Suenios en el_tintero

PDF generado usando el kit de herramientas de fuente abierta mwlib. Ver http://code.pediapress.com/ para mayor información.
PDF generated at: Sun, 25 Nov 2012 14:06:35 UTC
Sueños en el tintero

Contenidos
Artículos
Dadaísmo 1
Surrealismo 5
Técnicas surrealistas 13
Literatura surrealista 17
Generación del 27 18
Federico García Lorca 26
Poeta en Nueva York 35
Oliverio Girondo 48
Referencias
Fuentes y contribuyentes del artículo 51
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 52
Licencias de artículos
Licencia 53

Dadaísmo 1
Dadaísmo
Póster del Matinée dadá (de 62 × 85 cm), de
enero de 1923.
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el
Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball,
escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el
rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una
característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de
razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por
rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y,
especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.
[1]
Su
actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas,
desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.
[2]
Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que
hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la
expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de
antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.
[3]
Introducción
El Dadaísmo fue un movimiento artístico surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue
creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie
de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra
Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa del
Dadaísmo.
[1]
El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de
la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social
característico de los artistas del periodo de entreguerras.
[1]
Artistas reconocidos de este movimiento fueron Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los
alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés,
empezaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de
febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y
alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret
Voltaire que contenía aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo
Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá.
La expansión del mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En
Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista. En Francia
ganó las simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.
El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la
inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión
mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual
conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y
manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte,
creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético
porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio
Dadaísmo.
El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda
tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición

Dadaísmo 2
anterior, tanto filosófica como artística o literaria.
[cita requerida]
No por casualidad en una de sus primeras
publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de
mí hubo otro hombre.»
El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica,
contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.
Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la
crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás
dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo,
también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el
abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de
serlo. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el
gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida
deben ser abolidas.
El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la
poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y
eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como
la mezcla de géneros y materias propia del collage viene del Dadaísmo.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación,
los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente
incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos
buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos
establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos,
como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters
destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp
expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que
denominó ready-mades.
En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin
límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que
Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, «Dadá
manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo», VIII (1924).
Coja un periódico
Coja unas tijeras
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema
Recorte el artículo
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y métalas en una bolsa
Agítela suavemente
Ahora saque cada recorte uno tras otro
Copie concienzudamente
en el orden en que hayan salido de la bolsa
El poema se parecerá a usted
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del
vulgo.
El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propuestas. Pero, por
definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías
de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un
ceremonial continuo de provocación.

Dadaísmo 3
Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda
creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida
por la sociedad.
Origen del nombre «dadá»
Aunque la discusión sobre el origen y el significado de la palabra dadá son amplios, no hay un conocimiento
legítimo sobre lo que significa.
[4]
Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar
una y llamarla correcta.
[1]
Hans Arp, miembro del grupo en 1921, declara lo siguiente en una revista del movimiento:
Declaro que Tristan Tzara encontró la palabra «dadá» el 8 de febrero de 1916 a las seis de la tarde. [...] Estoy
convencido de que esta palabra no tiene ninguna importancia y que solo los imbéciles pueden interesarse por
los datos. Lo que a nosotros nos interesaba es el espíritu dadaísta, y todos nosotros éramos dadaístas antes de
la existencia del Dadaísmo.
Hans Arp
[1]
Se dice
[cita requerida]
que Tristan Tzara tomó un diccionario, lo puso encima de su escritorio y queriendo buscar una
palabra abrió el diccionario en una página y buscó la palabra más rara y desconocida, y encontró dadà, que significa
‘caballo de madera’ en francés.
El mismo Tzara ofreció diversas explicaciones sobre la palabra, todas apuntando al sinsentido de la misma y, no
obstante, confusas. Entre éstas encontramos, en el Manifiesto dadaísta de 1918, lo siguiente:
Dadá no significa nada. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra
que no significa nada [...] Por los periódicos sabemos que los negros kru llaman dadá al rabo de la vaca
sagrada. El cubo y la madre en cierta comarca de Italia reciben el nombre de dadá. Un caballo de madera en
francés, la nodriza, la doble afirmación en ruso y en rumano: dadá.
Tristán Tzara
[1]
Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era
poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.
[4]
El Dadaísmo en Nueva York (1915-1920)
Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray, Morton
Schamberg y otros dan vida al Dadaísmo neoyorquino.
Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses(particularmente para
el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los
ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la
realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de
sus intenciones y la elección de los objetos:
...se basaba en una reacción de indiferencia visual, con la total ausencia de buen o mal gusto... de hecho una
completa anestesia...
Duchamp
Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en
Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zúrich, ni existía ese clima de refugiados
políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta. La mayoría de artistas dadaístas tenían un pensamiento nihilista.
En 1913 tuvo lugar en Nueva York la Exposición Internacional de Arte Moderno, más conocida como el Armory
Show. Allí, el Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp causó una auténtica conmoción y fue
calificada de obra maestra por Breton. Duchamp se convirtió en la bestia negra del arte moderno. Marcel Duchamp
ha pasado a la historia como uno de los artistas más enigmáticos e inteligentes.

Dadaísmo 4
La obra más importante de Duchamp es La casada desnudada por sus solteros. Ya conocida en como el gran vidrio.
En esta obra, entre otras cosas, Duchamp utiliza técnicas en las que pone de manifiesto su preocupación por la
corrección matemática en el uso de las formas. La pieza está precedida en su proceso de realización por multitud de
dibujos en los que calculó todos los detalles con precisión matemática, como si se tratara de una máquina. También
utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición
en Brooklyn. Duchamp dijo que aquello no alteraba la pieza, sino que era entonces cuando la daba por acabada.
Man Ray desarrolló el Dadaísmo en pintura, fotografía y en la fabricación de objetos antiarte. Hans Richter lo define
como un inventor pesimista, transformando objetos que le rodeaban en objetos inútiles, creando obras con subtítulos
como: "objeto para ser destruido", o "haciendo fotografías sin cámara".
En marzo de 1915 nace la revista 391 por Picabia y Stieglitz. El nombre de la revista lo habían tomado del número
de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. La revista pone sobre la mesa las ideas del antiarte:
una absoluta falta de respeto por todos los valores, liberación de todos los convencionalismos sociales y morales y
destrucción de todo aquello que se conoce como arte. Para Duchamp y Picabia el arte está muerto; el Dadaísmo
quería la desintegración de la realidad y los ready-mades no son arte, sino antiarte.
El Dadaísmo en Nueva York tendrá un importante apoyo del fotógrafo Alfred Stieglitz, su galería 291 y su revista
Camera Work. Para Stieglitz y el grupo de jóvenes fotógrafos que aglutinó bajo el movimiento conocido como Photo
Secession, la fotografía podía ser también vista y hecha como arte, y no simplemente como un medio de reproducir
la realidad. Así, Stieglitz se convirtió en uno de los precursores de la fotografía moderna.
El Dadaísmo en Alemania
Es en Alemania donde el Dadaísmo adquiere un cariz más marcadamente político. Ideológicamente, las posturas de
los artistas dadaístas eran comunistas y, en algunos casos, anarquistas. Tras la guerra, Alemania entra en una
situación crítica. Tras la revolución bolchevique, la Liga Espartaquista alemana ―la izquierda socialista― ensaya
también la revolución en Alemania. En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis
izquierdistas: será el Movimiento dadaísta.
Procedente del grupo de Zúrich, Richard Hülsenbeck, lleva a Berlín el espíritu dadaísta, pero mucho más radical
contra las anteriores escuelas vanguardistas como el futurismo o el cubismo. En 1918, en el Salón de la Nueva
secesión, Hülsenbeck da el primer discurso dadaísta en Alemania, solidarizándose en primer lugar con los dadaístas
de Zúrich para después atacar violentamente al cubismo, al expresionismo y al futurismo. Poco después elaboró el
primer manifiesto dadaísta en Alemania. Hülsenbeck y el poeta Raoul Hausmann promovieron declaraciones y
manifiestos a partir del Dadá Club.
Al club Dadá que se unieron Kurt Schwitters, Hannah Höch y Herzfeld. La constitución de la República de Weimar
en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaístas y su recolocación dentro de un marco estrictamente
artístico.
El Dadaísmo berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas
entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para
plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación.

Dadaísmo 5
Referencias
[1] Mario de Micheli: Las vanguardias artísticas del siglo XX (Ángel Sánchez-Gijón, trad.). Madrid: Alianza Forma, segunda edición, 2002.
[2] Daniel Albright: Modernism and music: an anthology of sources. University of Chicago Press, 2004. ISBN 0-226-01266-2.
[3] Dietmar Elger: Dadaísmo. Alemania: Taschen, 2004. ISBN 3-8228-2946-3.
[4] Patrick Waldberg: «Dadá: la función del rechazo», en Dadá/El surrealismo. Ciudad de México: Fondo de Cultura Económica, 2004.
Bibliografía
• De l’Écotais, Emmanuelle: El espíritu dadá. Madrid: HK, 1998. ISBN 84-96048-44-6.
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Dadaísmo. Commons
• «Siete manifiestos dadaístas» (http://www.scribd.com/doc/7021427/
Tzara-Tristan-Siete-Manifiestos-Dada-PDF) (en pdf, en español).
• Dada-Companion.com (http://www.dada-companion.com/) (en inglés).
Surrealismo
Retrato en "Vertumnus" (Verano) del emperador Rodolfo II realizado
por Giuseppe Arcimboldo. Todos los frutos y flores representados
en el cuadro eran propios de la estación del verano en el siglo XVI.
Algunos surrealistas vieron en él a un precursor.
El surrealismo (en francés: surréalisme; sur ['sobre,
por encima'] más réalisme ['realismo']) es un
movimiento artístico y literario surgido en Francia a
partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en
torno a la personalidad del poeta André Breton.
[1]
Origen del término
Los términos surrealismo y surrealista proceden de
Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa
de mano que escribió para el musical Parade (mayo de
1917) afirma que sus autores han conseguido:
una alianza entre la pintura y la danza, entre las
artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo
de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta
nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a
una especie de surrealismo, que considero el
punto de partida para toda una serie de
manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está
haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a
nuestras mejores mentes. Podemos esperar que
provoque cambios profundos en nuestras artes y
costumbres a través de la alegría universal, pues
es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e
industrial.
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para
referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el
prefacio al drama:

Surrealismo 6
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo
modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que
representa más que una rueda a una pierna.
Precedentes
Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el
pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el precedente más
notable es Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o
"El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos. Sin
embargo su precedente más inmediato es el dadaísmo, corriente de la que retoma diferentes aspectos.
Primeros pasos
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del
movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a
Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento
artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado
hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como
catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que
nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos
sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar,
verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del
pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."
Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación
desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir
definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales
problemas de la vida.
Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon, Baron, Boiffard, Breton,
Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour, Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon,
Soupault, Vitrac."
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado
en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como
consecuencias plásticas de la poesía.
En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del
intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es
representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma
privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él
convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones
secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre,
sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena
medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente su interpretación: lo que
habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente.

Surrealismo 7
Durante unas sesiones febriles de automatismo, Breton y Soupault escriben Los Campos Magnéticos, primera
muestra de las posibilidades de la escritura automática, que publican en 1921. Más adelante Breton publica Pez
soluble. Dice así el final del séptimo cuento:
"Heme aquí, en los corredores del palacio en que todos están dormidos. ¿Acaso el verde de la tristeza y
de la herrumbre no es la canción de las sirenas?"
El surrealismo al servicio de la revolución
A partir de 1925, a raíz del estallido de la guerra de Marruecos, el surrealismo se politiza; se producen entonces los
primeros contactos con los comunistas, que culminarían ese mismo año con la adhesión al Partido Comunista por
parte de Breton.
Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrealismo al servicio de la Revolución en cuyo primer
número Louis Aragón, Buñuel, Dalí, Paul Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran
partidarios de Breton. Por su parte Jean Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Breton,
continuaban participando con interés en las exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930),
Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Breton en 1937 por mediación de
Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca,
Londres, Checoslovaquia y Japón. Desde este momento, se abrirá una disputa, a menudo agria, entre aquellos
surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artístico, rechazando la supeditación al
comunismo, y los que acompañan a Breton en su giro a la izquierda.
En 1929 Breton publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los artistas
Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Éluard. En 1938 Breton firma
en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente.
Técnicas surrealistas
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos.
Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los
poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas
contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas
dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel
doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de
composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de
la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin
rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática
consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la
lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción
del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y
engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el
punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos
procedimientos expresivos.

Surrealismo 8
La pintura surrealista
Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia
1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de
los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo
que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por
medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica
son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía
(aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión,
luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage,
los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la
distribución de arena sobre el lienzo encolado.
[2]
Salvador Dalí junto a Man Ray.
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo
psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras
donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las
obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo)
y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas
(Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de
automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una
iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura
biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio
formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su
significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul
Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio
de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se
alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de
«...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que
Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de
aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con
la de Henry Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando Arrabal.
Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo, o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.
Véanse también: Surrealismo abstracto, Surrealismo figurativo y Técnicas surrealistas.
Apogeo y decadencia del surrealismo
En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo de este movimiento
antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel Duchamp, Arp, Dalí, Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez
y Meret Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo
había producido en la fabricación de objetos.
Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst,
Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros
movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y Arte Pop).

Surrealismo 9
El surrealismo en España y Latinoamérica
El surrealismo en la pintura española y latinoamericana
En España el surrealismo aparece en torno a los años veinte no en su vertiente puramente vanguardista sino
mezclado con acentos simbolistas y de la pintura popular. Además de Joan Miró y Salvador Dalí, el surrealismo
español lo componen Maruja Mallo, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Benjamín Palencia y José Caballero,
además de los neocubistas que se pasan al surrealismo (Alberto Sánchez y Ángel Ferrant).
Hubo un importante núcleo surrealista en las Islas Canarias, agrupado en torno a la Gaceta de Arte de Eduardo
Westerdahl, del que un grupo de poetas invitaron a André Bretón a venir en 1935; allí compuso este el poema Le
chateau etoilé y otras obras. Los máximos representantes de la pintura surrealista en el archipiélago fueron Óscar
Domínguez, Juan Ismael y el propio Westerdahl.
En Latinoamérica se consideran surrealistas, además de los ya citados Roberto Matta (Chile) y Lam, a Remedios
Varo y Leonora Carrington.
La que es considerada como la primera exposición surrealista en Hispanoamérica se llevó a cabo en Lima (Perú) en
1935 por iniciativa de César Moro y Emilio A. Westphalen.
[3]
Posteriormente en México, en enero de 1940, el
mismo César Moro con André Breton y Wolfgang Paalen logran presentar en la Galería de Arte Mexicano una
selección de cuarenta obras tanto de representantes del movimiento surrealista como de americanos cuyo trabajo
tenía afinidad con el movimiento.
[cita requerida]
El surrealismo en la literatura hispánica
El surrealismo fue seguido con interés por los intelectuales españoles de los años 30. Existía el precedente de Ramón
Gómez de la Serna, quien utilizaba algunas fórmulas vinculables al surrealismo, como la greguería. El primero en
adoptar sus métodos fue José María Hinojosa, autor de La flor de Californía (1928), libro pionero de prosas
narrativas y oníricas.
Varios poetas de la generación del 27 se interesaron por las posibilidades expresivas del surrealismo. Su huella es
evidente en libros como en la sección tercera de Sobre los ángeles y en Sermones y moradas de Rafael Alberti; en
Poeta en Nueva York de Federico García Lorca y Un río, un amor y Los placeres prohibidos de Luis Cernuda.
Vicente Aleixandre se definió a sí mismo como "un poeta superrealista", aunque matizando que su poesía no era en
modo alguno producto directo de la escritura automática. Miguel Hernández sufrió una efímera etapa surrealista y
durante la posguerra la imprenta surrealista se percibe en los poetas del Postismo y en Juan Eduardo Cirlot, y en la
actualidad existe un cierto postsurrealismo en la obra de algunos poetas como Blanca Andreu.
En las islas Canarias la afición por el surrealismo llevó a la formación en los años 30 de la Facción Surrealista de
Tenerife, un grupo de entusiastas, al modo del creado en Francia alrededor de André Breton. Sus componentes
(Agustín Espinosa, Domingo López Torres, Pedro García Cabrera, Óscar Domínguez, Eduardo Westerdahl y
Domingo Pérez Minik) expusieron sus creaciones y puntos de vista en los treinta y ocho números de la revista
Gaceta de Arte.
Aunque no se le pueda considerar un surrealista estricto, el poeta y pensador Juan Larrea vivió de primera mano la
eclosión del movimiento en París y reflexionó más tarde sobre su valor y trascendencia en obras como Surrealismo
entre viejo y nuevo mundo (1944). En la actualidad existe una corriente de neosurrealismo en la poesía de Blanca
Andreu. El español Fernando Arrabal tuvo una asistencia diaria al "café surrealista" La Promenade de Vénus de 1960
a 1963. André Breton publicó su teatro, su "Piedra de la locura" y algunos de sus cuadros.
En Hispanoamérica el surrealismo contó con la adhesión entusiasta de poetas como el chileno Braulio Arenas y los
peruanos César Moro, Xavier Abril y Emilio Adolfo Westphalen, además de influir en la obra del escritor cubano
Alejo Carpentier y de los poetas chilenos Pablo Neruda, Gonzalo Rojas y el peruano César Vallejo. En Argentina,
pese al desdén de Jorge Luis Borges, el surrealismo sedujo aún al joven Julio Cortázar y produjo un fruto tardío en la

Surrealismo 10
obra de Alejandra Pizarnik. El poeta y pensador mexicano Octavio Paz ocupa un lugar particular en la historia del
movimiento: amigo personal de Breton, dedicó al surrealismo varios ensayos esclarecedores.
El surrealismo en la historia
En la literatura
El surrealismo tuvo como antecedente la patafísica de Alfred Jarry, y el movimiento dadaísta fundado en Zurich en
1916 por T. Tzara, H. Ball y H. Arp. Animados por idéntico espíritu de provocación, André Breton, Louis Aragon y
Ph. Soupault fundaron en París la revista Littérature (1919), mientras en EE.UU manifestaban actitudes similares
Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia, y en Alemania, Max Ernst y Hugo Ball.
A esta fase sucedió una actitud más metódica de investigación del inconsciente, emprendida por Breton, junto a
Aragon, Paul Éluard, Soupault, Robert Desnos, Max Ernst, etc. La primera obra de esta tendencia, que cabe calificar
de primera obra literaria surrealista, fue Los campos magnéticos (1921), escrita conjuntamente por Breton y
Soupault. Tras la ruptura con Tzara, se adhirieron al movimiento Antonin Artaud, André Masson y Pierre Naville.
Breton redactó la primera definición del movimiento en su Manifiesto del surrealismo (1924), texto que dio cohesión
a los postulados y propósitos del movimiento. Entre los autores que citaba como precursores del movimiento figuran
Freud, Lautréamont, Edward Young, Matthew Lewis, Gérard de Nerval, Jonathan Swift, Marqués de Sade,
François-René de Chateaubriand, Victor Hugo, Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, Mallarmé y
Jarry. En el mismo año se fundó el Bureau de recherches surréalistes y la revista La Révolution Surréaliste, que
sustituyó a Littérature, de cuya dirección se hizo cargo el propio Breton en 1925 y que se convirtió en el órgano de
expresión común del grupo.
La producción surrealista se caracterizó por una vocación libertaria sin límites y la exaltación de los procesos
oníricos, del humor corrosivo y de la pasión erótica, concebidos como armas de lucha contra la tradición cultural
burguesa. Las ideas del grupo se expresaron a través de técnicas literarias, como la «escritura automática», las
provocaciones pictóricas y las ruidosas tomas de posición públicas. El acercamiento operado a fines de los años
veinte con los comunistas produjo las primeras querellas y cismas en el movimiento.
En 1930 Breton publicó su Segundo manifiesto del surrealismo, en el que excomulgaba a Joseph Delteil, Antonin
Artaud, Philippe Soupault, Robert Desnos, Georges Limbour, André Masson, Roger Vitrac, Georges
Ribemont-Dessaignes y Francis Picabia. El mismo año apareció el nuevo órgano del movimiento, la revista Le
Surréalisme au Service de la Révolution, que suplantó al anterior, La Révolution Surréaliste, y paralelamente,
Aragon (tras su viaje a la URSS), Éluard, Péret y Breton ingresaron en el Partido Comunista. A fines de 1933,
Breton, Éluard y Crevel fueron expulsados del partido. En los años treinta se sumaron al movimiento Salvador Dalí,
Luis Buñuel, Yves Tanguy, René Char y Georges Sadoul.
Tras los años previos a la II Guerra Mundial, marcados por la militancia activa de Breton, y los años de exilio
neoyorquino de la mayoría de sus miembros, durante la ocupación alemana de Francia, el movimiento siguió
manteniendo cierta cohesión y vitalidad, pero a partir de 1946, cuando Breton regresó a París, el surrealismo era ya
parte de la historia.

Surrealismo 11
En las artes plásticas
Al principio el surrealismo es un movimiento fundamentalmente literario, y hasta un poco más tarde no producirá
grandes resultados en las artes plásticas. Surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de
dictado mágico, procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas, ensayos, etc., y que más tarde sería
recogido por pintores y escultores.
La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925, y en ella, además de Jean Arp,
Giorgio de Chirico y Max Ernst, participaron artistas como André Masson, Picasso, Man Ray, Pierre Roy, P. Klee y
Joan Miró, que posteriormente se separarían del movimiento o se mantendrían unidos a él adoptando únicamente
algunos de sus principios. A ellos se adhirieron Yves Tanguy, René Magritte, Salvador Dalí y Alberto Giacometti.
[4]
La rebelión del surrealismo contra la tradición cultural burguesa y el orden moral establecido tuvo su cariz político, y
un sector del surrealismo, que no consideraba suficientes los tumultos de sus manifestaciones culturales, se afilió al
Partido Comunista Francés. Sin embargo, nacieron violentas discrepancias en el seno del grupo a propósito del
debate sobre la relación entre arte y política; se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento tendió a
disgregarse. Es significativo, a este respecto, que la revista «La révolution surréaliste» pase a llamarse, desde 1930,
«Le surréalisme au service de la révolution». En los años 1930, el movimiento se extendió más allá de las fronteras
francesas. Se celebró en 1938 en París la Exposición Surrealista Internacional.
La segunda guerra mundial paralizó toda actividad en Europa. Ello motivó que Breton, como muchos otros artistas,
marchase a los EE. UU.. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses que se reunió en
torno a la revista VVV. Estos surrealistas emigrados a EE.UU. influyeron en el arte estadounidense, en particular en
el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940. Cuando Breton regresó a Europa en 1946 el movimiento
estaba ya definitivamente deteriorado.
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos,
que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e inventan universos
figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paul
Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se
apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como
por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se
mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en
Alemania que es Stefan von Reiswitz.

Surrealismo 12
En los medios audiovisuales
En la vertiente cinematográfica, el surrealismo dio lugar a varios intentos enmarcados en el cine de las vanguardias
históricas, como La coquille et le clergyman (1926) 'La concha y el clérigo', de Germaine Dulac o L'étoile de mer
(1928) 'La estrella de mar', de Man Ray y Robert Desnos, un cortometraje dadaísta.
Cabeza de Luis Buñuel, obra del escultor Iñaki,
en el Centro Buñuel de Calanda.
Luis Buñuel, en colaboración con Dalí, realizó las obras más
revolucionarias: Un perro andaluz (Un chien andalou, 1928) y La edad
de oro (L'âge d'or, 1930).
Alfred Hitchcock y Salvador Dalí colaboraron cuando el primero
encargó al artista catalán parte de la escenografía de Recuerda
(Spellbound).
Cineastas contemporáneos, como David Lynch, Jean-Pierre Jeunet,
Julio Médem, o Carlos Atanes, entre otros, muestran la influencia del
surrealismo.
Referencias
[1] Superrealismo y superrealista son términos más apropiados en castellano, y como
tal los recomienda la RAE en su diccionario, pues el prefijo sur- no existe en esta
lengua; sin embargo, el uso ha impuesto las formas surrealismo y surrealista (que
también recoge el DRAE, aunque remitiendo a las formas con prefijo sobre-).
[2] Essers, V., «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del siglo
XX», en Los maestros de la pintura occidental, volumen II, Taschen, 2005. ISBN
3-8228-4744-5, pág. 557
[3] Cardenas M., Miguel Ángel. « Crónica: La celebración que paralizó Lima (http://
elcomercio.pe/ediciononline/html/2009-01-17/
cronica-celebracion-que-paralizo-lima.html)», El Comercio.pe, 17 de enero de 2009.
Consultado el 23 de abril de 2011.
[4] Essers, V., op. cit., pág. 557-558
Bibliografía
• Ades, Dawn (2004). Dalí. Madrid: La esfera de los libros. ISBN 978-84-9734-226-1.
• Breton, André (2007). Diccionario de surrealismo. traducción Miguel Torres. Madrid: Editorial Losada. ISBN
978-950-03-9519-9.
• — & Eluard, Paul (2003). Diccionario abreviado de surrealismo. Madrid: Ediciones Siruela. ISBN
978-84-7844-720-6.
• — (2002). Manifiestos del surrealismo. Madrid: Visor Libros. ISBN 978-84-7522-976-8.
• Dalí, Salvador (2003/2006). Obras completas. Barcelona: Ediciones Destino & Fundación Gala-Salvador Dalí.
ISBN 978-84-233-3865-8.
• Descharnes, Robert & Néret, Gilles (2005). Dalí. La obra pictórica. Colonia: Taschen. ISBN 978-3-8228-1213-6.
• Klingsöhr-Leroy, Dr. Cathrin (2004). Surrealismo. Colonia: Taschen Benedikt. ISBN 978-3-8228-2307-1.
• Martínez Sarrión, Antonio (2008). Sueños que no compra el dinero (balance y nombres del surrealismo).
Valencia: Pre-Textos. ISBN 978-84-96411-40-1.
• Nadeau, Maurice (1972). Historia del surrealismo. Barcelona: Editorial Ariel.
• Pariente, Ángel (1998). Diccionario temático del surrealismo. Madrid: Alianza.
• — (2008). Razonado desorden (Textos y declaraciones surrealistas: 1924/1939). Logroño: Pepitas de calabaza.
• Sebbag, Georges (2003). El surrealismo. Buenos Aires: Ediciones Nueva Visión.
• Spector, Jack J. (2003). Arte y escrituras surrealistas (1919-1939). Madrid: Editorial Síntesis.

Surrealismo 13
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Surrealismo. Commons
• Archivo Surrealista. El universo del Surrealismo en español (http://www.archivosurrealista.com.ar/)
• Movimientos: El Surrealismo (http://www.masdearte.com/item_movimientos.cfm?noticiaid=69)
• Antología de la poesía surrealista en español (http://www.mediafire.com/?omty3xly2w5)
Técnicas surrealistas
En el movimiento artístico del Surrealismo, los autores utilizaban una gran diversidad de técnicas que servían de
inspiración para los artistas surrealistas.
Aerografía
La aerografía es una técnica en donde un objeto tridimensional es utilizado para hacer un esténcil aplicando spray.
Ahumado
El ahumado o fumage (en francés), es una técnica en donde las impresiones son hechas por humo, una vela o una
lámpara de queroseno sobre el papel o lienzo.
Automatismo
•
• Dibujo automático.
•
• Escritura automática.
•
• Pintura automática.
• Poesía automática es, probablemente, la técnica surrealista más importante desde el nacimiento del surrealismo
hasta el día de hoy. Uno de los usos más extraños de la escritura automática fue dado por William Butler Yeats.
Su esposa, una espiritista, la utilizaba, y Yeats la utilizó intensivamente en sus obras. Sin embargo, Yeats no fue
un escritor surrealista.
Otro caso famoso es el del escritor checo Bohumil Hrabal, quién utilizó escritura automática en su famoso libro Yo
que he servido al rey de Inglaterra. Un capítulo del libro está escrito como una sola oración, y al final del libro
Hrabal hace uso de la escritura automática.
Bulletismo
El bulletismo consiste en disparar balas llenas de lithotusche sobre un pergamino colocado sobre piedra.
Cadáver exquisito
Cadáver exquisito es una técnica por medio de la cual se ensamblan colectivamente un conjunto de palabras o
imágenes; el resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por
los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias" en el cual los jugadores
escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al
siguiente jugador para otra colaboración.

Caída de un líquido en una superficie vertical
La caída de un líquido en una superficie vertical es, como su nombre lo indica, una técnica, inventada por los
surrealistas de Rumania y, según ellos, una de las técnicas surautomáticas y una forma de escritura indescifrable , de
crear imágenes arrastrando o permitiendo la caída de algún líquido en una superficie vertical.
Caligrama
El caligrama es un poema, frase o palabra en la cual la tipografía, caligrafía o el texto manuscrito se arregla o
configura de tal manera que cree una especie de imagen. La imagen creada por las palabras expresa visualmente lo
que la o las palabras dicen.
Collage
El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se
aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la
música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.
Coulage
Un 'coulage (en español: Despilfarro o derroche), es un tipo de automatismo o escultura involuntaria hecho
puramente de material líquido o fundido (como metal, cera o chocolate) en agua fría. A medida que el material se
enfría la obra toma una forma aleatoria sujeta a las características del material empleado, lo que en ocasiones suele
terminar en discos o esferas. Esta técnica se suele utilizar en el proceso de clarividencia conocido como ceromancia.
Cubomanía
La cubomanía es un método para crear collages utilizando una imagen cortada en pequeños cuadrados y ordenados
al azar. Esta técnica fue utilizada por el artista surrealista Rumania Gherasim Luca.
Decalcomanía
La decalcomanía, es una técnica pictórica inventada por Óscar Domínguez que consiste en aplicar gouache negro
sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan
antes de que se sequen. Esta técnica fue intensamente utilizada por varios artistas, como Max Ernst.
Dream résumé
El dream résumé o currículum del sueño es similar a un currículum vítae pero basado en logros, empleo, y cosas
similares, durante el ensueño más que en la vigilia. Sin embargo, el dream résumé puede contener logros de ambos.
Echo poem
Un echo poem o poema en eco es una técnica creada por Aurélien Dauguet en 1972 para escribir poemas. La
técnica debe ser ejecutada por dos personas siguiendo estas instrucciones:
1.
1. Dividir una hoja de papel en dos columnas.
2. Escribir la primer estrofa en la columna izquierda.
3. El opositor, responde a la primer estrofa escribiendo otra estrofa en la columna derecha con algo oportuno,
incluso puede ser una onomatopeya.
4.
4. Para un poema largo, la tercer estrofa responde a la segunda en la columna izquierda y así sucesivamente.
5.
5. Cuando el poema esté completo el opositor de la última línea, frase u oración generalmente escribe el título.

Escritura indescifrable
Como su nombre lo indica, la escritura indescifrable consiste en escribir de manera tal, que el lector no pueda
descifrar el mensaje de la obra. Escritura indescifrable, en realidad, es un conjunto de técnicas automáticas creadas
por surrealistas rumanos que luego fue renombrada como "surautomatism" o "surautomatismo". Algunas de las
técnicas que comprenden este conjunto de técnicas son la grafomanía entópica, ahumado y la caída de un líquido en
una superficie vertical.
Escultura involuntaria
El surrealismo describe como escultura involuntaria aquellas manipulaciones inconscientes de algo, como una
piedra, desenrollar un ticket, doblar un clip, etc.
Estrechamientos
El collage es visto como un método aditivo de poesía visual, mientras que los estrechamientos o étrécissements (en
francés) son vistos como un método reductivo. Fue utilizado por primera vez por Marcel Mariën en los años 1950s.
Los resultados se consiguen cortando, con tijeras o algún instrumento similar, partes de imágenes y acoplándolas en
una nueva.
Fotomontaje
El fotomontaje es el proceso (y resultado) de hacer una ilustración compuesta de otras, se trata de una especie de
collage. Esta composición puede realizarse mediante recortes de otras ilustraciones juntando un cierto número de
ellas. En algunas ocasiones el compuesto de ilustraciones es fotografiado hasta que la imagen final es una simple
fotografía. El fotógrafo inglés Henry Peach Robinson (1830–1901) es acreditado como el primero en realizar esta
técnica del fotomontaje, lo hizo al poco de comenzar su carrera en 1857.
Frotamiento
El frotamiento o frottage (en francés), es una técnica artística que consiste en frotar un lápiz sobre una hoja
colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto.
Grafomanía entópica
La grafomanía entópica es una técnica automática surrealista de dibujo en donde se hacen puntos en las zonas de
impurezas de un papel en blanco y luego se hacen líneas o curvas entre los puntos. Ithell Colquhoun califico los
resultados de esta técnica como "los más austeros de la geometría abstracta".
Heatage
El heatage (del inglés: Heat Age; lit.: Edad caliente) fue una técnica desarrollada y empleada por David Hare en
donde un negativo expuesto, pero suelta es calentada desde abajo, causando una emulsión distorsionando la imagen
de manera aleatoria.
Juegos
En el surrealismo, los juegos son importantes no solamente como una forma recreativa, sino también, como un
método de investigación. La intención es eliminar las limitaciones del racionalismo y permitir conceptos para
desarrollar libremente y maneras más aleatorias, aspirando así a romper con lo establecido y generar obras originales.

Método paranoico-crítico
El método paranoico-crítico es una propuesta elaborada por el pintor surrealista Salvador Dalí. El aspecto que Dalí
encontraba interesante en la paranoia era la habilidad que transmite ésta al cerebro para percibir enlaces entre objetos
que racional o aparentemente no se hallan conectados.
Mimeograma
Un mimeograma es tipo de arte automático hecho quitándole las hojas de repuesto a un mimeógrafo.
Outagrafía
Una outografía (del inglés: outagraphy) es una técnica que consiste en recortar los personajes en una fotografía. Esta
técnica fue inventada por Ted Joans.
Parsemage
Un parsemage (del francés: parse mage; en español: hecho por un mago) es una técnica surrealista y automática en
las artes visuales creada por Ithell Colquhoun en la cual polvo de carbón vegetal o creta coloreada es dispersada en la
superficie del agua y luego pasar un papel grueso o cartulina sobre la superficie del agua.
Raspado
El raspado o grattage (en francés), es una técnica surrealista de pintura en donde se utiliza un papel, generalmente
seco, para raspar el lienzo. Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró.
Salpicadura
Salpicadura o eclaboussure (en francés), es un proceso en la pintura surrealista donde óleos o acuarelas se fijan y
luego se vierte aguarrás sobre la pintura. Esta técnica da una apariencia espacial, fue muy utilizada por Remedios
Varo.
Soufflage
El soufflage o soplado es una técnica surrealista creada por Jimmy Ernst in donde una pintura líquida es aspirada
para inspirar o revelar una imagen.
Surautomatismo
El surautomatismo o surautomatism es una teoría o acto de llevar el automatismo hasta los límites más absurdos.
Técnica de Recortes
La técnica cut-up o de recortes es un género o técnica literaria aleatoria en la cual un texto es recortado al azar y
reordenado para crear un nuevo texto.
Triptografía
La tripografía (del inglés: Trip to graph; lit.: Viaje a la gráfica), es una técnica automática de fotografía a través de
la cual un rollo de fotos es empleado tres veces (o por el mismo fotógrafo o, al estilo del cadáver exquisito, tres
fotógrafos distintos) causando que la fotografía, expuesta tres veces, no llegue a tener un único y/o definido sujeto.

Literatura surrealista 17
Literatura surrealista
En España, la llamada generación del 27 produjo algunos libros influidos por el surrealismo, como Poeta en Nueva
York de Federico García Lorca, Sobre los ángeles de Rafael Alberti, y Espadas como labios de Vicente Aleixandre.
También se pueden mencionar algunos de los libros iniciales de Luis Cernuda así como algunos poemas ocasionales
de Pablo Picasso.
En otros países
• Argentina: Aldo Pellegrini, Enrique Molina, Antonio Porchia, Carlos Latorre, Julio Llinás, Oliverio Girondo.
• Cuba: Alejo Carpentier.
• Chile: Enrique Gómez Correa, Braulio Arenas, Teófilo Cid, Jorge Cáceres, María Luisa Bombal.
• Haití: Clément Magloire-Saint-Aude.
• México: Octavio Paz.
• Perú: César Moro, Emilio Adolfo Westphalen.
Referencias
• Cernuda, Luis. Estudios sobre poesía española contemporánea. Madrid: Guadarrama. 1957.
• Cano, José Luis. La poesía de la generación del 27. Madrid: Guadarrama, 1970
• Baciu, Ştefan. Puntos de partida para una historia del surrealismo latinoamericano. Ilustraciones de Susana
Wald. Santiago de Chile: Ediciones Casa De La Luna, 1970.
• Ilie, Paul. Los surrealistas españoles. Madrid: Taurus, 1972.
• Baciu, Ştefan. Antología de la poesía surrealista latinoamericana. México D. F.: Joaquín Mortiz, 1974. 2da.
Edición: Valparaíso: Ediciones Universitarias de Valparaíso, 1981.
• Baciu, Ştefan. Surrealismo latinoamericano: Preguntas y respuestas. Entrevistas. Valparaíso: Ediciones
Universitarias de Valparaíso, 1979.

Generación del 27
Con el término generación del 27 se conoce a una serie de poetas españoles del siglo XX que se dio a conocer en el
panorama cultural alrededor del año 1927
[1]
, empezando con el homenaje a Luis de Góngora que se realizó en ese
año en el Ateneo de Sevilla por el tercer centenario de su muerte y en el que participó la mayoría de los que
habitualmente se consideran sus miembros.
Sobre el concepto de generación
El concepto de generación ha sido discutido, ya que es de naturaleza historiográfica y los autores que engloba no
cumplen los criterios que Julius Petersen asigna al mismo; se trata más bien de un "grupo generacional", de una
"constelación" o de una "promoción" de autores. Sin embargo, el marbete "generación" ha sido admitido por
costumbre, aunque su delimitación ha sido ya más diversa y polémica, puesto que se ha propuesto llamarla de otras
maneras: Generación Guillén-Lorca; Generación de 1925 (media aritmética de la fecha de publicación del primer
libro de cada autor); Generación de las Vanguardias; Generación de la amistad; Generación de la Dictadura;
Generación de la República, etc.
Los componentes del grupo
Monumento a Gerardo Diego, en la calle Pío
Baroja, delante de la Casa de Cantabria, Madrid.
La nómina habitual del grupo poético del 27 se limita a diez autores:
Jorge Guillén, Pedro Salinas, Rafael Alberti, Federico García Lorca,
Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Luis Cernuda, Vicente Aleixandre,
Manuel Altolaguirre y Emilio Prados, si bien hubo también muchos
otros escritores, novelistas, ensayistas y dramaturgos que pertenecen a
ella, desde Max Aub a otros más viejos, como Fernando Villalón, José
Moreno Villa o León Felipe, y otros más jóvenes, como Miguel
Hernández, que más bien podría pertenecer a la primera generación de
posguerra si no hubiese muerto tan joven, pasando por autores como
José María Quiroga Plá. Por otra parte, algunos otros han sido
olvidados por la crítica, como Concha Méndez-Cuesta, poetisa y
escritora de teatro, Juan Larrea, Mauricio Bacarisse, Juan José
Domenchina, José María Hinojosa, José Bergamín o Juan Gil-Albert.
O la conocida como Otra generación del 27, según la denominación
que le dio uno de sus integrantes, José López Rubio, y que estaría
integrada por los humoristas discípulos de Ramón Gómez de la Serna,
es decir, Enrique Jardiel Poncela, Edgar Neville, Miguel Mihura y
Antonio de Lara, «Tono», escritores que en la posguerra integraron la
redacción de La Codorniz... y son solo unos pocos.
Ha de tenerse en cuenta, asimismo, que no toda la producción literaria
del 27 está escrita en castellano; algunos de ellos son autores de textos
literariamente estimables en otros idiomas, como Salvador Dalí u Óscar Domínguez, que escribieron en francés, o en
inglés, como Felipe Alfau; es más, algunos escritores y artistas extranjeros tuvieron también mucho que ver en esta
estética, como Pablo Neruda, Vicente Huidobro, Jorge Luis Borges o Francis Picabia.
Igualmente cabe deshacer la idea de que la Generación del 27 fue un fenómeno exclusivamente madrileño, lo que
una crítica demasiado localista (y localizada) parece empeñarse en hacer, sino una constelación de núcleos creativos
repartidos a lo largo de toda la geografía nacional y estrechamente entrelazados. Aparte del madrileño, los más

importantes se concentraron en Sevilla (en torno a la revista Mediodía), Canarias (en torno a la Gaceta de Arte) y en
Málaga (en torno a la revista Litoral); sin descontar otros muchos de menor filiación pero de no menor importancia
en Galicia, Cantabria, Cataluña y Valladolid.
Del mismo modo, se suele olvidar que algunos miembros del grupo cultivaron otras ramas del arte, como Luis
Buñuel, cineasta, K-Hito, caricaturista y animador, Salvador Dalí y los pintores surrealistas, Maruja Mallo, pintora y
escultora, Benjamín Palencia, Gregorio Prieto, Manuel Ángeles Ortiz, Ramón Gaya y Gabriel García Maroto,
pintores, Ignacio Sánchez Mejías, torero, o Rodolfo Halffter y Jesús Bal y Gay, compositores y musicólogo éste
último también, pertenecientes al Grupo de los ocho, que se suele identificar en música como el correlato a la
literaria Generación del 27 y estaba integrado por el citado Bal y Gay, los Halffter (Ernesto y Rodolfo), Juan José
Mantecón, Julián Bautista, Fernando Remacha, Rosa García Ascot, Salvador Bacarisse y Gustavo Pittaluga, sin
olvidar a otros músicos más o menos marginales como Gustavo Durán. En Cataluña está el llamado grupo catalán,
que hizo su presentación en 1931 bajo el nombre de Grupo de Artistas Catalanes Independientes integrado por
Roberto Gerhard, Baltasar Samper, Manuel Blancafort, Ricardo Lamote de Grignon, Eduardo Toldrá y Federico
Mompou.
Podrían añadirse también los componentes de la llamada Generación del 25 de arquitectos (que otros han propuesto
llamar también generación del 27, para unirla a ésta), de la que formaban parte Agustín Aguirre, Teodoro de
Anasagasti, Carlos Arniches Moltó, José de Aspiroz, Rafael Bergamín (hermano del ensayista y poeta José
Bergamín), Luis Blanco Soler, José Borobio, Martín Domínguez, Fernando García Mercadal, Luis Gutiérrez Soto,
Casto Fernández Shaw, Manuel Muñoz Casayús, Luis Lacasa, Miguel de los Santos, Manuel Sánchez Arcas y
Ramón Durán Reynals.
Las corrientes del 27
En realidad, la llamada generación del 27 fue un grupo poco homogéneo; habitualmente se les ha solido ordenar por
parejas o tríos. Así, por ejemplo, los poetas del neopopularismo o neopopularistas, Rafael Alberti y Federico García
Lorca, dentro de una nómina que fue particularmente bien nutrida, intentan acercarse a la poesía de Gil Vicente y del
Romancero, o a la lírica cancioneril, buscando fuentes populares y en el folclore de la lírica tradicional; algo de ello
hay también en la aproximación que hizo Gerardo Diego, después de su etapa creacionista, a la lírica de Félix Lope
de Vega gracias a la edición que hizo en ese tiempo José Fernández Montesinos.
Por otra parte, hay dos catedráticos de filología hispánica que comparten intereses comunes y que incluso fueron
amigos y tuvieron trayectorias muy parecidas, pues no en vano su poética es fundamentalmente afirmativa y
optimista; se trata de Jorge Guillén, cuya obra poética se recoge bajo el título Aire nuestro y está marcada por la
poesía pura a lo Paul Valéry y formada por cinco libros (Cántico, Clamor, Homenaje, ...Y otros poemas y Final), y
Pedro Salinas, el gran poeta del amor del 27.
El grupo surrealista está más nutrido, pero destaca especialmente el premio nobel Vicente Aleixandre, seguramente
el más original, ya que, según Cernuda, «su verso no se parece a nada», y el que ha venido a ser el poeta más
influyente de la generación durante la última mitad del siglo XX, el ya citado Luis Cernuda. Sin embargo, hubo otros
poetas del 27 que notaron el impacto surrealista y que poseen etapas en su evolución marcadas por esta estética:
Rafael Alberti, por ejemplo, compuso la última sección de Sobre los ángeles y Sermones y moradas en versículo
surrealista y Federico García Lorca asimiló su impacto en Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, Poeta en Nueva York
y los Sonetos del amor oscuro. Una etapa surrealista posee, por ejemplo, José María Hinojosa con su La flor de
Californía (con acento en la i) y Emilio Prados.
Son éste último y Manuel Altolaguirre quienes constituyen el llamado grupo de Málaga o de los poetas
presuntamente menores, constituido alrededor de la revista Litoral editada por Altolaguirre y su colección de libros
poéticos. Dámaso Alonso y Gerardo Diego vienen a ser, por otra parte, el grupo de los que se quedaron en España,
de mala gana y pasando algunos apuros el primero y más a gusto el segundo, quienes más o menos pactaron con el
régimen victorioso en la Guerra Civil (Alonso, que se consideró a sí mismo dentro de la Generación del 27 como

crítico, pero dentro de la primera generación de posguerra como poeta) o lo apoyaron abiertamente (Diego). Este
último realizó una larga trayectoria poética donde combinó a la vez tradición y vanguardia, muy variada en su
temática (desde el toreo a la música y las inquietudes religiosas, el paisaje y los contenidos existenciales); sin
embargo, algunos se quedaron, ignorados por el régimen, viviendo en un exilio interior (Juan Gil-Albert) o
convirtiéndose de hecho en maestro y guía de toda una nueva generación de poetas (Vicente Aleixandre). La
homosexualidad también es un tema ocasional, tal y como puede observarse en la obra de Luis Cernuda, Aleixandre,
Federico García Lorca, Gil-Albert o Emilio Prados, como también en la obra del pintor Gregorio Prieto.
Revistas
Su documento de entrada en la tradición literaria fue sin duda la primera edición de la Antología preparada por
Gerardo Diego en 1932. Por otra parte, se hicieron notar publicando en revistas como La Gaceta Literaria dirigida
por Ernesto Giménez Caballero, en Cruz y Raya (1933), dirigida por José Bergamín, en Litoral, impresa por Manuel
Altolaguirre y Emilio Prados en Málaga desde 1926; Carmen, creada en Santander (1927) por Gerardo Diego y con
un suplemento festivo, Lola; en el suplemento literario del diario murciano La Verdad (1923–1926), que mantenían
su redactor José Ballester Nicolás y Juan Guerrero Ruiz, y que después pasó a ser la revista Verso y Prosa (1927),
dirigida por Juan Guerrero Ruiz y Jorge Guillén; Mediodía (Sevilla); Meseta, de Valladolid; en Revista de Occidente,
cuya editorial imprime varios libros del grupo; en Caballo verde para la poesía (1935), dirigida por Pablo Neruda, y
en Octubre, dirigida por Rafael Alberti.
Estética y evolución
En los autores del 27 es muy significativa la tendencia al equilibrio, a la síntesis entre polos opuestos, incluso dentro
de un mismo autor:
Entre lo intelectual y lo sentimental. La emoción tiende a ser refrenada por el intelecto. Prefieren
inteligencia, sentimiento y sensibilidad a intelectualismo, sentimentalismo y sensiblería (Bergamín).
Se observa muy bien en Salinas.
Entre una concepción romántica del arte (arrebato, inspiración) y una concepción clásica (esfuerzo riguroso,
disciplina, perfección). Lorca decía que si era poeta «por la gracia de Dios (o del demonio)» no lo era menos «por la
gracia de la técnica y del esfuerzo».
Entre la pureza estética y la autenticidad humana, entre la poesía pura (arte por el arte; deseo de belleza) y la poesía
auténtica, humana, preocupada por los problemas del hombre (más habitual tras la guerra: Guillén, Aleixandre...).
Entre el arte para minorías y mayorías. Alternan el hermetismo y la claridad, lo culto y lo popular (Lorca, Alberti,
Diego). Se advierte un paso del «yo» al «nosotros». «El poeta canta por todos», diría Aleixandre.
Entre lo universal y lo español, entre los influjos de la poesía europea del momento (surrealismo) y de la mejor
poesía española de siempre. Sienten gran atracción por la poesía popular española: cancioneros, romanceros...
Entre tradición y renovación. Se sienten próximos a las vanguardias (Lorca, Alberti, Aleixandre y Cernuda poseen
libros surrealistas; G.Diego, creacionistas); próximos a la generación anterior (admiran a Juan Ramón, Unamuno, los
Machado, Rubén Darío...); admiran del XIX a Bécquer (Alberti: «Homenaje a Bécquer», Cernuda: «Donde habite el
olvido»...); sienten auténtico fervor por los clásicos: Manrique, Garcilaso, San Juan, Fray Luis, Quevedo, Lope de
Vega y, sobre todos, Góngora.

Instituciones
La mayoría de estos autores, principalmente líricos, entraron en contacto con la tradición literaria a través del Centro
de Estudios Históricos dirigido por el padre de la filología española, Ramón Menéndez Pidal, y con las vanguardias a
través de los viajes, la divulgación llevada a cabo por Ramón Gómez de la Serna y otros novecentistas y, sobre todo,
las actividades y conferencias programadas por la Residencia de Estudiantes, institución inspirada en el krausismo de
la Institución Libre de Enseñanza y dirigida por Alberto Jiménez Fraud.
Nómina
Integrantes de la generación del 27, por orden cronológico:
• Rogelio Buendía (1891–1969,
78)
• Agustín Espinosa (1897–1939,
42)
• Francisco Madrid (1900–1952,
52)
• José López Rubio
(1903–1996, 93)
• Valentín Andrés (1891–1982,
91)
• Amado Alonso (1897–1952,
55)
• Juan Chabás (1900–1954, 54) • Antonio Oliver (1903–1968,
65)
• Pedro Salinas (1891–1951, 60) • Gregorio Prieto (1897–1992,
95)
• Guillermo de Torre (1900–1971,
71)
• Alejandro Casona
(1903–1965, 62)
• Juan Guerrero Ruiz
(1893–1955, 62)
• Dámaso Alonso (1898–1990,
92)
• Alejandro Collantes de Terán
(1901–1933, 32)
• José María Hinojosa
(1904–1936, 32)
• Jorge Guillén (1893–1984, 91) • Juan José Domenchina
(1898–1959, 61)
• Enrique Jardiel Poncela
(1901–1952, 50)
• Juan Gil-Albert (1904–1994,
90)
• Miguel Valdivieso
(1897–1966, 69)
• Concha Méndez (1898–1986,
88)
• Pedro Garfias (1901–1967, 66) • Joaquín Romero Murube
(1904–1969, 65)
• Josep Moreno Gans
(1897–1976, 79)
• Federico García Lorca
(1898–1936, 38)
• Ramón J. Sender (1901–1982,
81)
• José María Souvirón
(1904–1973, 69)
• Antonio Espina (1894–1972,
78)
• Vicente Aleixandre
(1898–1984, 86)
• Andrés Carranque de Ríos
(1902–1936, 34)
• José María Luelmo
(1904–1991, 87)
• Mauricio Bacarisse
(1895–1931, 36)
• Ernesto Giménez Caballero
(1899–1988, 89)
• Pedro Pérez-Clotet (1902–1966,
64)
• Ernestina de Champourcín
(1905–1999, 94)
• Rafael Laffón (1895–1978, 83) • Edgar Neville (1899–1967, 67) • Rafael Alberti (1902–1999, 97) • Miguel Mihura (1905–1977,
72)
• Juan Larrea (1895–1980, 85) • Paulino Masip (1899–1963,
64)
• Luis Cernuda (1902–1963, 61) • Pedro García Cabrera
(1905–1981, 76)
• Gerardo Diego (1896–1987,
91)
• Rafael Porlán (1899–1945, 46) • Felipe Alfau (1902–1999, 97) • Emeterio Gutiérrez Albelo
(1905–1969, 64)
• Antonio de Lara (1896–1978,
82)
• Emilio Prados (1899–1962,
63)
• Luis Amado-Blanco (1903-1975,
71)
• Manuel Altolaguirre
(1905–1959, 54)
• José Fernández Montesinos
(1897–1972, 75)
• Rafael Dieste (1899–1981, 82) • Agustín de Foxá (1903–1959,
56)
• Francisco Ayala (1906-2009,
103)
• Max Aub (1903–1972, 69) • Rafael de León (1908–1982,
74)
• Miguel Hernández
(1910–1942, 31)

Poesía de la Generación del 27
Destacamos entre los autores:
Pedro Salinas
Nació en Madrid, fue profesor de literatura en varias universidades. Influido por la obra de Juan Ramón Jiménez,
cultiva la poesía pura. Al igual que Juan Ramón intenta entrar en la esencia oculta de las cosas, con una poesía
intelectualizada, aparentemente sencilla. Su obra se diferencia en tres etapas:
• 1ª etapa: mezcla la poesía pura y temas futuristas (bombilla, automóvil,…). Destacan: Presagios,Seguro azar y
Fábula y signo.
• 2ª etapa: es la más importante. Presta atención al mundo íntimo y al amor como experiencia gozosa. Predomina el
diálogo y un lenguaje conceptual. Es característico el verso corto heptasílabo y silvas sin rima. Destacan:
• La voz a ti debida, extrae el título de la Égloga III de Garcilaso. El amor aparece esencializado en los
pronombres yo y tú para referirse a la pareja tu-yo, cuyo centro es la mujer.
• Razón de amor, continuación del libro anterior, donde prosigue la racionalización del proceso amoroso.
• Largo lamento, poemario sobre el desamor y la muerte del amor, que vive con resignación y agradecimiento de
lo vivido.
• 3ª etapa: escrita ya en América. El contemplado'’ alude al mar que es su interlocutor. Todo más claro, angustia
que le provoca la civilización tecnológica contemporánea y los horrores de la Guerra Civil y la 2ª Guerra
Mundial, y Confianza, que cierra su obra poética.
Jorge Guillén
Nació en Valladolid. Se exilió a los Estados Unidos y fue, como su amigo Pedro Salinas, con quien sostuvo un
prolongado epistolario, profesor de literatura española. Regresó tras la muerte de Franco y obtuvo el premio
Cervantes. Su singularidad reside en haberse mantenido fiel al ideal de poesía pura, y ofreció una visión optimista y
serena del mundo, con lo que se constituye en la antítesis del pesimismo cosmológico de Vicente Aleixandre.
Toda su obra se agrupa bajo el título general de Aire Nuestro, que integra cinco libros: Cántico, Clamor, Homenaje,
...Y otros poemas y Final. Su lenguaje es muy elaborado, en busca de la máxima y concisión; prefiere el verso corto
y el endecasílabo. Su obra es fruto de un riguroso proceso de selección (de palabra), en el que se suprime lo
accesorio para comunicar la idea o sentimiento esencial.
Sus temas son la afirmación jubilosa del ser; la plenitud, el tiempo que pasa e invita a gozar de la vida; el azar y el
caos, que producen inseguridad o sufrimiento.
Gerardo Diego
Nació en Santander y desempeño la cátedra de Literatura en un Instituto de Enseñanzas Medias de Soria. Recibió el
premio Nacional de Literatura, junto con Rafael Alberti, y el de Cervantes. Su poesía se desarrolla paralelamente en
dos vertientes: la tradicional y la vanguardista (casi siempre creacionista). A su vertiente creacionista se adscriben:
Imagen y Manual de Espumas. De su estética tradicional destacamos: Versos Humanos, Soria y Alondra de Verdad,
colección de sonetos. Los temas de esta segunda vertiente son: el amor, Dios, la música, la naturaleza, los toros, la
forma, la iconografía, la belleza…
Dámaso Alonso
Nació en Madrid, dirigió la RAE. En él se fundieron tres vocaciones: la de poeta, lingüista y crítico literario de la
estilística. Entre sus libros sobre literatura destaca La lengua poética de Góngora y una serie de estudios admirables
sobre líricos modernos (desde Bécquer hasta los escritores de su época) que constituyen Poetas españoles
contemporáneos. Editó las obras de Góngora y se consideró a sí mismo dentro del 27 solamente como crítico, y
como poeta más bien dentro de la primera generación poética de posguerra, en lo que él mismo llamó poesía
desarraigada.

La guerra de 1936 le hizo aborrecer la pureza propugnada por Juan Ramón. Sus obras más importantes se sitúan en
la posguerra con: Hijos de la ira (1944), muy influida por el Existencialismo y por la poesía bíblica de los Salmos
penitenciales, que hace surgir en España la corriente poética de la poesía desarraigada.
Vicente Aleixandre
Sevillano, cuya amistad con Dámaso Alonso despertó su vocación poética. En 1935, su libro La destrucción o el
amor obtiene el Premio Nacional de Literatura. Es elegido miembro de la RAE. y en 1977 obtiene el premio Nobel.
La mayor parte de su producción sigue los pasos del Surrealismo y se constituye en el gran poeta de esta estética;
utiliza el versículo y la imagen visionaria en Espadas como labios y La destrucción o el amor. Evoluciona hacia una
«poesía de comunicación», en consonancia con la tendencia social vigente en la lírica de los años 50. Sombra del
paraíso (1944), inaugura junto con Hijos de la ira de Dámaso Alonso, la corriente desarraigada de la posguerra. Con
Historia del corazón inició una poesía solidaria. Y con la gran trilogía de senectute Poemas de la consumación,
Diálogos del conocimiento y En gran noche volvió a un peculiar surrealismo, con profundas implicaciones
filosóficas y dejes conceptistas.
Federico García Lorca
Nació en Granada en 1898. Sus estudios de Letras y Derecho no le interesaron tanto como la música; fue amigo
entrañable de Manuel de Falla, de quien luego se distanció. Se instaló en la Residencia de Estudiantes, donde
convivió con numerosos artistas (Salvador Dalí y Luis Buñuel en especial). Tras vivir una temporada en Nueva
York, regresa a España y en 1932 funda La Barraca, grupo teatral universitario con el que recorre España
representando obras clásicas. Participa en ciertas actividades públicas de signo izquierdista y muere asesinado por
los nacionalistas en Viznar (Granada). Su asesinato produjo gran conmoción mundial.
En la obra de Lorca se aúnan lo culto y lo popular, lo tradicional y lo vanguardista. Conocía los cancioneros
tradicionales y la poesía oral del pueblo andaluz. Su tema era la frustración en dos vertientes, la ontológica y la
social; desarrolla este tema en un rico estilo poético, con uno de los sistemas simbólicos más complejos de la
literatura española, formado por elementos extraídos sobre todo de tres fuentes: la superstición popular, Shakespeare
y la Biblia. Le obsesionan temas como la soledad o el destino trágico, y la lucha de los seres marginados (el
homosexual, la mujer, el niño, el deforme, el viejo impotente, la solterona, la estéril, el gitano, el negro...) contra una
sociedad opresiva basada en los convencionalismos. Su obra se separa en dos etapas, una neopopularista y otra en
que se acerca al Surrealismo.
De la primera etapa destacan:
• Poema del cante jondo, que se inscribe dentro de la línea neopopularista de la G. 27 y utiliza varios poemas cortos
que pueden leerse como poemas independientes o como fragmentos de uno largo encadenados. Se utiliza el pie
quebrado.
• Romancero gitano, en la misma línea neopopularista, está compuesto por 18 romances. El protagonista es el
gitano que simboliza el hombre puro e inocente, enemistado con las leyes y normas sociales, representadas por la
Guardia Civil (su antagonista).
De la segunda destacan:
• Poeta en Nueva York, el poeta se ahoga en aquel mundo que convierte al hombre en una pieza de un gran
engranaje. Con procedimientos claramente surrealistas, Lorca alza el grito en pleno Crack del 29 y su protesta
contra aquella colmena inhumana; los negros, en especial, merecen su piedad.
• Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, planto compuesto a la muerte de un torero amigo suyo.
• Sonetos de amor oscuro, publicados póstumos, son la expresión de un erotismo homosexual dramático.
Rafael Alberti
Del Puerto de Santa María (Cádiz). Con su familia se traslada a Madrid. Abandona el Bachillerato y se dedica a la
pintura. Se afilio al partido comunista y tuvo una activa participación política en la guerra. Al acabar esta se exilió a
Argentina. Restablecida la democracia vuelve, y le será concedido el Premio Cervantes.

Se funden lo popular y lo culto, lo escueto y lo barroco, lo tradicional y lo frenéticamente nuevo. Su libro más
temprano, Marinero en tierra, se inscribe en una línea del neopopularismo. Son canciones que evocan un paraíso
perdido, que el poeta identifica con el Cádiz de su infancia, y el mar, las salinas, los momentos más jubilosos de la
misma. Le siguen El alba de alhelí y Cal y canto, del más difícil neogongorismo o culteranismo. En 1929 publica su
obra maestra, Sobre los ángeles, inducida por una profunda crisis de perdida de fe; es un libro en tres partes; las dos
primeras son de inspiración becqueriana; la última utiliza ya un pleno surrealismo en que desata el versículo. Utiliza
símbolos como los ángeles, los fantasmas y los duendes. Libros de su segunda época, destaca El poeta en la calle, de
literatura comprometida. Otras obras, ya en el exilio publicará Baladas y canciones del Paraná.
Luis Cernuda
Fue alumno de Pedro Salinas y profesor de varias universidades europeas y americanas. Reunió su obra poética bajo
el título general de La realidad y el deseo, colección de libros a la que pertenecen: Perfil del aire, Égloga, elegía,
oda, Los placeres prohibidos, Donde habite el olvido, Un río, un amor, y Las nubes, ya en el exilio, Desolación de
la quimera. Es también importante su labor como crítico literario y ensayista, con los dos volúmenes de Poesía y
literatura, etcétera.
Su poesía rehuye el énfasis formal y busca lo indefinible, lo aéreo. Por eso repugna de estrofismo y de rima, y
cuando utiliza alguna es la asonante, que es la que ofrece más libertad. Se centra en la experiencia humana, pero
rehuye lo más específico y propio para que el lector pueda identificarse con el poeta. Canta el choque entre el deseo
y la realidad, que deja al poeta solo el consuelo elegíaco del recuerdo o unos pocos instantes, que el llama acordes,
de gozo intemporal.
Historiografía sobre el 27
Por otra parte, y para reconstruir la memoria viva de lo que se ha venido a llamar la Edad de Plata, hay que leer una
serie de libros de memorias escritos por diversos autores más o menos vinculados a esta promoción. La arboleda
perdida, de Alberti, por ejemplo. Es también el caso de Pablo Neruda, quien por entonces vino a Madrid y reforzó el
grupo surrealista con algunas de sus contribuciones, en particular con la edición de su libro Residencia en la tierra I
y II y que en sus dos libros de memorias, Confieso que he vivido y Para hacer he nacido, dio testimonio y noticias
sobre las actividades del grupo durante esos años y el exilio posterior, en particular sobre Lorca y Alberti. Los
encuentros, de Vicente Aleixandre, narra las primeras veces que vio a cada una de las figuras relevantes de la
generación; Mi último suspiro, de Buñuel, publicado primitivamente en francés, incluye numerosas anécdotas sobre
los poetas del 27, etc.
Fuentes
• Mainer, José-Carlos, La Edad de Plata (1902–1936). Ensayo de interpretación de un proceso cultural. Madrid:
Cátedra, 1983.
• Díez de Revenga, Francisco Javier, Panorama crítico de la generación del 27, Madrid, Castalia, 1987.
• Alonso, Dámaso, «Una generación poética (1920–1936)», Poetas españoles contemporáneos, Madrid, Gredos,
1965, págs. 155–177.
• Anderson, A., El Veintisiete en tela de juicio, Madrid, Gredos, 2006.
• Diego, Gerardo, Antología de Gerardo Diego. Poesía española contemporánea, Ed. de A. Soria Olmedo, Madrid,
Taurus, 1991.
• Cano, José Luis, La poesía de la generación del 27, Madrid, Guadarrama, 1970.
• González Muela, Joaquín, El lenguaje poético de la generación Guillén-Lorca, Madrid, Ínsula, 1954.
• González Muela, Joaquín y Rozas, Juan Manuel, La generación del 27. Estudio y antología, Madrid, Istmo, 1986,
30 ed.
• Gullón, Ricardo, «La generación poética de 1925», La invención del 98 y otros ensayos, Madrid, Gredos, 1969,
págs. 126–161.

• Rozas, Juan Manuel, La generación del 27 desde dentro (Textos y documentos), Madrid, Alcalá, 1974.
• Rozas, Juan Manuel, El 27 como generación, Santander, La Isla de los Ratones, 1978.
• Torre, Guillermo de, Literaturas europeas de vanguardia, Ed. de J. M. Barrera López, Sevilla, Renacimiento,
2001.
• Ilie, Paul, Los surrealistas españoles, Madrid, Taurus, 1972.
• Geist, A. L., La poética de la generación del 27 y las revistas literarias: de la vanguardia al compromiso
(1918–1936), Barcelona, Labor, 1980.
• Cernuda, Luis, «Generación de 1925», Estudios sobre poesía española contemporánea, Madrid, Guadarrama,
1957, págs. 181–196.
• Cirre, J. F., Forma y espíritu de una lírica española (1920–1935), México, Gráficas Panamericana, 1950.
Referencias
[1] http://www.materialesdelengua.org/LITERATURA/HISTORIA_LITERATURA/GENERACION27/generacion27_1.htm
Enlaces externos
• Archivo virtual de la Edad de Plata (http://www.archivovirtual.org/) (colección de documentos para el estudio
del 27 de la Residencia de Estudiantes)
• Poéticas de la generación del 27 (http://poeticas.es/?tag=generacion-del-27) (los poetas del 27 reflexionan
sobre la creación poética en sus versos)
• Portal consagrado al 27 (http://www.juntadeandalucia.es/averroes/intelhorce/bibliote/generacion27.htm)
• Portal de la Junta de Andalucía consagrado al 27 (http://www.juntadeandalucia.es/educacion/poetasdel27)
• «La generación del 27» (http://www.personal.telefonica.terra.es/web/apuntesasr/JoseCarlosCarrillo/
LitJCCCarGen27.htm) (artículo)
• Webquest sobre la Generación del 27 (http://web.educastur.princast.es/ies/carrenom/lengua/index.htm)

Federico García Lorca en 1914.
Nacimiento
5 de junio de 1898
Fuente Vaqueros,
[1]
Granada, España
Defunción
19 de agosto de 1936
[2]
(38 años)
Entre Víznar y Alfacar, Granada, España
Ocupación Poeta, dramaturgo y prosista
Nacionalidad Español
Período Siglo XX
Movimientos Generación del 27
Firma
Federico García Lorca (Fuente Vaqueros,
[1]
Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, Granada, 19 de
agosto de 1936)
[3]
fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras
artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura
española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con
Valle-Inclán y Buero Vallejo.
Murió ejecutado tras la sublevación militar de la Guerra Civil Española. Las causas de su ejecución son ampliamente
debatidas; las hipótesis incluyen su afinidad con el Frente Popular, ser abiertamente homosexual y
desentendimientos familiares.
[4][2]
Pero el 2 no ha sido nunca un número
porque es una angustia y su sombra...
Pequeño poema infinito.
Nueva York, 10 de enero de 1930.

Biografía
Casa natal de Federico García Lorca, en Fuente Vaqueros.
Nació en el municipio de Fuente Vaqueros, Granada
(España), en el seno de una familia de posición
económica desahogada, el 5 de junio de 1898, y fue
bautizado con el nombre de Federico del Sagrado
Corazón de Jesús García Lorca; su padre fue Federico
García Rodríguez (1859–1945), un hacendado, y su
madre, Vicenta Lorca Romero (1870–1959) fue la
segunda esposa de su padre,
[5]
maestra de escuela que
fomentó el gusto literario de su hijo.
Desde los 2 años, según uno de sus biógrafos, Edwin
Honig, Federico García Lorca mostró su habilidad para
aprender canciones populares, y a muy corta edad
escenificaba en miniatura oficios religiosos. Su salud
fue frágil y no empezó a caminar hasta los cuatro años.
Leyó en su casa la obra de Víctor Hugo y de Miguel de Cervantes. Como estudiante fue algo irregular. De niño lo
pusieron bajo la tutela del maestro Rodríguez Espinosa, en Almería, ciudad en la que residió con su familia entre
1906 y 1909
[cita requerida]
. Inició el bachillerato de vuelta a su provincia natal y abandonó la Facultad de Derecho de
Granada para instalarse en la Residencia de Estudiantes de Madrid (1918–1928); pasado un tiempo, regresó a la
Universidad de Granada, donde se licenció en Derecho, aunque nunca ejerció la abogacía, puesto que su vocación
era la literatura.
El olivo donde fue fusilado.
La ubicación meridional de Granada, donde se
encontraba viva la herencia mora, el folclore, el oriente
y una geografía agreste, quedó impresa en toda su obra
poética, donde los romanceros y la épica se funden de
manera perceptible. Después de su madre, fue Fernando
de los Ríos quien estimuló el talento del entonces
pianista en favor de la poesía; así, en 1917 escribió su
primer artículo sobre José Zorrilla, en su aniversario.
La España de García Lorca era la de la Edad de Plata,
heredera de la Generación del 98, con una rica vida
intelectual donde los nombres de Francisco Giner de los
Ríos, Benito Pérez Galdós, Miguel de Unamuno y, poco
después, Salvador de Madariaga y José Ortega y Gasset
imprimían el sello distintivo de una crítica contra la
realidad de España.
Influyeron, además, en la sensibilidad del poeta en
formación Lope de Vega, Juan Ramón Jiménez,
Antonio Machado, Manuel Machado, Ramón del
Valle-Inclán, Azorín y el Cancionero popular.

Estatua de García Lorca en la plaza de Santa Ana de Madrid. Obra
del escultor Julio López Hernández
Juventud y primeras obras
En 1918 publicó su primer libro Impresiones y paisajes,
costeado por su padre. En 1920 se estrenó en teatro su
obra El maleficio de la mariposa, en 1921 se publicó
Libro de poemas, y en 1923 se pusieron en escena las
comedias de títeres La niña que riega la Albahaca y El
príncipe preguntón. En 1927, en Barcelona, expuso su
primera muestra pictórica.
En esta época frecuentó activamente a los poetas de su
generación que permanecían en España, en torno a la
Residencia de Estudiantes: Jorge Guillén, Pedro Salinas,
Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Rafael Alberti, y sobre
todo Buñuel y Dalí, a quien después le dedicó la Oda a
Salvador Dalí. El pintor, por su parte, pintó los decorados
del primer drama del granadino: Mariana Pineda. En
1928 publicó la revista literaria Gallo, de la cual salieron
solamente dos números.
En 1929 marchó a Nueva York. Para entonces se habían
publicado, además de los antes mencionados, sus libros
Canciones (1927) y Primer romancero gitano (1928).
Esta última es su obra más popular y accesible.
Viaje a Nueva York
De su viaje y estancia en Nueva York surge el libro Poeta en Nueva York. En 1930 fue a La Habana, donde escribió
parte de sus obras Así que pasen cinco años y El público. Ese año regresó a España, donde fue recibido en Madrid
con la noticia de que su farsa popular La zapatera prodigiosa se estaba escenificando.
Segunda República y «La barraca»
Al instaurarse la Segunda República española, Fernando de los Ríos fue nombrado Ministro de Instrucción Pública.
Bajo el patrocinio oficial, se encargó a Lorca la codirección de la compañía estatal de teatro «La Barraca», donde
disfrutó de todos los recursos para producir, dirigir, escribir y adaptar algunas obras teatrales del Siglo de Oro
español. Escribió en este período Bodas de sangre, Yerma y Doña Rosita la soltera.
En 1933 viajó a la Argentina de la Década Infame para promover la puesta en escena de algunas de sus obras por la
compañía teatral de Lola Membrives y para dictar una serie de conferencias, siendo su estancia un éxito: a manera de
ejemplo, su puesta de La dama boba —durante años olvidada,
[6]
descubierta, editada y reeditada por la Universidad
de La Rioja
[7]
—, de Lope de Vega, atrajo a más de sesenta mil personas. Co-fundador el 11 de febrero de 1933 de la
Asociación de Amigos de la Unión Soviética, creada en unos tiempos en que la derecha sostenía un tono
condenatorio en relación a los relatos sobre las conquistas y los problemas del socialismo en la URSS. Entre este año
y 1936 escribió Diván del Tamarit, Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, que conmovió al mundo hispano, La casa de
Bernarda Alba y trabajaba ya en La destrucción de Sodoma cuando estalló la Guerra Civil española.

Guerra Civil y asesinato
Colombia y México, cuyos embajadores previeron que el poeta pudiera ser víctima de un atentado debido a su puesto
de funcionario de la República, le ofrecieron el exilio, pero Lorca rechazó las ofertas y se dirigió a su casa en
Granada para pasar el verano.
En esos momentos políticos alguien le preguntó sobre su preferencia política y él manifestó que se sentía a su vez
católico, comunista, anarquista, libertario, tradicionalista y monárquico. De hecho nunca se afilió a ninguna de las
facciones políticas y jamás discriminó o se distanció de ninguno de sus amigos, por ninguna cuestión política. Tuvo
una gran amistad con el líder y fundador de la Falange Española, José Antonio Primo de Rivera, muy aficionado a la
poesía.
[8]
El propio Lorca decía de él:
...José Antonio. Otro buen chico. ¿Sabes que todos los viernes ceno con él? Solemos salir juntos en un
taxi con las cortinillas bajadas, porque ni a él le conviene que le vean conmigo ni a mí me conviene que
me vean con él.
[9]
Se sentía, como él lo dijo en una entrevista a El Sol de Madrid poco antes de su muerte, íntegramente español.
Yo soy español integral y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; pero odio al que es
español por ser español nada más, yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una
idea nacionalista, abstracta, por el sólo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino
bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula, pero antes
que esto soy hombre del mundo y hermano de todos. Desde luego no creo en la frontera política.
[10]
Tras una denuncia anónima, el 16 de agosto de 1936 fue detenido en la casa de uno de sus amigos, el también poeta
Luis Rosales, quien obtuvo la promesa de las autoridades nacionales de que sería puesto en libertad «si no existía
denuncia en su contra». La orden de ejecución fue dada por el gobernador civil de Granada, José Valdés Guzmán,
quien había ordenado al ex diputado de la CEDA Ramón Ruiz Alonso la detención del poeta.
Federico García Lorca fue ejecutado en el camino que va de Víznar a Alfacar, y su cuerpo permanece enterrado en
una fosa común anónima en algún lugar de esos parajes con el cadáver de un maestro nacional, Dióscoro Galindo, y
los de los banderilleros Francisco Galadí y Joaquín Arcollas, ejecutados con él.
[11]
La fosa se encuentra en el paraje
de Fuente Grande, en el municipio de Alfacar, provincia de Granada. El escritor, autor del Romancero Gitano fue
ejecutado por ser republicano y homosexual.
[12]
H. G. Wells envió el siguiente despacho a las autoridades militares de Granada:
H. G. Wells, presidente Pen Club de Londres, desea con ansiedad noticias de su distinguido colega
Federico García Lorca, y apreciará grandemente la cortesía de una respuesta,
[13]
cuya respuesta fue la siguiente:
Coronel gobernador de Granada a H. G. Wells.—Ignoro lugar hállase D. Federico García
Lorca.—Firmado: Coronel Espinosa.
[13]
Después de su muerte se publicaron Primeras canciones y Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín.
Antonio Machado escribió el poema «El crimen fue en Granada» en 1937 sobre el tema de la muerte de Lorca.
El 11 de marzo de 1937, el periódico falangista de San Sebastián, Unidad, publicó un artículo firmado por Luis
Hurtado Álvarez, titulado «A la España imperial le han asesinado su mejor poeta», una sentida elegía por su muerte.
En 2009, en aplicación de la ley para la recuperación de la memoria histórica aprobada por el gobierno de José Luis
Rodríguez Zapatero, se decide abrir la fosa donde supuestamente descansaban los restos del poeta. Aun así, no se
encontró nada.
[14]
En mayo de 2012 salió a la luz su última carta, dirigida a su novio, el escritor y crítico Juan Ramírez de Lucas
[15][16]

Obra
El universo lorquiano se define por un palpable sistematismo: la poesía, el drama y la prosa se alimentan de
obsesiones —amor, deseo, esterilidad— y de claves estilísticas constantes. La variedad de formas y tonalidades
nunca atenta contra esa unidad cuya cuestión central es la frustración.
Estilo
Los símbolos: de acuerdo con su gusto por los elementos tradicionales, Lorca utiliza frecuentemente símbolos en su
poesía. Se refieren muy frecuentemente a la muerte aunque, dependiendo del contexto, los matices varían bastante.
Son símbolos centrales en Lorca:
•
• La luna: es el símbolo más frecuente en Lorca. Su significación más frecuente es la de muerte, pero también
puede simbolizar el erotismo, la fecundidad, la esterilidad o la belleza.
•
• El agua: cuando corre, es símbolo de vitalidad. Cuando está estancada, representa la muerte.
•
• La sangre: representa la vida y, derramada, es la muerte. Simboliza también lo fecundo, lo sexual.
•
• El caballo (y su jinete): está muy presente en toda su obra, portando siempre valores de muerte, aunque también
representa la vida y el erotismo masculino.
•
• Las hierbas: su valor dominante, aunque no único, es el de ser símbolos de la muerte.
•
• Los metales: también su valor dominante es la muerte. Los metales aparecen bajo la forma de armas blancas, que
conllevan siempre tragedia.
La metáfora: es el procedimiento retórico central de su estilo. Bajo la influencia de Góngora, Lorca maneja
metáforas muy arriesgadas: la distancia entre el término real y el imaginario es considerable. En ocasiones, usa
directamente la metáfora pura. Sin embargo, a diferencia de Góngora, Lorca es un poeta conceptista, en el sentido de
que su poesía se caracteriza por una gran condensación expresiva y de contenidos, además de frecuentes elipsis. Las
metáforas lorquianas relacionan elementos opuestos de la realidad, transmiten efectos sensoriales entremezclados,
etc.
El neopopularismo: aunque Lorca asimila sin problemas las novedades literarias, su obra está plagada de elementos
tradicionales que, por lo demás, demuestran su inmensa cultura literaria. La música y los cantos tradicionales son
presencias constantes en su poesía. No obstante, desde un punto de vista formal no es un poeta que muestre una gran
variedad de formas tradicionales; sin embargo, profundiza en las constantes del espíritu tradicional de su tierra y de
la gente: el desgarro amoroso, la valentía, la melancolía y la pasión.
Poesía
La obra poética de Lorca constituye una de las cimas de la poesía de la Generación del 27 y de toda la literatura
española. La poesía lorquiana es el reflejo de un sentimiento trágico de la vida, y está vinculada a distintos autores,
tradiciones y corrientes literarias. En esta poesía conviven la tradición popular y la culta. Aunque es difícil establecer
épocas en la poética de Lorca, algunos críticos diferencian dos etapas: una de juventud y otra de plenitud.
Época de juventud
Aquí se incluyen sus primeros escritos: Impresiones y paisajes (en prosa, aunque sin embargo muestra
procedimientos característicos del lenguaje poético) y Libro de poemas (escrito bajo el influjo de Rubén Darío,
Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez); en este poema García Lorca proyecta un amor sin esperanza, abocado a
la tristeza.
La Diputación de Granada editó en 1986 una antología poética, seleccionada, presentada y anotada por Andrew A.
Anderson (ISBN 84-505-3425-9). Esta antología aporta Suites (1920–1923) y Poemas en prosa (1927–1928). En
Suites se encuentra «Cancioncilla del niño que no nació
[17]
» (pág. 71), y en Poemas en prosa «Degollación de los
Inocentes» (pág. 150). En estos escritos el poeta hace referencia al drama del aborto.

Época de plenitud
Comienza con el Poema del cante jondo (1921) que, mediante la unidad temática, formal, conceptual y la expresión
de los sentimientos, debida en parte a su inspiración folclórica, describe la lírica neopopularista de la Generación del
27.
En Primeras canciones (1936) y Canciones (1927) emplea las mismas formas: la canción y el romance. Los temas
del tiempo y la muerte se enmarcan en el alba, la noche, la ciudad andaluza y los paisajes lunares.
La muerte y la incompatibilidad moral del mundo gitano con la sociedad burguesa son los dos grandes temas del
Romancero gitano. Destacan los procedimientos habituales de poesía de origen popular, y la influencia del
compositor Manuel de Falla. No se trata de una obra folclórica; está basada en los tópicos con que se asocia lo gitano
y andaluz. Lorca eleva al personaje gitano al rango de mito literario, como después hará también con el negro y el
judío en Poeta en Nueva York. En el Romancero gitano emplea el romance, en sus variantes de novelesco, lírico y
dramático; su lenguaje es una fusión de lo popular y lo culto.
Lorca escribió Poeta en Nueva York a partir de su experiencia en EE. UU., donde vivió entre 1929 y 1930. Para
Lorca la civilización moderna y la naturaleza son incompatibles. Su visión de Nueva York es de pesadilla y
desolación, propia de un mal sueño. Para expresar la angustia y el ansia de comunicación que lo embargan, emplea
las imágenes visionarias del lenguaje surrealista. Su libertad expresiva es máxima, aunque junto al verso libre se
advierte el uso del verso medido (octosílabo, endecasílabo y alejandrino).
El Diván del Tamarit (1940) es un libro de poemas de atmósfera o sabor oriental, inspirado en las colecciones de la
antigua poesía arábigo-andaluza. El tema central es el del amor sujeto a experiencias frustrantes y amargas; su
lenguaje está muy próximo al de Poeta en Nueva York.
Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías (1935) es una elegía de incontenible dolor y emoción que actúa de
homenaje al torero sevillano que tanto apoyó a los poetas de la Generación del 27.
La obra poética de García Lorca se cierra con Seis poemas gallegos y la serie de once poemas amorosos titulada
Sonetos del amor oscuro. Lorca siempre ha contado con el respeto y admiración incondicional de los poetas de
generaciones posteriores a la Guerra Civil. Considerado un poeta maldito, su influencia se ha dejado sentir entre los
poetas españoles del malditismo.
Libros de poesía
De Profundis en Leiden
• Libro de poemas (1921)
• Poema del cante jondo (1921)
• Oda a Salvador Dalí (1926)
• Romancero gitano (1928)
• Poeta en Nueva York (1930)
• Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935)
• Seis poemas galegos (1935)
• Diván del Tamarit (1936)
• Sonetos del amor oscuro (1936)
Teatro
El teatro de García Lorca es, con el de Valle-Inclán, el de mayor
importancia escrito en castellano en el siglo XX. Es un teatro poético,
en el sentido de que gira en torno a símbolos medulares —la sangre, el
cuchillo o la rosa—, de que se desarrolla en espacios míticos o presenta

un realismo trascendido, y de que, en fin, encara problemas sustanciales del existir. El lenguaje, aprendido en
Valle-Inclán, es también poético. Sobre Lorca influyen también el drama modernista (de aquí deriva el uso del
verso), el teatro lopesco (evidente, por ejemplo, en el empleo organizado de la canción popular), el calderoniano
(desmesura trágica, sentido de la alegoría) y la tradición de los títeres. La producción dramática de Lorca puede ser
agrupada en cuatro conjuntos: farsas, comedias «irrepresentables» (según el autor), tragedias y dramas.
Entre las farsas, escritas entre 1921 y 1928, destacan La zapatera prodigiosa, en la que el ambiente andaluz sirve de
soporte al conflicto, cervantino, entre imaginación y realidad, y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín,
complejo ritual de iniciación al amor, que anuncia los «dramas irrepresentables» de 1930 y 1931: El público y Así
que pasen cinco años, sus dos obras más herméticas, son una indagación en el hecho del teatro, la revolución y la
presunta homosexualidad —la primera— y una exploración —la segunda— en la persona humana y en el sentido del
vivir.
Consciente del éxito de los dramas rurales poéticos, Lorca elabora las tragedias Bodas de sangre (1933) y Yerma
(1934), conjugación de mito, poesía y sustancia real.
Los problemas humanos determinan los dramas. Así, el tema de la «solterona» española (Doña Rosita la soltera,
1935), o el de la represión de la mujer y la intolerancia en La casa de Bernarda Alba (1936), para muchos la obra
maestra del autor.
Obras teatrales
• El maleficio de la mariposa (1921)
• Mariana Pineda (1927)
• La zapatera prodigiosa (1930)
• Retablillo de Don Cristóbal (1928)
• El público (1930)
• Así que pasen cinco años (1930)
• Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1933)
• Bodas de sangre (1933)
• Yerma (1934)
• Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores (1935)
• La casa de Bernarda Alba (1936)
• La fuerza de la sangre (inacabada) (1936)
Prosa
• Impresiones y paisajes (1918)
Filmografía
Sobre la vida de Lorca
• Federico García Lorca: Asesinato en Granada (1976), documental de televisión dirigido por Humberto López y
Guerra producido por la televisión sueca TV1.
• Lorca, muerte de un poeta (1987), serie de televisión dirigida por Juan Antonio Bardem.
• Muerte en Granada (1997), dirigida por Marcos Zurinaga. El actor Andy García da vida al poeta.
• Lorca (1998), dirigida por Iñaki Elizalde.
• La luz prodigiosa (2003), dirigida por Miguel Hermoso.
• Lorca. El mar deja de moverse (2006), documental dirigido por Emilio Ruiz Barrachina.
• Sin límites (Little ashes) (2008), dirigida por Paul Morrison semibiográfico sobre las relaciones entre Dalí, Lorca
y Buñuel.
• El deseo y la realidad (2009), documental dirigido por Rafael Zarza y Fernando García de Canales.

• Mudanza (2009) , dirigida por Pere Portabella.
Adaptaciones de su obra
• Bodas de sangre (1938), de Edmundo Guibourg.
• Bodas de sangre (1981), de Carlos Saura.
• Nanas de espinas (1982), espectáculo de Salvador Távora inspirado en Bodas de sangre.
[18]
• La casa de Bernarda Alba (1982), de Mario Camus.
• Proceso a Mariana Pineda (1984), de Rafael Moreno Alba, serie de Televisión Española.
• Viaje a la Luna (1998), cortometraje de Frederic Amat.
• Yerma (1998), de Pilar Távora.
• Yerma mater (2005), espectáculo de Salvador Távora inspirado en Yerma.
[18]
• Bodas de sangre (2010), de José Carlos Plaza.
Óperas
• In another five years or so (1944), zarzuela de Paul Bowles sobre Así que pasen cinco años.
• La zapatera prodigiosa (1949), del compositor argentino Juan José Castro (1895–1968), estrenada en
Montevideo.
• Bodas de sangre (1952), de Juan José Castro.
• Yerma (1955), ópera de Paul Bowles.
• Bodas de sangre (Bluthochzeit), del alemán Wolfgang Fortner (1907–1987).
• Yerma (1971), de Heitor Villa-Lobos, estrenada en la Santa Fe Opera.
• La casa de Bernarda Alba, del catalán Miquel Ortega.
• Ainadamar (2003), de Osvaldo Golijov, estrenada en el Festival de Tanglewood.
Bibliografía
• Álvarez de Miranda, Ángel: «Poesía y religión», en Revista de Ideas Estéticas, t. XI (1953), pp. 221–251.
• Budia, Mariam: «Aproximación a las estrategias creativas en Así que pasen cinco años: tiempo absoluto y
subconsciente», en Teatro, Revista de Estudios Teatrales, nº21 (2007).
• Colecchia, F.: García Lorca. A selectively annotated bibliography of criticism (Nueva York–Londres, 1979).
• Fernández Cifuentes, L.: García Lorca en el teatro: La norma y la diferencia (Zaragoza, 1986).
• García-Posada, M.: Lorca: Interpretación de «Poeta en Nueva York» (Madrid, 1982).
• Gibson, Ian: Federico García Lorca, 2 vols. (Barcelona, 1985, 1987).
• Gil, I.-M. (ed.): Federico García Lorca (Madrid, 1973).
• Grande, Félix: García Lorca y el flamenco (Madrid, 1992).
• Laffranque, M.: Les idées esthétiques de Federico García Lorca (París, 1967).
• Mery: Raramente, una versión infantil de sus obras Viendo a las flores crecer (Gallicia, 1937).
• Ramos-Gil, C.: Claves líricas de García Lorca: Ensayos sobre la expresión y los climas poéticos lorquianos
(Madrid, 1967).
• Titos Martínez, M.: Verano del 36 en Granada. Un testimonio inédito sobre el comienzo de la guerra civil y la
muerte de García Lorca (Granada, 2006).

Referencias
[1] Maurer, Christopher. « Biografía. Una vida breve (http://www.garcia-lorca.org/Federico/Biografia.aspx)». Fundación Federico García
Lorca. Consultado el 10 de septiembre de 2011.
[2] Federico García Lorca, 70 aniversario de su muerte (http://www.universia.net.co/noticias/mas-noticias/
federico-garcia-lorca-70-aniversario-de-su-muerte.html), Universia.
[3] La muerte Fundación Federico García Lorca: biografía. (http://www.garcia-lorca.org/Federico/Biografia.aspx?Sel) Consultado el 18 de
agosto de 2011.
[4] Portal Poesía (http://web.archive.org/web/20070210074005/http://www.filosofia.tk/versoados/articulo_muertelorca.htm)
[5] http://bib.cervantesvirtual.com/bib_autor/garcialorca/pcuartonivel.jsp?conten=cronologia
[6] « Cultura 'descubre' 17 años tarde un original de Lorca (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Cultura/descubre/anos/tarde/original/
Lorca/elpepicul/20080221elpepicul_7/Tes)». El País, 21/2/2008.
[7] Federico García Lorca y el teatro clásico español. La versión escénica de 'La dama boba' (http://www.unirioja.es/servicios/sp/catalogo/
monografias/inv52.shtml), de Juan Aguilera e Isabel Lizarraga. ISBN 978-84-96487-36-9.
[8] Poesía y fascismo en España (http://cvc.cervantes.es/obref/aih/pdf/07/aih_07_2_038.pdf)
[9] Citado por Gabriel Celaya, Un recuerdo de Federico García Lorca. Roma, 1966.
[10] Ápud Salvador Rodríguez, «La última entrevista a García Lorca» (http://www.laopinioncoruna.es/cultura/2010/01/03/
ultima-entrevista-garcia-lorca/347503.html), laopinioncoruna.es, 3-1-2010.
[11] « Familiares de fusilados junto a Lorca piden a Garzón la exhumación de los cuerpos (http://www.diariodemallorca.es/secciones/noticia.
jsp?pRef=2008091300_6_392177__Nacional-Familiares-fusilados-junto-Lorca-piden-Garzon-exhumacion-cuerpos)». Diario de Mallorca.
[12] « Abrirán fosa de poeta Federico García Lorca, tras 73 años de su asesinato (http://www.rpp.com.pe/
2009-10-24-abriran-fosa-de-poeta-federico-garcia-lorca-tras-73-anos-de-su-asesinato-noticia_217753.html)». RPP Noticias.
[13] ABC doble diario de la guerra civil, 1ª edición, volumen 2, Editorial Prensa Española, S.A., ISBN 84-287-0484-8, página 23, fascículo 10.
[14] Martín-Arroyo, Javier. « "La posibilidad de que ahí hubiera algo era ninguna" (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Lorca/fosa/
elpepucul/20091218elpepucul_6/Tes)», El País, 18 de diciembre de 2009. Consultado el 22 de noviembre de 2012.
[15] http://cultura.elpais.com/cultura/2012/05/11/actualidad/1336767388_044828.html
[16] http://cultura.elpais.com/cultura/2012/05/09/actualidad/1336592315_908655.html
[17] http://es.wikisource.org/wiki/Suites
[18] Teatro la Cuadra: creaciones (http://www.teatrolacuadra.com/Salvador_Tavora/creaciones.htm)
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Federico García Lorca. Commons
• Wikisource contiene obras originales de o sobre Federico García Lorca.Wikisource
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Federico García Lorca. Wikiquote
• Portal web consagrado a Lorca en la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes. (http://www.cervantesvirtual.
com/bib_autor/garcialorca/)
• Amelia Castilla / Luis Magán (10 de mayo de 2012). « El amor oscuro de García Lorca (http://cultura.elpais.
com/cultura/2012/05/09/actualidad/1336592315_908655.html)». El País. Consultado el 12 de mayo de 2012.

Poeta en Nueva York
Federico García Lorca.
Poeta en Nueva York es el título de un poemario
escrito por Federico García Lorca entre 1929 y 1930
durante su estancia en la Universidad de Columbia
(Nueva York), así como en su siguiente viaje a Cuba, y
publicado por primera vez en 1940, cuatro años
después de la muerte del poeta.
García Lorca dejó España en 1929 para impartir unas
conferencias en Cuba y Nueva York. Aún así, el
motivo del viaje fue quizá un pretexto para cambiar de
aires y huir del ambiente que le rodeaba y que le
oprimía: debido a un fracaso sentimental y al dilema
interior que sentía por su sexualidad, Lorca padeció en
esa época una profunda depresión. Vivió en Nueva
York del 25 de junio de 1929 al 4 de marzo de 1930,
partiendo entonces hacia Cuba, donde residió por un
espacio de tres meses.
[1]
A Lorca le impactó profundamente la sociedad
norteamericana, sintiendo desde el inicio de su estancia
una profunda aversión hacia el capitalismo y la industrialización de la sociedad moderna, al tiempo que repudiaba el
trato dispensado a la minoría de color. Poeta en Nueva York fue para Lorca un grito de horror, de denuncia contra la
injusticia y la discriminación, contra la deshumanización de la sociedad moderna y la alienación del ser humano, al
tiempo que reclamaba una nueva dimensión humana donde predominase la libertad y la justicia, el amor y la
belleza.
[2]
Es por ello por lo que puede ser considerada una de las obras poéticas más importantes y relevantes de la
historia de este arte, dado su trascendentalismo. Una crítica poética en un momento de cambios económicos y
sociales de una magnitud única en toda la historia de la humanidad, que convierte esta obra en una profunda
reflexión pesimista y hace que sea un nexo de unión entre el modernismo y la nueva era tecnológica.

Historia
Vista aérea de Nueva York (1931).
García Lorca partió en 1929 para impartir
una serie de conferencias en Cuba y Nueva
York. El ambiente previo a su partida fue de
un gran desasosiego para el poeta: había
roto su relación con el escultor Emilio
Aladrén, a la vez que se evidenció su
distanciamiento con Salvador Dalí, quien en
1929 realizó junto a Luis Buñuel la película
surrealista Un perro andaluz, clara alusión
al autor granadino.
[3]
Lorca recibió en enero
de 1929 una invitación para dar una serie de
conferencias en Cuba y en diversas
universidades norteamericanas, justo en un
momento de cierta penuria económica –al
parecer sus padres le habían reprochado el
hecho de que no se ganara bien la vida–. Federico escribió a sus padres:
“Yo no quiero de ninguna manera que estéis indignados conmigo. Esto me apena. Yo no tengo culpa de
muchas cosas mías. La culpa es de la vida y de las luchas, crisis y conflictos de orden moral que yo
tengo”.
[4]
En estas palabras se muestra inusualmente sincero y consciente de sus sentimientos, a la vez que reflejan un claro
pesimismo frente a su situación vital. Asimismo, Lorca se sentía agobiado por la situación política, manteniendo una
postura cada vez más crítica con la dictadura de Primo de Rivera: a mediados de 1929 firmó junto a veinticuatro
jóvenes escritores un manifiesto expresando su malestar por la situación del país, y pidiendo un cambio de rumbo.
[5]
Todos estos factores propiciaron un estado anímico propenso a la depresión en el poeta andaluz, hecho que no pasó
desapercibido para su familia: su padre, Federico García Rodríguez, le comentó en febrero de 1929 que le sentaría
bien un cambio de aires.
[6]
En el viaje al nuevo continente acompañó a Lorca el político socialista Fernando de los Ríos, que daría una
conferencia en la Universidad de Columbia, así como su sobrina Rita María Troyano de los Ríos, que iba a dar clases
de español en una escuela de Herefordshire. El 10 de junio de 1929 partieron en tren hacia París, donde hicieron
escala de un día, aprovechando para visitar el Louvre. Viajaron en barco de Calais a Dover, alojándose
posteriormente en Londres dos días. Después de dejar a Rita en Hereford, visitaron Oxford, para embarcarse
finalmente en el RMS Olympic –gemelo del Titanic–, que partió de Southampton el 19 de junio de 1929 rumbo a
América. Antes de partir Lorca escribió a su amigo Carlos Morla Lynch que se sentía deprimido y «lleno de
añoranzas», y que se arrepentía de haber hecho el viaje.
[7]
Lorca llegó a Nueva York el 25 de junio de 1929. En la ciudad de los rascacielos encontró un nutrido grupo de
intelectuales españoles que residían allí: Federico de Onís, profesor de español en la Universidad de Columbia y
director de la revista Estudios Hispánicos; Ángel del Río, profesor de literatura española en la misma universidad;
León Felipe, profesor de la Universidad de Cornell; y el pintor Gabriel García Maroto.
[1]
Fue a instancias de Federico de Onís que Lorca se instaló en la residencia estudiantil Furnald Hall –para lo que tuvo
que matricularse en un curso de inglés para extranjeros–. Su primera impresión fue favorable, mostrándose
entusiasmado ante el prodigioso espectáculo neoyorquino, sus rascacielos, su vida bulliciosa, las avenidas de
Manhattan, las luces de Broadway.
[8]
Lorca asistió asiduamente a sus clases de inglés, aunque no logró muchos
avances, logrando apenas un dominio mínimo del idioma. Se interesó más en conocer la ciudad y hacer vida social,
asistiendo a numerosos eventos y espectáculos con sus amigos y conocidos. Pasaba la mayor parte del tiempo en el

Spanish Institute de la Universidad de Columbia, donde se impartían conferencias y se celebraban veladas literarias y
musicales, y donde se sentía más cercano a su añorado país.
[9]
Al cabo de unas semanas Lorca visitó Harlem –donde junto a sus amigos frecuentaban el club de jazz Small’s
Paradise–, tomando contacto con la realidad de las minorías étnicas norteamericanas y viendo el lado oscuro,
amargo, de la sociedad estadounidense. Gran simpatizante de las minorías sociales –gitanos, negros, judíos–, y de las
gentes oprimidas y excluidas de la sociedad del bienestar, Lorca se erigió en portavoz de los humildes, los
desfavorecidos, a los que reivindicaba a través de sus poemas, que denunciaban una situación de opresión del
hombre por el hombre. Comenzó así a ver el aspecto negativo de la metrópoli americana, su deshumanización, su
excesiva mecanización, su frialdad, su materialismo, todo lo contrario a la actitud vital y natural que siempre había
sentido el poeta.
[10]
También cabe remarcar que Lorca arribó a los Estados Unidos poco antes de producirse el crack de 1929, que
sumergió al país en un ambiente de crisis económica y de miseria social. En unas declaraciones a Luis Méndez
Domínguez en 1933 expresó así su impresión de la ciudad:
“Impresionante por frío y cruel... Espectáculo de suicidas, de gentes histéricas y grupos desmayados.
Espectáculo terrible, pero sin grandeza. Nadie puede darse idea de la soledad que siente allí un español,
y más todavía un hombre del sur”.
[11]
Con todas estas impresiones, García Lorca inició la redacción de Poeta en Nueva York, en el que reflejó de forma
intimista su estado anímico, su melancolía, sus pulsiones sexuales, la amargura de los amores perdidos, la añoranza
de la infancia pasada y de los recuerdos olvidados. Lo hizo con un estilo surrealista, con influencia de Walt Whitman
y T. S. Eliot.
[12]
En una carta a sus padres describió así la génesis del poemario neoyorquino:
“Escribo un libro de poemas de interpretación de Nueva York que produce enorme impresión a estos
amigos por su fuerza. Yo creo que todo lo mío resulta pálido al lado de estas cosas que son en cierta
manera sinfónicas como el ruido y la complejidad neoyorkina”.
[11]
Lorca finalizó su curso de inglés el 16 de agosto de 1929, si bien no se presentó a los exámenes. Partió entonces
hacia una estancia en el estado de Vermont, invitado por su amigo Philip Cummings, joven poeta estadounidense que
había pasado una temporada en Granada, donde conoció a Federico. Allí pasó una temporada gozando de la
naturaleza montañosa de Vermont, de sus bosques y lagos. Cummings había alquilado una cabaña a orillas del lago
Eden, donde realizaban largos paseos y donde acometieron la traducción al inglés de Canciones, el libro de poemas
que Federico realizó en 1927. Sin embargo, el incipiente otoño y la frecuente lluvia provocaron de nuevo en el poeta
un estado de ánimo melancólico. Así, el 29 de agosto volvió a Nueva York, para partir de inmediato a una estancia
de veinte días con Ángel del Río y su esposa Amelia en una cabaña en Bushnellsville, cerca de Shandaken. Por
último, el 18 de septiembre viajó a Newburg, localidad donde tenía una casa de campo Federico de Onís, con quien
pasó unos días más.
[13]
El 21 de septiembre de 1929 regresó a Nueva York, instalándose en la residencia John Jay Hall, perteneciente
igualmente al campus de Columbia. Continuaba estando deprimido, hecho que se demuestra en un comentario a
Rafael Martínez Nadal al enviarle su poema Infancia y muerte, del 7 de octubre: «para que te des cuenta de mi estado
de ánimo».
[14]
Coincidió entonces con el crack de la bolsa, siendo testigo de numerosas escenas de pánico e histeria
en Wall Street, presenciando al parecer incluso un suicidio, y reforzándose desde entonces su anticapitalismo.
[15]
En Nueva York, además del poemario inspirado por la ciudad, Lorca escribió un guion de cine (Viaje a la luna), que
habría sido de estilo surrealista, emulando a Un perro andaluz de Buñuel y Dalí, siendo la historia de un amor
imposible y la luna un símbolo de la muerte.
[16]
Pasada la Navidad, abandonó John Jay Hall y se instaló en la
residencia International House. El 21 de enero de 1930 dio su primera conferencia en el Vassar College, dando una
charla sobre las canciones de cuna que había dado anteriormente en 1928 en la Residencia de Estudiantes de
Madrid.
[17]
En vísperas de su marcha a Cuba, el 10 de febrero, Lorca recibió un homenaje en el Spanish Institute,
donde dio su conferencia Imaginación, inspiración, evasión, hablando de la poesía en términos cercanos al
surrealismo, como ‘fenómeno poético puro’: «ya no hay términos, ya no hay límites, ya no hay leyes explicables.

¡Admirable libertad!».
[18]
García Lorca abandonó Nueva York el 4 de marzo de 1930, viajando en tren por la costa este norteamericana hasta
Miami, donde se embarcó hacia Cuba, invitado para dar una serie de conferencias por la Institución Hispano-Cubana
de Cultura, que dirigía el sociólogo Fernando Ortiz.
[19]
En el país caribeño pasó Lorca tres meses, siendo sin duda
para el poeta andaluz una estancia más agradable que en la ciudad de los rascacielos, tanto por el clima como por el
idioma y el carácter de la gente. Escribió a sus padres:
“Pero Habana es una maravilla, tanto la vieja como la moderna. Es una mezcla de Málaga y Cádiz, pero
mucho más animada y relajada por el trópico. El ritmo de la ciudad es acariciador, suave, sensualísimo,
y lleno de un encanto que es absolutamente español, mejor dicho, andaluz”.
[20]
Alojado en el Hotel La Unión, Lorca vivió una estancia más despreocupada y libre que en Nueva York o incluso en
España, mostrando con más libertad su condición de homosexual.
[21]
En Cuba se sentía gran admiración por Lorca,
cuyo Romancero gitano había cosechado un gran éxito. El poeta dio cinco conferencias en el Teatro Principal de la
Comedia de La Habana: La mecánica de la poesía (9 de marzo); Paraíso cerrado para muchos, jardines abiertos
para pocos. Un poeta gongorino del siglo XVII (sobre Pedro Soto de Rojas, 12 de marzo); Canciones de cuna
españolas (16 de marzo); La imagen poética en don Luis de Góngora (19 de marzo); y La arquitectura del cante
jondo (6 de abril). Las conferencias fueron un gran éxito, y Lorca ganó por primera vez en su vida una importante
suma de dinero.
[22]
A finales de abril de 1930 pasó unos días en Santiago de Cuba, repitiendo su conferencia La mecánica de la poesía
en la Escuela Normal para Maestros. Allí escribió su único poema durante su estancia en la isla, Son de negros en
Cuba, incorporado a Poeta en Nueva York. Asimismo, en Cuba escribió Lorca su obra de teatro El público, donde
pretendía romper las barreras entre escenario y realidad, entre actores y espectadores, y que por su tono angustiado
contrasta con la aparente felicidad de su estancia en la isla.
[23]
El 12 de junio de 1930 Lorca abandonó Cuba de
vuelta a España.
Vicisitudes del manuscrito
Low Memorial Library, Universidad de Columbia.
El primer y único borrador de Poeta en
Nueva York, compuesto por 96 páginas
mecanografiadas y 26 manuscritas, fue
entregado por Lorca a José Bergamín poco
antes de su muerte, en 1936, con abundantes
tachones, añadidos y correcciones.
Bergamín se llevó consigo el manuscrito al
exilio, primero a Francia y luego a México,
y a partir de él realizó la primera edición de
1940, que apareció simultáneamente en
México (Ed. Séneca) y Estados Unidos (Ed.
Norton, traducido por Rolfe Humphries),
aunque con importantes diferencias debidas,
al parecer, a ligeras modificaciones
introducidas por Bergamín, quien sin
embargo fue muy respetuoso con las
indicaciones de su amigo.
[24]
Sin embargo, años más tarde el también poeta Agustín Millares publicó en la revista
Planas de poesía un poema inédito y desconocido, titulado Crucifixión, ausente de las primeras ediciones del libro,
que fue adquirido en 2007 por el Ministerio de Cultura de España.
[25]

Durante casi toda la segunda mitad del siglo XX, el original del libro permaneció en paradero desconocido, pasando
de mano en mano, hasta que fue redescubierto en 1999 en posesión de la actriz Manuela Saavedra y Moreno de
Aldama, y adquirido por la Fundación García Lorca en 2003.
[26]
En estos momentos se está preparando una edición
basada en todos estos materiales originales recientemente recuperados, que se considera que será la edición
«definitiva» de la obra.
[27]
Poeta en Nueva York fue considerado por el propio autor como una de sus mejores realizaciones en el terreno de la
poesía, hecho que lo demuestra la especial atención que puso en su elaboración y estructuración, cuidando el más
mínimo detalle, desde la estructura interna del poemario hasta las ilustraciones que debían acompañarlo. Entre 1930
y 1936 barajó diversas posibilidades de publicación, circunstancia que se vio truncada con su prematura muerte.
También cabe remarcar que durante esos años ofreció numerosas conferencias sobre el poemario neoyorquino.
[28]
La estructura de Poeta en Nueva York nunca ha sido del todo aclarada debido a la indefinición del autor antes de su
muerte, existiendo cierta discrepancia en la adjudicación y distribución de los poemas. Frente a la tradicional lista
entregada por Lorca a Bergamín existe una segunda lista encontrada en 1972 por Eutimio Martín en el reverso del
manuscrito de El niño Stanton, sobre un posible proyecto de Lorca de un poemario titulado Tierra y luna,
conteniendo diecisiete poemas: diez del corpus neoyorquino (Cielo vivo, Nocturno del hueco, Asesinato, Panorama
ciego de Nueva York, Luna y panorama de los insectos, Muerte, Vaca, Ruina, Vals en las ramas y Paisaje con dos
tumbas y un perro asirio); tres que fueron incluidas en el posterior libro de Lorca Diván del Tamarit (Canción de las
palomas, convertida en Casida de las palomas oscuras; Amarga, convertida en Gacela de la raíz amarga; y Toro y
jazmín, convertida en Casida del sueño al aire libre); y, por último, otros cuatro poemas sueltos (Tierra y luna,
Omega, Canción de la muerte pequeña y Pequeño poema infinito). Quizá un primer proyecto de Lorca fue desgajar
su vivencia americana en dos obras, Poeta en Nueva York y Tierra y luna, pero parece que lo reconsideró al incluir
varios poemas en Diván del Tamarit. En todo caso, nunca quedó aclarado, y diversas ediciones de Poeta en Nueva
York han incluido los cuatro poemas que quedaron sueltos, aunque la mayoría ha optado por la versión de
Bergamín.
[29]
Análisis
Poeta en Nueva York supuso un cambio crucial en la evolución poética del autor granadino, iniciada con Canciones
en la tradición lírica clásica con un marcado sello popular y una métrica basada en el cancionero y el romance. Sus
siguientes obras, Poema del cante jondo y Romancero gitano, estuvieron marcadas por una acusada estilización y la
pervivencia de los elementos populares, aunque la versificación tradicional fue perdiendo terreno frente a la fantasía
creadora del poeta.
[30]
Perteneciente a la Generación del 27, al igual que otros autores adscritos a este movimiento
(Rafael Alberti, Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Pedro Salinas, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda,
etc.) Lorca recibió diversas influencias, desde la poesía popular y los escritores del Siglo de Oro español (Lope de
Vega, Góngora, Quevedo), pasando por Bécquer y Rubén Darío, hasta Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez, así
como el surrealismo, corriente de moda en el momento. Buscaban una renovación estilística, llegar a la «poesía
pura», a través de un lenguaje metafórico, una versificación más sencilla que la de sus predecesores –especialmente
el modernismo–, recurriendo por una parte a formas tradicionales (cancionero, romancero) y por otra al verso libre y
el versículo.
[31]
Una de las principales influencias que se denotan en Poeta en Nueva York fue la del surrealismo: esta corriente
pretendía renovar radicalmente la literatura, fomentar la libertad creadora del escritor a través de la libre expresión
del subconsciente, abandonando cualquier tipo de convencionalismo ya fuese moral, social o artístico. Pretendían
trascender la realidad accediendo a un nivel superior de conciencia, a una «sobre-realidad» –de ahí el nombre del
movimiento– en la que el autor pueda expresar sin ningún tipo de ambages su visión del mundo y de la vida. Todo
ello lo ejecutan a través de una profunda revolución del lenguaje, que pierde su carácter racional y objetivo para
servir como instrumento de la libre expresión del pensamiento del escritor, en donde se entremezclan los objetos, los
conceptos, las emociones, los sentimientos, expresados de forma espontánea, con un lenguaje onírico, subjetivo,

irracional, fuertemente metafórico. Así, en vez de una lectura narrativa y funcional, pretenden que el lector sienta
más que reflexione, perciba más que comprenda, que reciba una impresión que le provoque reacciones de tipo
emocional.
[32]
La obra de García Lorca, pese a su vitalidad y a la dinámica personalidad reflejada por el autor en sus obras, expresa
una profunda angustia existencial, una frustración debida a su condición sexual y a las rígidas conductas morales de
la época, así como a una reivindicación social por las clases más humildes y desfavorecidas, por la miseria y
opresión del hombre. Todo ello se funde con un sentimiento de fatalidad, de destino trágico, un «pathos» que
impregna la obra de Lorca y que resultará premonitorio de su trágico final.
[33]
La estructura de Poeta en Nueva York es una oposición entre naturaleza y civilización, que el poeta enfrenta de
forma dialéctica para denunciar la deshumanización de la sociedad moderna. Lorca reivindica la libertad, el retorno a
la naturaleza frente a la alienación de la era industrial, al tiempo que denuncia la opresión sufrida por las clases
desfavorecidas, los marginados, los oprimidos, así como la segregación racial. Todo ello lo hace con un lenguaje de
gran simbolismo, donde predomina el sustantivo, tanto en la descripción de objetos como en la evocación de
sentimientos. Los adjetivos en cambio no suelen ser descriptivos, y generalmente se presentan en asociaciones
ilógicas, en imágenes fantásticas de raíz surrealista. Abundan las frases adverbiales y los verbos suelen expresar
dinamismo, acción. El lenguaje es por lo general metafórico, con una expresión más sensorial que ideológica.
Destaca el uso de la metagoge, que, junto al aspecto caótico de la composición y la sensación alucinante de su
descripción, transmite una idea de dinamismo, de metamorfosis, de oposición entre realidad y fantasía.
[34]
Poeta en Nueva York se centra en dos aspectos esenciales: la ciudad y el poeta.
[35]
En 1931, en una entrevista
concedida a Rodolfo Gil Benumeya para la La Gaceta Literaria, Lorca definió la ciudad como «interpretación
personal, abstracción impersonal, sin lugar ni tiempo dentro de aquella ciudad mundo. Un símbolo patético:
sufrimiento». Así, la ciudad tiene un valor metonímico, referenciado en sus lugares geográficos, que sin embargo
queda simbolizada en la ciudad como concepto abstracto, como entidad alienadora del ser humano. Nueva York se
convierte pues en un vehículo para que el poeta exteriorice sus sentimientos, plasma en la obra una cosmovisión que
refleja el concepto que el autor tiene de la vida, la naturaleza y el hombre, con especial énfasis en el amor, la soledad
y la muerte.
[36]
Vemos pues que el eje central del libro no es la descripción de la ciudad, sino el propio poeta, la exteriorización de
sus emociones, hecho que se demuestra en la recurrente utilización de la primera persona. El poeta reivindica como
no había hecho anteriormente su sexualidad, su libertad de amar, como se evidencia en unos versos de Poema doble
del lago Eden: «pero no quiero mundo ni sueño, voz divina, quiero mi libertad, mi amor humano en el rincón más
oscuro de la brisa que nadie quiera». Asimismo, se expresa con diversas voces o perspectivas poéticas: una
«angustiada», en la que plasma su estado anímico depresivo a causa de los desengaños amorosos; otra «libertada»,
con la que resurgen sus ansias de vivir con plenitud la vida amorosa de su elección; y una última «solidaria», con la
que expresa su pesar por el sufrimiento de los pobres y marginados, de las clases desfavorecidas.
[37]
Esta nueva expresividad del poeta se traduce en un lenguaje renovado, abandonando sus tradicionales referencias
populares y su recurrente imaginería andaluza para buscar nuevas formas de expresión que encontrará en el
surrealismo, que sin embargo interpreta de forma original y heterodoxa. El propio autor declaró en 1931: «ahora veo
la poesía y los temas con un juego nuevo. Más lirismo dentro de lo dramático. Dar más patetismo a los temas. Pero
un patetismo frío y preciso, puramente objetivo». Así, en Poeta en Nueva York recurre frecuentemente a la metáfora,
que es fantástica, ilógica, inconexa, con asociaciones insólitas de elementos, animados o inanimados. Sin embargo,
siempre conserva un carácter referencial y elaborado, no responde en absoluto a la escritura automática defendida
por los surrealistas franceses. El ilogicismo de sus imágenes se encuentra inserido en la lógica de la estructura
interna de los poemas, consiguiendo una vertebración de todas sus partes en una composición plenamente
coordinada.
[38]

Ilustraciones
Estatua de la Libertad, Nueva York.
El proyecto de Lorca para la edición impresa de Poeta
en Nueva York era el de ilustrarlo con una serie de
fotografías descriptivas del contenido de los poemas,
circunstancia reproducida en el original entregado a
Bergamín, que incluía una lista de dieciocho
ilustraciones, que si bien las describía no indicaba su
ubicación en el texto, hecho por el cual no fueron
incluidas en las ediciones originales.
[39]
Las
ilustraciones eran las siguientes:
• Estatua de la Libertad: posiblemente al comienzo del
libro.
• Estudiantes bailando, vestidos de mujer:
posiblemente para Fábula y rueda de los tres
amigos.
• Negro quemado: posiblemente para Norma y
paraíso de los negros.
• Negro vestido de etiqueta: posiblemente para El rey
de Harlem.
• Wall Street: posiblemente para Danza de la muerte.
• Broadway 1830: quizá también para Danza de la
muerte, donde se alude a Broadway.
• Multitud: posiblemente para Paisaje de la multitud
que vomita y Paisaje de la multitud que orina.
• Desierto: posiblemente para Navidad en el Hudson.
• Máscaras africanas: posiblemente para Ciudad sin sueño.
• Fotomontaje de calle con serpientes y animales salvajes: igualmente para Ciudad sin sueño.
• Pinos y lago: posiblemente para Poemas del lago Eden Mills.
• Escena rural americana: posiblemente para En la cabaña del Farmer.
• Matadero: posiblemente para Introducción a la muerte.
• La Bolsa: posiblemente para Vuelta a la ciudad.
• El Papa con plumas: posiblemente para Grito hacia Roma.
• Fotomontaje de la cabeza de Walt Whitman con la barba llena de mariposas: posiblemente para Oda a Walt
Whitman.
• El mar: posiblemente para Huida de Nueva York.
• Paisaje de La Habana: posiblemente para El poeta llega a La Habana.

Estructura
Debido al estado del original y sus posteriores manipulaciones, es difícil saber hasta qué punto la estructura actual
del libro se corresponde con la intención de Lorca. En cualquier caso, los 35 poemas de Poeta en Nueva York
aparecen organizados en diez secciones:
Poemas de la soledad en Columbia University
Incluye el epígrafe «Furia color de amor, amor color de olvido», de Luis Cernuda (de su poema La canción del
oeste, del libro Un río, un amor). Son quizá los poemas más intimistas de toda la obra, abordando la amargura
de su vida en la metrópolis comparada con la felicidad de su infancia (1910 (Intermedio)). Expresa la
decepción por su ruptura amorosa (Tu infancia en Menton), lo que queda patente en el epígrafe de Cernuda, en
el que el amor pasa de la furia por el abandono al olvido.
• Vuelta de paseo: fechado en Bushnellsville el 6 de septiembre de 1929, se conserva un autógrafo en la Fundación
García Lorca. Representa la introducción al contenido de la obra, que, lejos de ser una crónica de sus vivencias en
la ciudad, es la plasmación de su estado de ánimo –así, se encuentra «asesinado por el cielo»–. Escrito durante sus
vacaciones con Ángel del Río, expresa el cansancio de vivir que el autor siente –«cansancio sordomudo»–,
mostrando las dos voces del poeta, la «angustiada» –por el amor irrealizado– y la «libertada» –el intento de
superación de su desengaño amoroso–. Quizá por eso el poeta situó este poema en primer lugar –pese a ser
posterior cronológicamente–, porque sintetizaba de forma óptima su estado de ánimo y, por ende, el hilo principal
de la obra.
• 1910 (Intermedio): fechado en Nueva York en agosto de 1929, se conserva un manuscrito en la Fundación García
Lorca. Expresa su nostalgia por la infancia perdida, especialmente en comparación con su situación actual. Se
queja de un hecho pasado –«he visto que las cosas cuando buscan su curso encuentran su vacío»–, lamentándose
de haber perdido su inocencia.
• Tu infancia en Menton: incluye el epígrafe «Sí, tu niñez: ya fábula de fuentes», de Jorge Guillén (del poema Los
jardines, publicado en Cántico). Titulado en principio Ribera 1910, apareció publicado en 1932 en la revista
Héroe. La referencia a Guillén se entiende como un intento del poeta por recuperar el pasado, doliéndose por el
amor traicionado. Sin embargo, no renuncia a encontrar la felicidad, aún sabiendo que no será tan pura como la
primera vez.
• Fábula y rueda de los tres amigos: anteriormente titulado Primera fábula para los muertos, se conserva un
manuscrito en la Fundación García Lorca. El poeta expresa en una macabra danza fúnebre su frustración por el
amor perdido, objetivando por primera vez el dolor que siente. En el manuscrito original figuraba la exclamación
«¡Oh Federico!», que posteriormente tachó, al igual que otras referencias a su nombre contenidas a lo largo del
libro.
[40]
Los negros
Está dedicado a Ángel del Río. En esta sección muestra su solidaridad con los negros norteamericanos,
denunciando su situación social y reivindicando su raza, de la que alaba su vitalidad y su pureza primigenia.
• Norma y paraíso de los negros: existen dos versiones manuscritas en la Fundación García Lorca, sin fechar. En
este poema muestra la dicotomía del pueblo afroamericano, lo que odian y lo que aman, lo que tienen y lo que
esperan, el paraíso que añoran y que no pueden tener en la tierra a la que fueron conducidos sus antepasados. La
añoranza de un paraíso perdido entronca con otros poemas en que añora la infancia perdida, la inocencia perdida,
el amor perdido.
• El rey de Harlem: fechado el 5 de agosto de 1929, apareció en la revista Los Cuatro Vientos en 1933. Está
dividido en tres partes, que expresan por un lado la penosa situación en que viven los negros, por otra alude a su
liberación y, por último, manifiesta de nuevo la injusticia cometida contra esta raza, a la que desea un porvenir de
libertad y esperanza.
• Iglesia abandonada (Balada de la Gran Guerra): fechado en Nueva York el 29 de noviembre de 1929 con el
subtítulo Recuerdo de la Guerra, se conserva un manuscrito en la Fundación García Lorca, y se publicó en la

revista Poesía en 1933. Este poema se centra en la muerte, entremezclando los horrores de la guerra con las almas
de los difuntos –está escrito en noviembre, mes de los muertos–, como alude las dos partes del título, sintetizados
en la figura de un hijo perdido, por el que llora desesperadamente.
[41]
Calles y sueños
Dedicado a Rafael Rodríguez Rapún, incluye el epígrafe «Un pájaro de papel en el pecho dice que el tiempo de
los besos no ha llegado», de Vicente Aleixandre (del poema Vida, aparecido en La destrucción o el amor).
Esta sección es la más descriptiva de la ciudad norteamericana, expresando la impresión que causó al poeta la
vida de la gran urbe, la mecanizada sociedad industrial y la deshumanizada economía capitalista. Sin embargo,
el epígrafe de Aleixandre alude de nuevo a su situación anímica, al desamor que lo sumerge en la soledad y la
desesperación.
• Danza de la muerte: fechado en diciembre de 1929, se publicó en la Revista de Avance en 1930, en La Habana.
Dividido en dos partes, en la primera habla de la danza que da título al poema, donde se entremezcla todo el dolor
y la miseria inherentes a la vida urbana, que produce «columnas de sangre y de números, huracanes de oro y
gemidos de obreros parados»; en la segunda se sitúa como espectador de este baile, donde no figuran los pobres y
desfavorecidos, sino «los otros, los borrachos de plata, los hombres fríos», deseando que se produzca una
inversión de estos factores, que los pobres y oprimidos se levanten sobre la injusticia y proclamen una sociedad
nueva.
• Paisaje de la multitud que vomita (Anochecer de Coney Island): fechado en Nueva York el 29 de diciembre de
1929, se conservan dos manuscritos en la Fundación García Lorca, y se publicó en Noreste en 1935. Como el
poema anterior muestra la situación provocada por el desastre de la bolsa en octubre de 1929, a través de una
procesión de muertos, expresando en el vómito la desesperación por los que se encuentran en la miseria. A la vez,
el poeta aparece como figura solitaria, desamparada, perdida entre la multitud, sintetizando la visión apocalíptica
de la ciudad con su propio interior atormentado: «yo, poeta sin brazos, perdido entre la multitud que vomita».
• Paisaje de la multitud que orina (Nocturno de Battery Place): se conserva un manuscrito en la Fundación García
Lorca, sin fechar. Poema de gran desolación, el autor se rinde a la desesperación, personificada en la figura de la
«noche». Como en los dos poemas anteriores, sintetiza su dolor personal con la injusticia social, denunciando la
insolidaridad de la sociedad capitalista.
• Asesinato (Dos voces de madrugada en Riverside Drive): se conserva un autógrafo en la Fundación García Lorca,
con el subtítulo Dos voces en la calle 42, y se publicó en 1933 en la revista Blanco y negro. En esta breve
composición el autor expresa en forma de diálogo un crimen ocurrido en la neoyorquina calle 42, sirviendo este
acto físico para plasmar el dolor íntimo que subyace en el ánimo del poeta.
• Navidad en el Hudson: fechado en Nueva York el 27 de diciembre de 1929, se conserva un autógrafo en la
Fundación García Lorca. En este poema se intensifica el dolor del protagonista, extendiendo su sensación de
soledad al resto del mundo, que se personifica en el río Hudson. El poeta no vislumbra un claro porvenir, sumido
en la impotencia de un pasado que no puede cambiar, en un amor que lo consume –«¡Oh filo de mi amor! ¡Oh
hiriente filo!»–.
• Ciudad sin sueño (Nocturno del Brooklyn Bridge): se conserva un autógrafo en la Fundación García Lorca,
fechado el 9 de octubre de 1929 con el subtítulo Vigilia, y se publicó en 1931 en Poesía española. Antología, de
Gerardo Diego. Aquí expresa el poeta el mundo de la noche, de la vigilia, transmitiendo al panorama de la ciudad
nocturna su propia insatisfacción, su imposibilidad de soñar o de encontrar alivio o esperanza: «no es sueño la
vida. ¡Alerta!”; “al que le duele su dolor le dolerá sin descanso, y el que teme la muerte la llevará sobre sus
hombros».
• Panorama ciego de Nueva York: se conserva un manuscrito en la Fundación García Lorca, con el título tachado
de Templo del cielo (Canto del espíritu interior). Expresa una vez más de forma íntima su dolor, que hace
extensivo a todo lo que le rodea, apareciendo la figura de la Muerte –«dientes que callarán aislados por el raso
negro»– como plasmación de la esterilidad amorosa del poeta. El dolor es una plasmación física, algo que le
golpea sin piedad: «todos comprenden el dolor que se relaciona con la muerte, pero el verdadero dolor no está

presente en el espíritu».
• Nacimiento de Cristo: se conserva un autógrafo no fechado en la Fundación García Lorca. En este poema describe
el nacimiento de Jesús, pero no de una forma alegre y jubilosa, como signo de esperanza, sino de forma pesimista,
preludiando el nacimiento como el inicio del camino hacia la muerte, hacia el martirio y el sufrimiento que sufrió
el Redentor.
• La aurora: se conserva un manuscrito en la Fundación García Lorca, con dos títulos anteriores tachados: Obrero
parado y Amanecer. Evoca de nuevo la ciudad como símbolo de soledad, describiendo el amanecer no como
señal de bienaventuranza, sino como imposibilidad de realización de las esperanzas y anhelos del poeta, que se
encuentra al final de la noche en la más amarga desesperación –«allí no hay mañana ni esperanza posible», «no
habrá paraíso ni amores deshojados»–.
[42]
Poemas del lago Eden Mills
Dedicado a Eduardo Ugarte. Escritos durante su estancia en Vermont, el poeta vuelve a su vertiente más
intimista, acentuada su depresión por la soledad y el tiempo tormentoso de la montaña.
• Poema doble del lago Eden: incluye el epígrafe «Nuestro ganado pace, el viento espira», de Garcilaso (verso 1146
de la Égloga segunda). Se publicó en la revista Poesía en 1933. En este poema Lorca hace una comparación –de
ahí el título de «poema doble»– entre su infancia –su «voz antigua»– y su situación actual, describiendo de forma
amarga la pérdida de su inocencia. Sin embargo, surge un nuevo sentimiento de reivindicación, de resurgir de sus
conflictos internos para encontrar su esencia personal, reafirmar su estima y su realidad de hombre consciente de
su valor como persona. Así, encuentra su «voz mía libertada», «para decir mi verdad de hombre de sangre»,
asumiendo de forma abierta su sexualidad –«quiero mi libertad, mi amor humano»–. A la vez, encuentra una
nueva forma de expresión literaria, basada en la poesía pura: «matando en mí la burla y la sugestión del vocablo».
• Cielo vivo: se conserva un autógrafo en la Fundación García Lorca, fechado en la cabaña de Dew-Kum-Inn, Eden
Mills, Vermont, 24 de agosto de 1929. De nuevo reflexiona sobre su amor perdido –«yo no podré quejarme si no
encontré lo que buscaba»–, aunque no se resigna a la desdicha y pretende hallar la felicidad, buscando «su blanco
de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y las arenas».
[43]
En la cabaña del Farmer (Campo de Newburg)
Dedicado a Concha Méndez y Manuel Altolaguirre. Escrito durante su estancia en el campo en verano de
1929, los poemas de esta sección aluden a hechos y personajes que el poeta conoció durante sus vacaciones, si
bien con cierta deformación de la realidad: conoció una niña, la hija del granjero de Catskills (Bushnellsville),
si bien no murió ahogada; el niño Stanton existió, pero no tenía cáncer –que sí padeció su padre–.
• El niño Stanton: se conservan dos autógrafos en la Fundación García Lorca, el primero fechado en Nueva York el
5 de enero de 1930 –posteriormente pues a su estancia en el campo–. La alusión al cáncer evoca el miedo a la
muerte siempre presente en la obra de Lorca, y entronca con el dolor del poeta durante su estancia neoyorquina
–«mi dolor sangraba por las tardes»–. Así, la figura del niño sirve para reconfortar al poeta, aludiendo de nuevo a
la inocencia perdida.
• Vaca: publicado en 1931 en la Revista de Occidente, no se conserva el manuscrito. Pese a la descripción de la
muerte de la vaca, el poema simboliza de nuevo el tormento interno del poeta, aludiendo al mundo de ultratumba
como símbolo de la desintegración interior que siente Lorca.
• Niña ahogada en el pozo (Granada y Newburg): se conservan dos autógrafos en la Fundación García Lorca, con
fecha del 8 de diciembre de 1929, Nueva York; se publicó en 1932 en Poesía española. Antología, de Gerardo
Diego. Al contrario que el niño Stanton, que era una figura reconfortante, la niña ahogada personifica la
frustración amorosa que siente el poeta. De nuevo identifica la muerte con el proceso destructivo que siente en su
interior, y que se expresa en la fórmula «agua que no desemboca».
[44]
Introducción a la muerte (Poemas de la soledad en Vermont)
Dedicado a Rafael Sánchez Ventura. En esta sección identifica de nuevo muerte y soledad, centrándose en las
consecuencias de esta última –al contrario que en la sección Poemas de la soledad en Columbia University,

donde se centraba en sus orígenes–.
• Muerte: dedicado a Isidoro de Blas, fue publicado en 1931 en la Revista de Occidente, no conservándose el
manuscrito. En este poema contrapone el esfuerzo de la vida con la quietud de la muerte, encadena los versos en
un movimiento que simboliza la vida, en constante evolución, pero que desemboca sin remedio en la muerte –que
una vez más es a la vez sinónimo del fin del amor–.
• Nocturno del hueco: escrito en septiembre de 1929 en las montañas de Catskills, fue publicado en la revista
Caballo verde para la poesía que dirigía Pablo Neruda en 1935, no existiendo manuscrito actualmente. Hace de
nuevo referencia a la noche, que esta vez simboliza el interior del poeta –«mi hueco sin ti»–. Se divide en dos
partes: en la primera describe las consecuencias del fin del amor, simbolizado en el «hueco»; en la segunda,
expresa su vacío interior, la imposibilidad de su amor de realizarse: «mi hueco sin ti, ciudad, sin tus muertos que
comen. Ecuestre por mi vida definitivamente anclada».
• Paisaje con dos tumbas y un perro asirio: fue publicado en la revista 1616 en 1935, sin habernos llegado el
manuscrito. Este poema enlaza con El niño Stanton por la alusión al cáncer, haciendo referencia nuevamente a la
muerte. El perro es el de la granja de Catskills, un perro viejo y ciego que según Ángel del Río «dormía en el
pasillo a la puerta de la habitación de Lorca», lo que le producía un enorme terror.
• Ruina: dedicado a Regino Sainz de la Maza, fue publicado en 1931 en la Revista de Occidente y en 1932 en
Poesía española. Antología, de Gerardo Diego, sin que haya sobrevivido el manuscrito. El poeta hace alusión a la
destrucción de la naturaleza, como presentimiento de muerte –representada por «las hierbas»–, que de nuevo está
identificada con el fracaso amoroso. Así, busca escapar de este destino trágico encontrando su propia identidad:
«hay que buscar de prisa, amor, de prisa, nuestro perfil sin sueño».
• Amantes asesinados por una perdiz: poema en prosa del que se conservan tres versiones: una publicada en la
revista Verso y prosa y conservada en los archivos de Juan Guerrero Ruiz en la Universidad de Puerto Rico; otra
publicada en Planas de poesía en 1950; y otra publicada en Ddooss en 1930. No apareció en las primeras
ediciones de 1940. Escrito con anterioridad al periplo americano de Lorca, fue revisado por éste durante su
estancia en Cuba, siendo incorporado al corpus neoyorquino como consta en la lista entregada por Lorca a
Bergamín. El poeta relata una historia de amor, la de dos amantes que mueren por amor, porque «los dos lo han
querido», «por eso se han muerto, por eso. Con 20 ríos y un solo invierno desgarrado».
• Luna y panorama de los insectos (Poema de amor): incluye el epígrafe «La luna en el mar riela, en la lona gime el
viento, y alza en blando movimiento olas de plata y azul», de Espronceda (La canción del pirata). Se conserva un
manuscrito en la Fundación García Lorca, fechado en Nueva York el 4 de enero de 1930. Su temática está en
consonancia con Amantes asesinados por una perdiz, describiendo nuevamente una historia de amor, un amor
donde «son mentiras las formas», pero que es acosado y destruido. En cambio, la presencia del marino –de ahí la
alusión a Espronceda– es sinónimo de libertad, la cual se opone a la muerte.
[45]
Vuelta a la ciudad
Dedicado a Antonio Hernández Soriano. Escrito tras su regreso a Nueva York después de las vacaciones, de
nuevo denuncia la insolidaridad del sistema capitalista –personificado en Wall Street–, tema que mezcla como
es habitual a lo largo del libro con la presencia de la muerte.
• Nueva York (Oficina y denuncia): dedicado a Fernando Vela, fue publicado en 1931 en la Revista de Occidente.
Aunque la copia del manuscrito utilizado por Vela se ha perdido, el original autógrafo fue depositado en la
Biblioteca del Congreso de EE. UU. y descrito por primera vez
[46]
por Christopher Maurer en enero de 2011.
Como indica el título, el poeta denuncia la injusticia social del sistema americano, su deshumanización y su
egoísmo, su falta de ética y su desnaturalización respecto a la vida. Su solidaridad con los que sufren parte de su
propio sufrimiento, denunciando el mal que ha vivido en carne propia.
• Cementerio judío: se conserva un manuscrito en la Fundación García Lorca, fechado en Nueva York el 18 de
enero de 1930 con el título Sepulcro judío. Habla de la muerte de un judío –que simboliza el poder económico–,
describiendo las diferentes etapas del proceso que lleva a la muerte, desde las relacionadas con la medicina,

pasando por la religión, hasta la vida de ultratumba.
• Crucifixión: se conserva un manuscrito, fechado en Nueva York el 18 de octubre de 1929 y que fue entregado por
Lorca a Miguel Benítez Inglott, no apareciendo en las primeras ediciones de 1940. De nuevo aparece la temática
religiosa, estableciendo una relación entre la muerte de Cristo y su situación amorosa –de nuevo la «muerte por
amor»–. La alusión a una vaca alude igualmente al símbolo del sacrificio, haciendo un paralelismo entre la sangre
de Cristo y la leche benefactora de este animal. Asimismo, opone estos sacrificios –el de Cristo, el de la vaca y el
de su propio amor– a la actitud de los «fariseos», denuncia que quedará más implícita en Grito hacia Roma.
[47]
Dos odas
Dedicado a Armando Guibert. En estas dos composiciones el poeta alude directamente al tema del amor,
tratado en Grito hacia Roma de forma colectiva y en Oda a Walt Whitman de forma individual, y
contraponiéndolo en ambos casos a la hipocresía de los fariseos y los guardianes de la moral.
• Grito hacia Roma (Desde la torre del Chrysler Building): se conserva un autógrafo en la Fundación García Lorca,
anteriormente titulado Roma y Oda de la Injusticia. El poeta denuncia la actitud hipócrita y mezquina de la
Iglesia católica –personificada en el Vaticano– al amor auténtico, principalmente el que deriva del sufrimiento:
«debajo de las estatuas no hay amor, no hay amor bajo los ojos de cristal definitivo. El amor está en las carnes
desgarradas por la sed, y en la choza diminuta que lucha con la inundación». Frente a esta actitud contrapone el
verdadero mensaje evangélico, de paz y amor: «el hombre vestido de blanco ignora el misterio de la espiga,
ignora el sufrimiento de la parturienta, ignora que Cristo pueda dar agua todavía». El poeta se suma a la gente que
sufre, a los pobres, los desfavorecidos: «porque queremos el pan nuestro de cada día».
• Oda a Walt Whitman: se conserva un manuscrito, fechado el 15 de junio de 1930, perteneciente a Rafael Martínez
Nadal, publicándose en 1934 en Poesía española. Antología, de Gerardo Diego. En este poema simboliza en la
figura de Walt Whitman el amor auténtico, inmaculado, puro, hermoso, contrapuesto a la fealdad y horror de los
«maricas», los seres impuros, rendidos a la lujuria y que no conocen la trascendencia del amor espiritual. Así,
defiende la legitimidad del hombre para escoger libremente su tendencia sexual, sin verse discriminado ni
sumergido en el inframundo de los «maricas»: «porque es justo que el hombre no busque su deleite en la selva de
sangre de la mañana próxima».
[48]
Huida de Nueva York (Dos valses hacia la civilización)
De nuevo el protagonista habla del amor, a través de unas composiciones inspiradas en el ritmo de vals, que
intenta imitar a través de la utilización de estribillos. El tono es más alegre, quizá debido a la partida del poeta
de la ciudad que le proporcionó una sensación tan negativa.
• Pequeño vals vienés: fechado el 13 de febrero de 1930, fue publicado en la revista 1616 en 1934, existiendo una
copia de Genaro Estrada que se conserva en la Fundación García Lorca. El poeta alude a su sentimiento amoroso
con la fórmula de «te quiero siempre», que relaciona con la infancia como tiempo de cándida inocencia: «porque
te quiero, te quiero, amor mío, en el desván donde juegan los niños». Este poema fue musicalizado por Leonard
Cohen en la canción Take this waltz, perteneciente al LP I'm Your Man.
• Vals en las ramas: fechado en La Huerta de San Vicente el 21 de agosto de 1931, fue publicado en 1932 en la
revista Héroe. Al igual que en el anterior, habla de un amor melancólico y evocador, personificando en un
ruiseñor la muerte por amor –como ocurre en otras obras del poeta, como El público–.
[49]
El poeta llega a La Habana
Dedicado a Fernando Ortiz. Esta sección coincide con el único poema escrito durante su estancia en Cuba,
donde trasluce un mayor optimismo y alegría por la vida.
• Son de negros en Cuba: se conservan tres autógrafos: uno fechado en abril de 1930 y publicado en Musicalia
durante la estancia del poeta en Cuba; otro perteneciente a la conferencia realizada por Lorca para Poeta en Nueva
York, que se conserva en la Fundación García Lorca; y otro en una hoja suelta que también se conserva en la
Fundación. Este poema lo escribió en Santiago de Cuba, inspirándose en el son, el ritmo musical cubano –lo que

se demuestra en la repetición del estribillo «iré a Santiago»–. Está plagado de referencias a gentes, lugares y
objetos propios de Cuba, mostrando en sus versos su anhelo de olvidar los sufrimientos anteriores.
[50]
Referencias
[1]
[1] Sorel (1997), p. 100.
[2]
[2] Sorel (1997), p. 112.
[3]
[3] Gibson (1998), p. 347-348.
[4]
[4] Gibson (1998), p. 348.
[5]
[5] Gibson (1998), p. 349.
[6]
[6] Gibson (1998), p. 350.
[7]
[7] Gibson (1998), p. 361-364.
[8]
[8] Gibson (1998), p. 369-372.
[9]
[9] Gibson (1998), p. 376.
[10]
[10] Gibson (1998), p. 381.
[11]
[11] Sorel (1997), p. 101.
[12]
[12] Sorel (1997), p. 104.
[13]
[13] Gibson (1998), p. 385-394.
[14]
[14] Gibson (1998), p. 395.
[15]
[15] Gibson (1998), p. 401.
[16]
[16] Gibson (1998), p. 403.
[17]
[17] Gibson (1998), p. 410.
[18]
[18] Gibson (1998), p. 411.
[19]
[19] Sorel (1997), p. 107.
[20]
[20] Gibson (1998), p. 416.
[21]
[21] Gibson (1998), p. 418.
[22]
[22] Gibson (1998), p. 419-421.
[23]
[23] Gibson (1998), p. 424.
[24] Daniel Eisenberg. « "Poeta en Nueva York: historia y problemas de un texto de Lorca" (http://www.cervantesvirtual.com/servlet/
SirveObras/01259079832031506098102/p0000001.htm)». Consultado el 26 de septiembre de 2009.
[25] « España compra el único manuscrito del poema Crucifixión, de Poeta en Nueva York de Lorca (http://www.elmundo.es/elmundo/2007/
11/28/cultura/1196252106.html)». Consultado el 26 de septiembre de 2009.
[26] « Venden un manuscrito de Lorca (http://www.clarin.com/diario/2003/06/05/s-03803.htm)». Consultado el 26 de septiembre de 2009.
[27] Jesús Ruiz Mantilla. « Definitivo Poeta en Nueva York (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Definitivo/Poeta/Nueva/York/
elpepucul/20071021elpepicul_1/Tes)». Consultado el 26 de septiembre de 2009.
[28]
[28] Millán (1994), p. 15.
[29]
[29] Millán (1994), p. 19-20.
[30]
[30] García de la Concha (1984), p. 385.
[31]
[31] Lázaro-Tusón (1982), p. 384-386.
[32]
[32] Lázaro-Tusón (1982), p. 379.
[33]
[33] Lázaro-Tusón (1982), p. 397-398.
[34]
[34] García de la Concha (1984), p. 392-396.
[35]
[35] Millán (1994), p. 61.
[36]
[36] Millán (1994), p. 71-77.
[37]
[37] Millán (1994), p. 79-83.
[38]
[38] Millán (1994), p. 91-95.
[39]
[39] Millán (1994), p. 54-59.
[40]
[40] Millán (1994), p. 241-244.
[41]
[41] Millán (1994), p. 245-247.
[42]
[42] Millán (1994), p. 248-254.
[43]
[43] Millán (1994), p. 255-257.
[44]
[44] Millán (1994), p. 258-261.
[45]
[45] Millán (1994), p. 262-267.
[46] http://www.elcultural.es/version_papel/LETRAS/28450/Aparece_un_autografo_de_Poeta_en_Nueva_York
[47]
[47] Millán (1994), p. 268-271.
[48]
[48] Millán (1994), p. 272-274.
[49]
[49] Millán (1994), p. 275-277.
[50]
[50] Millán (1994), p. 278.

Bibliografía
• García de la Concha, Víctor (1984). Historia y crítica de la literatura española. Época contemporánea:
1914-1939. Ed. Crítica, Barcelona. ISBN 84-7423-231-7.
• García Lorca, Federico (1994). Millán, María Clementa. ed. Poeta en Nueva York. Cátedra, Madrid. ISBN
84-376-0725-6.
• Gibson, Ian (1998). Vida, pasión y muerte de Federico García Lorca (1898-1936). Plaza Janés, Barcelona. ISBN
84-01-55007-6.
• Lázaro Carreter, Fernando y Tusón, Vicente (1982). Literatura española. Ed. Anaya, Madrid. ISBN 84-207-1758-4.
• Sorel, Andrés (1997). Yo, García Lorca. Txalaparta, Tafalla. ISBN 84-8136-081-3.
Enlaces externos
• Wikisource contiene obras originales de o sobre Poeta en Nueva York.Wikisource
Oliverio Girondo
Oliverio Girondo
Oliverio Girondo
Nacimiento 17 de agosto de 1891
Buenos Aires, Argentina
Defunción 24 de enero de 1967
Buenos Aires, Argentina
Ocupación Poeta
Movimientos Surrealismo
Cónyuge Norah Lange
Oliverio Girondo (Buenos Aires, 17 de agosto de 1891 - Buenos Aires, 24 de enero de 1967) fue un destacado poeta
argentino.

Oliverio Girondo 49
Biografía
Oliverio Girondo nació el 17 de agosto de 1891 en Buenos Aires en el seno de una familia adinerada, lo que le
permitió desde niño viajar a Europa. Gracias a esto estudió en París y en Inglaterra. Escribió y publicó desde muy
joven.
Participó en las revistas que señalaron la llegada del ultraísmo (la primera vanguardia que se desarrolló en
Argentina), como Proa, Prisma y Martín Fierro, en las que también escribieron Jorge Luis Borges, Raúl González
Tuñón, Macedonio Fernández y Leopoldo Marechal, la mayoría de ellos del Grupo de Florida que en contraposición
al Grupo de Boedo se caracterizaba por su estilo elitista y vanguardista.
Girondo fue uno de los animadores principales de ese movimiento. Y ejerció influencia sobre poetas de las
generaciones posteriores, entre ellos el surrealista Enrique Molina, con quien tradujo Una temporada en el infierno,
de Arthur Rimbaud.
Sus primeros poemas, llenos de color e ironía, superan el simple apunte pintoresco y constituyen una exaltación del
cosmopolitismo y de la nueva vida urbana e intentan una crítica de costumbres.
En 1926, en un almuerzo organizado en honor a Ricardo Güiraldes, conoció a Norah Lange, poetisa con la cual se
casó en 1943 y con quien emprendería innumerables viajes.
Desde 1934 mantuvo una importante amistad con Pablo Neruda y Federico García Lorca, quienes por esa época se
hallaban en Buenos Aires. A partir de 1950 comenzó también a pintar con una orientación surrealista, aunque nunca
expuso sus cuadros.
Su último libro, "En la masmédula" (1953), es un desesperado intento de expresión absoluta. Enrique Molina señaló:
"Hasta la estructura misma del lenguaje sufre el impacto de la energía poética desencadenada en este libro único. Al
punto que las palabras mismas dejan de separarse individualmente para fundirse en grupos, en otras unidades más
complejas, especie de superpalabras con significaciones múltiples y polivalentes, que proceden tanto de su sentido
semántico como de las asociaciones fonéticas". Algunos críticos relacionaron este último gesto vanguardista de
Girondo con un libro igualmente desesperado, constructor y destructor del sentido: "Trilce", del peruano César
Vallejo.
En 1961 sufrió un accidente muy grave que lo dejó imposibilitado físicamente. Murió el 24 de enero de 1967.
Obras
Girondo en su juventud.
• Veinte poemas para leer en el tranvía (1922)
• Calcomanías (1925)
• Espantapájaros (1932)
• Interlunio (relato, 1937)
• Persuasión de los días (1942)
• Campo nuestro (1946)
• En la masmédula (1953)
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Oliverio Girondo. Wikiquote
• Biografía y Cronología
[1]
• Poemas, "Campo nuestro"
[2]
• La poesía más relevante de Oliverio Girondo. Gran parte de su Obra.
[3]
• Colección de Poemas Representativos de este Reconocido Poeta Argentino
[4]

Oliverio Girondo 50
• Poemas de Oliverio Girondo. Publicación del Centro de Estudios Poéticos de Vanguardia 'EL Simio Organillero'
[5]
• Jugando con Girondo. Poema 'Hay que buscarlo' en la voz de ALMA
[6]
• Veinte motivos para leer a Girondo - Página 12, Buenos Aires
[7]
Referencias
[1] http://www.cervantesvirtual.com/bib_autor/Girondo/biografia.shtml
[2] http://sitioeurindia.blogspot.com/2009/07/campo-nuestro-por-oliverio-girondo.html
[3] http://www.vivir-poesia.com/2003/04/oliverio-girondo/
[4] http://www.poemasde.net/poemas-de-oliverio-girondo/
[5] http://oliverio-girondo.blogspot.com/
[6] http://webs.ono.com/macguffin/paginas/girondo.html
[7] http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/contratapa/13-161020-2011-01-24.html

Fuentes y contribuyentes del artículo 51
Fuentes y contribuyentes del artículo
Dadaísmo Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=61408202 Contribuyentes: -jem-, 333, 4lex, Adrianiks, Ago, Airunp, Alekino, Alinares, Amadís, Anarius, Angel GN, AntonVe,
Antonorsi, AstroNomo, Açipni-Lovrij, BACAN139, Baciyelmo, Baiji, Beto29, BuenaGente, BurritoTaquitoFUNK, C'est moi, Cheveri, Chien, Cinabrium, Cipión, CommonsDelinker,
Cordwainer, Ctrl Z, Damifb, David0811, Debasteitor, Desatonao, Dhidalgo, Diegusjaimes, Diogeneselcinico42, Dodo, Dossier2, Dreitmen, Dusan, Eduardosalg, Emijrp, Equi, Er Komandante,
Eralos, Erictoman, Escriba 14, Ezarate, Feministo, Filipo, Fran 94, FrancoGG, Gafotas, Greek, HUB, Hlnodovic, Humantrash, Ialad, Iflumpi, Igna, Inajle, Infobuilder, Jamawano, Jarke, Javier
Carro, Jcaraballo, Jhernandezca, Jjvaca, Jkbw, Jmvkrecords, Joane, JorgeGG, Jorgeandres08, Joseaperez, Laura Fiorucci, Laura k. bello, LeCire, Leonpolanco, LombrizFeliz, LordT, Lourdes
Cardenal, Lpagola, MadriCR, Manuel Trujillo Berges, Manwë, Marb, Markoszarrate, Matdrodes, Mcagliani, Me-Río-de-Janeiro, Mel 23, Mierdra, Millars, Miss Manzana, Moriel, Moshka,
Mpeinadopa, Mushii, NaSz, Nayara es, Ncarrasco90, Netito777, Nfltm10, Nihilo, Nioger, Nolan, OboeCrack, Ofranciscofc, Palissy, Peejayem, Phirosiberia, Platonides, Poco a poco, Pólux,
Ramiro53, Raystorm, Reiterstahl, Retama, Ricardogpn, Rosa sophia, Rosarino, RoyFocker, Rsg, Rαge, Sakonita, Sanbec, Santiperez, Savh, Sebrev, Segavi, Seguidor dadaista, Sergio Andres
Segovia, Sermed, Soy-linda-tu-no-haha, SuperBraulio13, Taichi, Tamorlan, Tano4595, Tatvs, Technopat, Tirithel, Tortillovsky, Urdangaray, Vitamine, Warnerio, Wikisilki, Xabier, Yeza,
Zerep11, 499 ediciones anónimas
Surrealismo Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=61532075 Contribuyentes: -Erick-, ..-..copiat..-.., .Sergio, A ver, Adrian de Limes, Afiche, Airunp, Al59, Alhen, Alvaro
Peñalver, Alvaro qc, Amadís, Andesaa, Andreasmperu, Antur, Antón Francho, Any Rand, ArCANgel0814, Aromera, Arteuniversal, Asslocopoto, AstroNomo, Ausinciruelos, Açipni-Lovrij, Baiji,
Banfield, Belb, Bernard, BetoCG, BlackBeast, Blaken, Bucephala, BuenaGente, Calapito, Camilo, Capucine8, Carmin, Chanlion, Cipión, Cobalttempest, Cookie, Cordwainer, Ctrl Z, Cuborubix,
Cvelasquez, Darkzerocold, Darolu, David0811, Deleatur, Diegusjaimes, Dodo, Dreitmen, Dusan, Edmenb, Edslov, Eea, Elsenyor, Encaal, Endriago, Er Komandante, Escarlati, Fedde, Freddy
eduardo, Gafotas, Gaius iulius caesar, George McFinnigan, Ggenellina, Ginés90, Goonzalez223, HabibSA, Halfdrag, Hampcky, Hector m, Helmy oved, HermanHn, Hidoy kukyo, Hprmedina,
Httpuniwpo, Humberto, Igna, Ignacio Icke, Interscope, Isha, JMCC1, Jafd88, Jarisleif, Jashiph, Jkbw, Joane, Joaquin rosas, Joaquín Martínez Rosado, Jorge 2701, JorgeGG, Jorgelrm, Jorjais,
Josue 167, Jr0912, Jtico, Jtlaeminencia, Julie, Julio César Ortega Islas, Karen Firacative, KnightRider, Kokoo, LMLM, Laferrere argentina, Las-papas, Laura Fiorucci, Leandroidecba,
Leonpolanco, Locosoco, Lorseiscuerdas, Lourdes Cardenal, Lpagola, Lungo, MadriCR, Magister Mathematicae, Maldoror, ManuelGR, Manulonso, Marb, MarcoAurelio, MarisaLR,
Markoszarrate, Matdrodes, Maus-78, Mel 23, MercurioMT, Mierdra, Mlundin-udp, Moriel, Muro de Aguas, Máximo de Montemar, Nan.nan.nan, Nicolasrico, Nihilo, Nioger, Nitban, Nolan, Ojis,
Oscar ., OscarHuarte, Palica, Palissy, Paradise2, Perrossemihundidos, Petronas, Phirosiberia, Platonides, Poco a poco, Ponalgoyya, Porao, Pólux, Ricardogpn, Roberto Giusti, RoyFocker, Rsg,
Rubpe19, Ruiz, Santiperez, Savh, SebaSso20, Sebrev, Segavi, Sejomagno, Sergio Andres Segovia, Sietevidas, Soulreaper, SuperBraulio13, Tano4595, Tatvs, Taty2007, Technopat, Tomatejc,
Torquemado, Tortillovsky, Travieso94, Txo, Unodealicante, Valardhur, Varano, Vitamine, Waka Waka, Wesisnay, Wikisilki, Xabier, Xoacas, Yeza, Yrithinnd, Zerep11, Zerosxt, Zorosandro,
Ángel Luis Alfaro, 809 ediciones anónimas
Técnicas surrealistas Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=61452228 Contribuyentes: Abece, Bernard, Dhidalgo, Edslov, Ekvintroj, Ezarate, Igna, Luzbelito92, Tortillovsky,
Ángel Luis Alfaro, 9 ediciones anónimas
Literatura surrealista Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=55286271 Contribuyentes: Adrian de Limes, Andesaa, Dhidalgo, Jkbw, Joaquin rosas, Lobillo, Mel 23, Pan con queso,
Phirosiberia, Sbarrasa, SpeedyGonzalez, Taichi, Technopat, 14 ediciones anónimas
Generación del 27 Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=61626425 Contribuyentes: *TikiTac*, 2rombos, 4lex, A.V.Vázquez, AVIADOR, Adrian de Limes, Adrián-1994, Al59,
Alvarittox, Anchoar2001, Andreasmperu, Anonymous101, Antonorsi, Antón Francho, Aromera, Artuari, Aurtheon, Açipni-Lovrij, Baiji, Banfield, Belarmino D. Álvarez, BlackBeast, Bucephala,
Bucho, BuenaGente, Byob, CAPUT MC, Carnofago, Carrousel, Cdesseno, Cheveri, CommonsDelinker, Cookie, Cordwainer, Cratón, Crisboal, Dagane, Dark, Davesoul, David822, Descansatore,
Diegusjaimes, Dionisio, Dodo, Dorieo, El gato Félix, Elrefutador, Emijrp, Emma Gutierrez, Endriago, Escarlati, FAR, FBaena, Gaius iulius caesar, Gianellagabriela, Glendininng, Grizzly Sigma,
Guadalete, HUB, Halfdrag, Helmy oved, HighwaytoHell, Humberto, Ialad, Icarvacho, Inajle, Irus, Isha, Jarke, Javierito92, Jcaraballo, Jkbw, Joselarrucea, Joselopezrico, Juanfran GG, Kadellar,
Ketamino, Kikermadrid, Kved, Lcampospousa, Leugim1972, Lidoro, Lucien leGrey, Lune bleue, Macarrones, Magister Mathematicae, Manuel Trujillo Berges, Manuelt15, Manwë,
MarcoAurelio, Matdrodes, Mauricio Maluff, Maxaub, Metalpotato, Monmr, Moriel, Mortadelo2005, Motrileño, Mushii, Myot, Máximo de Montemar, Netito777, Nixón, Obelix83, ObscurO,
Ojonan, Pacostein, Pacotillas, Paladio, Paradoja, Passacaglia, PePeEfe, Pedro Nonualco, Peejayem, Pekecitoh, Phillip Jeffries, Phirosiberia, Prometheus, Pólux, Queninosta, Rastrojo, Raystorm,
Retama, Riuk, Roferbia, Rosarino, RoyFocker, RoyFokker, Rsg, Sanbec, Santiperez, Silvestre, SuperBraulio13, Superzerocool, Sürrell, Technopat, Tirithel, Txo, Txuspe, Tyk, Uhanu, Unnio,
Uno que pasa, Urdangaray, Valdoria, Vandal Crusher, Vecellio, Vitamine, Wesisnay, WizardLuigi, XalD, Xavigivax, Xuankar, Yonderboy, Zeroth, Zuirdj, Álvaro M, 668 ediciones anónimas
Federico García Lorca Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=61615304 Contribuyentes: -Erick-, 1052, 62.42.228.xxx, A ver, ALVHEIM, Acreoner, Adrian de Limes, Afrox,
Airunp, Al59, AldanaN, Aleator, Aleposta, Alexav8, Aleyares, Alfanje, Alfon 31416, AlfonsoERomero, Alguienquenoexiste, Alimanja, Aloneibar, Alonso de Mendoza, Alonsohdm, Alpinu,
Alquemila, Altovolta, Alvaro Arditi, Andreasmperu, Andru.p.b, Angelito7, Angus, Antonio LImón López, Antón Francho, Apardo1, Arandarojas, Aratina22, Archimboldi, Arhendt,
Armando-Martin, Artemor, AstroNomo, Avillamizarb, Açipni-Lovrij, B.N.Sanchez., Babels, Banfield, Batraz, Bcn, Benhafsun, Bernard, Bertie Wooster, Biasoli, Bibdoc1, Bibliofilotranstornado,
BlackBeast, Bucephala, CGE, Caiser, Cam367, Camima, Canaan, Carlos110, Casio de Granada, Cesarsorm, Chapulín25, Cheveri, Christoul, Chuck es dios, Ciberprofe, Cipión,
CommonsDelinker, Cookie, Cordwainer, Correogsk, CriSaPo, Cristianrock2, Cvbr, DEDB, Dangelin5, Dantadd, Deisenbe, Diegusjaimes, Dinodino, Dmcmanam, Dodo, Dove, Dpto. DLL,
Draxtreme, E. Corvilla, Ecelan, Ecemaml, Edslov, Eduardosalg, Edub, Eli22, EliseoGrenet, Emiduronte, Emijrp, Ensada, Er Komandante, Erfil, Erufailon, Escarlati, FBaena, Fedexd, Fefefefeffe,
Ferbr1, Ferdinand, Filipo, Fixertool, Forstbirdo, Foster, Foundling, Fran89, Francis87, Franciscomanuelrociana, FrancoGG, Frei sein, Frj91, Gabri-gr-es, Gaeddal, Gaius iulius caesar, Gallowolf,
Gaudio, Genji1, Ginés90, Globalphilosophy, Googolplanck, Gortu, Gusgus, HMC.Puebla, HUB, Halfdrag, Hampcky, Helmy oved, HermanHn, Hispa, House, Héctor Guido Calvo, Ialad, Igna,
Ignacio Icke, Impulso concertante, Ingolll, Isha, Ivan.super, JABO, JMCC1, JMPerez, Jackie d. alarcón, Jarfil, Jarisleif, Javier De La Cueva, Javier Salazar, JavierCastro, Javierito92, Jcaraballo,
Jdelrio, Jeuspol, Jimmart, Jkbw, Jlg.lcl, Jmolinavaldes, Jmvkrecords, Joao Xavier, Jorge 2701, Jorge Queirolo Bravo, JorgeGG, Jorgechp, Joseaperez, Josecapiorg, Joserever, Josetxus, Joslin, José
Sánchez Sánchez, Joyu11, Jsanchezes, JsmNox, Jtspotau, JulesHz, Jándalo, K66, Kadellar, Ketamino, Khiari, Koke0 0, Kordas, LadyInGrey, Laserbeam, Laura Fiorucci, Leonpolanco, Lnegro,
Lobo, Logrosan, Lourdes Cardenal, Lrd1rocha, Luis1970, Luisalas, Mafalduki, Malee17, Maleiva, Mansoncc, Mapanelu, Markoszarrate, Martinetekun, Martínhache, Mel 23, Mellotron74,
Meromit, Mescalier, Mialiria, Miau, Miguel marques, Mikelalbert, Mikelcapo 10, Miss Manzana, Mocu, Monda, Montgomery, Morancio, Moriel, Mortadelo2005, Mpeinadopa, Mrvanburdok,
Muro de Aguas, Mutari, Máximo de Montemar, Nalece, Neodop, Nixón, Numbo3, Obelix83, Oicirbaf, Omerta-ve, Osado, Otranto, Oxxo, PACO, Palissy, Papix, Parras, PeiT, Pepelu92, Petronas,
Petruss, Platonides, Pvieito, Quijav, Qwertymith, RAFA 24, Rastrojo, Raystorm, Recaredo el godo, Redbcn, Rhion, Ricky77, Rilajmam, Riviera, Roberpl, Rocastelo, Rodrigl69, Rosarinagazo,
RoyFocker, RoyFokker, Rrmsjp, Rsg, Rubpe19, Rupert de hentzau, Saloca, Sanbec, Santiperez, Savh, Sega381, SergiL, Sergio 14, Sergiusz, Shalbat, Sibilina SLU, Sniper7, SuperBraulio13,
Superrobert, Taichi, Tail, Tano4595, Tatvs, Taty2007, Technopat, Thespanishdub, Tirithel, Titanico81, Tomatejc, Tostadora, Ty25, UA31, Unnio, Urcomunicacion, VanKleinen, Varano, Velual,
Viejoverde, Vilartatim, Visitante, Vitamine, Vivero, Vocoder, Voro, Vuduista, Warko, Wikielwikingo, Wikiléptico, Wikisilki, Wilfredor, Will vm, Williamsongate, Xatufan, YHIM, Yamunii,
Zamirita, Zeroth, ZullylluZ, conversion script, Álvaro M, ‫ריינהארט‬ ‫לערי‬, すけ, 1015 ediciones anónimas
Poeta en Nueva York Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59475671 Contribuyentes: -jem-, Adrian de Limes, Alma máter, Canaan, Carutsu, CommonsDelinker, CriSaPo, Dodo,
Ecelan, Er Komandante, Guadalete, Isha, Laura Fiorucci, MarisaLR, Muro de Aguas, Riviera, Santiperez, Savh, Surrealatino, Sybiladelaluna, Taty2007, Tuscany, Ty25, Urdangaray, Vitamine,
Wikisilki, 40 ediciones anónimas
Oliverio Girondo Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=57728691 Contribuyentes: Adrian de Limes, Airunp, Andresdamian, Caronte espaciotemporal, Cbonilla, Claudio Elias,
Cookie, Cordwainer, DEDB, Diegusjaimes, Dusan, Floriancito, Ginevrawp, Ginés90, Gusfer, Iviglez, JuanPaBJ16, Jynus, Khiari, LTB, Macguffin, MarcoAurelio, Mr. Moonlight, Netito777,
Nubecosmica, Oscar ., Oximoron, PlanZeta, Rosarinagazo, Rupert de hentzau, Sbarrasa, Sking, Urumi, Vitamine, Yrithinnd, Zerosxt, 41 ediciones anónimas

Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 52
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes
Archivo:Theo van Doesburg Dadamatinée.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Theo_van_Doesburg_Dadamatinée.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes:
Vincent Steenberg
Archivo:Commons-logo.svg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Commons-logo.svg Licencia: logo Contribuyentes: SVG version was created by User:Grunt and
cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab.
Archivo:Arcimboldovertemnus.jpeg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Arcimboldovertemnus.jpeg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Agrafian Hem Rarko,
AndreasPraefcke, Bukk, Butko, DutchHoratius, Gryffindor, Jafeluv, Jarekt, Jastrow, Mattes, Michail, Pilettes, Pixeltoo, Samulili, Schaengel89, Shakko, Sreejithk2000, Stan Shebs, 7 ediciones
anónimas
Archivo:Man Ray Salvador Dali.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Man_Ray_Salvador_Dali.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Van Vechten, Carl,
1880-1964, photographer
Archivo:Cabeza de Luis Buñuel.JPG Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Cabeza_de_Luis_Buñuel.JPG Licencia: Creative Commons Attribution-Share Alike
Contribuyentes: José Antonio Bielsa Arbiol
Archivo:Monumento a Gerardo Diego.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Monumento_a_Gerardo_Diego.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: J.L. de
Diego
Archivo:Lorca (1914).jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Lorca_(1914).jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Albertomos, Bohème, Canaan, Ferbr1, Frank
C. Müller, 4 ediciones anónimas
Archivo:Firma de Federico García Lorca.png Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Firma_de_Federico_García_Lorca.png Licencia: Public Domain Contribuyentes:
Archivo:Casa de federico.JPG Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Casa_de_federico.JPG Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.0 Unported
Contribuyentes: Trabajo propio (Hilario Iglesias)
Archivo:Lorca Olive Tree.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Lorca_Olive_Tree.jpg Licencia: GNU Free Documentation License Contribuyentes: User
GrahamColm
Archivo:Garcialorca madrid lou.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Garcialorca_madrid_lou.jpg Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.0 Unported
Contribuyentes: Lourdes Cardenal
File:Federico Garcia Lorca - De profundis - Langebrug, Leiden.JPG Fuente:
http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Federico_Garcia_Lorca_-_De_profundis_-_Langebrug,_Leiden.JPG Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0,2.5,2.0,1.0
Contribuyentes: Tubantia
Archivo:Wikisource-logo.svg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Wikisource-logo.svg Licencia: logo Contribuyentes: Guillom, Jarekt, MichaelMaggs, NielsF,
Rei-artur, Rocket000
Archivo:Spanish Wikiquote.SVG Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Spanish_Wikiquote.SVG Licencia: logo Contribuyentes: James.mcd.nz
Archivo:Manhattan 1931.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Manhattan_1931.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: User:Apollomelos, User:Yann
Archivo:Low Memorial Library Columbia University NYC.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Low_Memorial_Library_Columbia_University_NYC.jpg
Licencia: GNU Free Documentation License Contribuyentes: Daniel Case, Fb78, Juhanson, Quasipalm, Urban
Archivo:Statue of Liberty 7.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Statue_of_Liberty_7.jpg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Elcobbola
Archivo:oliverio_girondo.jpg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Oliverio_girondo.jpg Licencia: Copyrighted free use Contribuyentes: Andresdamian, Claudio Elias,
EugeneZelenko, Ferbr1
Archivo:Flag of Argentina.svg Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Flag_of_Argentina.svg Licencia: Public Domain Contribuyentes: Government of Argentina (vector
graphics by Dbenbenn)
Archivo:OliverioGirondo.JPG Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:OliverioGirondo.JPG Licencia: Public Domain Contribuyentes: unknow. uploader Claudio Elias

Licencia 53
Licencia
Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
//creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/

Suenios en el_tintero

Más contenido relacionado

La actualidad más candente (20)

Similar a Suenios en el_tintero (20)

Suenios en el_tintero