célebres del siglo XXI.
Pero la cultura húngara ha sido una gran influencia en otros muchos compositores y países. No sólo el folclore
húngaro sino también –y tal vez sobre todo– la modalidad de música gitana que habitualmente se relaciona
con Hungría. El compositor checo Dvorák le rindió homenaje con sus ‘Zigeunerlieder’ o ‘Canciones gitanas’ y el
músico francés Ravel compuso obras como Tzigane, claramente fascinado por la improvisación y los sonidos que
brotan de ese estilo musical.

Concretamente Bartók y Ravel imitan cualidades del idioma húngaro en sus ritmos, haciendo de la música algo casi hablado,
mientras Dvorák se centra más en la canción y simple belleza de sus melodías.
Brahms fue una figura muy importante para la inclusión de la música de Hungría en el repertorio composicional. Sus ‘Danzas
húngaras’ (realmente adaptaciones de canciones populares) fueron parte de su gran testamento sobre lo que significaba esta
cultura para él. Tal vez por su amistad con Joachim, violinista húngaro, y por la cercanía de Viena a Budapest, la música gitana
húngara se abre lugar en gran parte del repertorio del compositor, siendo el ejemplo más claro en este programa el ‘rondó’ de
su Cuarteto para piano y cuerdas en sol menor.
HUNGARIAN FOLK MUSIC. Amongst the various musical genres and dances of Hungary are the Verbunkos (originating from the
music played during army recruitments), the Csárdás (which come from the Verbunkos) and the Nóta (Hungarian music played
in gypsy style).
During the 20th Century, Hungarian composers became very fond of their country’s music and it became a direct source of their
inspiration. This fondness lasted and became a part of classical music’s identity in Hungary. The Hungarian pianist and composer
Béla Bártok was fascinated by folk melodies and the culture surrounding them.
Bártok and his colleague Kodály traveled throughout Hungary searching for and listening to folk tunes that they would then
archive and include in their music. He was one of the founders of ethnomusicology and is among the most important composers
of the 21st Century.
In addition, Hungarian culture has been a great influence in many countries. This influence does not only include Hungarian
folkore but also- and perhaps even more so- the gypsy music which is related and commonly attributed to Hungary. The Czeck
composer Dvorák for instance, gave homage to the gypsy culture with his “Zigeunerlieder” or “Gypsy Songs” and the French
musician Ravel composed works as Tzigane, clearly fascinated by improvisation and the sounds emanating from that music.
Bartók and Ravel specifically imitated qualities of the Hungarian language in their rhythms, making of music something almost
speach-like, while Dvorák focused more on the song and simple beauty of its melodies.
Brahms was a very important figure for Hungarian’s music inclusion in the compositional repertoire. His Hungarian dances
(really being transcriptions of popular songs) were a big part of his testament towards what that culture meant to him.
Maybe due to his friendship with Joachim, a Hungarian violinist, and because of Vienna’s proximity to Budapest,
gypsy Hungarian music finds its place in a vast amount of Brahms’ repertoire - the clearest
example in this program being the “Rondo” of his Piano Quartet in g minor.

TEATRO ECHEGARAY
Mayo
21.00 h.
Música folclórica rusa
I
MIKHAIL GLINKA (1804-1857)
Selección de canciones para voz y piano
Aurelio Gabaldón tenor Anna Petrova piano
NIKOLAY RIMSKY-KORSAKOV (1844-1908)
Selección de canciones para voz y piano
Aurelio Gabaldón tenor Anna Petrova piano
ALEXANDER BORODIN (1833-1887)
Cuarteto de cuerda no. 2 en Re mayor
Anna Margrethe Nilsen y Jesús Reina violín Jesús Rodolfo Rodríguez viola Dmitri Atapine violonchelo
II
IGOR STRAVINSKY (1882-1971)
L’Histoire du soldat (La historia del soldado) para violín, clarinete y piano
Anna Margrethe Nilsen violín Christine Carter clarinete Anna Petrova piano
PIOTR ILYICH TCHAIKOVSKY (1840-1893)
Souvenir de Florence para sexteto de cuerda en re menor, Op. 70
Jesús Reina y Anna Margrethe Nilsen violín Jesús Rodolfo Rodríguez y Chieh-Fan Yiu viola
Hiro Matsuo y Dmitri Atapine violonchelo
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DEBIDO AL FANATISMO POR LA MÚSICA EUROPEA durante el siglo XVIII en la corte imperial rusa, bajo el
mandato de las emperatrices Elizabeth y Katherina, los compositores rusos se sentían obligados a componer en
el estilo occidental si querían que su música se tocase públicamente. Incluso antes de ese período era complicado
componer libremente, pues la iglesia ortodoxa se oponía a la música secular e invitaba habitualmente a
compositores de occidente para cumplir su propósito.
Sin embargo, en el siglo XIX, un grupo de compositores conocido como ‘Los Cinco’ (o ‘El gran puñado’),
integrado por Balakirev, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Borodin y Cui, cambiaría el curso de la historia de la
música en Rusia.

Siguiendo el ejemplo de Glinka, considerado el padre de la música clásica rusa, ‘Los Cinco’ tenían como meta hacer que las
tradiciones musicales, históricas, folclóricas y literarias fuesen parte de la música clásica. Aunque previamente había otros
compositores rusos y música que contenía texto nacional, Glinka fue el primero en usar auténticas melodías rusas en sus obras.
Este programa incluye a Rimsky-Korsakov y a Borodin, dos de “Los Cinco”, precedidos por Glinka.
Otros artistas influyentes en la escena musical de Rusia fueron los pianistas Anton y Nikolay Rubinstein, quienes fundaron la
Sociedad Musical Rusa (RMS). Aunque era contrario en el origen de su fundamento con “Los Cinco” (tenía un enfoque mucho
más conservador musicalmente), la RMS brindaría un abanico de compositores de los que algunos tuvieron el más grande
impacto internacional hasta el día de hoy: Tchaikovsky y Rachmaninoff. Esto se debió en gran parte a la creación por la RMS de
dos conservatorios que se mantendrían como los centros mundiales para la tradición musical y didáctica durante décadas: los
de San Petersburgo y Moscú.
Pero la idea de la música folclórica como firma identificativa de la música en Rusia se mantuvo firmemente e, incluso, fue
capaz de encontrar un espacio en el Souvenir de Florence de Tchaikovsky. Aquí tenemos a un compositor ruso inspirado en
una cultura extranjera y manifestándolo a través de música folclórica de su propio país, como podemos apreciar en sus dos
últimos movimientos. La música folclórica rusa también se paseó hasta llegar a Stravinsky, a finales del siglo XIX y principios
del XX, quien llenó su música de canciones folclóricas hábilmente barajadas con su estilo “experimental”. No sólo las canciones
folclóricas crean el universo musical de Rusia, como uno puede comprobar en L’Histoire du soldat o La historia del soldado, la
cual se basa en el cuento folclórico de Alexander Afanasyev: El soldado fugitivo y el Demonio.
RUSSIAN FOLK MUSIC. Due to the fanatism in the 18th Century for European music at the Russian imperial court, under the
reign of the Empresses Elizabeth and Katherina, Russian composers felt obliged to compose in the Western style if they wanted
their music to be performed publicly. Even before that time, it was complicated to compose freely, because the Orthodox Church
prohibited secular music and would invite Western composers to serve their purpose.
However, in the 19th Century a group named “The Five” (also known as “The Mighty Handful”), formed by composers
Balakirev, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Borodin y Cui, would change the course of music history in Russia.
Following the example of the composer Glinka, who is considered the father of Russian classical music, “The Five” had as a
goal to include traditional Russian music, history, folk tales and literature in classical music. Even though there previously had
been other Russian composers and music which contained national text, Glinka was the first to use authentic Russian tunes in his
music. This program includes Rimsky-Korsakov and Borodin, two of “The Five”, preceded by Glinka.
Other artists who were influential in the musical scene of Russia were pianists Anton and Nikolay Rubinstein, who founded the
Russian Musical Society (RMS). Even though it was almost clashing in the nature of its foundation with “The Five” (it had a more
musicallyconservativeapproach),theRMSwouldproduceanarrayofcomposers,someofwhomhadthebiggestinternationalimpact
until today: Tchaikovsky and Rachmaninoff. This was due in great part to the creation of two conservatories which would remain
as the world’s center for musical tradition and instruction for decades to come, the Saint Petersburg and Moscow conservatories.
But the idea of folk music being a signature mark in the music of Russia was still holding strong, and it even managed to find
its space in Tchaikovsky’s Souvenir de Florence. Here we have a Russian composer who was likely inspired by a foreign culture
and manifests it through folk music of his own country, as we can appreciate in the last two movements of this piece. Russian
folk music also took a stroll all the way to Stravinsky, in the late 19th and 20th Century, who filled his music with folk tunes,
nicely shuffled with his “experimental” style. Not only folk tunes but also folk stories make up the musical world of Russia, as
one can witness in L’Histoire du sodat or The Soldier’s Tale, which is based on the Russian folk tale by Alexander Afanasyev: The
Runaway Soldier and The Devil.

TEATRO ECHEGARAY
Mayo
21.00 h.
Música folclórica americana
I
GEORGE GERSHWIN (1898-1937)
Preludios para violín y piano
Regi Papa violín Christopher Schmitt piano
AARON COPLAND (1900-1990)
“Old american songs”, set no. 1
Nils Nilsen tenor Edvinas Minkstimas piano
MAURICE RAVEL (1875-1937)
Sonata para violín y piano no. 2
Jesús Reina violín Josu de Solaun piano
II
CHARLES IVES (1874-1954)
Trío para violín, violonchelo y piano, TSIAJ - Presto
Anna Margrethe Nilsen violín Hiro Matsuo violonchelo Anna Petrova piano
Cuarteto de cuerda “Americano” no. 12 en Fa mayor, Op. 96
Regi Papa y Anna Margrethe Nilsen violín Chie-Fan Yiu viola Dmitri Atapine violonchelo
29
REGRESANDO A LOS TIEMPOS COLONIALES, la música folclórica americana refleja la historia de la nación y las di-
ficultades de supervivencia y esperanza de los inmigrantes en la nueva tierra. Los europeos viajaron por mar y los
mexicanos del sur, trayendo consigo sus instrumentos y comenzando a crear música basada en sus experiencias.
Surgieron canciones folclóricas de los espirituales de los esclavos afroamericanos en las plantaciones, en las que
rezaban por la piedad y la esperanza. Las canciones espirituales se fundieron con los himnos cristianos tradiciona-
les y evolucionaron al góspel y al blues. Simultáneamente, y debido a la mezcla de diferentes culturas, aparecie-
ron otros estilos como: bluegrass, country, old time music, jug bands, cajun y la música folclórica de los Apalaches.
Tradiciones más antiguas ya existían por parte de los nativos americanos, quienes habían vivido por todo el
territorio americano durante siglos, transmitiendo sus rituales e historias a través de la música vocal y percusiva.

Todos estos tipos de música folclórica son conocidos como roots music o música raíz, ya que fueron la base de la música que se
desarrolló posteriormente en América.
En la ciudad de Nueva Orleans, como consecuencia de una mezcla de músicas, nació el jazz, al que no se le considera folclore
aunque se enseña frecuentemente de oído y tiene entre sus orígenes el blues. Sin embargo, representa igualmente al pueblo
americano y tiene una infinita libertad de expresión a través de la improvisación.
Siendo un compositor tanto de música popular como clásica, Gershwin escribió mucha de su música basándose en el jazz, como
se demuestra en sus Tres preludios para violín y piano. En París, la música americana se hizo muy popular a principios del siglo
XX y el jazz se podía escuchar frecuentemente en los cafés, inspirando a compositores como Ravel.
El compositor más representativo de América quizá es Aaron Copland. Con un lenguaje relativamente simple de harmonías, de
cambios lentos y “sonidos abiertos”, su música habla de la grandeza de los paisajes americanos. Durante el movimiento cómico
de TSIAJ (siglas en inglés para Este Scherzo Es Una Broma), se pueden reconocer las influencias de la canción folclórica america-
na en el trío con piano del original compositor Charles Ives quien, como modernista, experimentaba con una variedad de técnicas
musicales, como la politonalidad y el poliritmo, cuartos de tono y disonancias. El compositor checo Dvorák fue particularmente
inspirado por la música americana nativa y la afroamericana, incorporando sonidos étnicos como la escala pentatónica y quintas
abiertas, y compuso obras muy conocidas como la Sinfonía del Nuevo Mundo y su Cuarteto de cuerda apodado Americano.
AMERICAN FOLKLORE AND JAZZ. Going back to the colonial times, American folk music reflects the nation’s history and the
immigrant’s struggle and hope for survival in a new land. Europeans travelled across the sea and the Mexicans from the south,
carrying with them their instruments and starting to create music based on their new life experiences. Folk songs rose from
the plantation fields of Afro American slaves as spirituals, praying for mercy and hope in a difficult life. Spirituals merged with
traditional Christian hymns and eventually evolved to Gospel and Blues. In addition, with the blending of all the different cultures,
came Bluegrass, Country, Old time music, Jug bands, Cajun and Appalachian folk music.
Older traditions already existed amongst the Native Americans, who had lived across the lands of America for centuries, passing
on their rituals and storytelling through vocal and percussive music. All these types of folk music are referred to as “roots music”,
as they became the basis for music that later developed in America.
In the city of New Orleans, out of a mix of music, Jazz was born. Jazz is not necessarily considered folk music, though it is often
taught by ear and its main foundation is Blues. Regardless, it equally represents the American people and has an infinite freedom
of expression through improvisation.
Being a composer of both popular and classical music, Gershwin wrote a lot of his music based on Jazz, as one can hear in his
Three Preludes for violin and piano. In Paris, American music became very popular in the early 20th century, and Jazz could
regularly be heard in cafes, inspiring composers like Ravel.
The one composer that perhaps best represents America is Aaron Copland. With a somewhat simple musical language of slow
harmony changes and “open sounds”, his music speaks of the vastness and grandeur of the American landscape. Throughout
the humorous movement TSIAJ, literally named “This Scherzo is a joke”, one can hear the influences of American folk song in
the piano trio by the original composer Charles Ives, who as a modernist experimented with a variety of musical techniques,
like polytonality and polyrhythm, quarter tones and tone clusters. The Czech composer Dvorák, was particularly inspired by the
Native American and African American music, incorporating ethnic sounds like the pentatonic scale and open fifths, and composed
well-known pieces as the New World Symphony and his 12th String Quartet nick-named the American.

TEATRO ECHEGARAY
Mayo
21.00 h.
Música folclórica noruega
I
EDVARD GRIEG (1843-1907)
“Våren” (La primavera) y “Ved Rondane” (Por Rondane)
Nils Nilsen tenor Jesús Reina y Regi Papa violín Jesús Rodolfo Rodríguez viola Hiro Matsuo violonchelo
JOHAN KVANDAL (1919-1999)
Quinteto de cuerda con harding fiddle, Op. 50 (violín folclórico noruego)
Anna Margrethe Nilsen & Regi Papa violín Chieh-Fan Yiu viola Dmitri Atapine violonchelo
JOHAN HALVORSEN (1864-1935)
Concert-Caprice basado en melodías noruegas para dos violines
Anna Margrethe Nilsen y Jesús Reina violín
II
AGATHE BACKER GRØNDAHL (1847-1907)
“Mot Kveld” (Hacia el atardecer)
Nils Nilsen tenor Anna Petrova piano
ØISTEN SOMMERFELDT (1919-1994)
Tre lyriske bilder (Tres escenas líricas)
Jesús Reina y Regi Papa violín Jesús Rodolfo Rodríguez viola Hiro Matsuo violonchelo
EDVARD GRIEG (1843-1907)
Cuarteto de cuerda en sol menor, Op. 27
Anna Margrethe Nilsen y Jesús Reina violín Matthew Lipman viola Hiro Matsuo violonchelo
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DESPUÉS DE ESTAR UNIDA A DINAMARCA durante casi 500 años, Noruega consiguió su propia Constitución en
1814. A partir de entonces, emerge en el país un espíritu romántico nacional que se centra en el desarrollo y la
preservación de las tradiciones y el folclore locales. Los impresionantes paisajes de este país nórdico, con fiordos
verdes rodeados de altas y nevadas montañas y estrechos valles, inspiró a escritores, pintores y compositores
para crear sus obras. Del mismo modo, buscaron inspiración en la mitología, los cuentos populares y la música
tradicional.
Transmitida verbalmente de generación en generación durante cientos de años, la música folclórica de Noruega es
una tradición viva. Consiste, fundamentalmente, en música instrumental para danza y música vocal interpretada

por solistas. Los antiguos modos musicales se han mantenido hasta la actualidad junto con la estructura melódica y los patrones
rítmicos. La música instrumental, como el slått para acompañar el baile en pareja, es interpretada con el violín o hardanger fiddle,
que se diferencia de un violín tradicional en que tiene cuatro o cinco cuerdas de vibración simpática que producen un sonido
único. Entre otros instrumentos típicos, originalmente instrumentos de pastores, están el cuerno de cabra, la cítara de cuerda,
langeleik (dulcémele), lur (instrumento de viento), flauta de sauce, la munnharpe (literalmente harpa de boca) o el tongue horn
(lit. cuerno de lengua, se asemeja a un clarinete).
En el siglo XIX, conocido como la Edad Dorada de Noruega en música, el virtuoso violinista y compositor Ole Bull se convirtió
en una figura clave en la vida cultural, elevando el interés en teatro, música folclórica y arte. Sus pasos fueron seguidos por
compositores como Svendsen, Sinding, Kjerulf, Nordraak, Halvorsen y, más significativo aún, Grieg, quien con su éxito llevó la
música noruega a la fama internacional. El Cuarteto de cuerda en sol menor es una de las obras más sobresalientes de Grieg,
y con su belleza y dramatismo muestra la enorme influencia que la naturaleza y el folclore noruego tuvieron sobre él. Una de
las grandes intérpretes de la música de este compositor, la reconocida pianista Agathe Backer Grøndahl, también compuso en
el estilo romántico nacional y fue una de las primeras autoras relevantes del país. Halvorsen, otro intérprete prominente y tal
vez más reconocido que Grieg en sus tiempos, llevó más allá el romanticismo nacional escribiendo principalmente obras de más
envergadura para orquesta y teatro.
La combinación inusual de harding fiddle y cuarteto de cuerda retrata una evolución más reciente en la historia de la música
noruega,enlaquecompositorescomoKvandalySommerfeldtincorporanasuscomposicionessonidosmodernosyneoclasicismo,
manteniendo su inspiración en la música folclórica.
NORWEGIAN FOLK MUSIC. After being in a union with Denmark for almost 500 years, Norway got its own constitution in 1814
and a national romantic spirit emerged, directing the focus on developing and preserving norwegian traditions and folklore. The
stunning landscape of this Nordic country, with green fjords surrounded by high, snowy mountains and narrow valleys, inspired
writers, painters and composers to create their works. In addition they took inspiration from mythology, folk tales and traditional
music.
Passed down orally for hundreds of years, folk music in Norway is a living tradition. It mainly consists of instrumental dance
music and vocal music performed by soloists. The ancient musical modes have been retained until the present time along with
melodic structure and rhythmic patterns. Instrumental music, like slått to accompany couple-dancing, is played on the fiddle or
Hardanger fiddle, which differs to a regular fiddle in that it has an extra set of four or five strings that vibrate sympathetically
producing a unique sound. Other typical folk instruments, originally being shepherd’s instruments, include: goat horn, chorded
zither, langeleik (dulcimer), lur, willow flute, munnharpe (jaw’s harp) and tongue horn (clarinet).
In the 19th century, referred to as the Golden Age of Norwegian music, the virtuoso violinist and composer Ole Bull became an
important cultural figure, rising interest in theater, folk music and art. In his footsteps followed composers like Svendsen, Sinding,
Kjerulf, Nordraak, Halvorsen, and most importantly Grieg, who with his success brought international fame to Norwegian music.
The String Quartet in g minor is one of Grieg’s finest works, which with its beauty and drama clearly shows the enormous
influence Norwegian nature and folklore had on him. A big fan and performer Grieg’s music, the renowned pianist Agathe Backer
Grøndahl, also composed in the national romantic style and was one of the first important female composers. Halvorsen, another
prominent performer and perhaps being more recognized than Grieg at his time, developed national romanticism further, writing
mainly bigger works for orchestra and theater.
The unusual combination of Harding fiddle and string quartet portrays a later development in Norwegian music history, when
composers like Kvandal and Sommerfeldt incorporated modern sounds and neoclassicism into their writing, while still being
inspired by folk tunes.

TEATRO ECHEGARAY
Mayo
20.00 h.
Música folclórica alemana & austríaca
I
FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809)
Cuarteto de cuerda no. 60 en Sol mayor, Op. 76
Regi Papa y Jesús Reina violín Chieh-Fan Yiu viola Dmitri Atapine violonchelo
GUSTAV MAHLER (1860-1911)
“Ich ging mit Lust” (Paseaba con placer), “Ablösung im Sommer” (Relevo en verano),
“Scheiden und meiden” (Adiós y renuncia) para tenor y piano
Nils Nilsen tenor y Josu de Solaun piano
ROBERT SCHUMANN (1810-1856)
Fünf Stücke im Volkston (Cinco obras en estilo folclórico), Op. 102 (arr. clarinete y piano)
Christine Carter clarinete Christopher Schmitt piano
II
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
“Der Tod un das Mädchen” (La muerte y la doncella), “Die Forelle” (La trucha) para voz y piano
Nils Nilsen tenor Josu de Solaun piano
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
“Der Tod un das Mädchen” (La muerte y la doncella) Cuarteto de cuerda en re menor no. 14, D. 810
Jesús Reina y Anna Margrethe Nilsen violín Matthew Lipman viola Hiro Matsuo violonchelo
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YA EN EL SIGLO XVII, Dietrich Buxtehude, quien sería el mentor de Johann Sebastian Bach, usó una canción
folclórica en su Partita en Sol Mayor que, además, es cómica: “Kraut und Rüben haben mich vertrieben, hätt
mein’ Mutter Fleisch gekocht, wär ich länger blieben” (“Las coles y nabos me han echado [de casa], de haber
[mi madre] cocinado carne, por quedarme hubiese optado”). Bach lo canonizaría casi un siglo más tarde en la
30 de sus Variaciones Goldberg, también en Sol Mayor, usando, entre otras canciones folclóricas, esta misma
melodía.
Ésta es una tradición que fue seguida apasionadamente primero a través de Buxtehude y Bach y, más tarde, por
Beethoven, Haydn, Mozart, Schubert, Schumann, Brahms, Mahler, Strauss, Wagner e incluso Berg y Schönberg,
teniendo su Phantasy para violín y piano secciones que bordean el vals vienés.

La música folclórica alemana y austríaca tiene cualidades que las ponen en la misma categoría que las de Suiza, Eslovenia
o Sudtirol (Italia) o, digamos, regiones alpinas. Los puntos comunes en los folclores de estas áreas son el uso del lenguaje
(dialecto), la evocación de las tradiciones de granjeros y campesinos, y la elección de instrumentos para interpretarla, como por
ejemplo el alpenhorn (trompa de los Alpes), violas, armónicas, guitarras y el ocasional yodeling (cantar yodel), dando lugar al
volkslieder (canciones populares), bailes como el ländler, que se convertirían con el tiempo en valses y el um-pa, nombre que
se asemeja a la música de bandas de metales que representa.
Haydn, Schumann y Schubert abarcan en este programa tres enfoques muy diferentes a la hora de incluir el folclore en su
música. Con Haydn nos encontramos un ländler como el trío (sección central) del movimiento de minueto. Esto se puede
interpretar como la yuxtaposición y unificación de dos puntos de vistas diferentes de la vida humana, ya que el minueto procede
de un baile social francés y el ländler, de un baile folclórico. De todos modos, esta elección se convertiría en un estándar tanto en
el repertorio camerístico como en el sinfónico. Nuestro siguiente compositor, Schumann, evoca brillantemente el cuentacuentos
popular en sus cinco obras en estilo folclórico. En ellas, los intérpretes narran cuentos a través de sus instrumentos y el lenguaje
de la música. El volkslied o canción folclórica es otra tradición que dejó una huella importante en la escena musical alemana y
austríaca. Durante el siglo XII eran los trovadores cantando airosamente, en el siglo XIX son personas como Schubert quienes
se inspiran en la literatura germánica y llevan el texto a la música. Es el caso del poema de Matthias Claudius “La muerte y la
doncella”. La canción expresa el texto, como lo hace la versión instrumental que la sigue. En esta última, la canción es parte del
Cuarteto de cuerda en re menor, tal vez una interpretación del poema definitivamente extensa, intensa y bella.
GERMAN AND AUSTRIAN FOLK MUSIC. Already in the 17th Century, Dietrich Buxtehude, who would become Johann Sebastian
Bach’s mentor, used a folk song in his G Major Partita, and a humorous one at that: Kraut und Rüben haben mich vertrieben, hätt
mein’ Mutter Fleisch gekocht, wär ich länger blieben (“Cabbage and turnips have driven me away, had my mother cooked meat,
I’d have opted to stay”). Bach would interestingly canonize him almost a century later in the 30th of his Goldberg Variations,
also in G Major, using among other folk songs, this same tune.
This is a tradition that has been passionately carried on, first through Buxtehude and Bach and eventually through Beethoven,
Haydn, Mozart, Schubert, Schumann, Brahms, Mahler, Strauss, Wagner and even Berg and Schönberg, whose Phantasy for
violin and piano has sections bordering on the Viennese waltz.
German and Austrian folk music have qualities that put them in the same category as Switzerland, Slovenia, South Tyrol (Italy)
or namely, the Alpine regions.
The common grounds among the folklore of these areas are the usage of language (dialects), the recalling of farmer’s and
peasant’s traditions and the choice of instruments included, as for instance alpenhorns, violas, harmonicas, guitars and the
occassional yodeling, giving room to volkslieder (folk songs), dances as the ländler which would become the waltz over time
and Oom-pah, resembling in its name the brass band music whith it represents.
Haydn, Schumann and Schubert encompass in this program three very different approaches to the inclusion of folklore in their
music. With Haydn, we encounter a ländler as a trio (middle section) of the minuet movement. This gesture can be interpeted
as the juxtaposition and unification of two different views of human life, as the minuet proceeds from a french social dance and
the ländler is a folk dance. In any case, this gesture would become a standard in both chamber and symphonic repertoire. Our
next composer, Schumann, brilliantly recalls folk story telling in his Five Pieces in the Folk Style. In these pieces, the performers
narrate five short stories through their instruments and language of music. Volkslied or folk song is another of the folk traditions
that left an important print in the German and Austrian musical scene. During the 12th Century it was troubadors singing away,
in the 19th Century, it was people like Shubert being inspired by German literature and setting the text to music, as is the case
of the poem by Matthias Claudius, Death and the Maiden. The song expresses the text, as does the instrumental version that
follows. In the instrumental, the song is part of Schubert’s String Quartet in d minor, perhaps a musical rendition of the poem
and difinitely extensive, intense and beautiful.

TEATRO CERVANTES
Junio
19.00 h.
Música folclórica española
I
MANUEL DE FALLA (1876-1946)
Siete canciones populares españolas
Aurelio Gabaldón tenor Josu de Solaun piano
JOAQUÍN TURINA (1882-1949)
Scene Andalouse para quinteto con piano y viola solo
Jesús Rodolfo Rodríguez viola solo Jesús Reina y Anna Margrethe Nilsen violín
II
DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975)
Selección de canciones españolas, Op. 100 (I, II y III)
Aurelio Gabaldón tenor Christopher Schmitt piano
ENRIQUE GRANADOS (1867-1916)
Quinteto de piano y cuerda en sol menor, Op. 49
Jesús Reina y Anna Margrethe Nilsen violín Matthew Lipman viola Carmen María Elena González violonchelo
Josu de Solaun piano
PABLO SARASATE (1844-1908)
“Navarra” para dos violines y piano
Jesús Reina y Anna Margrethe Nilsen violín Christopher Schmitt piano
1
LA MÚSICA DE ESPAÑA Y, SOBRE TODO, EL FLAMENCO, ha sido fuente de inspiración para la música clásica
y el jazz en todo el mundo. Desde Scarlatti a Bizet, Debussy, Saint-Saëns o Ravel, e incluso Shostakovich, se
sintieron fascinados por esos giros y ritmos aflamencados, por el carácter del modo frigio y el cante jondo. En
España son incontables los compositores que incluyen el flamenco y el folclore español en su música: Albéniz,
De Falla, Granados, Mompou, Jesús de Monasterio, Rodrigo, Turina, Sarasate y un largo etc.
Considerado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el flamenco como se conoce hoy proviene de
finales del siglo XVIII. Sin embargo, sus raíces se remontan a la cultura gitana y andalusí. Hay varias teorías del
origen del nombre ‘flamenco’. Una se basa en el ave, justificándose en el parecido del baile con los movimientos
de este animal o, según Marcus Schneider, porque el modo frigio (la escala principal usada en este género

musical) se conecta al ave con el mismo nombre en la simbología medieval. Otra es la teoría del padre García Barroso quién
concluye que ‘flamenco’ viene de la expresión árabe fellah-mangu, ‘cante campesino’. Música indiscutiblemente andaluza, el
flamenco no está considerado por algunos parte de los folclores andaluces, pero sí se está de acuerdo en que se origina de las
danzas y folclores andaluces, que se remontan a la antigüedad: seguirillas, sevillanas, verdiales, fandangos, etc.
El resto de folclores españoles son muchos y variados. La cultura nacional tiene influencias íberas, celtas, romanas, católicas y
musulmanas. Debido a la convivencia de todas estas culturas, España ha heredado muchas costumbres diferentes en todo el país
y cada zona cuenta con un folclore de características específicas y distintivas dando lugar a más de medio centenar de tipos. Este
programa presenta la versión original de los verdiales, folclore malagueño, en el estilo de los montes y flamenco adaptado por la
elegancia de Turina en su Escena andaluza, en la que podemos oír ecos de las culturas que dieron origen a esta música. Turina es
precedido por De Falla, quien nos presenta versiones en formato clásico de la jota, las seguidillas y el polo. Completa el programa
Granados con un quinteto influenciado en gran parte por el estilo agitanado de Hungría; Shostakovich, quien curiosamente nos
trae una versión en ruso de música en estilo español intacto, y Sarasate, gran violinista y compositor español que nos transmite
el color de su tierra natal: Navarra.
FLAMENCO AND FOLK MUSIC OF SPAIN. The music of Spain, and specially flamenco, has been the source of inspiration for
classical music and jazz all over the world. From Scarlatti to Bizet, Debussy, Saint-Saens and Ravel or even Shostakovich, they
were all fascinated by the flamenco-like turns and rhythms, the character of the frigian mode and the cante jondo (deep singing).
In Spain there is a countless number of composers that include flamenco and Spanish folklore in their music: Albéniz, De Falla,
Granados, Mompou, Jesús de Monasterio, Rodrigo, Turina, Sarasate, etc.
Considered an Inmaterial Patrimony of Humanity, flamenco as we know it today came to be around the end of the 18th Century,
however, its roots go back to the gypsy and Andalusian culture. There are a few theories on the origin of the word flamenco. One
is based on the bird, flamingo, justifying this theory in the movements the bird makes (the dance corresponding to flamenco
being similar to these movements), or according to Marcus Schneider, because the frigian mode (the main scale used in this
music) is connected to the flamingo bird in medieval mythology. Another theory comes from Father García Barroso who concludes
that flamenco comes from the Arabic expression fellah-mangu which means peasant song. Although this music is unarguably
from Andalucía, flamenco is not considered by some part of the folklore of Andalucía, but it is agreed upon that it originates from
it. Andalusian folklore goes back to antiquity, it includes Seguirillas, Sevillanas, Verdiales, Fandangos, etc.
The rest of Spanish folk music types are many and varied. Spanish culture has Iberian, Celtic, Roman, Catholic and Muslim
influences. Due to co-habitation of all these cultures, Spain has inherited many different customs throughout the country, causing
more than 50 kinds of folk music to develop.
This program presents the original version of Veridales, Malagueñan folklore, in the los montes style (the mountains), as well as
flamenco, adapted by Turina with elegance in his Scene Andalouse, in which we can also hear echoes of the cultures which gave
origin to this music. Turina is preceded by De Falla, who brings us versions in a classical formation of Jotas, Seguidillas y Polo.
The program is completed with Granados and his quintet, influenced greatly by the Zigeuner style from Hungary; Shostakovich,
who writes music in an intact, Spanish style and Sarasate, the great Spanish violinist and composer who transmits through his
music the atmosphere from his native land: Navarra.

Clases magistrales
Del 17-24 de mayo los estudiantes de música en Málaga y otras ciudades, al igual que estudiantes internacionales,
reciben un curso de clases particulares y magistrales de música de cámara en el Conservatorio Superior de Málaga.
Los artistas de Málaga#Clásica ofrecen a cada estudiante, previamente seleccionado mediante audiciones por vídeo
y en directo: 4 clases de cámara privadas, 1 clase magistral pública, 1 clase individual privada, asistencia a dos
ensayos y la participación en 1 concierto en el auditorio del Conservatorio Superior de Música de Málaga.
Masterclasses
From May 17-24 music students in Málaga and other cities, as well as international students, receive a course
of private lessons and masterclasses of chamber music in the Conservatorio Superior de Málaga. The artists of
Málaga#Clásica offer each student, previously selected through video and live auditions: 4 private chamber music
coachings, 1 public masterclass, 1 individual private lesson, assistance to two rehearsals and participation in 1
concert at the auditorium of the Conservatorio Superior de Música de Málaga.
Academia
Del 17 al 24 de mayo
Profesores
Violín Anna Margrethe Nilsen y Jesús Reina
Viola Jesús Rodolfo Rodríguez
Violonchelo Dimitri Atapine e Hiro Matsuo
Piano Edvinas Minkstimas, Anna Petrova, Josu de Solaun y Christopher Schmitt
Clases magistrales abiertas al público (Entrada gratuita hasta completar aforo)
21 de mayo, de 18.00 a 21.00 h.
Sala Seminario del Conservatorio Superior de Música de Málaga
Concierto abierto al público (Entrada gratuita hasta completar aforo)
24 de mayo, 20.00 h.
Sala De Falla del Conservatorio Superior de Música de Málaga
Academy
May 17th to 24th
Teachers
Violin Anna Margrethe Nilsen y Jesús Reina
Viola Jesús Rodolfo Rodríguez
Cello Dimitri Atapine e Hiro Matsuo
Piano Edvinas Minkstimas, Anna Petrova, Josu de Solaun y Christopher Schmitt
Masterclasses (Free admission according to availability)
May 21th, de 18.00 a 21.00 h.
Sala Seminario del Conservatorio Superior de Música de Málaga
Concert (Free admission according to availability)
May 24th, 20.00 h.
Sala De Falla del Conservatorio Superior de Música de Málaga

VIOLÍN
Anna Margrethe Nilsen (Noruega)
Anna Nilsen es reconocida por su sentido del estilo y sonido lírico. Con actuaciones llenas de energía ha cautivado a oyentes
de todo el mundo. Su debut como solista, a la edad de nueve años, tuvo lugar con la Orquesta de Radiotelevisión Noruega.
Fue inmediatamente invitada como solista para la temporada siguiente con la Orquesta de Cámara de Kaliningrad. Otras
actuaciones a destacar incluyen conciertos con la Orquesta de Cámara de Novgros, Filarmónica de Bergen, Sinfónicas de
Trondheim, Kristiansand, Baerum, Asker, Romerike, del Estado de San
Petersburgo, Jeunesses Musicales, Orquesta de la Ópera Noruega y
Orquesta de Cámara del Estado de Bielorrusia, con la que realizó giras
durante tres años consecutivos.
Anna Nilsen ha actuado en países de todo el mundo incluyendo Noruega,
Alemania, Eslovenia, Croacia, Hungría, España, China, Israel, Holanda,
Rusia, Brasil, Canadá y EE.UU. También ha participado en festivales
internacionales de música de cámara como el Festival de Música de
Cámara de Oslo, Holland International Music Sessions, Jeunesses
Musicales, Music@Menlo y el Young Artist Program de Canadá. Nacida
en Noruega, Anna Nilsen comenzó a tocar el violín a la edad de cuatro
años. A los seis comenzó sus estudios con el maestro Isaac Schuldman. Posteriormente obtuvo el máster de Música por la
Manhattan School of Music de Nueva York, como parte del Pinchas Zukerman Performance Program, estudiando con los
célebres Pinchas Zukerman y Patinka Kopec. Dos veces ganadora del Concurso Sparre-Olsen, Primer Premio en el Concurso
Nacional para Jóvenes Noruegos, cinco veces ganadora del Lillian-Fuchs Competition de Nueva York y ganadora de un premio
en el Eisenberg-Fried Concerto Competition en 2011, Anna Nilsen es parte del Kempinski Arts Support Program. Recientemente,
ha actuado en el Wiener Konzerthaus y en el Carnegie Hall. Es cofundadora y directora del Festival Internacional de Música de
Cámara Málaga#Clásica.
Anna Nilsen is known for her sense of style and lyrical sound. Ms. Nilsen has moved audiences worldwide with energy-
filled performances. Anna’s solo debut, at the age of nine, took place with the Norwegian Broadcasting Orchestra, and was
immediately invited the following year as soloist with Kaliningrad Chamber Orchestra. Other major performances include the
Novgorod Chamber Orchestra, Bergen Philharmonic Orchestra, the Symphony Orchestres of Trondheim, Kristiansand, Bærum,
Asker, Romerike, Juenesses Musicales, Norwegian Opera, St. Petersburg State and The State Chamber Orchestra of Belarus.
Anna Nilsen has performed in countries all over the world including Norway, Germany, Slovenia, Croatia, Hungary, Spain, China,
Israel, the Netherlands, Russia, Brazil, Canada and USA. She has also taken part in various international music festivals such
as the Oslo Chamber Music Festival, Holland International Music Sessions, Juenesses Musicales, Norwegian Youth Chamber
Music Festival, Heifetz International Institute, Kronberg Academy, Music@Menlo and NAC Young Artist Program in Canada. A
native of Norway, Anna Nilsen started to play violin at the age of four and at six years old began her studies with Professor
Isaac Schuldman. Following she obtained a Master of Music at the Manhattan School of music as part of the Pinchas Zukerman
Performance Program, studying with the celebrated teaching associates Pinchas Zukerman and Patinka Kopec. A two-time winner
of the Sparre Olsen Competition, first prize in the National Violin Competition for Youth in Norway, and winner five consecutive
years of the Lillian Fuchs Chamber Music Competition in New York and prize winner of the Eisenberg-Fried concerto competition
in 2011, Anna Nilsen is part of the Kempinski Arts Support Program. Recently, Ms. Nilsen performed at the Wiener Konzerthaus
and Carnegie Hall, and is Co-Founder and Director of the Málaga#Clásica International Chamber Music Festival.

Regi Papa(Grecia - Albania)
Aclamado por la revista ‘The Strad’ como “un jóven violinista excitante con técnica
brillante y un excelente sentido del estilo”, Regi Álexandros Papa ha deslumbrado
al público en ambos lados del Atlántico. En su Grecia natal, ha sido solista con la
Orquesta Nacional de Música Contemporánea, la Orquesta Nacional Griega de Radio
y la Orquesta Nacional del Estado de Tesalónica, entre otras. Entre sus numerosos
reconocimientos se encuentran el Primer Premio en los concursos Eurovisión (2002)
y Wieniawski. También ha recibido premios en el Concurso Internacional Jeunesses
Musicales (Rumanía) y en el Concurso Artur Balsam para Dúos (Nueva York). Como
ganador del Concurso Eurovisión Griego, recibió la beca de la Fundación Onassis y
cursó estudios en la Manhattan School of Music con Isaac Malkin, continuándolos
en la Juilliard School con Kyung-Wha Ching. Actualmente completa su doctorado en
Artes Musicales con Soovin Kim y Philip Setzer en la Stony Brook University.
Hailed as “an exciting young violinist with brilliant technique and an excellent sense of style” (The Strad), has dazzled audiences
on both sides of the Atlantic. In his native Greece, he has been a featured soloist with the National Orchestra of Contemporary
Music, the Greek National Radio Orchestra, and the National State Orchestra of Thessaloniki, among others. Among his many
awards are First Prize in the Eurovision Contest (2002) and the Wieniawski Competition. He also received prizes in the
International Jeunesses Musicales Violin Competition (Romania) and the Artur Balsam Competition for Duos. As winner of the
Greek Eurovision Contest, he received an Onassis Foundation Scholarship and began his studies with Isaac Malkin at Manhattan
School of Music, where he received a bachelor of music degree. He received the Marie and George Vergottis Memorial Scholarship
to study with Kyung-Wha Chung at the Juilliard School, where he received his master’s degree. Papa is a student at Stony Brook
University, studying with Soovin Kim and Philip Setzer, pursuing his doctoral degree in violin performance.

Jesús Reina(España)
Jesús Reina ha sido reconocido internacionalmente como uno de los artistas
más destacados de nuestro tiempo, y elogiado como un violinista “con un bello
sonido caracterizado por verdadera musicalidad, temperamento y carisma”.
Desde su debut a los seis años con el maestro Octav Caleya, ha actuado con
directores como Eiji Oue, Pinchas Zukerman y Valery Gergiev, y dado recitales y
conciertos por todo el mundo: Alemania, Austria, España, Inglaterra, Noruega,
Rusia, Canadá, EE.UU. y México. Su “acusada personalidad” ha sido evidenciada
en célebres auditorios como Wigmore Hall (Londres), Carnegie Hall (Nueva
York), Southam Hall (Ottawa), Sala Glinka (Filarmónica de San Petersburgo),
Palau de la Música y Auditori (Barcelona), Kursaal (San Sebastián), Teatro Real
(Madrid), Maestranza (Sevilla), Festival de Música y Danza (Granada) y Teatro
Cervantes (Málaga). También ha participado en festivales como el Young Artist
Program (Canadá), Heifetz International Music Institute (Virginia) y Music@Menlo (California). Ha recibido prestigiosos premios
como el Reina Sofía a “el violinista más sobresaliente” de manos de S.M. la Reina Doña Sofía; Puerta de Andalucía, Gran
Premio en el National Solo Competition del ASTA (American Strings Teachers Assosiation), Eisenberg-Fried Concerto Competition
o el Waldo Mayo Memorial Competition (Nueva York). Jesús Reina se inició musicalmente con su abuelo José Reina tocando
verdiales (folclore malagueño). Continuó sus estudios con Yehudi Menuhin, Natasha Boyarsky, José Luis García Asensio y Mauricio
Fuks. Ha obtenido un máster por la Manhattan School of Music estudiando con los célebres Patinka Kopec y Pinchas Zukerman,
y graduándose con el honor Raphael Bronstein. Recientemente ha actuado en el Wiener Konzerthaus y en el Carnegie Hall.
Forma parte del Kempinski Arts Support Program y es cofundador y director, junto a la violinista noruega Anna Nilsen, del festival
internacional de música de cámara Málaga#Clásica. Jesús Reina ha recibido la Medalla de Honor de Málaga, su ciudad natal.
Jesús Reina has been internationally recognized as one of the most remarkable artists of our time. Praised by critics as a violinist
“with a beautiful sound characterized by true musicality, temperament and charisma”.
Since his debut at six years old with Maestro Octav Caleya, Jesús Reina has performed with conductors as Eiji Oue, Pinchas
Zukerman and Valery Gergiev, and given performances in Austria, England, Germany, Norway, Russia, Spain, Canada, México
and the United States. His “pronounced personality” has been witnessed in celebrated venues, as Wiener Saal (Salzburg),
Wiener Konzerthaus (Vienna), Wigmore Hall (London), Carnegie Hall (New York), Southam Hall (Ottawa), Glinka Hall (Saint
Petersburg Philharmonic), Palau and Auditori (Barcelona), Kursaal (San Sebastián), Teatro Real (Madrid), Maestranza (Sevilla),
Festival of Music and Dance (Granada) and Teatro Cervantes (Málaga). Mr. Reina has also taken part in festivals as Young Artist
Program in Canada, Heifetz International Music Institute in Virginia and Music@Menlo in California. Jesús Reina has received
prestigious awards including the Reina Sofía Prize to “the most outstanding violinist” given personally by Queen Sofía; Door of
Andalucía, Grand Prize in the ASTA (American Strings Teachers Assosiation) National Solo Competition, winner at the Eisenberg-
Fried Concerto Competition or the Waldo Mayo Memorial Competition (New York). Jesús Reina started violin with his grandfather
José Reina, playing Verdiales (Malagueñan folk music). He continued with Yehudi Menuhin, Natasha Boyarsky, José Luis García
Asensio and Mauricio Fuks. Mr. Reina obtained a Master of Music from the Manhattan School of Music as a pupil of celebrated
teaching associates Patinka Kopec and Pinchas Zukerman, graduating with the Raphael Bronstein award. Recently, Mr. Reina
has performed in Wiener Konzerthaus and Carnegie Hall. Jesús Reina is currently part of the Kempinski Arts Support Program
and Founder and Director, with Norwegian violinist Anna Nilsen, of Málaga#Clásica. Jesús Reina is a recipient of the Honorary
Medal of Málaga.

VIOLA
Chieh-Fan Yiu(Taiwan - Canadá)
Ganador de tres premios en el concurso Lionel Tertis en 2013, incluyendo el premio del presidente del jurado, Yuri Bashmet,
Chieh-Fan Yiu se ha establecido como uno de los jóvenes violistas más interesantes de la escena internacional actual. Como
solista, ha actuado con el Aspen Festival, Art Symphony, Vancouver Metropolistan y la Stony Brook Symphony Orchestra. Ganador
de los concursos Stony Brook University Concerto, Aspen Music Festival Concerto, del University of British Columbia Concerto
y Mejor Actuación de Viola del Kingsville International Competition, también ha conquistado premios en el Hellam Young Artist
Competition y la Lima Symphony Competition. Sus interpretaciones le han llevado a festivales como Music@Menlo, Moritzburg,
Verbier, Aspen y Sarasota Music Festivals, y a salas como la Alice Tully, Avery Fisher y el Carnegie Hall.
Apasionado músico de cámara, ha colaborado con célebres artistas como Colin Carr, Nicholas Cords, Lawrence Dutton, Tessa Lark
y Philip Setzer. Actuaciones con importante impacto mediático incluyen conciertos con la Verbier Festival Orchestra en Medeci.
tv, entrevistas/actuaciones en WLIO-NBC Lima, Talentvision y Fairchild Television en Vancouver, Music@Menlo Live y BBC News
en el Reino Unido. El sr. Yiu está graduado por la Juilliard School, donde estudió con Toby Appel, Heidi Castleman y Hsin-Yun
Huang. Actualmente cursa el doctorado en la Stony Brook University bajo la tutela
de Nicholas Cords y Lawrence Dutton. Ha actuado en prestigiosas salas como el
Michael J. Fox Theatre de Vancouver; Menlo-Atherton en Menlo Park, California;
Salle Médran de Verbier (Suiza); Dresden’s Volkswagen Die Gläserne Maufaktur
(Alemania); Erin Arts Center en la Isla de Man (Reino Unido); Alice Tully Hall y Avery
Fisher Hall del Lincoln Center y Weill Recital Hall, Zankel Hall y Stern Auditorium del
Carnegie Hall de Nueva York.
Triple prize winner of the 2013 Lionel Tertis Competition, including Yuri Bashmet’s
President Of The Jury Prize, Taiwanese-born Canadian Chieh-Fan Yiu has established
himself as one of the most exciting young violists on the international stage
today. As a soloist, he has performed with the Aspen Festival, Art Symphony,
Vancouver Metropolitan, and Stony Brook Symphony Orchestra. Winner of Stony
Brook University Concerto Competition, Aspen Music Festival Concerto Competition, and University of British Columbia Concerto
Competition, he has also won top prizes from the Hellam Young Artist Competition, Lima Symphony Competition, as well as
receiving the Best Viola Performance Award in Kingsville International Competition. Chieh-Fan’s performances has led him to
festivals such as Music@Menlo, Moritzburg, Verbier, Aspen, and Sarasota Music Festivals, in venues like Alice Tully, Avery Fisher
and Carnegie Hall.
A passionate chamber musician, Mr. Yiu has collaborated with such esteemed artists as Colin Carr, Nicholas Cords, Lawrence
Dutton, Tessa Lark and Philip Setzer. Media coverage includes performances with Verbier Festival Orchestra on Medeci.tv,
interviews/performances on WLIO-NBC Lima, Talentvision and Fairchild Television in Vancouver, Music@Menlo Live, and BBC
News in the UK. Mr. Yiu holds his bachelor’s and master’s degrees from The Juilliard School, where he studied with Toby Appel,
Heidi Castleman, and Hsin-Yun Huang. He is now pursuing his doctorate degree in Stony Brook University under the tutelage
of Nicholas Cords and Lawrence Dutton. Mr. Yiu’s performances have led him to venues such as Michael J. Fox Theatre in
Vancouver; Menlo-Atherton in Menlo Park, California; Salle Médran in Verbier, Switzerland; and Dresden’s Volkswagen Die
Gläserne Maufaktur in Germany; Erin Arts Center in Isle of Man, UK; Alice Tully Hall and Avery Fisher Hall in Lincoln Center; and
Weill Recital Hall, Zankel Hall, and Stern Auditorium at Carnegie Hall in New York.

Matthew Lipman(EE.UU.)
Ha sido aclamado por el Chicago Tribune por su “técnica espléndida y sensibilidad
musical” y por el New York Times por su “rico tono y fraseo elegante”.
Ha actuado por toda América y Europa, incluyendo salas como el Carnegie Hall,
Alice Tully Hall o el Kennedy Center. Ha ofrecido actuaciones como solista con las
orquestas de la Juilliard School, Montgomery Symphony y Southwest Symphony y
las sinfónicas de Grand Rapids y Capital City. Su actuación con la Ars Viva Symphony
Orchestra fue calificada como “el debut más impresionante” en la lista de “las 10
mejores actuaciones de 2010”. Sus recientes compromisos profesionales incluyen
la grabación de la Sinfonía concertante de Mozart con la violinista Rachel Barton
Pine y la orquesta de la Academy of St. Martin in the Fields con Sir Neville Marriner,
y la interpretación de la Cadenza para viola solo de Penderecki en directo para el
programa de WQXR “una tarde con Krzysztof Penderecki”. Ha ganado numerosos
premios, incluyendo el Primer Premio en el Washington lnternational Competition, el Stulberg International Competition, el
Johansen International Competition, Primer y Gran Premio en el WAMSO Young Artist Competition y el Juilliard Concerto
Competition; el ASTA National Solo Competition, Tercer Premio en el Lionel Tertis International Viola Competition y es Laureado
por la Primrose International Viola Competition. Ha aparecido en la WFMT de Chicago y en el programa de NPR y PBS ‘From the
top’, a través del cual ganó el Premio al Joven Artista Jack Kent Cooke. Ha actuado en los festivales Málaga#Clásica, Ravinia,
Music@Menlo, Perlman Music Program y la Chamber Music Society del Lincoln Center. Ha colaborado con Itzhak Perlman, Atar
Arad, David Finckel, Miriam Fried, Paul Katz, Ani e Ida Kavafian y Rachel Barton Pine.
Nacido en 1992, Lipman estudia en la Juilliard School de Nueva York, donde es viola principal y profesor asistente. Entre sus
profesores se encuentran Heidi Castleman, Misha Amory, Roland Vamos y Matthew Mantell. Recibe una beca de carrera de la
Fundación Rachel Elizabeth Barton, que generosamente le cede una viola Matteo Goffriller, 1700.
Violist Matthew Lipman has been hailed by the Chicago Tribune for his “splendid technique and musical sensitivity” and by the
New York Times for his “rich tone and elegant phrasing”. Lipman has performed throughout America and Europe, including
halls as Carnegie Hall, Alice Tully Hall, and the Kennedy Center. He has appeared as soloist with the Juilliard, Montgomery
Symphony and Southwest Symphony Orchestras; and the Grand Rapids and Capital City Symphonies. His performance with the
Ars Viva Symphony Orchestra was named “the Most Impressive Debut” in Chicago Classical Review’s “Top 10 Performances
of 2010”. Recent engagements have included recording Mozart’s Sinfonia Concertante with violinist Rachel Barton Pine and
Academy of St. Martin in the Fields with Sir Neville Marriner and performing Penderecki’s Cadenza for solo viola live on WQXR’s
“an evening with Krzysztof Penderecki”. Lipman has won numerous awards including First Prize at Washington International
Competition, Stulberg International Competition, Johansen International Competition, First and Grand Prize at WAMSO Young
Artist Competition, Juilliard Concerto Competition, ASTA National Solo Competition, Third Prize at Lionel Tertis International Viola
Competition, and is a Laureate of the Primrose International Viola Competition. He has been featured on WFMT Chicago and on
the NPR and PBS show “From the Top,” through which he won a Jack Kent Cooke Young Artist Award. Lipman has performed
at festivals Málaga#Clasica, Ravinia, Music@Menlo, the Perlman Music Program, and the Chamber Music Society of Lincoln
Center. Collaborators have included Itzhak Perlman, Atar Arad, David Finckel, Miriam Fried, Paul Katz, Ani and Ida Kavafian and
Rachel Barton Pine. Born in 1992, Lipman studied at the Juilliard School, where he is principal viola and also Teaching Assistant
for his studio. His teachers include Heidi Castleman, Misha Amory, Roland Vamos and Matthew Mantell. Lipman is a career grant
recipient of the Rachel Elizabeth Barton Foundation, who generously loans him a fine viola by Matteo Goffriller, 1700.

Jesús Rodolfo Rodríguez(España)
Reconocidoporsuespontaneidadyatrevidaimaginacióncombinadaconladisciplina
y la precisión como solista de la Gustav Mahler Jugendorchester, ha tocado en salas
comolaMusikvereindeViena,AlteOperdeFranfurt,AlteOperdeLuxemburgo,Teatro
VerdidePisa,AuditorioNacionaldeMadrid,TeatroSanCarlodeNápolesyelMegaron
de Atenas, y ha colaborado con directores como Claudio Abbado, Antonio Pappano,
Herbert Blomstedt e Ingo Metzmacher. Ha sido ganador de numerosos premios
incluyendo el Mannes College of Music Concerto Competition, el Premio ‘Ángel
Muñiz Toca’ y el Premio del Presidente del Mannes College of Music de New York.
Hizo su debut como violista a los trece años en el Auditorio Príncipe Felipe de
Oviedo. Desde entonces, ha aparecido como solista con la Orquesta de Cámara de
Bratislava, Orquesta Sinfónica de León ‘Odón Alonso’, Joven Orquesta Sinfónica de
Asturias, Orquesta Sinfónica de Gijón o la Yale Philharmonia.
A la edad de siete años estudia con Wieslaw Rekucki Krupa y continúa en el Conservatorio Superior de Música ‘Eduardo Martínez
Torner’ de Oviedo, donde recibió el Diploma Honorario. Estudió en la Yale University con Jesse Levine y el Tokyo String Quartet.
Obtuvo su máster de Música en la Juilliard School y en el Mannes College of Music, donde estudió con Paul Neubauer. Cursa un
Artist Diploma-Professional Studies en el Mannes College (NY). Como apasionado músico de cámara fue invitado al Music@
Menlo Festival en San Francisco, al Castleton Music Festival, Castleton Chamber Players y Málaga#Clásica. Próximos conciertos
incluyen el Bowdoin International Music Festival y su debut como solista en el Alice Tully Hall del Lincoln Center, interpretando
el Concierto de viola de Bártok. Jesús Rodolfo Rodríguez habla con fluidez español, inglés, italiano y francés, y es licenciado en
Arquitectura y Piano. Actualmente reside en la ciudad de Nueva York.
Jesús Rodolfo Rodriguez is widely recognized for his spontaneity and fearless imagination combined with discipline and
precision. As Soloist of the Gustav Mahler Jugendorchester, Jesús Rodolfo has performed in halls as the Musikverein (Vienna),
AlteOper (Frankfurt), Alte Oper (Luxemburg), Teatro Verdi (Pisa), Auditorio Nacional (Madrid), Teatro San Carlo (Naples) and
Megaron (Athens). He has also colaborated with conductors as Claudio Abbado, Antonio Pappano, Herbert Blomstedt and Ingo
Metzmacher. Jesús Rodolfo has been winner of numerous awards, including the Mannes College of Music Concerto Competition,
the “Angel Muñiz Toca” prize and the Mannes College of Music of New York Presidents Award.
Jesús Rodolfo made his debut as a Solo Violist at the age of 13 in the Auditorio Principe Felipe of Oviedo, Spain. Since then
he appeared as a Soloist with orchestras such as the Bratislawa Chamber Orchestra, León Symphony Orchestra “Odón Alonso”,
Youth Asturias Symphony Orchestra, Gijón Simphony Orchestra and Yale Philharmonia. At the age of 7 he studied with Wieslaw
Rekucki Krupa, followed by study at the Conservatorio Superior de Musica “Eduardo Martinez Torner de Oviedo”, where he
received Honorary Diploma. He studied at Yale University with Jesse Levine and the Tokyo String Quartet. He received his
Master of Music from Juilliard School and Mannes College of Music studying with Paul Neubauer. He is currently pursuing his
Artist Diploma-Professional Studies at Mannes. A passionate chamber musician, he was a Bowdoin Virtuosi, invited to Music@
Menlo, Castleton Music Festival, Castleton Chamber Players and Málaga#Clásica. Upcoming performances include: Bowdoin
International Music Festival and his Solo Debut in New York at Lincoln Center’s Alice Tully Hall performing Bártok’s Viola Concerto
in March 2014. Jesús Rodolfo Rodriguez is fluent in English, Spanish, Italian and French and has a Degree in Architecture and
Piano. He currently resides in New York City.

VIOLONCHELO
Dmitri Atapine(España - Rusia)
Ha sido descrito como “un cellista espléndido, elegante” (‘Mundo Clásico’), con
“virtuosismo técnico brillante” (‘Gramophone’) y una manera de tocar “altamente
impresionanteensutotalidad”(‘TheStrad’).Comosolistahaactuadoenalgunosde
los principales escenarios del mundo, incluyendo los Zankel y Weill Hall del Carnegie
Hall, Auditorio Nacional de España y el Chicago Cultural Center. Sus frecuentes
participaciones en festivales incluyen Music@Menlo, La Música Sarasota, Cactus
Pear, Nevada Chamber Music, Pacific Music Festival, Aldeburgh Festival y Aix-en-
Provence Festival, entre muchos otros, y actuaciones retransmitidas en España,
Italia, EE.UU., Canadá, México y Corea del Sur. Entre los numerosos premios con los
que ha sido reconocido se encuentran el Primer Premio del Concurso Internacional
de Cello ‘Carlos Prieto’ (2004) y primeros premios en el top awards at Plowman
Competition y el Concurso de Cámara ‘Vittorio Gui’. Recientes actuaciones incluyen
colaboraciones con distinguidos músicos como Peter Wiley, Ani y Ida Kavafian, Wu Han, Bruno Giuranna, David Shifrin y el St.
Lawrence String Quartet. En colaboración con la pianista Hyeyeon Park, ha presentado la grabación del estreno mundial de la
obra completa de Lowell Liebermann para cello y piano con el sello Blue Griffin, que ha sido aclamada por la crítica. Otras de
sus grabaciones se pueden encontrar en los sellos Naxos, Albany, Urtext Digital y Bridge. El sr. Atapine recibió su máster por la
Universidad del Estado de Michigan con Suren Bagratuni y su doctorado por la Escuela de Música de Yale, donde fue alumno de
Aldo Parisot. Director artístico del Festival de Música de Cámara de Ribadesella y del Ciclo de Conciertos Argenta, en Nevada (EE.
UU.), es profesor de violonchelo en la Universidad de Nevada, Reno.
Dmitri Atapine has been described as “a splendid, elegant cellist” (Mundo Clasico), with “brilliant technical chops”(Gramopho
ne), whose playing is “highly impressive throughout”(The Strad). As a soloist and recitalist, he has appeared on some of the
world’s foremost stages, including Zankel and Weill halls at Carnegie Hall, the National Auditorium of Spain, and Chicago Cultural
Center. His frequent festival appearances have included Music@Menlo, La Musica Sarasota, Cactus Pear, Nevada Chamber
Music, Pacific Music Festival, Aldeburgh Festival, and Aix-en-Provence Festival, among many others, with performances broadcast
in Spain, Italy, the United States, Canada, Mexico, and South Korea. Mr. Atapine’s multiple awards include the First Prize at the
2004 Carlos Prieto International Cello Competition, and top awards at the Plowman Competition, and the Vittorio Gui Chamber
Competition. His recent engagements have included collaborations with such distinguished musicians as Peter Wiley, Ani and Ida
Kavafian, Wu Han, Bruno Giuranna, David Shifrin, and St. Lawrence String Quartet. In collaboration with pianist Hyeyeon Park,
Mr. Atapine recently released a critically acclaimed world-premiere recording of Lowell Liebermann’s complete works for cello and
piano on the Blue Griffin label. Other recordings can be found on the Naxos, Albany, Urtext Digital, and Bridge record labels. Mr.
Atapine received his bachelor and masters from Michigan State University with Suren Bagratuni, and the doctorate from Yale
School of Music, where he was a student of Aldo Parisot. The Artistic Director of Ribadesella Chamber Music Festival (Spain) and
the Argenta Concert Series (Nevada), Mr. Atapine is the cello professor at the University of Nevada, Reno.

Hiro Matsuo(EE.UU. - Japón)
Descrito por el New York Times como “impresionante”, Hiro Matsuo es un talento
emergente de su generación. Ha actuado por todo el mundo y en las salas más
célebres incluyendo Alice Tully Hall, Avery Fisher Hall, Carnegie Hall, Jordan Hall,
Kimmel Center, Royal Albert Hall y el Seoul Arts Center. Ávido músico de cámara,
ha colaborado con distinguidos artistas como Joshua Bell, David Aaron Carpenter,
Roberto Díaz, Christoph Eschenbach, Midori Goto, Ida Kavafian, Alex Kerr, Yo-Yo Ma,
Anne-Marie McDermott y Joseph Silverstein. También ha actuado en los festivales
de Kirishima, Lake George, Music@Menlo, Ravinia y Salomé en The Hamptons.
Forma parte de los artistas de Málaga#Clásica, The Metropolis Ensemble, Salomé
Chamber Orchestra y Solisti Ensemble. Ha ofrecido frecuentes conciertos con A
Far Cry y Sejong Soloists. Ha obtenido un reconocimiento generalizado ganando
Primeros Premios en Kishwaukee, Musichorale, Asosiación Nacional de Profesores
de Música (EE.UU.), Fundación Nacional para el Desarrollo del Arte, Sociedad de Músicos Americanos y el concurso del Festival
de Cello de la Universidad de Illinois. Como músico orquestal, ha sido líder de sección en muchos conciertos. Ha tocado bajo la
batutadereconocidosdirectorescomoJohnAdams,CharlesDutoit,ChristophEschenbach,AlanGilbert,NicolasMcGegan,Matthias
Pintscher, Esa-Pekka Salonen, Yannick Nézet-Séguin, Simon Rattle y Michael Tilson Thomas. También disfruta colaborando con
músicos fuera del género clásico. En 2011, grabó para The Roots su undécimo álbum, Undun y celebró su lanzamiento tocando
con la legendaria banda en el ‘Late Night with Jimmy Fallon’ del la NBC. Ha compartido el escenario con afamados artistas como
Keren Ann, Natasha Bedingfield, John Legend, Rufus Wainwright, Florene Welch y Michelle Williams. Tiene un bachillerato por el
Curtis Institute of Music y un máster de la Juilliard School. Ha trabajado extensamente con Gilda Barston, Carter Brey, Timothy
Eddy, Hans Jørgen Jensen, David Soyer y Peter Wiley.
Praised by The New York Times as “striking,” Hiro Matsuo is a rising talent of his generation. He has performed all over the world
and in the most celebrated venues including Alice Tully Hall, Avery Fisher Hall, Carnegie Hall, Jordan Hall, Kimmel Center, Royal
Albert Hall, and Seoul Arts Center. An avid chamber musician, Hiro has collaborated with distinguished artists such as Joshua
Bell, David Aaron Carpenter, Roberto Díaz, Christoph Eschenbach, Midori Goto, Ida Kavafian, Alex Kerr, Yo-Yo Ma, Anne-Marie
McDermott, and Joseph Silverstein. He has made appearances at festivals of Kirishima, Lake George, Music@Menlo, Ravinia,
and Salomé at The Hamptons. He is an artist of Málaga#Clásica, the Metropolis Ensemble, Salomé Chamber Orchestra, and
Solisti Ensemble. He also performs regularly with A Far Cry and Sejong Soloists. Hiro has earned wide recognition winning first
prizes in Kishwaukee, Musichorale, Music Teachers National Association, National Foundation for Advancement in the Arts,
Society of American Musicians, and University of Illinois Cello Festival competitions. As an orchestral musician, Hiro has served
as principal for many concerts. He has played under the baton of renowned conductors John Adams, Charles Dutoit, Christoph
Eschenbach, Alan Gilbert, Nicolas McGegan, Matthias Pintscher, Esa-Pekka Salonen, Yannick Nézet-Séguin, Simon Rattle, and
Michael Tilson Thomas. Hiro also enjoys collaborating with musicians outside the classical music genre. In 2011, he recorded for
The Roots eleventh studio album Undun. To celebrate the release of the album, he appeared with the legendary band on NBC’s
Late Night with Jimmy Fallon. He has shared the stage with famed artists Keren Ann, Natasha Bedingfield, John Legend, Rufus
Wainwright, Florene Welch, and Michelle Williams. Hiro Matsuo holds a bachelor’s degree from Curtis Institute of Music and a
master’s degree from The Juilliard School. He has worked extensively with Gilda Barston, Carter Brey, Timothy Eddy, Hans Jørgen
Jensen, David Soyer and Peter Wiley.

Carmen María Elena González (España)
Natural de Málaga, desempeña una diversa carrera musical como solista, músico de
cámarayorquesta.ComenzósusestudiosalaedaddeochoañosenelConservatorio
Superior de Música de Málaga. Muy pronto destaca por ganar el Primer Premio
en el VII Certamen Musical ‘María Ángeles Reina’ y en la Muestra de Jóvenes
Intérpretes ‘Ciudad de Málaga’. Posteriormente, amplía su formación musical con
Asier Polo, Elena Camez, A. Campos y A.P. Fernández. Con once años es aceptada
en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Desde entonces, ha actuado en el
Auditorio Nacional (Madrid), Teatro Cervantes (Málaga), con la Orquesta Sinfónica
de Málaga, con la Orquesta Joven de Andalucía en el Auditorio Manuel de Falla
(Granada) dirigida por Diego Masson; en el Auditorio de la Diputación Provincial
de Málaga con la Orquesta Provincial de Málaga interpretando el Concierto de
Schumann y en países como Francia y Portugal. Ha sido calificada como la alumna
“Más Sobresaliente en la Cátedra de Música de Cámara” con el Trío Mozart de Deloitte bajo la dirección de Marta Gulyas, con el
cual grabó un disco en colaboración con Sony y Deloitte. Carmen también ganó el Primer Premio Nivel Superior en la Muestra de
Jóvenes Intérpretes MálagaCrea y múltiples premios con el Trío Amadeo. Además, Carmen ha sido invitada a actuar en el Festival
Internacional de Santander, por la Salzburg Chamber Soloists en sus giras por Europa y América, y por la Orquesta Sinfónica de
Almería junto a Michael Thomas como violonchelo solista. Como miembro de la Orquesta de Cámara Freixenet, ha sido dirigida
entre otros por los maestros Judd, Csaba, García Asensio, Vasary, Savall, Ros Marbà , López Cobos, Gómez Martínez y Valdés.
Completó sus estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Natalia Shakhovskaya y obtuvo un máster en la Escuela
Superior de Música de Fiesole con la profesora Natalia Gutman. Es miembro del New Moon String Quartet.
A native of Málaga, Carmen María Elena González carries out a diverse musical career as soloist, chamber and orchestral
musician. She started her studies at eight years old in the Conservatorio Superior de Música de Málaga. She soon stood winning
First Prize in the VII Musical Contest “Maria Angeles Reina” and Showcase of Young Performers “City of Málaga”. Following, she
enriched her musical formation with Asier Polo, Elena Camez, A. Campos and A.P. Fernández. At the early age of 11, she was
accepted at the Escuela Superior de Música Reina Sofía in Madrid. Since then Carmen has performed in the Auditorio Nacional
(Madrid), Teatro Cervantes (Málaga), with the Orquesta Sinfónica de Málaga, Orquesta Joven de Andalucía en Auditorio Manuel
de Falla (Granada) conducted by Diego Masson, in the Auditorio de la Diputación Provincial de Málaga with the Orquesta
Provincial de Málaga performing Schumann’s Concerto and in countries as France and Portugal. Carmen has been qualified as
“The Most Outstanding Pupil of the Chamber Music Department” with the Trío Mozart de Deloitte under the guidance of Marta
Gulyas, with whom she recorded an album with the collaboration of Sony and Deloitte.Other qualifications include the First
Prize Superiour Level at the Young Performers Showcase in MálagaCrea 2004 and multiple national and international awards
as a member of Trío Amadeo. In addition, Carmen has been invited to perform in Santander’s International Festival, by the
Salzburg Chamber Soloists in their tour throught Europe and America and by the Orquesta Sinfónica de Almería together with
Michael Thomas as a Cello Soloist. As a member of the Orquesta de Cámara Freixenet, she has been conducted among others
by maestros Judd, Csaba, García Asensio, Vasary, Savall, Ros Marbà, López Cobos, Gómez Martínez and Valdés. Carmen María
Elena completed her studies at the Escuela Superior de Música Reina Sofía with Natalia Shakhovskaya and obtained a Master of
Music from Escuela Superior de Música di Fiesole with Natalia Gutman. Carmen is a member of the New Moon String Quartet.

CLARINETE
Christine Carter(Canadá)
Ha actuado con orquestas por todo el mundo, incluyendo conciertos con la Montréal
Symphony Orchestra bajo la batuta de Kent Nagano, la National Arts Centre
Orchestra bajo la dirección de Pinchas Zukerman, conciertos en la Ópera de Sydney
con Michale Tilson Thomas y la Orquesta de Youtube. En 2011 completa su tercera
temporada en el Castleton Festival del maestro Lorin Maazel, incluyendo más de
veinte conciertos. Recientemente ha sido invitada para conciertos de gala con la
New World Symphony en Miami y con la Metropolitan Opera Orchestra.
Christine ha actuado extensamente como músico de cámara, interpretando desde
obras contemporánea en el Weill Hall del Carnegie Hall a escenificaciones de La
historia de un soldado de Stravinsky con Lorin Maazel y la violinista Jennifor Koh.
En 2012, estrenó en Nueva York su interdisciplinar ‘Proyecto Cuarteto para el
fin del tiempo’, un drama para cuatro actores con muestra fotográfica en el que
se narra la historia de la obra maestra del prisionero de guerra Oliver Messiaen. Actualmente es clarinetista del Dark by Five
Ensemble, que acaba de completar su segunda temporada en residencia en el Gros Morne Summer Music Festival. Entre sus
próximos eventos de música de cámara destaca su intervención en el Mozartfest de Würzburg (Alemania).
Después de su experiencia trabajando en neuroimagen y laboratorios de cognición musical, ha coescrito varios artículos de
prensa de psicología musical y escrito artículos para la revista ‘The Strad’ y el blog ‘Bulletproof Musician’. Ha presentado talleres
de psicología de actuación en universidades y conservatorios de Canadá y EE.UU. y, actualmente, continúa su investigación
en el Instituto Cerebro y Mente de la Universidad del Oeste de Ontario (Canadá). Ha obtenido un máster de música por la
Universidad de McGill y un doctorado en Artes Musicales por la Manhattan School of Music, donde actualmente imparte clases
en el departamento de vientos-madera.
Canadian clarinetist, Christine Carter, has performed with orchestras around the world, including concerts with the Montréal
Symphony Orchestra under Kent Nagano, the National Arts Centre Orchestra under Pinchas Zukerman, and performances at the
Sydney Opera House with Michael Tilson Thomas and the 2011 YouTube Symphony Orchestra. In 2011, she completed her third
season with Maestro Lorin Maazel’s Castleton Festival, including over 20 concerts. Most recently, she was invited to play bass
clarinet for gala performances with the New World Symphony in Miami and the Metropolitan Opera Orchestra.
Christine’s engagements as a chamber musician have ranged from contemporary music at Carnegie’s Weill Recital Hall to staged
performances of Stravinsky’s A Soldier’s Tale with Lorin Maazel and violinist, Jennifer Koh. In 2012, Christine gave the New
York premiere of her interdisciplinary “Quartet for the End of Time Project,” involving a four-actor play and photography exhibit,
telling the story of Olivier Messiaen’s Prisoner of War Camp masterpiece. She is currently the clarinetist of the Dark by Five
Ensemble, which just completed its second season in residence at the Gros Morne Summer Music Festival. Upcoming chamber
music highlights include residencies at the Málaga Clásica festival in Spain and the Mozartfest in Würzburg, Germany.
Having worked in both neuroimaging and music cognition labs, Christine has coauthored several music psychology journal articles
andwascommissionedtowritearticlesforbothTheStradMagazineandBulletproofMusicianBlog. Shehaspresentedperformance
psychology workshops at universities and conservatories in both Canada and the US and is currently pursuing research as a visiting
scholar at the University of Western Ontario’s Brain and Mind Institute. She holds a Master of Music degree from McGill University
and a Doctor of Musical Arts from Manhattan School of Music, where she now teaches the Woodwind Lab.

PIANO
Edvinas Minkstimas(Lituania)
Considerado como uno de los jóvenes pianistas más sobresalientes, su extendido
repertorio, sólida técnica y expresión musical lo han llevado a actuar por Europa
y América del Norte. Desde agosto de 2013, es un Artista Steinway e impartirá
clases magistrales Steinway públicas en la sala Steinway en North Bethesda para
la comunidad musical de Washington.
Algunos de sus próximos compromisos son actuaciones como solista con Las Vegas
Philharmonic, la Filarmónica Nacional de Lituania y la Piedmoont Symphony
Orchestra bajo la dirección de Glenn Quader. Algunos eventos recientes a destacar
son conciertos en la Galería Nacional de Arte, Washington D.C., Weill Recital Hall
en el Carnegie Hall con la National Symphony Orchestra, Arlington Philharmonic,
Amadeus Orchestra, Fairfax Symphony Orchestra, Mahler Philharmonic, Filarmónica
Nacional de Lituania y giras por Europa y Sudamérica. Desde 2012, es profesor
invitado en el Washington International Piano Festival. Desde julio de 2011, es artista residente del Ciclo de Embajadas de
Washington D.C, donde también trabaja de asistente del director Jerome Barry. Ese mismo año, recibió su doctorado en Artes
Musicales por la Juilliard School, donde estudió con Jerome Lowenthal y fue galardonado el C.V. Starr Foundation Doctoral
Fellowship. Edvinas ha sido invitado a formar parte de la junta del Festival Málaga#Clásica. También está en la junta directiva
de la Mahler Philharmoniker de Viena y es cofundador de la organización GLL (Global Lithuanian Leaders), al igual que miembro
de la junta de la National Jewish Health. Entre los premios con los que ha sido galardonado se encuentran al Joven Artista Belz-
Parker en Memphis, Tennessee y el Primer Premio en el Quinto Concurso Internacional de Piano Ciurlionis en Vilnius, Lituania. Ha
recibido numerosas becas de carrera, incluyendo las de la Fundación Meyer en Francia, Music Academy of the West en California
y la del Ministerio de Cultura Lituano.
Edvinas Minkstimas is widely regarded as one of Europe’s top emerging young pianists, one whose extensive repertory, solid
technique and musical expression have led him to perform throughout Europe and North America.
Mr. Minkstimas became a Steinway Artist in August, 2013. He will give regular public Steinway master classes at the Steinway
showroom and concert hall in North Bethesda for Washington musical community. Upcoming engagements include appearing
as a guest soloist with the Las Vegas Philharmonic and Lithuanian National Philharmonic and with Piedmont Symphony
Orchestra under conductor Glenn Quader. Recent highlights inlude performances at the National Gallery of Art, Washington,
D.C., Weill Recital Hall at Carnegie Hall, with NSO, Arlington Philharmonic, Amadeus Orchestra, Fairfax Symphony Orchestra,
Mahler Philharmonic, Lithuanian National Philharmonic, as well as concert tours in Europe and South America. Since 2012,
Mr. Minkstimas also serves as a guest faculty member of the Washington International Piano Festival. In July 2011, Mr.
Minkstimas became Artist-in-Residence of the Embassy Series in Washington DC, where he also works as assistant to Director
Jerome Barry. In May 2011, Mr. Minkstimas received his Doctor of Musical Arts degree from The Juilliard School, New York,
where he was recipient of the C.V. Starr Foundation Doctoral Fellowship and studied with Jerome Lowenthal. Edvinas has been
invited to serve as board of the festival Málaga Clásica. He is also board member of the Mahler Philharmoniker in Vienna and
co-founder of the GLL (Global Lithuanian Leaders) organization, as well as board member of National Jewish Health. Amongst
the awards received by Mr. Minkstimas are the Belz-Parker Young Artist Award in Memphis, Tennessee and First Prize at the Fifth
International Ciurlionis Piano Competition in Vilnius, Lithuania and grants and scholarships from the Meyer Foundation (France),
Music Academy of the West (California) and the Lithuanian Ministry of Culture.

Anna Petrova(Bulgaria)
Aclamada por sus “interpretaciones distintivas y excelente maestría técnica y
control poderoso del timbre de sonido”, Anna Petrova ha sido ganadora de los
Primeros Premios de numerosos concursos internacionales, incluyendo el José
Roca (Valencia), Bösendorfer (Sofía) y María Yudina (San Petersburgo), y fue
semifinalista en el prestigioso concurso Reina Elizabeth de Bélgica en 2010,
actuando como solista con la Royal Chamber Orchestra de Wallonia bajo la
dirección de Paul Goodwin. En temporadas recientes ha actuado como solista con
la Orquesta Sinfónica de Monterrey con Max Bragado Darman y con la Virginia
Beach Symphony Orchestra con David Kunkel. Ha ofrecido recitales como solista en
el Concertgebouw de Amsterdam, Weill Hall del Carnegie Hall, Auditorio Ciudad de
León y Palau de la Música de Valencia. Su exitoso debut con orquesta en EE.UU.
tuvo lugar con el director Philippe Entremont y le supuso una nueva e inmediata
invitación, siendo aclamada por “un estilo de tocar ultra fluido”. Otros directores con quienes ha colaborado son JoAnn Falletta,
Ramón Tébar y Francisco Valero-Terribas, entre otros. Próximamente actuará como solista y en formaciones de cámara en
EE.UU. y Europa y dará conciertos con la Orquesta Sinfónica de Valencia en el Palau de la Música. Su grabación de Les noces
de Stravinsky con JoAnn Falleta será en breve editada por Naxos. Anna ha recibido de manos del Ministro de Cultura Búlgaro
el Premio a ‘Logros Artísticos Extraordinarios’. Está concluyendo sus estudios de doctorado en la Manhattan School of Music de
Nueva York, donde sus maestros principales han sido Horacio Gutiérrez y André-Michel Schub.
Bulgarian pianist Anna Petrova has been praised for her “hallmark performances” of “excellent technical mastery and powerful
control of timbre.” Prize winner in numerous international competitions, including the José Roca (Valencia), Bösendorfer (Sofia)
and Maria Yudina (St. Petersburg), Anna was a semifinalist at the prestigious Queen Elizabeth International Piano Competition
in Belgium, 2010, where she performed as soloist with the Royal Chamber Orchestra of Wallonia under Paul Goodwin.
In recent seasons she has performed as a soloist with the Monterey Symphony Orchestra under Max-Bragado Darman and the
Virginia Beach Symphony Orchestra under David Kunkel. She has given solo recitals in Amsterdam’s Concertgebouw, Weil Hall at
Carnegie Hall, Auditorio Ciudad de Leon and Palau de la Musica de Valencia in Spain. At her North-American orchestral debut with
conductor Philippe Entremont, which was shortly followed by a second invitation, Anna was praised for her “ultra-smooth playing
style”. Other conductors she has played with include JoAnn Falletta, Ramón Tébar and Francisco Valero-Terribas among others.
HerfutureengagementsincludesolorecitalsandchambermusicperofmancesinUSAandEurope,aswellasconcertoperformances
with the Valencia Symphony Orchestra in Palau de la Musica, Valencia. Her recording of Stravinsky’s Les Noces with the Virginia
Symphony Orchestra and JoAnn Falletta will be released on Naxos this Fall. Anna is the recipient of the Bulgarian Minister of
Culture Award for Outstanding Artistic Achievements. She is finishing her Doctoral studies at the Manhattan School of Music,
where her main teachers have been Horacio Gutierrez and Andre-Michel Schub.

Christopher Schmitt(EE.UU.)
Cursa actualmente su doctorado en la Juilliard School como estudiante del C.V. Starr
Doctoral Program. Se graduó con un máster con las becas John y Henry Steinway,
Susan W. Rose y Richard S. Becker. Tras ganar el concurso en concierto de The
Music Academy of the West, fue aclamado como “talento formidable” y “de una
madurez más allá de su edad” (‘Santa Barbara News-Press’).
Durante los últimos cuatro años, ha recibido la beca de la Fundación Chopin de
EE.UU. Fue patrocinado por dicha fundación para actuar en un recital en el Gusman
Concert Hall de Miami. Ha ofrecido numerosos recitales en las áreas de Boston,
Nueva York y Washington D.C. Asimismo, ha actuado como solista con numerosas
orquestas del estado de Virginia como la Little River Symphony Orchestra o la
Richmond Philharmonic. Como ganador del Premio Nivel I de Arts Recognition y
Talent Search, ha actuado para la Fundación Nacional para el Desarrollo de las
Artes en la Galería Corcoran de Art y el Club de Congresos de Washington D.C., en Annapolis, MD y en Miami. El sr. Schmitt
también es activo pianista colaborador y músico de cámara, ganando el Primer Premio en el International Chamber Ensemble
Competition y actuando como tal en el Weill Hall del Carnegie Hall. También ha trabajado con violinistas de renombre como
Itzhak Perlman y Donald Weilerstein, y participado en el Kneissel Hall, en Maine, así como en el festival Music@Menlo de
California. Recientemente ha accedido al puesto de pianista en la banda de marinos de EE.UU. The President’s Own, formación
que actúa en conciertos abiertos al público en las áreas metropolitanas de Washington D.C. y proveyendo las necesidades
musicales de la Casa Blanca.
Christopher Schmitt is currently studying at The Juilliard School as a D.M.A. student in the C.V. Starr Doctoral Program. Mr.
Schmitt graduated from Juilliard in 2011 with a Masters degree as the recipient of the John and Henry Steinway Scholarship,
the Susan W. Rose Fellowship, and the Richard S. Becker Scholarship. As a winner of the concerto competition at The Music
Academy of the West, Mr. Schmitt was hailed after the concertoperformance as a “formidable talent” and “mature beyond his
years” (Santa Barbara News-Press). Over the last four years, Mr. Schmitt has been the recipient of the scholarship offered by
the Chopin Foundation of the United States and was sponsored by the foundation to perform a full recital in Gusman Concert
Hall in Miami. Mr. Schmitt has also performed many recitals in the Boston, New York, and Washington DC areas. Additionally,
Mr. Schmitt has soloed with numerous orchestras in the Virginia area such as the Little River Symphony and the Richmond
Philharmonic. As a recipient of the Level I Award at the Arts Recognition and Talent Search, Mr. Schmitt has performed for the
National Foundation for Advancement in the Arts at the Corcoran Gallery of Art and Congressional Club in Washington DC, in
Annapolis, MD and in Miami. Mr. Schmitt is also active as a collaborative pianist and chamber musician, winning first place at
the International Chamber Ensemble Competition, performing as such at Carnegie Hall’s Weill Hall. He has also worked with
renowned violinists Itzhak Perlman and Donald Weilerstein and attending Kneisel Hall, in Maine, as well as Music@Menlo in
California. Mr. Schmitt recently filled a position as pianist in the President’s Own US Marine Band, an ensemble which both
performs public concerts in the Washington DC metropolitan area, and fulfills the musical needs of the White House.

Josu de Solaun(España)
Como Primer Premio del XV Concurso Internacional de Piano ‘José Iturbi’ y el I
Concurso de Piano de la Unión Europea, teniendo actuaciones destacadas en San
Petersburgo (Teatro Mariinsky), Washington DC (Kennedy Center), Nueva York
(Carnegie Hall, Metropolitan Opera), Princeton (Taplin Hall), Londres (Southbank
Centre), París (Salle Cortot), Leipzig (Schumann Haus), Taipei (Novel Hall), Ciudad
de México (Sala Silvestre Revueltas), Praga (Nostitz Palace), Roma (Academia
de España), Menton (Festival International de Musique) y todas las principales
ciudades de España. Ha colaborado con directores como Francesco Angelico, Yaron
Traub, Max Bragado, Paul Daniel, Ryan Haskins, Theodore Kuchar, Constantine
Orbelian, Ramón Tébar, Yuri Krasnapolsky, Ormsby Wilkins, Alexis Soriano,
Francisco Valero y Miguel Ángel Gómez Martínez, al igual que con orquestas
como la del Teatro Mariinsky de San Petersburgo y de Cámara de Moscú (Rusia),
American Ballet Theatre Orchestra y Sioux City Symphony (EE.UU.), Sinfónica de Monterrey y Filarmónica de la Ciudad de
México (México), Filarmónica Janácek (República Checa), Filarmónica de Lviv (Ucrania), Filarmónica de Bari (Italia), Real
Filharmonia de Galicia, de RTVE, Sinfónica de Euskadi o Filarmónica de Valencia. Entre sus actuaciones recientes destacan, como
solista, con la Orquesta del Teatro Mariinsky, Sioux City Symphony, Orquesta del Teatro de Ballet de Nueva York, una gira por
España con la Orquesta Nacional de Euskadi y su debut como director en España con la Joven Orquesta de Málaga. Compromisos
profesionales inmediatos incluyen once recitales cubriendo la integral de Schumann para piano en Nueva York, conciertos en el
Auditorio de León, Virginia Arts Festival, con la Orquesta de Valencia y la North Shore Symphony Orchestra. En 2014, Naxos
editará su grabación de Les noces de Stravinsky con JoAnn Falletta y músicos de la Orquesta y Coro de la Virginia Symphony.
As a First Prize winner of both the XV José Iturbi International Piano Competition and the I European Union Piano Competition,
Spanish pianist Josu de Solaun has been invited to perform in distinguished concert series throughout the world, having made
notable appearances in Saint Petersburg (Mariinsky Theatre), Washington, DC (Kennedy Center), New York (Carnegie Hall,
Metropolitan Opera), Princeton (Taplin Hall), London (Southbank Centre), Paris (Salle Cortot), Leipzig (Schumann Haus), Taipei
(Novel Hall), Mexico City (Sala Silvestre Revueltas), Prague (Nostitz Palace), Rome (Academia de España), Menton (Festival
International de Musique), and all major cities of Spain. Josu de Solaun has collaborated with conductors such as Francesco
Angelico, Yaron Traub, Max Bragado, Paul Daniel, Ryan Haskins, Theodore Kuchar, Constantine Orbelian, Ramón Tébar, Yuri
Krasnapolsky, Ormsby Wilkins, Alexis Soriano, Francisco Valero and Miguel Ángel Gómez Martínez, as well as with orchestras such
as the Mariinsky Theatre (Saint Petersburg), Moscow Chamber, Sioux City Symphony, Monterey Symphony, Orquesta Sinfonica
de Euskadi, Mexico City Philharmonic, Janácek Philharmonic, Real Filharmonia de Galicia, Valencia Philharmonic, Spain’s Radio
and Television Orchestra (RTVE), American Ballet Theatre Orchestra, Lviv Philharmonic (Ukraine) and Bari Philharmonic (Italy).
Recent highlights include performances as a soloist with the Mariinsky Theatre Orchestra, New York’s American Ballet Theatre
Orchestra, a tour of Spain with the Basque National Orchestra, with the Sioux City Symphony Orchestra and his conducting debut
with the Joven Orquesta de Málaga. Future engagements include 11 recitals covering Robert Schumann’s complete piano music
at New York’s Klavierhaus Recital Hall, performances at Auditorio Ciudad de Leon, Malaga Clasica Festival, Virginia Arts Festival,
with the Orquesta de Valencia and with the North Shore Symphony Orchestra. In 2014, NAXOS label will release his recording of
Stravinsky’s Les Noces under JoAnn Falletta and members of the Virginia Symphony and Chorus. Josu De Solaun is a graduate
of the Manhattan School of Music, studying with Nina Svetlanova and Horacio Gutierrez.

VOZ
Nils Nilsen(Noruega)
Comienza su carrera en la música cantando como niño soprano, siendo el solista
principal con el Coro de la Radiotelevisión Noruega y actuando internacionalmente
tanto en producciones de ópera como en conciertos. Con sólo trece años, canta con
Dame Kiri Te Kanawa en Oslo, actuación que retransmite la televisión nacional.
En marzo de 2012, debuta en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center, sede de la
New York Philharmonic. En su trayectoria profesional se incluyen la interpretación
del papel de Aumonier (Diálogos de carmelitas), en la Casa de la Ópera Noruega
bajo la dirección de Lidal North, y el papel principal de Albert Herring, siendo
dirigido en esta ocasión por el director de la Metropolitan Opera David J. Jackson
en Intermezzo. Asimismo, ha sido solista con la Orquesta de Cámara de Minsk e
interpretó el papel de Tom Rakewell (El progreso del libertino), Torquemada (La
hora española), tenor solista en El Mesías de Händel, Réquiem de Mozart, Cristo
de Mendelssohn y el Oratorio de Navidad de Bach. El sr. Nilsen también ha actuado con la Ópera de Tampa (La viuda alegre)
(2010), con Dances Patrelle en El ballet de Gilbert y Sullivan como el tenor cantante líder (2011 y 2012) y por toda Europa y
América del Norte. Se graduó como uno de los mejores estudiantes de la Academia Noruega de la Música, con las calificaciones
más altas y tiene un máster en la Manhattan School of Music de Nueva York.
Es ganador del Solveig Prize en el Concurso Edvard Grieg y de un premio en el Concurso Noruego Nacional para Jóvenes
Músicos.
Tenor Nils Georg Nilsen hails from Oslo, Norway. He began his singing career as a boy soprano and was the main soloist in the
Norwegian Broadcasting Choir, performing internationally in both opera and concerts. Already as a 13 year old, Mr. Nilsen sang
with Dame Kiri Te Kanawa in Oslo being broadcast on national television.
In March of 2012, Mr Nilsen had his debut at Lincoln Center’s Avery Fisher Hall, the home of the New York Philharmonic. Mr.
Nilsen’s experience includes the role of Aumonier (Dialogues of the Carmelites) at the Norwegian Opera House under Lidal North
and the main role of Albert Herring, being conducted on this occassion by Metropolitan Opera Conductor Maestro David J. Jackson
at Intermezzo. In addition, he has been a soloist with the Minsk Chamber Orchestra, and played Tom Rakewell (The Rake’s
Progress) and Torquemada (L’heure Espagnole) as well as being the tenor soloist in Handel’s Messiah, Mozart’s Requiem, Christ
by Mendelssohn and Bach’s Christmas Oratorio. Mr. Nilsen has also performed with Opera Tampa (The Merry Widow) in 2010
and with Dances Patrelle on Gilbert and Sullivan the Ballet as the tenor lead singer in 2011 & 2012. He has held concerts
across Europe and North America. Mr. Nilsen has performed and taken part in various music festivals such as VE at The Players
Club in New York, Lidal North in Norway, V.O.I.C.Experience in Tampa, Florida, Performance Practice in Berlin and Intermezzo in
Portland, Maine. Mr. Nilsen graduated as a top student from the Norwegian Academy of Music, with the highest possible score
and is a recipient of a Master degree from the Manhattan School of Music in New York.
Mr. Nilsen is winner of the Solveig Prize at the Edvard Grieg Competition and a prize winner in the Norwegian National
Competition for Young Musicians.

Aurelio Gabaldón(España)
A la edad de nueve años se une al Coro Polifónico de Avilés, su ciudad natal, y
seguidamente al Coro del Conservatorio Superior de Música de Madrid, al Orfeón
de Castilla y al Octeto Narval. Ha sido Premio de Zarzuela en el Concurso ‘Operalia’
de Plácido Domingo, Primer Premio en el Leo Slezak International Singing Contest
de Viena, al Mejor Cantante de Música Española en Iberian Voices y Mejor Voz
MasculinaenelTotidalMonteInternationalCompetition.Haactuadoconreconocidos
directores como Plácido Domingo, Marco Armiliato, Alberto Zedda, Enrique García
Asensio, Miguel Roa, Pascual Osa, Michael Gütler y Stefano Rabaglia, entre otros.
Actuó en la Gala Lírica para Jóvenes Voces de La Solana (Ciudad Real), en diversos
conciertos de ópera y canción en la Fundación Lázaro Galdiano, Auditorio Nacional,
Casa Cantabria e Instituto Francés de Madrid, Fundación El Monte (Huelva y
Sevilla), Colegio San Juan Bautista y Teatro Jovellanos de Gijón y un concierto
dedicado a Miguel Fleta en Ávila. Inauguró con el maestro Alfredo Kraus el auditorio que lleva el nombre del tenor en Las Palmas
de Gran Canaria. Tras este encuentro, Aurelio fue su protegido. Ha interpretado a Lindoro de L´Italiana in Algeri en la Academia
Rossini de Pesaro (Italia) y a Arturo de I puritani en el Liceo de Barcelona. Hizo su debut en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con
Agua, azucarillos y aguardiente (Serafín) y Los claveles; y, en Córdoba, con Luisa Fernanda. Ha ofrecido numerosas actuaciones
en el Palacio Euskalduna, Baracaldo y Teatro Arriaga de Bilbao; en el Teatro Romea de Murcia, Teatro El Bosque de Madrid, Teatro
Comunale de Treviso (Italia) (Le nozze di Figaro), Parma, Nueva York y Miami, donde fue oficialmente presentado con la llave
del condado Miami-Dade en el nombre de su alcalde.
Aurelio Gabaldón is a tenor from Avilés, Spain. At the age of nine he joined the Polyphonic Choir of Avilés and eventually the
Choir of the Royal Superior Conservatory of Music of Madrid, the Orfeon de Castilla and Narval Octet.
Aurelio has been awarded Placido Domingo’s Operalia Contest Zarzuela Prize, First Prize at the Leo Slezak International Singing
Contest in Vienna, the Best Singer of Spanish Music prize at Iberian Voices and the best male voice in Toti dal Monte International
Competition. Aurelio has performed with renown conductors as Plácido Domingo, Marco Armiliato, Alberto Zedda, Enrique García
Asensio, Miguel Roa, Pascual Osa, Michael Gütler and Stefano Rabaglia. He performed at the Lyric Gala Young Voices of La
Solana (Ciudad Real) and in various opera and lieder concerts at the Lázaro Galdiano Foundation, the Auditorio Nacional de
Madrid, the Cantabria House of Madrid, French Institute of Madrid, El Monte Foundation (Huelva and Sevilla), San Juan Bautista
Collegiate and Jovellanos Theater in Gijón and in a concert dedicated to Miguel Fleta in Ávila. Mr. Gabaldón inaugurated with
Maestro Alfredo Kraus the auditorium named after the maestro himself. Aurelio Gabaldón participated in the Rossini Academy,
performing Lindoro from The Italian in Algiers in Pesaro, Italy. Additionally, he performed the role of Arturo in I Puritani, at the
Liceo de Barcelona. After meeting the legendary singer Alfredo Kraus, Aurelio became Kraus’s protege until his passing.
Gabaldón made his debut in the Theater of Zarzuela of Madrid with Agua, azucarillos y aguardiente (Serafín) and Los Claveles
and Luisa Fernanda in Córdoba, Spain. Numerous performances followed in Euskalduna Palace, Baracaldo and Teatro Arriaga in
Bilbao, in the Teatro Romea in Murcia, Teatro El Bosque in Madrid, Le Nozze di Figaro in the Teatro Comunale of Treviso, as well
as performances in Parma, New York and Miami where he was officially presented with the key to the county of Miami-Dade,
in the name of the mayor.

PRECIOS DE LAS LOCALIDADES
PRECIO ÚNICO por concierto 10 euros
ABONOS
ABONOS para los siete conciertos 40euros
NO APLICABLES DESCUENTOS HABITUALES
Para ampliar información a:
Colegios, institutos y conservatorios (grupos), consultar en: atencioncolectivos@teatrocervantes.es
Asociaciones culturales (grupos), consultar en: cgila@malaga.eu gaurioles@malaga.eu

VENTA DE LOCALIDADES, HORARIO ININTERRUMPIDO
TEATRO CERVANTES
Ramos Marín s/n. 29012 Málaga
Horario de taquillas: de lunes a viernes (laborables),
de 11.00 a 15.00 h. y de 18.00 a 21.30 h.
Sábados (laborables), de 16.00 a 20.30 h.
Domingos y festivos (si hay función), desde una hora antes
del comienzo del espectáculo.
TEATRO ECHEGARAY
Echegaray 6. 29015 Málaga
Horario de taquillas: de lunes a viernes (laborables),
de 15.00 h. a 21.30 h.
Sábados (laborables), de 16.00 a 20.30 h.
Domingos y festivos (si hay función), desde una hora antes
del comienzo del espectáculo.
VENTA TELEFÓNICA – UniTicket de Unicaja
Teléfonos 902 360 295 – 952 076 262
De lunes a sábado, de 8.00 a 22.00 h.
INFORMACIÓN GENERAL
Teléfono 952 224 109
ACCESO A LA SALA
El teatro abrirá las puertas de la sala 30 minutos antes del comienzo del espectáculo.
ACCESIBILIDAD
Los teatros Cervantes y Echegaray* están adaptados para personas con movilidad reducida.
Se recomienda comunicar su asistencia con antelación al personal de taquilla o
en el teléfono 952 224 109 con el fin de garantizar su comodidad.
*De las seis localidades destinadas a este fin, cuatro saldrán a la venta una vez agotado el aforo y
dos se reservarán hasta 15 minutos antes del comienzo del espectáculo.
APARCAMIENTOS
Alcazaba y en las calles Tejón y Rodríguez, Refino, Granados y Santa Lucía
INFORMACIÓN Y VENTA EN INTERNET
www.teatrocervantes.es www.teatroechegaray.es
www.malagaclasica.com

Agradecemos el apoyo de
Dr. y Dra. Epstein
Linda Mevorach
John Rockwell
Hap y Marcia Wagner
Dra. Giedre Kumpikas
Lynne Normandia
COLABORAN

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