Styles de peinture
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Le document présente un aperçu des mouvements artistiques majeurs, allant du paléolithique à l'expressionnisme, en passant par le classicisme, le baroque et le néoclassicisme. Chaque mouvement est décrit avec ses caractéristiques et ses principaux artistes, illustrant l'évolution de l'art à travers les siècles. Les transformations artistiques et culturelles reflètent les réponses aux contextes sociaux et historiques de leur époque.
Styles de peinture
- 1. Le style paléolithique, il y a 20 000 ans Grotte de Lascaux Grotte Chauvet
- 2. Beaucoup plus tard, bien des écoles et styles artistiques se sont succédés. Ceci est une synthèse des plus connus. Classicisme (XVII è) Expressionnisme (XX è) Surréalisme (1924) Baroque (XVII è) Art abstrait (XX è) Pop art (1960) Néoclassicisme (1750) Art naïf (1900) Op art (1960) Rococo (XVIII è) Fauvisme (1901) Hyperréalisme (1960) Romantisme (XVIII è) Cubisme (1907) Body art (1960) Impressionnisme (XIX è) Futurisme (1909) Minimalisme (1960) Réalisme (1850) Suprématisme (1913) Installation (1960) Naturalisme (1870) Dadaïsme (1916) Art pauvre (1967) Pointillisme (1880) Peinture métaphysique (1917) Art conceptuel (1968) Post - impressionnisme (1885) Néo - plasticisme (1917) Néo – expressionnisme (1980) Cloisonnisme (1886) Purisme (1918) Art ASCII (1980) Synthétisme (1888) Art déco (1920) Nabis (1888) Constructivisme (1920) Le diaporama peut être consulté séquentiellement en cliquant sur les diapositives (comme d’habitude) ou en utilisant les liens hypertexte de la liste ci-dessus. Compilation réalisée par Jack Auzanneau Sources: divers sites Internet Accompagnement musical: Water Music (Haendel 1715)
- 3. Classicisme Mouvement littéraire et artistique de la seconde moitié du XVIIe siècle. Ce terme est apparu au XIX è siècle pour désigner les œuvres qui prennent pour modèle l’art antique. Pour donner l'impression de naturel, il importe avant tout de ne pas choquer. C'est pourquoi les règles de vraisemblance et de bienséance jouent un rôle majeur au XVII e siècle. La vraisemblance correspond à ce qui peut paraître vrai. L'objectif n'est pas de représenter la vérité mais de respecter les cadres de ce que le public de l'époque considère comme possible. C'est cette règle de vraisemblance qui est à l'origine de toutes les règles du théâtre classique. « Qu'en un jour, qu'en un lieu, un seul fait accompli Tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli. » Ces deux vers de Boileau résument la fameuse règle des trois unités : l'action doit se dérouler en vingt-quatre heures (unité de temps), en un seul lieu (unité de lieu) et ne doit être constituée que d'une seule intrigue (unité d'action). Peintres classiques: Charles de La Fosse, Charles Le Brun, Claude Gellée, Pierre Mignard, Nicolas Poussin, ... Retour à la liste
- 4. Le baroque est un style qui naît en Italie (à Rome, Mantoue, Venise et Florence) à la charnière des XVI è et XVII è siècles, et jusqu'au milieu du XVIII è, et se répand rapidement dans la plupart des pays d’Europe. Il touche tous les domaines artistiques, sculpture, peinture, littératur e, architecture et musique et se caractérise par l’exagération du mouvement, la surcharge décorative, les effets dramatiques, la tension, l’exubérance et de la grandeur parfois pompeuse. L’art baroque est donc un art de mouvement, riche et surabondant. L’architecture a une place privilégiée; le luxe de l’église doit entraîner l’adhésion du fidèle. Les autres arts, peinture, sculpture, décor, sont subordonnés à l’architecture et contribuent à produire le même effet; les lignes courbes, l’ovale en particulier, prédominent aux dépens de la ligne droite. Enfin, l’illusion, l’impression spectaculaire sont plus importantes désormais que l’exactitude. En musique, sont dits baroques la quasi-totalité des musiciens européens entre 1580 et 1760: Telemann, Vivaldi, J.-S. Bach, Haendel. En peinture, les principaux chefs de file du mouvement baroque sont Rembrandt (Hollande), Rubens (Flandres) ou encore Andrea Pozzo (Italie) sans oublier Vermeer même si ce dernier est parfois classé dans les artistes « classiques » par la tradition . Retour à la liste
- 5. Le néoclassicisme est un mouvement artistique qui s'est développé dans la peinture, la sculpture, l'architecture et la littérature entre 1750 et 1830 environ. Ce nom s'applique aussi au domaine musical à partir des années 1920, en réaction aux excès du romantisme et de la modernité. Apparu à Rome au milieu du XVIIIe siècle, il prônait le retour aux canons esthétiques de l’Antiquité grecque et latine. Le néo-classicisme se répandit dans tous les pays européens et aux É.-U. (Capitole de Washington), et se prolongea jusqu’en 1830 environ. À l’origine, on constate généralement une réaction contre l’art «aristocrate» (baroque, rococo), ainsi qu’une admiration pour la République romaine. L’art antique, que les fouilles d’Herculanum (1720) et de Pompéi (1748) commençaient à faire mieux connaître, prit force de symbole. La génération des architectes néo-classiques français comprend notam. E. L. Boullée, C. de Wailly (Odéon), C. N. Ledoux, A. T. Brongniart (Bourse de Paris), J.-F. Chalgrin (arc de triomphe de l’Étoile), P. A. Vignon (égl. de la Madeleine). Le sculpteur italien A. Canova fut celui qui soumit le plus facilement son art à l’esthétique du «noble contour». En peinture, le Serment des Horaces, de David (1784), se présenta comme le manifeste de la nouvelle école (F. Gérard, Girodet, etc.). Retour à la liste
- 6. Le rococo est un mouvement artistique, en vogue au 18è siècle, qui touche principalement la peinture et l’architecture. Dérivé du baroque, il se caractérise par un enrichissement décoratif particulièrement chargé. Principaux représentants : Allemagne: François de Cuvilliés, (architecte et décorateur) France : Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Jean Pillement, Antoine Pesne, Nicolas Pineau (architecte décorateur) Italie: Corrado Giaquinto, Giambattista Tiepolo, Antonio Balestra, les Guardi, Francesco Solimena, Alessandro Magnasco, Giovanni Domenico Ferretti Flandres : Peter Angelis Retour à la liste
- 7. Le romantisme est un courant artistique d'Europe occidentale apparu au cours du XVIIIè siècle en Grande-Bretagne et en Allemagne, puis au XIXe siècle en France, en Italie et en Espagne. Il se développe en France sous la Restauration et la monarchie de Juillet, par réaction contre la régularité classique jugée trop rigide et le rationalisme philosophique des siècles antérieurs. Le romantisme s'esquisse par la revendication des poètes du « je » et du « moi », qui veulent faire connaître leurs expériences personnelles et faire cesser cet aspect fictif attribué aux poèmes et aux romans. Le romantisme se caractérise par une volonté d'explorer toutes les possibilités de l'art afin d'exprimer les extases et les tourments du cœur et de l'âme : il est ainsi une réaction du sentiment contre la raison, Artistes français romantiques: Arlincourt - Balzac - Bernardin de Saint-Pierre - Aloysius Bertrand - Petrus Borel - Chateaubriand - Chénier - Constant - Delacroix - Diderot - Alphonse Esquiros - Xavier Forneret - Gautier - Géricault - Hugo - Lacenaire - Lamartine - Charles Lassailly - Lautréamont - Mérimée - Michelet - Musset - Nerval - Nodier - Philothée O'Neddy - Alphonse Rabbe - Rousseau - Senancour - Georges Sand- Mme de Staël - Stendhal - Vigny Retour à la liste
- 8. L'impressionnisme est une école picturale française, fruit au départ de l'association de quelques artistes parisiens dans la seconde moitié du XIXe siècle Fortement critiqué à ses débuts, le mouvement se manifesta notamment, de 1874 à 1886, par huit expositions publiques à Paris, et marqua la rupture de l'art moderne avec l'académisme. L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses. C'est un mouvement pictural qui se développa dans le dernier quart du XIXe s. en réaction contre les conceptions académiques de l’art. Le principe de la division des tons (l’obtention d’un ton vert résulte du voisinage d’un bleu et d’un jaune) est à la base même de la technique impressionniste; dès lors, la touche joue pleinement son rôle d’instrument destiné à dissoudre les formes dans l’atmosphère. Les principaux peintres impressionnistes furent Renoir, Degas, Monet, Manet, Sisley, Pissarro. En 1873, le style impressionniste se généralisa et s’affirma pleinement, tandis que 1877 marqua son apogée. En ce qui concerne Cézanne et Gauguin, c’est abusivement que leurs noms sont associés à l’impressionnisme, dont ils apprécièrent la nouveauté mais ne partagèrent pas les principes. Retour à la liste
- 9. Réalisme (vers 1850) Le Réalisme est un mouvement artistique du XIXe siècle. Il est à considérer comme un trait d'union, une transition entre le romantisme et l'impressionnisme. Tendance littéraire et artistique de la seconde moitié du dix-neuvième siècle, qui privilégie la représentation exacte, non idéalisée, de la nature et des hommes. En pratique, les peintres représentant cette tendance ou ce mouvement artistique, prenaient une image provenant de la réalité pouvant être un objet, un animal, un humain ou autre chose, et représentaient sous forme de peinture, cette image telle qu’elle est réellement. Le Radeau de la Méduse de Géricault (1819) fut considéré comme le premier tableau "réaliste". Il présente un fait divers de l'époque, le naufrage d'un bateau, peint à la manière d'une scène historique. Artistes: Camille Corot, Honoré Daumier, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Henri Fantin- Latour, Théodore Géricaut Retour à la liste
- 10. Naturalisme (vers 1870) Le naturalisme vise à reproduire la réalité avec la considération parfaite de ce qui est et qui restera, sans tenir compte des goûts, des sentiments et des préjugés. Les artistes qui peignent des tableaux en utilisant cette technique se doivent de reproduire la nature sous tous ses aspects, même les plus laids, les plus rebutants, sans y rajouter une touche personnelle. Goût pour le Moyen-âge. Ceci représente l'excès du romantisme. La peinture du paysage est de plus en plus importante. Ce mouvement précède l'impressionnisme. Artistes : Théodore Rousseau, Jean-Baptiste Corot, Charles-François Daubigny, Jules Breton,Joseph Mallord William Turner Retour à la liste
- 11. Pointillisme (vers 1880) Le pointillisme (ou néo-impressionnisme ou divisionnisme) est une technique de peinture issue du mouvement impressionniste qui consiste à peindre par petites touches séparées de peinture de couleurs primaires. On perçoit néanmoins des couleurs secondaires, par le mélange optique des seuls trois différents tons. Cette technique est née en France notamment sous l'impulsion de Georges Seurat (1859-1891) puis de Paul Signac (1863 - 1935), à la fin du XIXe siècle Théorie: Lorsque le tableau est regardé à une certaine distance, les taches de couleur ne peuvent pas être distinguées les unes des autres et se fondent optiquement les unes aux autres. L'aspect visuel obtenu est différent de celui obtenu en mélangeant des couleurs sur une palette et en les appliquant ensuite sur la toile. Certains décrivent le résultat comme plus brillant ou plus pur car le mélange est réalisé par l'œil et non plus par le pinceau. Principaux artistes: Georges Seurat, Paul Signac, Henri-Edmond Cross Retour à la liste
- 12. Le post-impressionnisme est un ensemble des courants artistiques qui, durant la période allant approximativement de 1885 à 1915, divergent de l'impressionnisme ou s'opposent à lui (néo-impressionnisme, synthétisme, symbolisme, nabis...). 2 tableaux de Van Gogh Le terme post-impressionnisme est une appellation extrêmement floue, appliquée principalement à Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec et Seurat, mais souvent utilisée pour décrire d'autres artistes progressistes qui suivirent la grande décennie de l'impressionnisme (1870-1880), comme Matisse, Bonnard, Decroix et Dufrénoy. Principaux artistes: Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Emile Bernard, Paul Cézanne Retour à la liste
- 13. Cloisonnisme (1886) On dit cloisonnisme, à cause du cerne de chaque ton. C’est un grand vitrail plutôt qu’une peinture, avec les éléments décoratifs de la couleur et de la ligne. Le cloisonnisme est une technique picturale inventée en 1886 par un jeune peintre, Louis Anquetin. Cette technique s'inspire de la technique du vitrail, des estampes japonaises (japonisme), des Images d'Épinal et des arts primitifs. Le cloisonnisme se caractérise par des blocs de couleur cernés d’un trait plus foncé. Ce cerne permet de délimiter les aplats de couleur les uns par rapport aux autres. Il permet aussi de mettre en valeur les éléments peints. Aujourd'hui, le cloisonnisme est une technique indissociable de la bande dessinée et du dessin animé. Artistes : Louis Anquetin, E. Bernard, Paul Gauguin, Maurice Denis, Toulouse-Lautrec .... Retour à la liste
- 14. Le synthétisme (1888) est caractérisé par la simplification voulue des lignes, des formes et des couleurs. Les artistes ne se soumettent plus à la nature, ils l'utilisent. Ils s’en servent pour extraire son idée, laquelle ne se donne qu’à la seule imagination de l'artiste. Puisque l'idée est conçue par l'imagination du peintre, il ne faut pas qu’il peigne devant la chose. Cet art est fondé sur l'usage de grands aplats de couleurs aux contours vigoureusement cernés. Synthétiser, ce n’est pas nécessairement simplifier dans le sens de supprimer certaines parties de l'objet, c’est simplifier dans le sens de rendre au plus simple. Artistes : Paul Gauguin, Paul Sérusier, Émile Bernard Retour à la liste
- 15. Nabis Groupe d'artiste créé en 1888 Le mouvement nabi que l'on désigne souvent par Les Nabis est un mouvement artistique post-impressionniste d'avant-garde, né à la fin du XIX è siècle en réaction contre la peinture académique et qui perdurera jusqu'au début du XX è siècle. Il est influencé par les enseignements de Gauguin, le japonisme et l'école de Pont-Aven. Les Nabis se caractérisent par l'utilisation de grands aplats de couleurs « sorties du tube », sans mélange, par le cerne , la perspective absente ou fausse, la ligne d'horizon haute des paysages. On trouve également dans leur peinture un attrait pour le symbolisme et des influences de l'école de Pont-Aven. La lumière est prédominante dans les tableaux des Nabis, préfigurant la lumière spirituelle. Quelques artistes: Edouard Vuillard, Maurice Denis, Chaïm Soutine, Félix Vallotton, Jean Verkade, Mogens Ballin, Pierre Bonnard, Roussel, Paul Sérusier Retour à la liste
- 16. Expressionnisme L'expressionnisme est un mouvement artistique apparu au début du XXe siècle, ayant touché de multiples domaines artistiques : la peinture, l'architecture, la littérature, le théâtre, le cinéma, et la musique, etc. C'est une forme d’art qui s’efforce de donner à une œuvre le maximum d’intensité expressive. Van Gogh et Gauguin, puis Ensor, Munch et Matisse en sont à l’origine Principaux artistes: Emil Nolde, Otto Mueller, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Erich Heckel, Karl Schmidt- Rottluff, Alexeï Von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter, Franz Marc, August Macke, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Emil Filla, Béla Czobel, Edward Munch Retour à la liste
- 17. Art abstrait (début XX è) C'est une forme d'art qui n‘essaie pas de représenter le monde sensible. La peinture peut se passer de modèle et s'affranchit de la fidélité à la réalité visuelle. Aujourd'hui, on utilise ce terme pour désigner une pratique artistique qui ne représente pas des sujets ou des objets du monde naturel, réel ou imaginaire, mais seulement des formes et des couleurs pour elles-mêmes. L'art contemporain poussera cette pratique à son paroxysme, un demi-siècle plus tard. Le peintre Wassily Kandinsky est le fondateur de l´art abstrait. La peinture abstraite du tchèque Frantisek Kupka a également inspiré ce mouvement. Retour à la liste
- 18. Art Naïf période 1900-1937 L’art naïf désigne les œuvres d'artistes, le plus souvent autodidactes, qui se trouvent en décalage avec les courants artistiques de leur temps, soit par maladresse, soit parce qu'ils en ignorent tout. L'art naïf désigne aussi une école de peinture, prônant un style pictural figuratif qui se caractérise notamment pour la minutie apportée au détails, l'emploi de couleurs gaies (en aplats), et une représentation « ingénue » et figurative de sujets populaires (paysages campagnards, costumes folkloriques, animaux domestiques ou sauvages). La codification et la pérennité de ce style semblent donc mener vers une autre forme d'académisme. Les artistes naIfs sont souvent autodidactes. Leur expression est colorée d'une sensibilité populaire. Ils ne suivent pas les tendances de leur époque. Artistes naïfs: -Henri Rousseau, dit « le douanier Rousseau » -Ferdinand Cheval, dit « le facteur Cheval », qui construisit un « palais idéal » à Hauterives ( Drôme ) -Séraphine de Senlis -Raymond Isidore, qui construisit la maison Picassiette à Chartres -Eva Lallemant - Denys Corbe -Robert Tatin -Jean Schubnel -Bernard Vercruyce Retour à la liste
- 19. Le fauvisme est un mouvement artisitique des peintres français nommés, par dénigrement, fauves (Vlaminck, Derain, Matisse, etc.), qui, entre 1901 et 1907, voulurent créer un expressionnisme de la couleur pure. Le Fauvisme découle du Pointillisme et du Post-Impressionnisme en général. Mais il se caractérise par un modèle plus primitif et moins naturel. Les Fauves rejètent perspective et les valeurs de l'art classique, en exaltant la couleur toujours vives, dans une simplicité des formes et un abandon du modelé. Le fauvisme fut, à l’origine, la réaction de divers peintres (Matisse, Rouault, Manguin, Van Dongen, etc.) contre leur formation académique: ils prônèrent l’emploi généralisé des tons purs. Le terme de fauvisme est né lors du vernissage du salon d’automne de 1905: le critique Louis Vauxcelles, apercevant une statuette de style florentin dans la salle où exposaient Matisse et ses amis, eut ce mot: « Donatello parmi les fauves! » Principaux artistes: Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Henri Matisse, Maurice De Vlaminck Retour à la liste
- 20. Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé de 1907 à 1914 autour de Georges Braque, Francis Picabia et Picasso. Après la Première Guerre mondiale, le mouvement s'essouffle, avant de s'éteindre vers les années 1920. Le peintre Paul Cézanne pensait que l'on pouvait regarder et représenter les choses à partir de formes géométriques simples comme la sphère ou le cône. Cette idée sera le point de départ du mouvement cubiste. En 1907, Pablo Picasso réalise le premier tableau cubiste (Les Demoiselles d'Avignon). Georges Braque est fasciné par cette toile. Les deux artistes développent alors une nouvelle forme d'art : l’artiste le décompose en des plans géométriques inscrits dans un espace tridimensionnel sans profondeur. Principaux artistes: Pablo Picasso, Juan Gris, Alexandre Archipenko, Georges Braque, Albert Gleizes, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Jean Metzinger Retour à la liste
- 21. Futurisme 1909-1915 A l'origine, mouvement littéraire qui comprend ensuite la peinture, sculpture, photographie et architecture. Esthétique générée par le mythe moderne de la machine et de la vitesse. Les peintres sont influencés par le Divisionnisme et le Cubisme. Le futurisme est certainement l'un des mouvements d'avant-garde qui a le plus choqué. Il prône en effet l'amour de la vitesse, de la violence, de la machine, le mépris de la femme, la guerre « comme seule hygiène du monde ». C'est aussi l'un des mouvements qui, avec le surréalisme, connaît le plus de guerres internes. De nombreux artistes sont expulsés comme les deux frères Arturo et Carlo Ludovico Bragaglia, photographes. Principaux artistes: Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Gino Severini, Ardengo Soffici Jules Schmalzigaug, seul peintre futuriste belge, Mario Carli, écrivain Retour à la liste
- 22. Le suprématisme (1913) est le fondement d’un art qui ne présente pas la forme réelle des choses. Son « créateur » est le peintre russe Kasimir Malevitch (1878-1935) Le peintre ne doit s’occuper que de la peinture et rejeter toute considération extérieure. Cette devise est celle d’un peintre suprématisme parfait. Volontairement agressives, les conceptions de ce mouvement eurent un retentissement considérable face au public. Elles font aussi preuve d’un rare sens de la perfection. La plupart des œuvres suprématistes sont très simples (carré noir sur fond blanc). Les formes utilisées par ce mouvement sont essentiellement bidimensionnelles et répondent à la bidimensionnalité du médium. Les trois formes de bases sont le carré, le cercle et la croix. Le carré était la forme préférée de Malévitch, puisque c'est une forme scientifique et non naturelle, basique, universelle et c'est à partir de cette forme qu'il élabore les autres. Artistes : Kasimir Malevitch, Vassily Kandinsky, Olga Razanova, Lioubov Popova et Alexandra Exter. Retour à la liste
- 23. Dada, dit aussi dadaïsme, est un mouvement intellectuel, littéraire et esthétique qui, entre 1916 et 1925, se caractérisa par une remise en cause, à la manière de la table rase, de toutes les conventions et contraintes idéologiques, artistiques et politiques. Le dadaïsme vise à renverser la conception traditionnelle de l'art au moyen de la provocation et de la dérision. Ce mouvement a rassemblé des écrivains et des artistes ayant refusé de participer à la guerre et ayant appelé à la subversion renversement des valeurs établies. Louis Aragon (1897-1982), André Breton (1896-1966), Paul Éluard (1895- 1952), Philippe Soupault (1897-1990) ont appartenu au mouvement Dada. Principaux artistes: Hans Arp, Hugo Ball, Marcel Duchamp, Max Ernst, George Grosz, Raoul Hausmann, John Heartfield, Hannah Höch, Marcel Janco, Man Ray, Francis Picabia, Hans Richter, Kurt Schwitters, Sophie Taeuber-Arp Retour à la liste
- 24. Peinture métaphysique Le mouvement Pittura Metafisica était un mouvement artistique italien fondé en 1917 par Carlo Carra , Giorgio de Chirico et Giorgio Morandi qui cherche à représenter ce qu'il y a au-delà de l'apparence physique de la réalité, au delà de l'expérience des sens. La peinture métaphysique n'est attachée ni à un mouvement ni à une école : elle n'obéit pas à une doctrine. Elle est cependant liée à un groupe très restreint de peintres qui, entre 1910 et 1920, ont refusé d'axer leurs œuvres sur l'unique recherche formelle que proposaient les avant- gardes. Pour ces artistes, l'expérience métaphysique ne représente qu'une période qui, d'un point de vue chronologique et iconographique, reste limitée dans leur œuvre. C’est Chirico lui-même qui a établi une distinction entre son œuvre d'avant-guerre et celle qui lui a succédé, en prononçant le terme de "peinture métaphysique". Dans son ambitieuse grandiloquence, ce mot évoquait le rêve prométhéen de l'artiste d'arracher aux choses, à leur silence, leur inertie, leur impassibilité, quelques-uns de leurs secrets surnaturels. Retour à la liste
- 25. Néo-plasticisme (1917-1925) Doctrine de la plastique pure élaborée par Piet Mondrian, à partir d’une analyse serrée du cubisme et qui consiste dans l’usage exclusif de l’angle droit en position horizontale verticale et des trois couleurs primaires auxquelles viennent s’ajouter les non couleurs : blanc, noir et gris. Retour à la liste
- 26. Purisme 1918-1926 Peinture et architecture. En réaction contre la peinture Cubiste, le purisme traduit une admiration pour la beauté et la pureté des formes de la machine. Il est caractérisé par la simplicité géométrique des contours et la recherche de formes épurées. Le Corbusier signe le manifeste "Le Purisme", où il préconise avec Ozenfant et Leger un retour à l'ordre. Leur mouvement est initié par l'ouvrage "La peinture moderne", publié à Paris en 1925. Ils valorisaient les formes simples et la machinerie, et ils croyaient que la section dorée(1) était la forme idéale. Principaux représentants: Le Corbusier, Amédée Ozenfant, Fernand Leger (1) La section dorée (ou nombre d'or) est le nombre (1+(racine carrée de 5) )/2= 1,618033988... Retour à la liste
- 27. Art Déco De 1920 à 1939, et en réaction à l'Art nouveau d'avant la Première Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent surtout dans l'architecture et le design, mais concerna en fait plus ou moins toutes les formes d'arts plastiques. Caractéristiques: Autant les formes de l'Art nouveau étaient ondulantes, très détaillées et prenaient exemple sur la nature, autant l'Art déco s'est tourné vers des formes épurées et essentiellement géométriques. La courbe, encore très présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaitre progressivement au profit de l'angle droit, notamment avec le courant De Stijl. Ce fut une véritable mais brève explosion artistique concernant de nombreuses disciplines artistiques Principaux artistes: Maurice Dufrêne, Jean Dunand, Francis Jourdain, Pierre Legrain, Robert Mallet- Stevens, André Mare, Jacques Emile Ruhlmann, Louis Süe Retour à la liste
- 28. Constructivisme (1920) Mouvement artistique du vingtième siècle. C’est un mouvement qui privilégie une construction plus ou moins géométrique des formes. C’est un mouvement russe à l’origine. Il est utilisé dans la construction sculpturale ou picturale. Artistes : Antoine Pevsner, Naum Gabo, Guennadi Vassilkov , Victor Vasarely ... Retour à la liste
- 29. Surréalisme 1924-1966 Le surréalisme est un mouvement artistique qu‘André Breton définit dans le premier Manifeste du Surréalisme comme un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale. C' est l'expression par l'automatisme et par une sorte de fantastique onirique. Inspiré par les découvertes psychanalytiques de Freud et l'idéologie politique du Marxisme. Principaux artistes: Salvador Dali, Max Ernst, Joan Miro, Yves Tanguy, Hans Bellmer, Jacques Hérold, Wilfredo Lam, René Magritte, Man Ray, André Masson, Roberto Matta, Echaurren, Meret Oppenheim, Wolfgang Paalen, Toyen, Raoul Ubac, Marc Chagall Retour à la liste
- 30. Le pop art est un mouvement qui trouve son origine en Angleterre au milieu des années 50, sous l'impulsion de Richard Hamilton et Edouardo Paolozzi. Un peu plus tard, dans les années 1960, c'est au tour du Pop art américain d'émerger avec Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg ou encore Jasper Johns. C'est surtout la branche américaine qui va populariser ce courant artistique devenu majeur, en dénonçant la consommation de masse à tout prix et présenter l'art comme un simple produit à consommer : éphémère, jetable, bon marché... Mais ce qui caractérise profondément ce mouvement, c'est le rôle de la société de consommation et des déformations qu'elle engendre dans notre comportement au quotidien. Le pop'art recourt aux objets les plus quotidiens ainsi qu'aux procédés graphiques de la mode et de la publicité. C'est à partir de ce principe que les artistes américains vont mettre en évidence l'influence que peut avoir la publicité, les magazines, les bandes dessinées et la télévision sur nos décisions de consommateurs. Par la suite, ce mouvement va s'étendre et toucher d'autres domaines comme la mode, l'architecture, le design, etc. Retour à la liste
- 31. Op art, art cinétique, ou "optique", est un terme utilisé pour décrire certaines peintures faites à partir des années 1960 et qui exploitent la faillibilité de l'œil à travers des illusions optiques. Les œuvres Op art sont en général abstraites. Les pièces les plus connues sont réalisées en noir et blanc et donnent l'impression de mouvement, d'éclat de lumière et de vibration, ou alternativement de ballonnement et de gauchissement. Retour à la liste
- 32. Hyperréalisme années 1960-70 (Les exemples ci dessus sont bien des peintures et non des photos.) L'hyperréalisme est un mouvement artistique d'origine américaine, caractérisé par une représentation figurative ultra-réaliste. Il a principalement concerné la peinture et la sculpture. L'expression est si détaillée et précise que l'art lui-même semble réel. Les peintures hyperréalistes ressemblent à des photos et les sculptures hyperréalistes à des objets réels. Quelques artistes hyperréalistes: Malcolm Morley, Robert Bechtle, Chuck Close, John De Andrea, Richard Estes, Malcolm Morley Retour à la liste
- 33. Body Art années 1960-70 Le Body Art est la dénomination anglaise d'un mouvement artistique : L’ art corporel Il prend le corps comme médium de l'expression artistique. Action exécutée en public. Quelques artistes: Gilbert & George, Gina Pane, Chris Burden Retour à la liste
- 34. Minimalisme ou Art Minimal années 1960-70 Style caractérisé par une austérité impersonnelle, des configurations géométriques évidentes et des matériaux transformés industriellement. La forme est le contenu. Pour les Minimalistes ll n'y a rien d'autre à voir que ce que l'on voit . Le « ressenti » est interdit. Quelques minimalistes: Richard Serra, Agnes Martin, Donald Judd, Robert Morris, Sol Lewitt Retour à la liste
- 35. Installation (1960) L'installation' est un genre de l'art contemporain qui désigne une œuvre combinant différents médias en vue de modifier l'expérience que peut faire le spectateur d'un espace singulier ou de circonstances déterminées Ça peut aussi être une pièce où l'on expose différentes œuvres et que le tout en crée une autre. On peut se déplacer entre les éléments répartis dans un environnement. Le land art est une forme d’installation. Artistes : Jack Beng-Thi (scupteur), Teruhisa Suzuki et tous les artistes en art actuel. Spencer Tunick (photographe), Lee Bul (sculpture), Vanessa Beecroft Retour à la liste
- 36. Art pauvre (Arte Povera) (1967) L’art pauvre est un mouvement artistique italien qui remonte à 1967. C’est un véritable culte à la pauvreté. Celle-ci devient un critère absolu. La pauvreté est partout : dans les matériaux, les moyens et les effets. L’art pauvre fonde son action sur l’espace environnant. Les acteurs de Arte Povera, refusent de se laisser enfermer dans une définition et rejettent la qualification de mouvement, pour lui préférer celle d'attitude. Etre un artiste Arte Povera, c’est adopter un comportement qui consiste à défier l’industrie culturelle et plus largement la société de consommation, selon une stratégie pensée sur le modèle de la guérilla. Artistes : Alighieno Boetti, Luciano Fabro, Iannis Kounellis, Mario Merx ... Retour à la liste
- 37. Art conceptuel (1968) Mouvement artistique récent qui privilégie l’essence du phénomène esthétique au détriment de sa réalisation matérielle, de manière à ce que l’attitude mentale du spectateur soit au centre, elle aussi, de ce phénomène. L'art conceptuel ne se soucie en apparence plus du savoir-faire de l'artiste ni même de l'idée qu'une œuvre doit être « finie » car l'idée prime sur la réalisation. Certains artistes ne proposent par exemple que des esquisses de ce que pourrait être l'œuvre ou encore des modes d'emploi permettant à tout un chacun de réaliser l'œuvre, c'est l'idée qui a de la "valeur", pas sa réalisation. Artistes : Douglas Huebler, Robert Barry, Yves Deloustal, Marcel Duchamp, Benjamin Vautier, Sol Lewitt, Robert Morris, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner ... Retour à la liste
- 38. Le Néo-expressionnisme est un style de peinture moderne qui a émergé vers la fin des années 1970 et a dominé le marché de l'art jusqu'au milieu des années 1980. Lié à l'abstraction lyrique américaine, il s'est développé en Europe en réaction contre l'art conceptuel et minimaliste des années 70. Les Néo-expressionnistes sont revenus à la peinture d'objets reconnaissables, tels que le corps humain, en adoptant un style violemment émotif, en utilisant des couleurs vives et des harmonies de couleur. Peinture figurative, expressionniste et haute en couleur. Retourne aux formes traditionnelles de la peinture de chevalet et au modelé ou à la taille directe de la sculpture. Artistes : Allemagne: Georg Basselitz, Anselm Kiefer. France: Rémi Blanchard - François Boisrond - Robert Combas Grande-Bretagne : David Hockney - Frank Auerbach États-Unis : Jean-Michel Basquiat - Eric Fischl - David Salle - Julian Schnabel Italie : Francesco Clemente - Sandro Chia - Enzo Cucchi Retour à la liste
- 39. Art ASCII L'art ASCII consiste à réaliser des images uniquement à l'aide des lettres et caractères spéciaux contenus dans le code ASCII. À partir des années 1980 certains artistes ont utilisé des jeux de caractères étendus tels que la page de code 437 disponible en mode texte sur compatible PC. En 1998, Andréas Müller-Pohle a encodé en ASCII la première photographie connue (l'atelier de Joseph Nicéphore Niépce pris par lui même)1 et à présenté le "texte" ainsi obtenu sur huit panneaux : l'œuvre s'appelle Digital Scores (Partitions digitales)2. On peut réaliser de l'Art Ascii avec un simple éditeur de texte mais il existe des logiciels très perfectionnés le permettant. Ils ont aussi des algorithmes de conversion d'image en texte. Évidement, ce genre d'images, si faites à la main, demande beaucoup de temps et de talents, d'où le terme "Art". Types et exemples d'art ASCII La forme la plus simple d'art ASCII est la combinaison de deux ou trois caractères pour exprimer une émotion en texte. Effectuez mentalement la rotation de 90° de ces exemples pour une orientation plus compréhensible de ceux ci, ou penchez la tête à gauche. :-) ou :) sourire :-( ou :( non content ;-) ou ;) clin d'œil :-D ou :D rire :-P ou :P tire la langue B-) ou 8-) cool (lunettes de soleil) Il existe des figures plus complexes, qui nécessitent plusieurs lignes. (__) (oo) /--------- / __ o (___/) / | || / o) /| (=*.*=) * || || (o / / (")__(") ~ ~ ~ Vache Yin/yang Personne Chat Retour à la liste
- 40. A suivre …