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C I NEM AT E CA P OR TUG UES A
MUS EU DO C I N E M A | Programação |
ABRIL 2010

GRANDES SECUNDÁRIOS
Uma das grandes forças do cinema clássico americano (anos 30, 40 e 50) foi a presença de extraordinários actores secundários.
A maioria deles era, sem a menor dúvida, capaz de “aguentar” um papel principal, mas devido ao sistema dos estúdios ficaram
confinados a papéis menores, que o talento deles tornava marcantes. Muitos se especializaram em determinado tipo de papéis,
devido ao seu físico ou ao êxito de algum filme que fizeram (as vedetas também não escaparam a este tipo de estereótipos): eram
quase sempre maus, poltrões, bonzinhos ou pessoas next door. Este mês homenageamos quatro grandes secundários do cinema
americano clássico, que se fizeram conhecer nos anos 40: Sydney GreensTreet, Agnes Moorehead, Angela Lansbury e Lee J. Cobb.
Dos quatro, o inglês SYDNEY GREENSTREET (“aquele extraordinário homem gordo”, como lhe chamou Tennessee Williams) foi
o único a ter uma carreira tardia e breve (fez o seu primeiro filme aos 62 anos, depois de passar pelo teatro). Além do seu físico
marcante, tinha sempre o ar de quem estava a perceber tudo o que se passava melhor que os demais. AGNES MOOREHEAD
também veio do teatro e que teatro: o Mercury Theatre de Orson Welles, com quem se estreou em CITIZEN KANE. No cinema,
foi muitas vezes uma mulher mesquinha ou uma vizinha coscuvilheira. Nascida e criada em Inglaterra e activa há até bem pouco
tempo, ANGELA LANSBURY não tinha um físico de star, mas o seu talento permitiu-lhe passar por uma gama de papéis muito variados, onde
parece quase sempre ter um ar irónico em relação ao que faz. Quanto a Lee J. Cobb, vindo do Actor’s Studio, ficou sempre fiel ao eloquente estilo
do “Método”.

Ter. [06] 15:30 | Sala Dr. Félix Ribeiro

BOOMERANG!
de Elia Kazan
com Dana Andrews, Jane Wyatt, LEE J. COBB
Estados Unidos, 1947 - 90 min / legendado electronicamente em português
Um filme de Kazan dentro do modelo do estilo documental do cinema americano dos anos 40. Numa pequena cidade da Nova Inglaterra, um
padre muito estimado é assassinado. Um suspeito é preso mas o procurador não encontra provas para o incriminar. Declarado inocente, é liber-
tado, ficando desconhecida a identidade do criminoso. Um dos melhores filmes de Kazan dos anos 40, baseado num caso real. Vindo do Actor’s
Studio, Lee J. Cobb está perfeitamente à vontade com o cineasta “do Método” por excelência que é Kazan.

Qua. [07] 15:30 | Sala Dr. Félix Ribeiro

THE MAGNIFICENT AMBERSONS
O Quarto Mandamento
de Orson Welles
com Orson Welles, Anne Baxter, Joseph Cotten, Dolores Costello, Tim Holt, Agnes Moorehead
Estados Unidos, 1942 - 88 min / legendado em português
O segundo filme de Welles foi mutilado pelo estúdio, que contratou um outro realizador para acrescentar um happy end. História de uma pode-
rosa família e da sua decadência, em que a casa (com o seu pórtico, as suas escadas, a cozinha, os salões) é um elemento central. Para muitos,
THE MAGNIFICENT AMBERSONS, apesar das mutilações, é uma obra talvez tão poderosa quanto CITIZEN KANE. Inesquecível presença de Agnes
Moorehead.

Qui. [08] 15:30 | Sala Dr. Félix Ribeiro

THE MALTESE FALCON
Relíquia Macabra
de John Huston
com Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sidney Greenstreet
THE MALTESE FALCON, primeira obra de John Huston a partir de Dashiell Hammett, é um dos primeiros filmes negros americanos e ilustra
verdadeiramente as regras do género: as razões que movem as personagens são obscuras e no fim não há vencidos nem vencedores. Mortes
misteriosas, ruelas obscuras e sombras ameaçadoras povoam o filme, que fez de Humphrey Bogart, aos 42 anos, uma vedeta, coisa que até então
não era. É neste filme que se afirma o estilo inimitável do actor. Não menos inimitáveis são as presenças de Peter Lorre e Sidney Greenstreet,
enquanto Mary Astor tem o papel da sua vida, na típica personagem feminina dos filmes negros, muito pouco digna de confiança.

Programa sujeito a alterações • Preço dos bilhetes: 2,5 Euros • Horário da bilheteira: De Segunda a Sábado, 14:30 - 15:30 e 18:00 - 22:00 •
Não há lugares marcados - Os bilhetes para as sessões só serão vendidos no dia em que as mesmas se realizam • Sala 6 X 2, Sala dos Carva-
lhos e Sala dos Cupidos, de Segunda a Sábado, 13:30-22:00 - entrada gratuita • Amigos da Cinemateca / Marcação de Bilhetes: Tel. 21 359 62 62
-Os Amigos da Cinemateca têm direito a 2 bilhetes, mas o bilhete do(a) acompanhante é vendido sem desconto. • Classificação Geral dos Espectáculos: Maiores
de 12 anos • Informação diária sobre a programação: Tel. 21 359 62 66 • Transportes: Metro: Marquês de Pombal, Avenida • Bus: 2, 9, 36, 44, 45, 90, 91, 732,
746 • Venda das EDIÇÕES DA CINEMATECA no Centro de Documentação/Biblioteca • Espaço dos 39 Degraus: Restaurante/Bar de Segunda a Sábado, das 12:30
às 00:30 • Biblioteca, de Segunda a Sexta, 14:00 - 19:30

Sex. [09] 15:30 | Sala Dr. Félix Ribeiro

BEDKNOBS AND BROOMSTICKS
Se a Minha Cama Voasse
de Robert Stevenson
com ANGELA LANSBURY, David Tomlinson, Roddy McDowall
Uma divertida fantasia dos estúdios Disney, situada durante a Segunda Guerra Mundial. Para estarem protegidas durante o conflito, três crianças
são mandadas para o campo, onde ficam sob a tutela de uma mulher que se revela ser, literalmente, uma aprendiz de feiticeira. Juntos, tentam
encontrar uma fórmula mágica para ajudar o esforço de guerra britânico. O filme tem algumas magníficas sequências de animação e recebeu
um Oscar pelos efeitos especiais. E desta vez Angela Lansbury não é secundária e sim actriz principal.

Seg. [12] 15:30 | Sala Dr. Félix Ribeiro

PARTY GIRL
A Rapariga Daquela Noite
de Nicholas Ray
com Cyd Charisse, Robert Taylor, Lee J. Cobb, John Ireland, Kent Smith
Uma obra-prima de Nicholas Ray que nos leva à Chicago dos anos 30 e ao império dos gangsters, para nos contar a história de amor de um
advogado aleijado e corrupto por uma bailarina e a sua redenção. Este veio a ser o último filme de Ray feito em Hollywood e entusiasmou a
crítica europeia da época. Filmado em cores magníficas e em scope. Extraordinária presença de Lee J. Cobb, no papel de um gangster sádico.


DARK PASSAGE
Prisioneiros do Passado
de Delmer Daves
com Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Agnes Moorehead
DARK PASSAGE é um magnífico exemplo do filme negro, para mais com a presença do par Bogart-Bacall, ainda no auge. Bogart é um homem
que foge da cadeia, à qual fora injustamente condenado e tenta restabelecer a verdade. Um aspecto importante do filme é que só vemos o rosto
de Bogart na parte final: durante cerca de um terço do filme. DARK PASSAGE é feito em “câmara subjectiva” (só vemos o que vê Bogart) e depois
o protagonista passa bastante tempo com o rosto encoberto por pensos. Agnes Moorehead tem uma breve e fortíssima presença no papel da
mulher cujas mentiras levaram o protagonista à cadeia.


CONFLICT
Conflito de Almas
de Curtis Bernhardt
com Humphrey Bogart, Alexis Smith, SIDNEY GREENSTREET, Rose Hobart
Um filme de suspense com Bogart num papel que contraria a imagem que o actor criara ao tornar-se vedeta. Aqui ele é um homem que planeia
e executa o assassinato da sua mulher, afim de herdar a fortuna dela. CONFLICT também explora a psicanálise, muito em moda em Hollywood
nos anos 40, fazendo de Sidney Greenstreet um psicanalista que acaba por levar o criminoso a denunciar-se.


GASLIGHT
Meia Luz
de George Cukor
com Ingrid Bergman, Charles Boyer, Joseph Cotten, ANGELA LANSBURY, Dame May Whitty
Adaptação de uma famosa peça de ambiente vitoriano de Patrick Hamilton, que é também uma nova versão de um filme britânico de Thorold
Dickinson. Ingrid Bergman conquistou o seu primeiro Oscar no papel de uma jovem traumatizada por um assassinato que presenciou na infância
e que acaba por casar com o perverso criminoso que procura levá-la à loucura. Estreia no cinema de Angela Lansbury, no papel de uma jovem
provocante e suspeita.



TWELVE ANGRY MEN
12 Homens em Fúria
de Sidney Lumet
com Henry Fonda, LEE J. COBB, Ed Begley, E. G. Marshall
Um dos mais célebres courtroom dramas transpostos do palco para o cinema. A peça de Reginald Rose é propícia a grandes interpretações,
tendo por tema o debate entre os doze membros de um júri que têm de decidir da culpa ou da inocência do acusado. Tudo se centra na sala em
que estão reunidos, mas a câmara de Lumet e a montagem não deixam sentir o “peso” do palco. Neste filme de conjunto, Lee J. Cobb sobressai
como um dos membros do júri.


SUMMER HOLIDAY
Os Alegres Namorados
de Rouben Mamoulian
com Mickey Rooney, Gloria DeHaven, Walter Huston, AGNES MOOREHEAD
Um dos melhores exemplos de “americana” (a imagem nostálgica do passado nos EUA) que é uma versão musical da peça de Eugene O’Neill,
Ah, Wilderness! Um dos menos conhecidos filmes do grande realizador que é Rouben Mamoulian, sobre os problemas de adolescência de um
jovem na passagem do século XIX para o XX. Agnes Moorehead tem um breve papel como uma prima dos protagonistas. Cópia restaurada em
esplendoroso tecnicolor.


BACKGROUND TO DANGER
O Expresso Bagdad-Istambul
de Raoul Walsh
com George Raft, Brenda Marshall, SIDNEY GREENSTREET, Peter Lorre
Um filme de espionagem com George Raft envolvido numa intriga na Turquia. Para além da presença do duo Sidney Greenstreet-Peter Lorre (os
Bucha e Estica dos filmes negros), BACKGROUND TO DANGER destaca-se por uma cena que marcou os espectadores à época: uma perseguição
de automóveis, que antecipa o que seria uma das grandes “manias” do cinema popular a partir dos anos 70.


A LAWLESS STREET
Rua Sem Lei
de Joseph H. Lewis
com Randolph Scott, Angela Lansbury, Warner Anderson, Jean Parker, Wallace Ford
Neste western de Joseph H. Lewis, Randolph Scott interpreta o papel de um xerife que põe a sua profissão acima de tudo, mesmo contra
a opinião geral da cidade, e que por isso é abandonado pela mulher. Agora torna-se o alvo do homem que domina a cidade, contratando
um famoso pistoleiro para o abater. Angela Lansbury está excelente como cantora num saloon, onde é evidente que também exerce outra
profissão.


THE LIBERATION OF L. B. JONES
O Preço do Silêncio
de William Wyler
com Roscoe Lee Browne, LEE J. COBB, Anthony Zerke, Lola Falana
Último filme de William Wyler, que iniciara a sua carreira nos anos 30 e realizou alguns clássicos do cinema de Hollywood. O argu-
mento foi escrito por Jesse Hill Ford, autor de IN THE HEAT OF THE NIGHT (1967), célebre história sobre o racismo no sul dos Es-
tados Unidos. Em THE LIBERATION OF L. B. JONES, o próspero proprietário negro de uma funerária no Tennessee decide divorciar-
-se da sua mulher, ao descobrir que ela é amante de um polícia branco, de quem está grávida. Lee J. Cobb (que desta vez não é secundário, tem
um dos papéis principais) é o advogado do homem. Mas o racismo extremado da região torna impossível uma solução pacífica.



MAGNIFICENT OBSESSION
Sublime Expiação
de Douglas Sirk
com Jane Wyman, Rock Hudson, AGNES MOOREHEAD, Barbara Rush, Otto Kruger
A “história da ceguinha”, que fez de Rock Hudson uma estrela, foi definida por Sirk como “uma maluquice, se alguma vez houve história maluca
neste mundo”. Num contexto visual que leva o artifício de Hollywood ao delírio (cores, cenários), Sirk conta a história de amor entre uma cega
e um ex-playboy, responsável pela morte do marido dela e pela sua cegueira, que se torna médico para curá-la! Agnes Moorehead é uma das
amigas da cega. É ver para crer. Remake da obra homónima de John Stahl realizada em 1935.


THE CONSPIRATORS
de Jean Negulesco
com Paul Henreid, Hedy Lamarr, SIDNEY GREENSTREET, Peter Lorre
Um filme que explora êxito de CASABLANCA, mas desta vez a acção é situada em Lisboa. Um membro da resistência holandesa é forçado a
refugiar-se em Lisboa, onde encontra outros resistentes. Um destes (o papel é representado por Sidney Greenstret) sabe que entre eles há um
traidor, que será preciso desmascarar. O principal papel feminino é de Hedy Lamarr e além de Greenstreet, há no filme dois outros actores de
CASABLANCA: Paul Henreid e Peter Lorre. Uma curiosidade que merece ser vista.


THE RELUCTANT DEBUTANTE
A Estreante Endiabrada
de Vincente Minnelli
com Rex Harrison, Kay Kendall, ANGELA LANSBURY, Sandra Dee
Esquecemo-nos às vezes que Vincente Minnelli não era apenas um especialista de musicais e melodramas. THE RELUCTANT DEBUTANTE é uma
comédia sofisticada que tem por cenário o meio aristocrata da Inglaterra, onde uma família se vê aflita para fazer “debutar” na sociedade a sua
filha adolescente, que tinha sido educada à americana nos EUA. Um filme requintado e maneirista. Numa intriga secundária, Angela Lansbury
tenta a todo custo agarrar um noivo rico para a sua filha.


THE EXORCIST
O Exorcista
de William Friedkin
com Linda Blair, Ellen Burstyn, Max von Sydow, LEE J. COBB
Um dos grandes êxitos comerciais dos anos 70, um filme em que tudo foi calculado para escandalizar e meter medo. Uma adolescente torna-se
agressiva, passa a dizer obscenidades e adquire uma força física descomunal. A sua mãe pensa que ela sofre de perturbações mentais. Mais
tarde, em desespero de causa, pedirá ajuda a um padre exorcista. Excelentes trucagens e Oscar de melhor argumento. Lee J. Cobb faz o papel
do polícia que investiga uma morte suspeita, atribuída à jovem.


THE REVOLT OF MAMIE STOVER
Mulher Rebelde
de Raoul Walsh
com Jane Russell, Richard Egan, Joan Leslie, Agnes Moorehead
Jane Russell e Walsh, de novo juntos após The Tall Men, num dos mais sugestivos retratos femininos da rica galeria que o realizador construiu
neste campo. Mamie Stover (Russell) é uma prostituta que fez fortuna em Honolulu depois do bombardeamento de Pearl Harbor, e que como
outras heroínas de Walsh, terá de escolher entre a fortuna e o homem que ama. Num breve papel, Agnes Moorrehead oferece um contraste
perfeito com a carnal Jane Russell.



THE VERDICT
de Don Siegel
com SIDNEY GREENSTREET, Peter Lorre, Joan Lorring
Situado em fins do século XIX, este foi o filme de estreia de Don Siegel (que depois de muitos outros filmes, realizaria DIRTY HARRY em 1971).
Sidney Greenstreet desta vez não tem um papel secundário e sim o principal, o de um ex-inspector da Scotland Yard, que foi despedido depois de
ter cometido um erro durante uma investigação, que teve consequências graves. Com a ajuda de um amigo (Peter Lorre, o inseparável parceiro
de Greenstreet), o homem busca vingar-se do seu sucessor graças a um “crime perfeito”. Uma autêntica obra-prima de género.

BICENTENÁRIO DE ALEXANDRE HERCULANO
Assinalamos a efeméride do bicentenário de nascimento de Alexandre Herculano, nascido a 28 de Março de 1810. Poeta, jornalista,
historiador, a posteridade fixou a sua obra, sobretudo, como romancista, associando-o ao nascimento do romance histórico na lite-
ratura portuguesa. A sua primeira narrativa histórica, O Castelo de Faria, é publicada em 1838. Os textos que publicou em “O Pano-
rama” e “A Ilustração” foram reunidos em dois volumes em 1851 como Lendas e Narrativas. Entre os seus romances mais célebres
contam-se os posteriores O Bobo (editado em volume em 1878), Eurico, o Presbítero (1844) e O Monge de Cister (1848). Foi em
O Bobo que José Álvaro Morais se inspirou no seu filme homónimo. Com ele assinalamos esta data evocando Alexandre Herculano.


O BOBO
de José Álvaro Morais
com Fernando Heitor, Paula Guedes, Isabel Ruth, João Guedes
Portugal, 1982 - 120 min
O projecto inicial deste filme, uma adaptação de O Bobo de Alexandre Herculano, tornou-se, com o tempo, uma reflexão sobre a obra literária
e a sua representação contemporânea. O filme é fascinante porque reflecte, na sua construção, a passagem do tempo (acossado por inúmeras
dificuldades de produção, o processo de feitura do filme foi longuíssimo) e as transformações da sociedade portuguesa nos anos a seguir ao 25
de Abril de 1974. Um filme fundamental na cinematografia portuguesa dos últimos 30 anos.

VISÕES DO DESERTO
(INÍCIO)

Se este é um Ciclo organizado em torno do deserto, tema e cenário de tantos filmes produzidos ao longo da histó-
ria do cinema, o programa apresentado assume uma perspectiva que, longe de se pretender genérica, é de entrada
circunscrita por um conjunto de opções. Antes de mais, tratou-se aqui de considerar o deserto num sentido literal
enquanto espaço físico concreto na sua acepção geográfica: o deserto de areia sujeito a temperaturas escaldantes,
o território inóspito e inabitável. Fica assim adiada para uma possível ocasião futura a abordagem deste tema num
sentido figurativo ou metafórico, como deserto mental (os desertos de Bergman, toda a obra de Antonioni sem
conotações com este espaço físico, etc.). Por outro lado, esta é uma perspectiva assumidamente Ocidental, uma
vez que diz exclusivamente respeito à forma como o Ocidente encara e representa este espaço no cinema. Trata-se
aqui maioritariamente de filmes que retratam o deserto de uma forma romântica, como o lugar distante para onde
se parte em busca de paz interior, numa procura de aventura e exotismo, ou pura e simplesmente como território
de fuga, corresponda ele ao deserto africano, americano, ou a qualquer outro. São muitos os filmes sobre a legião estrangeira nas suas expedi-
ções pelo Norte de África, e são também muitos os westerns, que fazem destes espaços inóspitos o palco de diferentes conflitos e guerras (THE
LOST PATROL, BITTER VICTORY, LAWRENCE OF ARABIA). Se L’ATLANTIDE, de Feyder (que teve exibição recente na Cinemateca e por esta razão
não está incluído no programa), muito contribuiu para a forma como hoje ainda vemos o deserto, com as suas vastas paisagens em contra-luz,
depressa se cimentará uma outra visão protagonizada por Valentino, galã de um mundo preenchido por sultões, bandidos e muitas mulheres
exóticas (THE SON OF THE SHEIK). Dois olhares míticos sobre o deserto, entre os muitos que se lhes seguirão.


Qui. [08] 19:30 | Sala Luís de Pina

VISIONE DEL DESERTO
de Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi
Itália, 2000 - 16 min / sem diálogos

FATA MORGANA
de Werner Herzog
com Lotte Eisner, Eugen Des Montagnes, e Wolfgang von Ungern-Sternberg
Alemanha, 1971 - 79 min / legendado electronicamente em português
Em VISIONE DEL DESERTO, Gianikian e Ricci Lucchi montam imagens amadoras recolhidas por um explorador francês dos anos 20. Um filme
nostálgico e fascinante onde a habitual “câmara analítica” dos realizadores confere ao material de arquivo toda uma nova aura. FATA MORGA-
NA foi rodado em 1969 e, como o próprio título aponta, filma uma sucessão de miragens no deserto do Sahara. Concebido originalmente como
um projecto de ficção científica (as palavras são do realizador), organiza-se em três partes distintas: criação, paraíso e a idade do ouro, cabendo
a cada uma delas um narrador diferente, entre os quais Lotte Eisner. Se Herzog é conhecido por rodar em condições particularmente difíceis ou
mesmo impossíveis, confessará que nenhum filme foi tão problemático como este em virtude das altas temperaturas do deserto. FATA MORGANA
é apresentado em primeira exibição na Cinemateca.

Sex. [09] 19:30 | Sala Luís de Pina

TIBESTI TOO
de Raymond Depardon
França, 1976 - 35 min / legendado electronicamente em português

UN HOMME SANS L’OCCIDENT
de Raymond Depardon
com Ali Hamit, Brahim Jiddi, Wodji Ouardougou
Dois filmes que testemunham a grande paixão do fotógrafo/cineasta pelo deserto, retratado numa belíssima fotografia a preto e branco. Em
TIBESTI TOO, verdadeiro poema visual, existem duas personagens principais: o povo Tubu, que vive isolado no deserto, e o próprio deserto, que
o cineasta filma aqui pela primeira vez. Un Homme Sans L’Occident é o título de um romance francês de Diego Brosset. O filme conduz-nos à
história das colónias francesas no início do século XX, quando o Ocidente procurava colonizar as tribos nómadas do Sahara. Alifa, o protagonista,
é um jovem homem do deserto, adoptado por caçadores, que cresce no deserto e dele se serve para escapar à colonização. Separados por muitos
anos, ambos os filmes são dotados de uma portentosa força visual, evidente na forma como Depardon filma a matéria do deserto, a areia, o
vento, a luz, e o silêncio. UN HOMME SANS L’OCCIDENT é apresentado em primeira exibição na Cinemateca.

Qua. [07] 22:00 | Sala Luís de Pina

GREED
Aves de Rapina
de Erich von Stroheim
com Gibson Rowland, ZaSu Pitts, Jean Hersholt
Estados Unidos, 1924 - 130 min / mudo, intertítulos em inglês traduzidos em português
Num Ciclo organizado em torno do deserto não poderia faltar GREED, com a sua magistral sequência final, tantas vezes citada na história do
cinema: o confronto de McTeague e Marcus em pleno deserto, quando a temperatura ultrapassava os 40º. Com Murnau e Stiller, Stroheim é o
único grande mestre do cinema a só ter trabalhado durante o período mudo. E só realizou obras-primas. GREED, que foi ocasião de uma das
grandes guerras entre Stroheim e os produtores, retoma os grandes temas do realizador para fazer o retrato impiedoso de um mundo movido
pela alcova e pelo dinheiro. O realismo “barroco” de Stroheim, a forma como a acumulação de sinais naturalistas acaba por conduzir a um
delírio (também) figurativo, fulgurantemente presente em GREED, faz deste filme o cume da arte “maldita” de um dos mais radicais cineastas
que alguma vez trabalhou em Hollywood.



DESERT
de Stan Brakhage
Estados Unidos, 1976 - 11 min

THE DESERT PEOPLE
de David Lamelas
A abrir esta sessão, que cruza o território do cinema experimental, um pequeno filme de Stan Brakhage que nos apresenta uma visão muito
particular do deserto. David Lamelas descreverá DESERT PEOPLE como “um estudo sobre a produção cinematográfica americana”. Um carro
com um grupo de pessoas atravessa o deserto, e o que se assemelharia a um clássico road movie, depressa é interrompido por um conjunto
de entrevistas em que os viajantes descrevem as suas experiências numa reserva índia norte americana, e em que Manny, um membro da tribo
Papago, nos fala sobre a extinção cultural do seu povo. Misturando os géneros, Lamelas confunde a fronteira entre realidade e ficção. Primeiras
exibições na Cinemateca.

Seg. [12] 19:30 | Sala Luís de Pina

LIFE WITHOUT DEATH
de Frank Cole
com Frank Cole
Canadá, 2000 - 82 min / legendado electronicamente em português
Frank Cole, cineasta de origem canadiana, desafia a morte escolhendo como oponente o deserto do Sahara. Um projecto extremamente insen-
sato que se transforma em acontecimento cinematográfico pela forma como Cole filma a aridez da paisagem e a sua própria reacção ao deserto.
Arriscando continuamente a própria vida, ignorando os interditos oficiais, e todos os perigos inerentes a tal projecto, Cole prossegue a sua busca
obsessiva numa terra que inevitavelmente o condenará.


MOROCCO
Marrocos
de Josef Von Sternberg
com Marlene Dietrich, Gary Cooper, Adolphe Menjou, Francis McDonald
O primeiro filme de Marlene nos EUA e aquele que a impôs definitivamente. Uma delirante história de amor, onde uma cantora troca a riqueza
de Menjou pelo amor de um legionário (Gary Cooper). Uma cena que deu escândalo: Marlene cantando, vestida de homem, e quebrando um
tabu do cinema ao beijar na boca uma cliente do cabaret. Um final que ficou lendário: Marlene seguindo a pé o seu “beau légionnaire” pelas
areias do deserto.

Ter. [13] 22:00 | Sala Luís de Pina

THE SON OF THE SHEIK
O Filho do Sheik
de George Fitzmaurice
com Rudolph Valentino, Vilma Banky, George Fawcett, Montague Love
Estados Unidos, 1926 - 70 min / mudo, intertitulos em português
O último filme de Rudolph Valentino, cuja súbita morte, a 23 de Agosto de 1926, aos 31 anos, causou uma onda de histeria das fans, como nunca
se vira até então no cinema. Embora o físico de Valentino não impressione muito os espectadores de hoje, é fácil perceber por que motivo foi
um sex symbol nos Estados Unidos dos anos 20. THE SON OF THE SHEIK é uma sequela de THE SHEIK, realizado cinco anos antes por George
Melford. Trata-se de um típico filme de aventuras exóticas, em que Valentino, no papel titular, se apaixona por uma dançarina, cujo pai é chefe de
um perigoso grupo de bandidos. Um filme que realça toda a fotogenia das dunas e que, com o seu par, muito contribuiu para firmar um género
ligado ao deserto, que muito influenciou a própria produção egípcia de então.



ZABRISKIE POINT
O Deserto das Almas
de Michelangelo Antonioni
com Marc Frechette, Daria Halprin, Rod Taylor, Paul Fix
Itália, 1970 - 110 min / legendado electronicamente em português
Comummente referido como o retrato épico do final da década de 1960 americana, ZABRISKIE POINT acompanha o encontro de duas persona-
gens nesse sentido exemplares: uma estudante de antropologia envolvida na construção de uma aldeia no deserto de Los Angeles e um fugitivo
à justiça por alegadamente ter morto um polícia durante uma manifestação estudantil que foge para esse mesmo deserto. Filmado a seguir a
BLOW UP e na senda do sucesso alcançado por este filme, foi a “incursão americana” de Antonioni e um filme infinitamente menos saudado do
que aquele que o antecedeu, mas que merece ser reconsiderado.


GERRY
Gerry
de Gus Van Sant
com Matt Damon, Casey Affleck
Se GERRY é um filme centrado na trajectória de dois jovens perdidos no deserto, ao contrário de muitas das obras conotadas com este cenário, não re-
mete para qualquer busca existencial. Matt Damon e Casey Affleck, que assumem o mesmo apelido – Gerry –, estão simplesmente perdidos, e avançam
pela paisagem inóspita numa aventura sem esperança, que inaugura um interessante trabalho de Gus Van Sant sobre a duração. Descrito por Jean-
-Michel Frodon como um projecto conceptual, dado o peso do lugar filmado, trata-se sem dúvida de um trabalho que assume o deserto como
protagonista. Primeira exibição na Cinemateca.


THE MISFITS
Os Inadaptados
de John Huston
com Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter
Estados Unidos, 1961 - 124 min / legendado em espanhol
Escrito directamente para o cinema por Arthur Miller que escolheu Huston como realizador por considerá-lo o único capaz de conseguir levar a
bom porto o projecto pensado para a sua então mulher, Marilyn Monroe, que arrisca compor a mais dramática personagem da sua filmografia.
A preto e branco, no árido cenário do deserto do Nevada, THE MISFITS segue a história da desencantada Roslyn (Marilyn) que procura uma nova
oportunidade de vida nos braços de um velho cowboy (Gable), ele próprio desajustado no mundo moderno. Um encontro entre o naturalismo
de Gable e o “método” de Clift, Monroe e Wallach. Foi o último filme de Gable e foi o último filme de Marilyn, mais luminosa do que nunca. E é
um filme em que as convenções do cinema clássico hollywoodiano já cedem lugar ao cinema moderno, como demonstra a prodigiosa sequência
final filmada em Black Rock Desert.


THE WIND
O Vento
de Victor Sjöström
com Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming
Estados Unidos, 1928 - 71 min / mudo, intertítulos em inglês traduzidos em português
Talvez a obra-prima absoluta de Sjöström. Este grande mestre da paisagem no cinema troca as paisagens geladas dos seus filmes suecos pela
aridez de um deserto americano. Um filme mudo que nos faz “ouvir” o assobio ameaçador do vento, que sopra com violência em volta de uma
casa no deserto, onde uma mulher tem de lutar também contra a paixão desenfreada de um homem. Sjöström constrói uma atmosfera de pesa-
delo com base apenas na sugestão. Um dos pontos altos do cinema mudo, reforçado pela presença inesquecível de Lillian Gish.



SIMON DEL DESIERTO
Simão do Deserto
de Luis Buñuel
com Claudio Brook, Silvia Pinal
México, 1965 - 45 min / sem legendas

LA CICATRICE INTÉRIEURE
de Philippe Garrel
com Nico, Pierre Clémenti, Philippe Garrel
França, 1970/71 - 57 min / legendado electronicamente em português
SIMON DEL DESIERTO é o último filme mexicano de Buñuel. Previsto para ser uma longa-metragem, acabou reduzido a 45 minutos. Trata-se de
uma das obras-primas absolutas do realizador. São Simão é um eremita no deserto, onde vive no alto de uma coluna, mas o Diabo vem tentá-
lo várias vezes, sob a forma da bela Silvia Pinal, que acaba por levar a melhor. Um filme prodigioso. LA CICATRICE INTÉRIEURE é um dos mais
célebres filmes de Garrel, e marca o seu primeiro encontro cinematográfico com Nico, a quem Garrel atribui quase o estatuto de co-autora do
filme. Da paisagem desértica de Death Valley à Islândia, uma imagética poderosíssima, para uma reunião das origens e do fim, ligados por um
gesto circular.


BITTER VICTORY
Cruel Vitória
de Nicholas Ray
com Richard Burton, Curd Jurgens, Ruth Roman, Raymond Péllegrin
Estados Unidos/França, 1957 - 102 min / legendado em português
Uma das obras mais admiradas de Nicholas Ray, apesar de ter sido manipulada pelos produtores, à revelia do realizador. Richard Burton tem um
dos melhores papéis da sua carreira na figura de um oficial que salva uma missão prejudicada pela cobardia do superior (Curd Jurgens) obcecado
pela relação que o subalterno tivera com a sua mulher. A juntar a Burton e a Jurgens, o deserto, filmado em scope, ganha o estatuto de protago-
nista ao acolher a inesquecível e belíssima sequência final. O deserto e o vento, o vento e o deserto. O filme que fez Godard, numa célebre critica
nos Cahiers, dizer: “E o cinema é Nicholas Ray”.


THE LOST PATROL
A Patrulha Perdida
de John Ford
com Victor McLaglen, Boris Karloff, Wallace Ford
Uma patrulha inglesa, em missão no deserto da Mesopotâmia, é dizimada, homem por homem, por árabes invisíveis. Um grande clássico de John
Ford, que terá outras versões no cinema, e retrata de forma magistral a paisagem do deserto. Um filme sobre a “múltipla areia, as suas dunas do
medo, o seu calor do purgatório”, mas também sobre a morte e a solidão.


EL CANT DELS OCELLS
O Canto dos Pássaros
de Albert Serra
com Lluís Carbó, Lluís Serrat Batle, Lluís Serrat Masanellas, Mark Peranson
Espanha, 2008 - 98 min / legendado em português
Os três Reis Magos atravessam o deserto em busca do Messias que acaba de nascer. Um filme que assume um tema mítico na sua base e que,
centrandose na progressão destas três personagens na paisagem, retira toda a sua força daquilo que o próprio realizador descreverá como um
“lirismo poético moderno”. Uma obra única que se destaca sobretudo pela forma como trabalha o tempo e a duração. Primeira exibição na
Cinemateca.



THE GARDEN OF ALLAH
O Jardim de Alá
de Richard Boleslawski
com Marlene Dietrich, Charles Boyer, Basil Rathbone
Sendo este um dos primeiros filmes em Technicolor saído de Hollywood, é esta uma das primeiras ocasiões para vermos o deserto, mas também
Marlene, a cores. É num Arizona com temperaturas escaldantes que simula o célebre deserto africano, e que transformará a rodagem num pesa-
delo. Marlene é uma jovem rapariga aconselhada pela madre superiora de um convento a partir para o Sahara em busca de solidão e paz interior.
Mas o filme tratará de um outro deserto: um Sahara extremamente povoado, com festins nas dunas, e muitas danças do ventre onde o exotismo
se cruza com um certo kitsch.


THREE GODFATHERS
Três Padrinhos
de John Ford
com John Wayne, Pedro Armendáriz, Harry Carey Jr., Ward Bond, Ben Johnson, Mildred Natwick
Os Reis Magos no Oeste, o que talvez explique o facto deste filme não ter tido distribuição comercial em Portugal. Segundo filme a cores de
Ford (o primeiro foi DRUMS ALONG THE MOHAWK, de 1939), THREE GODFATHERS começa como um western “normal”, com um assalto a um
banco e a fuga dos três assaltantes, e transforma-se numa parábola, em que os três bandidos têm de atravessar um deserto levando um recém-
nascido. A mistura de western e parábola religiosa desconcertou à época, mas o uso do espaço é característico do período de grande maturidade
de Ford.


LAWRENCE OF ARABIA
Lawrence da Arábia
de David Lean
com Peter O’Toole, Alec Guiness, Anthony Quinn, Omar Sharif, Arthur Kennedy, Claude Rains
Grã-Bretanha, 1962 - 187 min / legendado electronicamente em português
Um dos mais célebres épicos da história do cinema, que voltou a consagrar David Lean junto da Academia de Hollywood, com vários oscars, entre
eles o de Melhor Filme e Realizador. Peter O’Toole encarna o enigmático T.E. Lawrence, o oficial do exército inglês que conduz o povo árabe na
luta contra a ocupação turca. A fotografia de Freddie Francis faz maravilhas com os desertos.

INÉDITOS
Na rubrica dedicada à apresentação de títulos nunca vistos em sala em Portugal, apresentamos estes mês o último filme de Philippe Grandrieux,
UN LAC.


UN LAC
de Philippe Grandrieux
com Dimitry Kubasov, Natalia Rehorova
A terceira longa-metragem de Philippe Grandrieux, que os espectadores da Cinemateca conhecem por SOMBRE, dos anos 90, aqui revelado ao
público português. UN LAC, premiado no Festival de Veneza de 2008, conta uma história “minimalista”, para cinco personagens, à beira de um
lago suíço, com a floresta e as montanhas por companhia. A “reconstituição de um espaço primitivo, primordial, essencial, ‘bigger than life’ à
sua maneira” (Vincent Ostria).


INSOMNIA – O FILME NEGRO EM EXPOSIÇÃO
Em rima com a exposição de fotografias de Carlos Medeiros, de “inspiração noir”, que entre este mês e Julho pró-
ximo ocupa o Espaço de exposições temporárias dos 39 Degraus, programamos seis sessões que mostram quatro
dos mais clássicos filmes negros (OUT OF THE PAST, THE SET-UP, IN A LONELY PLACE e o seminal LAURA), uma sua
exuberante variação em Technicolor (LEAVE HER TO HEAVEN) e um seu prenúncio (YOU ONLY LIVE ONCE).


OUT OF THE PAST
O Arrependido
de Jacques Tourneur
com Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Virginia Huston, Rhonda Fleming
Grande clássico do cinema americano dos anos 40, OUT OF THE PAST é um dos mais famosos filmes de Tourneur e de Robert Mitchum, para
cuja carreira contribuiu definitivamente. Mitchum interpreta a figura de um homem que tenta refazer a sua vida, mas é “agarrado” pelo passado.
Obra-prima do filme negro, OUT OF THE PAST joga, como poucos, na atmosfera e nos contrastes entre a luz e a sombra, o dia e a noite.


LEAVE HER TO HEAVEN
Amar Foi a Minha Perdição
de John M. Stahl
com Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Vincent Price, Ray Collins
Um dos grandes melodramas da década de 40, feito num inacreditável Technicolor, com elementos de psicanálise, então na moda em Hollywood.
Uma mulher, doentiamente fixada na figura do seu pai, casa com um homem que se lhe assemelha, e nele exerce um mórbido sentido de posse,
acabando por se suicidar e encenar o acto como um crime, para que ele seja acusado. LEAVE HER TO HEAVEN é também uma variação estonte-
antemente colorida do filme negro.


THE SET-UP
Nobreza de Campeão
de Robert Wise
com Robert Ryan, David Clarke, Audrey Totter, George Tobias, Alan Baxter
Baseado num poema de Joseph March, THE SET-UP foi a última realização de Robert Wise para a RKO antes de uma mudança para a MGM. Robert
Ryan (também ele praticante de boxe na juventude) é Stoker, um pugilista em fim de carreira, que, a meio de um dos seus últimos combates, fica
a saber que o seu empresário recebeu dinheiro para que ele vá ao tapete, confiante que estava na sua derrota. Eficaz film noir sobre a corrupção
no mundo do boxe que tem como imagem de marca a continuidade temporal (o tempo do combate), mecanismo que HIGH NOON, de Fred Zin-
neman, voltou a utilizar três anos volvidos.


YOU ONLY LIVE ONCE
Só Vivemos Uma Vez
de Fritz Lang
com Henry Fonda, Sylvia Sidney, Barton MacLane
O segundo filme americano de Fritz Lang, conta com Henry Fonda numa das suas mais fulgurantes interpretações: o papel de um homem cercado
e sempre em fuga. Esta sua fuga é acompanhada por Sylvia Sidney, porque YOU ONLY LIVE ONCE conta também uma desesperada, mas incondi-
cional, história de amor, com a Grande Depressão como pano de fundo. “É deste filme que ‘nascem’ obras que vão de GUN CRAZY e THE LIVED
BY NIGHT a BONNIE AND CLYDE” (João Bénard da Costa).



IN A LONELY PLACE
Matar Ou Não Matar
de Nicholas Ray
com Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Martha Stewart
IN A LONELY PLACE foi produzido pela sua estrela, Humphrey Bogart, e tem o cinema como pano de fundo. Bogart interpreta o papel de um
argumentista suspeito de ter assassinado brutalmente uma jovem empregada de um restaurante, mas o filme é essencialmente um testemunho
sobre a violência que todos temos dentro de nós. “Não se perde um olhar / não é verdade meu irmão Humphrey Bogart?”.


LAURA
Laura
de Otto Preminger
com Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Vincent Price, Judith Anderson
Nesta obra-prima de Preminger, filme carismático de Gene Tierney, a mulher “que vem de entre os mortos”, surge, na sua primeira aparição, como
imagem de um “sonho” que Dana Andrews tivesse na penumbra da sala, contemplando o retrato de Laura. Mulher sonhada e desejada, também,
por uma singular personagem de escritor e cronista de rádio, um sibarita que deu a Clifton Webb o seu papel mais famoso.

PETER BOGDANOVICH
(INÍCIO)

Cinéfilo, programador, historiador e crítico de cinema, realizador, argumentista, actor, é o que dele nos diz uma
apresentação por tópicos. Foi nos anos 1970 de THE LAST PICTURE SHOW que Peter Bogdanovich se destacou
como uma das figuras que então se revelaram interpondo-se entre duas eras, a Nova e a Velha Hollywood, segun-
do a expressão consagrada. A importância da sua obra estende-se aos vários domínios em que a tem exercido,
prolífera e variadamente ao longo das últimas décadas, sempre soprado por uma paixão alicerçada num sólido
conhecimento do cinema clássico americano.
Como realizador, nos últimos anos tem sobretudo assinado filmes para televisão. O último, até à data, realizado
para cinema é THE CAT’S MEOW (2001), um filme de época que segue a história semi-verídica de um assassinato
ocorrido no iate de William Randolph Hearst em 1924, levando-nos de volta aos meandros de Hollywood. Em 2006, voltou a uma das suas
primeiras obras, que remontou em nova versão, DIRECTED BY JOHN FORD, o tal filme em que, no cenário de Monument Valley, pergunta a Ford
como realizou ele os seus filmes, recebendo como resposta lapidar a célebre tirada, “With a camera.” De uma forma ou de outra, a reflexão em
torno de Hollywood marca os filmes de Bogdanovich desde, pelo menos, THE LAST PICTURE SHOW, a fulgurante obra prima que escolhemos para
abrir esta retrospectiva.
Começou a carreira como actor, como aluno de Stella Adler e deu largas à paixão pelo cinema como programador no MoMA, onde organizou
retrospectivas importantes de autores à época esquecidos ainda que os seus nomes fossem Howard Hawks, Alfred Hitchcock ou Orson Welles.
Como historiador e como crítico, publicou e entrevistou grandes realizadores do cinema clássico americano: Ford e Welles, sobre cuja obra é uma
reconhecida autoridade, mas também Fritz Lang, Leo McCarey, Allan Dwan ou Joseph H. Lewis. Publicou ainda sobre actores, sendo um dos seus
últimos livros, de 2004, Who the Hell’s in It: Conversations with Hollywood’s Legendary Actors, título que rima com a edição de 1997, Who The
Devil Made It: Conversations with Legendary Film Directors.
Foi na época em que escrevia no MoMA e nas páginas da Esquire sobre cinema clássico americano que despertou a atenção de Roger Corman,
que lhe produziria TARGETS, lançando-o como autor de mote próprio. Ao longo das décadas seguintes, assinou obras que evocam os “velhos”
géneros de estúdio. Mais feliz nos anos 1970 iniciais, mais incompreendido nos 1980 em termos de recepção pública, começando a década de
1990 por um belíssimo regresso a THE LAST PICTURE SHOW com TEXASVILLE, Bogdanovich tornou-se entretanto um realizador mais esparso.
Que importa, ver, rever, descobrir ou redescobrir.



THE LAST PICTURE SHOW
A Última Sessão
de Peter Bogdanovich
com Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Cloris Leachman, Ellen Burstyn
1951. A vida de um grupo de adolescentes numa pequena cidade do Texas. A passagem para a idade adulta, as primeiras desilusões e o fim de
uma época, representado pelo encerramento da única sala de cinema da localidade e pelo embarque de alguns para a guerra na Coreia. Nos-
talgia do passado, requiem pelo cinema clássico americano e alegoria dos dramas presentes em 1971, com a Coreia sugerindo o Vietname. THE
LAST PICTURE SHOW é a segunda longa-metragem de ficção de Bogdanovich e foi filmado no mesmo ano do documental DIRECTED BY JOHN
FORD, dois filmes fundamentais na sua obra e dois filmes que evocam e trabalham a sua cinefilia.


WHAT’S UP DOC?
Que se Passa, Doutor?
com Ryan O’Neal, Barbra Streisand, Madeline Kahn, Kenneth Mars, Austin Pendleton
A screwball comedy de Howard Hawks está na origem de WHAT’S UP DOC?, cujas referências directas Bogdanovich identificou como BRINGING
UP BABY e BALL OF FIRE. O ambiente é São Francisco. A intriga centra-se em quatro malas de viagem e nos seus respectivos proprietários, dando
azo a toda a espécie de equívocos. O par romântico é formado por Barbra Streisand e Ryan O’Neal, este último vindo de LOVE STORY, tear-jerker
de grande sucesso do ano inicial da década de 1970. WHAT’S UP DOC? brinca com isso e põe o seu protagonista a repetir uma frase famosa do
filme anterior: “Love means never having to say you’re sorry.”


PAPER MOON
Lua de Papel
com Ryan O’Neal, Tatum O’Neal, Madeline Kahn, John Hillerman, P. J. Johnson, Randy Quaid
Na terceira longa-metragem, Bogdanovich reincidiu na comédia e voltou ao preto e branco. O argumento parte de um romance de Joe David
Brown (Addie Pray), decorrendo o filme durante o período da Grande Depressão no estado do Kansas, com Ryan e Tatum O’Neal (em estreia no
cinema) a assumir, como na vida real, os papeis de pai e filha. Por aqui pairam sombras de Ford e de THE WIZARD OF OZ. “É justo, racional e sa-
lutar que neste filme, convocador de todas as memórias, se comece por invocar a memória de Dorothy-Judy Garland” (João Bénard da Costa).


DAISY MILLER
Daisy Miller – Uma Mulher às Direitas
com Cybil Shepherd, Barry Brown, Cloris Leachman, Mildred Natwick
Para esta adaptação da novela homónima de Henry James (sobre um par de americanos que se conhecem durante uma viagem pela Europa),
Bogdanovich tentou que fosse o seu amigo Orson Welles a encarregar-se da realização, ficando ele, Bogdanovich, como produtor e actor, a
contracenar com a namorada Cybil Shepherd. Como Welles recusou, foi Bogdanovich quem realizou. Achincalhado pela crítica e ignorado pelo
público, DAISY MILLER foi um flop.



AT LONG LAST LOVE
com Burt Reynolds, Cybil Shepherd, Madeline Kahn
Foi a partir deste filme que a carreira de Peter Bogdanovich começou a dar para o torto. AT LONG LAST LOVE era um ambicioso projecto de
homenagem e recuperação do musical clássico americano – mas a maioria do público e da crítica do seu tempo julgou-o ridículo e o filme foi
um flop monumental. Custa a acreditar, mas ainda hoje se escreve (na América, sobretudo) que AT LONG LAST LOVE é “uma vergonha” e “uma
nódoa” na filmografia de Bogdanovich. Um magnífico filme infame, é o que ele é.


TARGETS
Alvos
com Boris Karloff, Tim O’Kelly, Arthur Peterson
O primeiro filme “a sério” de Peter Bogdanovich, rodado para a “fábrica” de Roger Corman. Bogdanovich era, da nova geração, aquele que mais
amizades tinha entre os veteranos de Hollywood – diz-se que Samuel Fuller terá colaborado, sem crédito no genérico, na escrita do argumento.
Variação low budget do modelo do filme de terror, TARGETS utiliza footage de um filme de Corman (THE TERROR) e Bogdanovich inventou uma
história para aproveitar Boris Karloff, disponível para dois dias(!) de rodagem. Sem surpresa, TARGETS ficou parcialmente transformado em ho-
menagem ao veterano actor de FRANKENSTEIN, que morreu no ano seguinte. A sessão de dia 20 é antecedida da curta-metragem ESERCIZIO DI
LINGUA: Ver entrada em “Ante-estreias”.


NICKELODEON
O Vendedor de Sonhos
com Ryan O’Neal, Tatum O’Neal, Burt Reynolds, Brian Keith, Stella Stevens, John Ritter
Diz Bogdanovich que este filme se baseia em histórias verídicas que lhe foram contadas por Allan Dwan e Raoul Walsh, a quem agradece no
genérico, reforçando o facto de NICKELODEON ser um tributo aos realizadores americanos pioneiros. A acção narrativa centra-se na personagem
de um jovem advogado que acidentalmente conhece um produtor de cinema e assim se descobre argumentista, começando uma bela carreira
que em pouco tempo o torna realizador. O êxito de repetidas rodagens atiça a competição e põe em marcha planos de sabotagem. Primeira
exibição na Cinemateca.


SAINT JACK
Noites de Singapura
com Ben Gazzara, Denholm Elliott, James Villiers, Joss Ackland
Marcado pelo desastre da recepção pública de AT LONG LAST LOVE e, menos dramaticamente, NICKELODEON, Bogdanovich recorreu ao antigo
mestre Roger Corman para produzir SAINT JACK, que resultou num dos seus melhores filmes. A história é a de um americano na Singapura dos
anos 1970, que tenta fazer fortuna com a exploração de um bordel, a convite da CIA, para os soldados americanos em combate no Vietname.
“Penso que SAINT JACK representou mais um regresso do que uma reviravolta. Foi um regresso ao básico. E um passo noutra direcção. (…)
Percebi que tinha recuar e voltar a fazer como em TARGETS. Muito baixo orçamento, sujo” (Peter Bogdanovich).



THEY ALL LAUGHED
Romance em Nova Iorque
com Audrey Hepburn, Ben Gazzara, John Ritter, Dorothy Stratten, Collen Camp
O travo melancólico dos filmes de Bogdanovich numa peregrinação romântica a Nova Iorque, em que se cruzam as referências a BREAKFAST AT
TIFFANY’S (a atmosfera de Greenwich Village dos anos 1960) e a Husbands de Cassavetes (a boémia de Times Square nos anos 1970) com um
romance, algo nostálgico, algo serôdio, entre Audrey Hepburn e Ben Gazzara, que não disfarçam a idade. Belíssimo e pungente.


MASK
A Máscara
com Cher, Eric Stoltz, Sam Elliott, Estelle Getty, Laura Dern, Harry Carey Jr.
Para Bogdanovich, MASK foi o filme do sucesso comercial e de desentendimentos vários (com o produtor pelo “final cut” e pelas intromissões
na banda sonora, onde há canções de Bob Seager em vez de Bruce Springsteen, o desejo do realizador; com a actriz protagonista durante a
rodagem, se bem que Cher tenha conquistado o prémio de melhor actriz no Festival de Cannes de 1985). A história é baseada na vida prematu-
ramente interrompida de Roy L. “Rocky” Dennis, um rapaz que sofria de uma doença rara.


ILLEGALLY YOURS
Ilegalmente Tua
com Rob Lowe, Colleen Camp, Jessica James, Rick Jason, Kenneth Mars
Na obra de Bogdanovich, fica entre MASK e TEXAS VILLE, a fabulosa obra de regresso a THE LAST PICTURE SHOW. A acreditar na opinião de
Bogdanovich, ILLEGALLY YOURS é um dos seus piores filmes: “Não estou certo, mas pode bem ser o meu castigo por me ter posto do lado errado
de todos esses executivos de estúdio enquanto rodava MASK três anos antes.” Trata-se de uma comédia recheada de percalços e intrincados
episódios que envolvem uma relação amorosa, um crime, chantagem e perjúrio. A canção tema do filme é cantada por Johnny Cash. Primeira
exibição na Cinemateca.
Segunda exibição em Março

F FOR FAKE
É sob o signo da fraude que se organiza este Ciclo, que adopta o título da obra-prima de Welles. Se a figura do
falsário há muito se havia começado a impor como uma omnipresença no universo de Orson Welles, é em F FOR
FAKE que adquire todo o seu esplendor. Não se trata aqui de um simples mentiroso, mas de uma personagem
sem limites, que condiciona todas as outras, e a integralidade da narrativa. É este tipo de filmes, em que a narra-
ção deixa de se pretender verídica, para se abrir aos “poderes do falso” (o termo é de Gilles Deleuze), que este
Ciclo aborda. Filmes que, pelos mais diversos meios, sublinham a coexistência de temporalidades, situações e
personagens irreconciliáveis, que tanto abrangem o planeta simulado de CAPRICORN ONE, a vida falsa do pro-
tagonista de L’ADVERSAIRE, a biografia totalmente ficcionada de Emmett Ray, ou as realidades enganadoras de
TO BE OR NOT TO BE e de INGLOURIOUS BASTERDS. Trabalhos que, convocando explicitamente o falso no cine-
ma, o libertam da verdade, revelando-o, não como verdadeiro ou falso, mas como uma arte de prestidigitação.


F FOR FAKE
de Orson Welles


com Orson Welles, Oja Kodar, Elmyr de Hory, Clifford Irving, Joseph Cotten
França/Irão, 1974 - 88 min / legendado em espanhol
Um dos mais insólitos filmes de Orson Welles, fabulosa incursão no mundo da ilusão, da fraude e da mentira. Welles prestidigitador, mestre de
magia, traz até nós a presença de falsificadores célebres, na pintura (Elmyr de Hory) e na escrita (Clifford Irving, autor de uma falsa autobiografia
de Howard Hughes) e mostra como o cinema é a arte suprema dessas ilusões. Particularmente o seu.


CAPRICORN ONE
Capricórnio Um
de Peter Hyams
com Elliot Gould, James Brolin, Hal Hailbrook
Uma conspiração em torno da primeira missão tripulada por humanos a Marte. Tudo parece correr bem até que, pouco antes da partida, os
astronautas são retirados da nave especial e encerrados num estúdio no meio do deserto, onde são forçados a simular a viagem. Uma reflexão
em torno do papel enganador das imagens que, como muita da ficção científica contemporânea, coloca a questão: como distinguir o real da sua
simulação?


L’ADVERSAIRE
O Adversário
de Nicole Garcia
com Daniel Auteuil, Géraldine Pailhas, François Cluzet, Emmanuelle Devos
França/Espanha, 2002 - 129 min / legendado electronicamente em português
Inspirado em factos reais, o filme adapta a história de Jean-Claude Romand: um homem que em 1993 assassinou toda a sua família, falhando de
seguida o suicídio. Investigações posteriores revelam 18 anos de uma vida imersa na mais pura mentira. Em L’ADVERSAIRE Nicole Garcia escolheu
assim acompanhar esta personagem trágica na ficção de uma suposta normalidade. Primeira exibição na Cinemateca.


TO BE OR NOT TO BE
Ser Ou Não Ser
de Ernst Lubitsch
com Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack
O mundo real e o da representação, confundidos nesta comédia genial em que um grupo de actores, para fugir de Varsóvia ocupada pelos nazis,
é obrigado a encenar na realidade a peça que preparava para o palco. O último filme de Carole Lombard.


A HISTORY OF VIOLENCE
Uma História de Violência
de David Cronenberg
com Viggo Mortensen, Ed Harris, Maria Bello, William Hurt
“Lido” por muitos como uma reflexão sobre o estado de tensão em que vive o mundo contemporâneo (e particularmente a América) desde o 11
de Setembro de 2001, A HISTORY OF VIOLENCE conta o que acontece a um homem (e à sua família) depois de um heróico acto de auto-defesa
fazer recair sobre ele quer a atenção dos media quer as de um misterioso “gang”. Haverá alguma coisa escondida no passado dele, alguma
“história de violência”?


PARADE
Parada
de Jacques Tati
Jacques Tati e diversos artistas de circo
França, 1973 - 82 min / legendado em português


Filmado em vídeo e transposto para película. PARADE veio a ser o último filme de Tati, “o maior cómico francês desde Max Linder”, na opinião de
um ilustre crítico. Neste filme crepuscular, Tati abandona a sua personagem de Monsieur Hulot, porque “no circo, todos são Hulot, todos entram
na dimensão mágica, lúdica, da vida” (José Navarro de Andrade).


SWEET AND LOWDOWN
Através da Noite
de Woody Allen
com Sean Penn, Samantha Morton, Uma Thurman
Um falso biopic sobre uma personagem totalmente inventada por Woody Allen: Emmett Ray, o segundo melhor guitarrista de jazz do mundo.
Uma divertida reconstituição da América dos anos 30 com a música como pano de fundo. Primeira exibição na Cinemateca.

Sáb. [24] 21:30 | Sala Dr. Félix Ribeiro

PROFESSIONE: REPORTER
Profissão: Repórter
com Jack Nicholson, Maria Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry
Itália/França/Espanha, 1975 - 126 min / legendado em português
Ver entrada em “História Permanente do Cinema”.


INGLOURIOUS BASTERDS
Sacanas sem Lei
de Quentin Tarantino
com Brad Pitt, Melanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth
Numa sala de cinema, durante a grande estreia de um filme de propaganda nazi em que o próprio Hitler deveria marcar presença, vários grupos
opositores ao regime cruzam-se com um objectivo comum: a destruição do III Reich. Este é o centro do inventivo INGLOURIOUS BASTERDS, o
último filme de Tarantino, nomeado para vários Óscares entre os quais o de melhor argumento. Christoph Waltz acaba de receber o prémio para
melhor actor secundário. Primeira exibição na Cinemateca.

HISTÓRIA PERMANENTE DO CINEMA
Na História Permanente deste mês, demos particular atenção à magnífica produção americana dos anos 30 e 40, apresen-
tando obrasprimas em três géneros em que o cinema de Hollywood fez maravilhas: a comédia, sentimental ou maluca (Ir-
ving Reis e o grande James Whale), o filme de gangsters (Raoul Walsh) e o musical de Busby Berkeley. Também propomos
uma tardia comédia dos anos 60 do mestre Billy Wilder. Do cinema europeu, clássicos de Ophuls, Chabrol e Antonioni,
além de um dos primeiros filmes de Bergman. Poderemos ver ainda o penúltimo filme de Yasujiro Ozu, o inacabado e
póstumo último filme de Nicholas Ray e um raríssimo filme alemão de 1935, que foi imediatamente proibido pelo regime
nazi. No domínio do cinema mudo, o mais ambicioso filme de Jean Renoir deste período e duas raridades: um melodrama
social francês e uma comédia sofisticada alemã. Tudo “a não perder”.


THE FORTUNE COOKIE
Como Ganhar um Milhão
de Billy Wilder
com Jack Lemmon, Walter Matthau, Rin Rich, Cliff Osmond
Brilhante comédia por um dos mestres do género, este foi o filme que marcou o encontro de uma dupla, Lemmon-Mathau. É também uma das
obras mais cínicas de Billy Wilder, com Mathau na figura de um advogado sem escrúpulos que convence Lemmon a exagerar um acidente que
sofrera, forçando o cúmplice a uma imobilidade inesperada, o que suscita inúmeros e impagáveis gags.



KOHAYAGAWA-KE NO AKI
“Fim de Verão” ou “O Outono da Família Kohayagawa”
de Yasujiro Ozu
com Ganjiro Nakamura, Setsuko Hara, Yoko Tsukasa, Chieko Naniwa
Japão, 1961 - 98 min / legendado electronicamente em português
O título deste filme, o penúltimo do mestre japonês, significa literalmente “O Outono da Família Kohayagawa”, mas é normalmente conhecido
pela tradução literal do título comercial francês: “Fim de Verão”. Como de costume, nesta fase final, Ozu tece variações sobre um tema único: a
família japonesa e a sua dissolução, neste caso um pequeno industrial de Osaka, que encontra uma antiga amante em cuja casa vem a morrer.
Realizado com o absoluto rigor formal que caracteriza o cinema de Ozu na maturidade (planos fixos, câmara baixa) e em esplêndidas cores,
KOHAYAGAWA-KE NO AKI é um filme sobre o adeus à vida. Mas um adeus alegre e despreocupado.

Sáb. [10] 19:30 | Sala Luís de Pina

NANA
de Jean Renoir
com Catherine Hessling, Jean Angelo, Werner Krauss
França, 1926 - 110 min / mudo, intertítulos em francês, traduzidos electronicamente em português
NANA é certamente o mais ambicioso dos poucos filmes mudos de Renoir. Uma sumptuosa adaptação do magnífico romance homónimo de Zola,
à luz do realismo grotesco de Stroheim, cuja influência Renoir reconheceu explicitamente. Última colaboração de Renoir com Catherine Hessling,
que foi a sua primeira mulher e tem uma performance absolutamente extravagante no papel de uma cortesã parisiense.


FÄNGELSEE
“A Prisão”
de Ingmar Bergman
com Doris Svendlund, Birger Malmsten, Eve Henning
Suécia, 1948 - 80 min / legendado electronicamente em português
Este foi o sexto filme de Ingmar Bergman e costuma ser considerado o primeiro em que o seu universo pessoal se manifesta de modo nítido, uma
opinião que o realizador compartilhava: “Com este filme, comecei a encontrar o meu próprio pathos”. Um realizador de cinema é contactado
por um dos seus ex-professores, que lhe sugere um tema para um filme: o diabo declarou a terra como o lugar do inferno. O realizador gosta da
ideia e escolhe como protagonista um jovem prostituta. “Uma surpreendente lição de modernidade e um filme básico para a compreensão da
obra de Bergman” (João Bénard da Costa).


WE CAN’T GO HOME AGAIN
de Nicholas Ray
com Nicholas Ray, Leslie Levinson, Denny Fischer, Tom Farrell, Jane Weymann
Estados Unidos, 1971-1980 - 93 min / legendado em português
Último projecto de Nicholas Ray, feito no difícil período final da sua vida. A versão montada por Susan Ray, a partir das nove horas de material
inacabado deixadas por Ray, foi estreada no Festival de Roterdão em 1980. A cópia de Roterdão ardeu e entre as raras cópias que subsistiram
conta-se a que foi adquirida em Portugal pela Fundação Calouste Gulbenkian, entretanto depositada na Cinemateca (segundo Serge Daney,
“nenhuma cinemateca poderá dormir em paz se não tiver nas suas reservas uma cópia de WE CAN’T GO HOME AGAIN”). Filmado em 35, 16,
super 8, 8 mm e em vídeo, utilizando a técnica do split-screen, o incompleto WE CAN’T GO HOME AGAIN (expressão que significa “não se pode
voltar ao passado”) é o requiem da obra de Nicholas Ray.


THE BACHELOR AND THE BOBBY-SOXER
O Solteirão e a Pequena
de Irving Reis
com Cary Grant, Myrna Loy, Shirley Temple, Rudy Vallee, Ray Collins
Comédia romântica (embora o argumento se assemelhe ao de uma screwball comedy) com Cary Grant no papel de um playboy que é a paixão de uma
adolescente, Shirley Temple (o filme foi lançado como o primeiro papel “adulto” da ex-menina prodígio). Decidida a conquistá-lo, ela entra subrepticiamen-
te no seu apartamento, onde é descoberta pela irmã, Myrna Loy, juíza de profissão, que irá condenar o conquistador a namorar oficialmente a irmã.



THE ROARING TWENTIES
Heróis Esquecidos
de Raoul Walsh
com James Cagney, Humphrey Bogart, Priscilla Lane, Gladys George
Um filme de gangsters que procura explicar no seu preâmbulo as razões porque muitos homens foram levados ao crime organizado nos Estados
Unidos nos anos 20: após o regresso dos campos de batalha da Primeira Guerra Mundial, foi-lhes recusada qualquer oportunidade de reinserção
social. James Cagney é um desses heróis de guerra, agora esquecidos, que a sociedade marginalizou e que aproveita a Lei Seca para fazer fortu-
na, com o seu companheiro de combate e de crime, Humphrey Bogart. Um dos mais vibrantes e violentos filmes de gangsters de sempre.


LA LUTTE POUR LA VIE
de Ferdinand Zecca & René Leprince
com René Alexandre, Gabriel Signoret, Louis Ravelt, Gabrielle Robine
França, 1914 - 79 min / mudo, intertítulos em francês, traduzidos electronicamente em português
Realizado num período de transição do cinema, este filme é um importante exemplo “de um daqueles interregnos, quando o antigo já não existe
e o novo ainda não nasceu” (Jean Roy). Realizador, produtor e administrador, Ferdinand Zecca era um dos principais nomes da Pathé, a produtora
do filme. A história é um melodrama social, em que depois de muitas desgraças um honesto proletário acaba por ser recompensado. Mas o que
conta é a realização, sobretudo os notáveis planos de conjunto e uma extraordinária travessia de Paris em estilo documental.


MADAME DE…
Madame De…
de Max Ophuls
com Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio de Sica
Esta obra-prima de Ophuls forma como que uma trilogia com dois outros filmes do realizador sobre amores femininos fracassados, LIEBELEI e
LETTER FROM AN UNKNOWN WOMAN, dos quais são retomadas algumas situações idênticas. Baseado num romance de Louise de Vilmorin e
situado em fins do século XIX, o filme conta a história de um triângulo amoroso e de um par de brincos oferecidos pelo marido à mulher, que os
vende e, mais tarde, os recebe como prenda do amante, que de nada sabia.


DER STAHLTIER
“O Animal de Aço”
de Willy Zielke
com Aribert Mog e os operários da oficina ferroviária de Munique-Freimann
Alemanha, 1935 - 75 min / legendado em francês
Um dos filmes mais míticos da produção da Alemanha do III Reich, pois foi proibido, só tendo sido distribuído em 1954, numa versão truncada.
O seu realizador foi internado num asilo psiquiátrico (segundo algumas fontes, devido a intrigas de Leni Riefenstahl, de quem Zielke foi um dos
operadores de câmara em O TRIUNFO DA VONTADE). Um engenheiro que acaba de desenhar uma nova locomotiva conta aos operários a história
dos grandes inventores de locomotivas, antes de lançar a sua máquina em movimento. Um dos motivos da proibição do filme foi sem dúvida “o
seu formalismo frenético, que é aplicado ao mundo do trabalho de modo estetizante, mas sem idealização ideológica. O aspecto mais marcante
do filme é o seu lado obsessivo” (Edgardo Cozarinsky). Uma obra rara, a descobrir.

LE BEAU SERGE
Um Vinho Difícil
de Claude Chabrol
com Gérard Blain, Jean-Claude Brialy, Bernadette Lafont
Cronologicamente LE BEAU SERGE pode ser considerado como o primeiro filme da Nouvelle Vague, embora não tenha sido realizado no estilo


mais característico dos cineastas daquele grupo e tenha uma factura mais clássica. Foi o seu sucesso que ajudou a criar, junto do público e da
imprensa, a predisposição para um bom acolhimento dos filmes com o carimbo “NV” que não tardaram a seguir-se. Pelo tema (ácida observação
da burguesia rural) e pelo estilo (permanente alternância do ponto de vista narrativo), LE BEAU SERGE é já típico do futuro cinema de Chabrol,
para mais revelando três actores (Blain, Brialy, Lafont) que fariam longas carreiras, dentro e fora da Nouvelle Vague.


DAMES
de Ray Enright, Busby Berkeley
com Joan Blondell, Dick Powell, Ruby Keeler, Zasu Pitts
DAMES, uma das mais famosas produções da Warner, esteve para se chamar GOLD DIGGERS OF 34, na sequência do grande sucesso do ano
anterior. Como nos outros filmes da série, o argumento é secundário e resume-se às mesmas linhas de força: a tentativa de um grupo de actores
para porem em cena um espectáculo musical. A essência do filme está nos números musicais com, entre outros, as músicas de Al Dubin e Harry
Warren e os bailados encenados pelo genial Busby Berkeley. Destacam-se o que dá o título ao filme e o prodigioso I Only Have Eyes for You.


EVE IN SEIDE
“Eva na Seda”
de Carl Boese
com Lissi Arna, Walter Rilla, Margarete Kupfner
Alemanha, 1928 - 95 min / mudo, intertítulos em francês, traduzidos electronicamente em português
Carl Boese foi um prolífico realizador de filmes populares na Alemanha e co-assinou DER GOLEM, um dos clássicos do cinema, com Paul Wegener.
EVA IN SEIDE narra a extravagante história de uma mulher tirada da rua por um protector e transformada numa criatura cortejada pelos meios da
alta sociedade (em Berlim, Paris e Monte-Carlo), enquanto o homem escreve um romance sobre a aventura que ela está a viver. Muitos críticos
consideram EVA IN SEIDE uma tentativa alemã de fazer uma comédia “americana”, à maneira das de Cecil B. DeMille. No entanto, a influência
dos emigrados alemães em Hollywood foi enorme, a começar pela do rei da comédia sofisticada, Ernst Lubitsch. Seja como for, o filme é um bom
exemplo do cinema comercial alemão do período mudo, que ficou encoberto pelas numerosas obras-primas realizadas em Berlim nos anos 20.


PROFESSIONE: REPORTER
Profissão: Repórter
com Jack Nicholson, Maria Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry
Itália/França/Espanha, 1975 - 126 min / legendado em português
Ao contrário do “mal amado” ZABRISKIE POINT, PROFISSÃO REPÓRTER foi uma obra adoptada pelos espectadores de Antonioni desde a primeira
hora, cedo rotulada como uma obra-prima. É o filme em que Maria Schneider é uma rapariga sem nome e Jack Nicholson uma personagem que
troca de identidade entre dois movimentos de câmara. Estreado em Portugal em 1978, PROFISSÃO REPÓRTER foi reposto no circuito comercial
em 2006.


REMEMBER LAST NIGHT?
de James Whale
com Edward Arnold, Constance Cummings, Robert Young, Robert Armstrong
Realizado entre THE BRIDE OF FRANKENSTEIN e SHOWBOAT, este tresloucado e injustiçado filme era o preferido de James Whale entre todos
aqueles que fez (ex aqueo com THE INVISIBLE MAN). Foi também um dos seus projectos mais pessoais, pois foi ele quem sugeriu ao estúdio que
comprasse os direitos do romance THE HANGOVER MURDERS, cujo título resume a acção: depois de uma festa absolutamente louca, descobre-
se pela manhã o cadáver do dono da casa na sua cama. Mas como todos beberam litros de álcool, ninguém se lembra do que aconteceu. O
resultado é de “uma loucura tão desinibida que em muitas sequências o espectador fica de cabeça perdida, pelo esforço que tem de dispender
para saborear tudo sem perder nada” (Frederico Lourenço).


CINEMA E AMBIENTE
EM COLABORAÇÃO COM
A FUNDAÇÃO CALOUSTE GULBENKIAN

Entre Setembro de 2009 e Julho de 2010, ao ritmo de uma sessão mensal, a Cinemateca Portuguesa e a Fundação Ca-
louste Gulbenkian colaboram na organização de um Ciclo centrado em temáticas ambientais. Cada sessão é comentada
por um convidado ou uma convidada, numa escolha (dos filmes e dos comentadores) presidida pela vontade de diversificar
ao máximo os temas e as abordagens. Em Abril exibimos LES GLANEURS ET LA GLANEUSE, hino àqueles que aproveitam
tudo, e exercício de caméra-stylo em digital. A sessão é comentada por Helena Roseta.


LES GLANEURS ET LA GLANEUSE
Os Respigadores e a Respigadora
de Agnès Varda
sessão comentada por Helena Roseta
Partindo de um célebre quadro de Millet intitulado Les Glaneurs, o filme de Varda desenha-se como um retrato impressionista de um conjunto
de respigadores contemporâneos. Estes já não recuperam as espigas abandonadas nos campos ceifados, mas tudo o que os outros deixam para
trás. Com a sua pequena câmara digital em punho, com a qual capta toda uma diversidade de imagens, Agnès Varda encarnará no cinema a
figura por excelência da respigadora.

AS PAIXÕES DA ALMA
EM COLABORAÇÃO COM O CENTRO CULTURAL DE BELÉM

No seu Tratado das Paixões (1649), mais conhecido como As Paixões da Alma, Descartes racionalizou e sistematizou as paixões humanas, das
quais as mais elementares são a admiração, o amor, o ódio, o desejo, a alegria e a tristeza. Esse conjunto de paixões é o ponto de partida para
os Dias da Música 2010. A escolha das obras e dos compositores desta edição do festival obedece a um diálogo com as paixões básicas e con-
traditórias que cada peça musical provoca. A Cinemateca Portuguesa associa-se ao evento, exibindo um Ciclo de filmes em que as paixões (e a
música) andam à solta.


I’VE ALWAYS LOVED YOU
Sempre Gostei de Ti
de Frank Borzage
com Philip Dorn, Catherine McLeod, Maria Ouspenskaya, William Carter
Um espantoso melodrama a cores, realizado por um dos mestres absolutos do género, sobre a paixão não correspondida de uma jovem por um
grande pianista. Mas, como indica o título, a chama deste amor permanece através do tempo. O surpreendente final, em que o par “comunica”
à distância, quase por telepatia, sublima as regras do género. Philip Dorn é “dobrado” ao piano por Arthur Rubinstein.


EIKA KATAPPA
de Werner Schroeter
com Gisela Trowe, Carla Aulaulau, Rosy-Rosy, Magdalena Montezuma.
Alemanha, 1969 - 138 min / legendado electronicamente em português
EIKA KATAPPA, obra de estreia de Schroeter, é um filme de colagem, que mistura preto e branco e cor, Callas e Catarina Valente, mitologias
germânicas e tragédia de rua de Nápoles. Um filme verdadeiramente experimental, onde se aposta no excesso e na imperfeição técnica.


HERR ARNES PENGAR
“O Tesouro de Arne”
de Mauritz Stiller


com Mary Johnson, Richard Lund, Hjamer Selander
Suécia, 1919 -106 min / mudo, com intertítulos em sueco, traduzidos em português
Uma obra-prima, baseada num conto de Selma Lagerlöff, que mostra a que nível artístico o cinema chegara na década de 10. “O TESOURO DE
ARNE” tem por cenário a Suécia na Idade Média, contando a história de três evadidos que matam um fazendeiro para se apoderarem de um
tesouro e ficam com a fuga cortada pela neve. Inesquecível presença feminina de Mary Johnson e imagens deslumbrantes onde se destacam as
cenas do desfile fúnebre final. Cópia restaurada.


NESKOLKO DNEJ IZ JIZNI I. I. OBLOMOVA
“Alguns Dias na Vida de Oblomov”
de Nikita Mikhalkov
com Oleg Tabakov, Yury Bogatyrov, Yelena Solovey, Andrei Popov
URSS, 1979 - 140 min / legendado em francês legendado electronicamente em português
Esta adaptação do romance de Gontcharov é provavelmente a obra-prima de Nikita Mikhalkov, um realizador cuja envergadura a crítica nunca
reconheceu plenamente. História de um homem relativamente rico e indolente, descrente, porém inteligente, que nada faz mas tudo percebe.
Oblomov passa ao largo daquilo que deseja, apesar das tentativas do seu melhor amigo, um homem de acção, que tenta ajudá-lo. Neste filme
sobre a amizade e sobre o passar do tempo, Mikhalkov reproduz magnificamente a Rússia de fins do século XIX e conta com actores excepcio-
nais, sobretudo Oleg Tabakov, no papel principal.


SONG OF LOVE
de Clarence Brown
com Katherine Hepburn, Paul Henreid, Robert Walker, Henry Daniell
Estados Unidos, 1947 - 121 mim / legendado electronicamente em português
No ano em que se assinala o bicentenário do nascimento de Robert Schumann, exibimos este biopic da MGM sobre a relação amorosa entre
o compositor e Clara Wieck, depois Clara Schumann. É uma história de fidelidade pessoal e artística, de romantismo e abnegação. Katherine
Hepburn toca (realmente) piano.

PIERRE KLOSSOWSKI E OS PODERES DA IMAGEM
EM COLABORAÇÃO COM O CENTRO DE ESTUDOS DE COMUNICAÇÃO E LINGUAGENS
DA UNIVERSIDADE NOVA DE LISBOA

O pretexto para este Ciclo em torno de Pierre Klossowski é uma série de iniciativas em torno da imagem e pensamen-
to, promovidas pelo Centro de Estudos de Comunicação e Linguagens da Universidade Nova de Lisboa, que exploram
o universo multifacetado deste autor. Rejeitando os qualificativos de escritor, filósofo, tradutor ou de pintor, Klosso-
wski preferia definir-se como um “monómano” (aquele que se fixa num único motivo, repetindo incessantemente
os mesmos fantasmas) e como um criador submetido à ditadura da visão. Irmão do pintor Balthus, a sua obra surge
desde logo associada a toda uma geração de artistas e escritores a que pertencem ainda Blanchot, Bataille, Michel
Leiris ou Roger Caillois. Vários dos seus trabalhos literários serão adaptados ao cinema com a sua activa colaboração,
como testemunha este Ciclo. Raoul Ruiz, cineasta que fez vários filmes a partir do universo de Klossowski, parte do
romance Le Baphomet para a realização de L’HYPOTHÈSE DU TABLEAU VOLÉ. ROBERTE, de Pierre Zucca, adapta os
livros La Révocation de l’Édit de Nantes e Roberte, ce Soir, e tem o casal Klossowski como protagonista, atestando a importância da personagem
de Roberte, figura inspirada na mulher do escritor, e em todo o seu trabalho romanesco e pictórico. Mas a coerência extrema desta obra é ainda
elucidada pelos documentários de Alain Fleischer e de Pierre Coulibeuf, que revelam a importância que os conceitos de simulacro e estereótipo
têm no universo de Klossowski no que respeita a uma dissolução da fronteira entre realidade e ficção, verdade e falsidade, modelo e cópia, pro-
longando e multiplicando a dimensão especular da obra do autor. Uma selecção dos filmes de um minuto, participantes num concurso aberto a
escolas, que está a decorrer paralelamente ao colóquio, será projectada na abertura das sessões. À excepção de AU HASARD BALTHAZAR, todos
os filmes são primeiras exibições na Cinemateca.


AU HASARD BALTHAZAR
Peregrinação Exemplar
de Robert Bresson


com Anne Wiazemsky, François Lafarge, Philippe Asselin, Pierre Klossowski
AU HASARD BALTHAZAR é uma fábula construída em torno de um burro que vagueia, ao acaso, de dono em dono. O cinema de Robert Bresson
estava, por esta altura, no máximo do seu despojamento, num misto de simplicidade e gravidade formais. As deambulações do burro Balthazar
exprimem uma figura capital no universo do cineasta, o acaso. Através dos seus sucessivos donos, é a Humanidade que Bresson encena, num
filme de uma beleza sublime. Klossowski desempenha aqui um papel.


L’HYPOTHÈSE DU TABLEAU VOLÉ
de Raoul Ruiz
com Jean Reno, Jean Rougeul, Anne Debois, Chantal Palay
Um coleccionador possui uma série de quadros atribuídos a Frédéric Torre, pintor do século XIX. O desaparecimento de uma das telas dará azo
às mais diversas especulações. Há então que encontrar este quadro invisível e resolver o enigma que poderia dar um sentido ao conjunto da
colecção, pesquisa que recorre a um invulgar dispositivo. Argumento de Klossowski e de Ruiz, a partir de Le Baphomet, da autoria do primeiro.


ROBERTE
de Pierre Zucca
com Pierre Klossowski, Denise Morin-Siclair, Barbet Schroeder, Juliet Berto
Adaptação de La Révocation de l’Édit de Nantes et Roberte ce soir. Octave (Klossowski), homem de uma certa idade, católico e professor de
direito, é casado com Roberte, antiga resistente e actual presidente de uma comissão de censura, que participa em eróticos quadros vivos, com
vista à satisfação dos desejos do seu marido. Uma ilustração dos fantasmas do escritor, em que este, juntamente com a sua mulher, protagoniza
o próprio filme.


PIERRE KLOSSOWSKI OU L’ÉTERNEL DÉTOUR
de Alain Fleischer
com Pierre Klossowski, Denise Morin-Siclair
Um retrato de Pierre Klossowski através de excertos de filmes inspirados nos seus romances, de textos, e de entrevistas com ele e com a “musa
inspiradora” e intérprete da personagem de Roberte, a sua mulher Denise Morin-Siclair.


KLOSSOWSKI, PEINTRE-EXORCISTE
de Pierre Coulibeuf
com Jean-Emile Genvrin, François Mussard, Pierre Klossowski

PIERRE KLOSSOWSKI, PORTRAIT DE L’ARTISTE EN SOUFFLEUR
de Alain Fleischer
com Pierre Klossowski
Pierre Coulibeuf constrói um diálogo singular com grandes figuras da arte contemporânea, em busca de formas inéditas. KLOSSOWSKI, PEINTRE-
EXORCISTE é um desses casos. Obra composta por três episódios - À LA GALERIE, IMAGES-MIROIRS, LES CRAYONS DE COULEUR –, reflecte a
dimensão especular da obra plástica do autor. O filme de Fleischer é o primeiro de vários trabalhos em que este se debruça sobre Klossowski,
acompanhando-o enquanto lê o romance Le Souffleur, nos jardins de Paris, quando desenha um nu no atelier, ou quando encena as personagens
do livro em sua casa.


O QUE QUERO VER
Este mês, na rubrica em que respondemos a sugestões dos nossos espectadores, revisitaremos a II Guerra e o regime
de Vichy num raro filme de Claude Chabrol (L’OEUIL DE VICHY) e teremos ocasião de reencontrar Edgar G. Ulmer e um
dos seus filmes aclamados, RUTHLESS.


L’OEUIL DE VICHY
de Claude Chabrol
com narração de Michel Bouquet
Filme singular na obra de Claude Chabrol. Compilando newsreels e outros fragmentos de propaganda oficial (ou oficiosa) do Governo de Vichy,
L’OEUIL DE VICHY analisa as razões e as justificações do regime saído da derrota francesa em 1940. Como se legitimava o regime, como era
contada e enquadrada a própria evolução da II Guerra. Uma cirúrgica incursão num período histórico ainda não totalmente “cicatrizado”.

Sex (23) 22:00 | Sala Luís de Pina

RUTHLESS
Ambição
de Edgar G. Ulmer.
com Zachary Scott, Louis Hayward, Diana Lynn, Sydney Greenstreet, Lucille Bremer, Martha Vickers.
Estados Unidos, 1957 – 104m / Legendado electronicamente em português
Um dos filmes mais surpreendentes de Edgar Ulmer. RUTHLESS foi várias vezes comparado a CITIZEN KANE mas apesar de ser evidente, no filme
de Ulmer, uma certa evocação do de Orson Weles, as semelhanças ficam-se por aí. O que domina RUTHLESS, implacavelmente, são o ódio e o
rancor do protagonista, não uma procura do seu “rosebud”.

CINEMA PORTUGUÊS: PRIMEIRAS OBRAS, PRIMEIRAS VEZES
O programa regular “Primeiras Obras, Primeiras Vezes” no cinema português prossegue em Abril com duas
sessões, com paragem nos anos 1920 (em Manuel Luis Vieira) e 1990/2000 (Miguel Gomes).
Manuel Luis Vieira foi um importante nome do cinema português onde, além de realizar as duas singulares
primeiras obras que aqui mostramos e uma série de outros títulos de registo documental, foi um relevante
director de fotografia, tendo trabalhado com Leitão de Barros, Chianca de Garcia ou António Lopes Ribeiro.
Miguel Gomes é um dos mais recentes reconhecidos nomes do cinema português contemporâneo, tendo até
à data assinado duas longas e seis curtas-metragens.


O FAUNO DAS MONTANHAS
de Manuel Luis Vieira
com Arnaldo Coimbra, Ermelinda Vieira, George Gordon, Maria da Nazaré Nunes da Silva Gouveia

A CALÚNIA
de Manuel Luis Vieira
com Nadine Menut, Ermelinda Vieira, Maria Augusta, Fernando de Figueiredo, Arnaldo Coimbra
Os dois filmes de Manuel Luis Vieira são produções da Empresa Cinegráfica Atlântida, por ele fundada em 1925, no Funchal, onde nasceu em
1885, numa aventura pessoal que se assumiu marginal face às estruturas de produção do seu tempo e passou pela transformação do estúdio
de fotografia que possuía em estúdio de cinema. Trata-se, em ambos os casos, de filmes que tiram partido, por um lado, da qualidade fotográfica
de Manuel Luis Vieira e, por outro, da paisagem da ilha da Madeira onde foram concebidos e rodados. O FAUNO DAS MONTANHAS adopta uma
perspectiva romântica acentuadamente onírica, sendo A CALÚNIA igualmente marcado pelo melodrama.



ENTRETANTO
de Miguel Gomes
com Mariana Ricardo, Nuno Oliveira, André Delphim, Joana de Sá, Gonçalo Félix

INVENTÁRIO DE NATAL
de Miguel Gomes
com Joana Grácio, Paulo Encarnação, João Nicolau, Mariana Ricardo, Alberto Seixas Santos, Manuel Mozos

31
de Miguel Gomes
com Mariana Ricardo, Nuno Oliveira
Portugal, 2001 – 27 min

KALKITOS
de Miguel Gomes
com André Delphim, Patrícia Portela, Ricardo Gross, Hugo Faustino, João Navarro
Antecedendo a sua estreia nas longas-metragens (até à data: A CARA QUE MERECES, 2004 e AQUELE QUERIDO MÊS DE AGOSTO, 2008), as
quatro primeiras curtas de Miguel Gomes foram afirmando o seu universo e abrindo o fôlego reconhecido à obra entretanto realizada. ENTRE-
TANTO é o filme de um trio amoroso, de um tempo de suspensão, e de três compassos: um jogo de futebol, uma festa, uma praia. INVENTÁRIO
DE NATAL fixa-se num retrato de conjunto de um dia 25 de Dezembro nos anos 1980. 31 foi rodado como um filme improvisado e o motivo
de uma partida de ténis. Em KALKITOS, um grupo de rapazes é filmado como um bando de miúdos a jogar à bola: “Tem um lado formal quase
congelado. É um filme que eu queria que parecesse muito inocente, e essa estridência estava a tentar contrapor-se ao lado inocente” (Miguel
Gomes). Primeiras exibições na Cinemateca.

A PROPÓSITO DOS 50 ANOS DE BRASÍLIA, JOAQUIM PEDRO DE ANDRADE
21 de Abril assinala a data dos 50 anos da fundação da cidade de Brasília. Evocamos a data pro-
gramando a curta-metragem de 1967 de Joaquim Pedro de Andrade com imagens de Bra-
sília no seu sexto de ano de existência. A sessão inclui ainda a exibição da primeira longa-
-metragem do realizador, importantíssimo nome do Cinema Novo Brasileiro. Assim nos associamos às comemorações
do Cinquentenário da fundação da cidade de Brasília.


BRASÍLIA: CONTRADIÇÕES DE UMA CIDADE NOVA
de Joaquim Pedro de Andrade
Brasil, 1967 - 23 min

O PADRE E A MOÇA
de Joaquim Pedro de Andrade
com Paulo José, Helena Ignez, Mário Lago
Brasil, 1965 - 91 min
Exemplo do trabalho de Joaquim Pedro de Andrade no domínio do documentário, BRASÍLIA: CONTRADIÇÕES DE UMA CIDADE NOVA fala de
uma cidade construída sobre a ilusão de que a arquitectura e o urbanismo podem resolver os problemas sociais. O PADRE E A MOÇA, a sua
primeira longa-metragem de ficção, tem como ponto de partida um poema de Carlos Drummond de Andrade. Esta história dos amores ilícitos
entre um padre e uma jovem, numa pequena cidade de província, é filmada num estilo que tem afinidades com o cinema francês e italiano
contemporâneo da obra.


ANTE-ESTREIAS
ESERCIZIO DI LINGUA, produzido por Joana Rodrigues, escrito e realizado por David Barros, é a curta-
metragem de ficção em “ante-estreia” em Abril.


ESERCIZIO DI LINGUA
de David Barros
com Luca Zerbo, Debora Ricci, Inês Ramalhete, Emília Pinto de Almeida, António Rocha, Joana Rodri-
gues
Portugal, 2009 - 19 min / legendado em português
Produção independente, a sinopse de ESERCIZIO DI LINGUA apresenta-o como um filme em que “Um
jovem português estudante de italiano, tendo por objectivo a prática do idioma, decide realizar um
pequeno filme com actores não profissionais. Frustrado com a fraca qualidade linguística do material, acaba por cair na tentação de fazer um
exercício fílmico com um intuito puramente estético, no qual as únicas palavras pronunciadas são universalmente reconhecíveis”. A sessão pros-
segue com TARGETS. Ver entrada em “Peter Bogdanovich”.

ABRIR OS COFRES
A sessão “Abrir os Cofres” deste mês apresenta quatro preservações de filmes a cores acabadas de sair do
laboratório da Cinemateca. Quatro documentários filmados durante ou a propósito do 25 de Abril de 1974
e que mostram quatro aspectos do quotidiano revolucionário: uma ocupação de terras, uma síntese histórica
sobre a independência de Guiné Bissau, a pintura colectiva de um mural em Belém, e o retomar de tradições
rurais reprimidas durante a ditadura. Primeira exibição da cópia restaurada de um dos mais importantes filmes
de Manuel Costa e Silva, Madanela (1977). A sessão é apresentada pelo realizador José Filipe Costa.


HERDADE DO ZAMBUJAL
da Unidade de Produção Cinematográfica nº1

GUINÉ BISSAU: INDEPENDÊNCIA
de António H. Escudeiro

PINTURA COLECTIVA
de Manuel António Pires

MADANELA
de Manuel Costa e Silva
Apresentamos um conjunto de documentários a cores, recém preservados, sobre três temas centrais do 25 de Abril de 1974: a colectivização, a
redescoberta do mundo rural e a descolonização. Herdade do Zambujal e Pintura Colectiva abordam a primeira questão. O primeiro, não só por-
que documenta a ocupação de uma herdade e a sua administração pelos trabalhadores, mas também pelo próprio modo de produção colectiva
do filme (assinado pela UPC nº1 do Instituto Português de Cinema). Pintura colectiva, por sua, vez, regista um modo de empenhamento comu-
nitário que se multiplicou um pouco por todo o país (e que chegou pelo menos aos anos oitenta), mas aqui representado numa configuração
“erudita”, juntando nomes sonantes da cena artística e cultural portuguesa dos anos setenta: Noronha da Costa, Fernando de Azevedo, Joaquim
Rodrigo, Lourdes Castro, Costa Pinheiro, Eduardo Batarda, António Palolo, e dezenas de outros artistas plásticos, e ainda Raul Rego, João Bénard
da Costa e o grupo de teatro A Cornucópia. Madanela, por seu lado, documenta uma festa religiosa com características “laicas” (não seriam
antes pagãs?) e inscreve-se, como tantos outros filmes sobre o mundo rural português do mesmo período, nas tentativas de corrigir a imagem
folclorizada do “povo” veiculada durante a ditadura. Na esteira de Festa, Trabalho e Pão em Grijó de Parada (1973), o filme de Costa e Silva
exibe a urgência etnográfica típica dos registos de uma cultura em desaparecimento (ou pelo menos vista como tal). Finalmente, o documentário


de António Escudeiro completa este panorama das questões “quentes” do pós-25 de Abril com a sua síntese histórica sobre a independência
da Guiné Bissau, que percorre a história do país desde a sua colonização até à admissão na ONU, passando pela guerra de libertação e pelo
complexo processo negocial após o 25 de Abril.

CINEMATECA JÚNIOR
É tempo de Páscoa, e esperemos que, finalmente, também seja tempo de sol e calor. As nossas sessões públicas estão este mês reduzi-
das a três: a Cinemateca Júnior estará fechada no dia 3 para podermos todos ir comprar as amêndoas e os ovos de chocolate.
A programação, tendo em conta a época festiva mais apropriada ao nosso público infantil, exibirá dois filmes de animação. Os mais
crescidos poderão assistir, no último sábado, a um clássico da História do Cinema.
Começamos dia 10, da melhor maneira, com a exibição do oscarizado filme de animação do ano, Up-Altamente: Carl Fridrecksen, o
protagonista, um viúvo de 78 anos sozinho no mundo, decide que não passará o resto da sua vida, como todos querem, à espera da
morte num lar de idosos e zarpa literalmente para o seu sonho de infância, uma viagem a uma “Terra Perdida” na América do Sul. A
viagem será tudo menos tranquila. Carl e o involuntário passageiro clandestino, o jovem escuteiro Russell, vão-se envolver com um
demoníaco vilão, um cão que fala e um pássaro muito raro. A não perder!!!!
Dia 17 continua a saga dos nossos amigos pré históricos com Idade do Gelo: Descongelados. Nesta aventura, Mannny, Sid, Diego e o divertido
esquilo Scrat vêm o seu paraíso, que estava protegido pelo gelo, ameaçado por uma inundação que o degelo provoca, e a sua única salvação é
tentarem alcançar um barco. Os três amigos iniciam então uma viagem recheada de perigos e surpresas.
No último sábado, dia 24, um filme de capa e espada: O Sinal dO Zorro, de 1940, uma obra-prima dos filmes de aventuras. Um filme antigo mas
nunca velho, realizado pelo “grande” Rouben Mamoulian.
De segunda a sexta-feira, temos sessões de cinema, ateliers e visitas guiadas à exposição permanente de pré-cinema para escolas no Palácio Foz.
Basta contactar cinemateca.junior@cinemateca.pt Durante este mês, continuam as actividades suplementares destinadas aos ATL. Não esqueça
a nossa velha máxima: O CINEMA VOLTOU AOS RESTAURADORES. Venha ao cinema e aproveite, veja, toque e brinque com as magnificas má-
quinas da nossa exposição permanente.

Sáb. [10] 15:00 | Palácio Foz

UP
UP – Altamente
de Pete Docter, Bob Peterson
Estados Unidos, 2009 - 96 min / versão dobrada em português
O grande êxito do cinema de animação do ano de 2009, saído mais uma vez da “fábrica maravilha”, a Pixar. Up ensina-nos que nunca é tarde
para realizar as nossas fantasias, o protagonista Carl Fredricksen, um respeitável viúvo de 78 anos, depois de uma vida pacata e normal, decide
que está na hora de cumprir o seu sonho, viajar para a América do Sul. Não precisará de ir de avião nem de barco, irá comodamente na sua casa,
em voo com a ajuda de milhares de balões.


ICE AGE II: THE MELTDOWN
Idade do Gelo: Descongelados
de Chris Wedge
Canadá, 2006 - 91 min / versão dobrada em português
Scrat (o esquilo) é a grande vedeta desta continuação do primeiro IDADE DO GELO. Ele continua na companhia dos seus indispensáveis amigos:
o mamute, a preguiça e o tigre dentes de sabre nas mais rocambolescas aventuras, agora enfrentando o “grande degelo” que porá em causa o
seu habitat.


THE MARK OF ZORRO
O Sinal do Zorro
de Rouben Mamoulian
com Tyrone Power, Linda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard, Eugene Pallette, J. Edward Bromberg
Um dos mais notáveis filmes de aventuras de todos os tempos, com Tyrone Power no duplo papel do sofisticado Diego e do destemido justiceiro
mascarado, que luta para libertar a sua terra. Um filme espectacular, em que cada duelo é encenado como um bailado.



xposição

INSOMNIA
C A R LO S M E D E I R O S
E S PA Ç O 3 9 D E G R A U S
7 de Abril – 31 de Julho 2010

Natural de Ponta Delgada, Carlos Medeiros é actor e fotógrafo. Expõe regularmente desde 1986 em iniciativas individuais e colectivas. No cine-
ma, foi dirigido por João Mário Grilo, Vicente Jorge Silva e José Fonseca e Costa. Como fotógrafo, o seu trabalho tem sido mostrado em Portu-
gal, Espanha, França, Marrocos e nos Estados Unidos e está representado na colecção de fotografias da Galerie du Château d’Eau (Jean Dieuzai-
de, Toulouse); Le Parvis-Galerie de Photographie (Tarbes); Centro Português de Fotografia (Porto); Teatro Nacional D. Maria II, Cinemateca Portuguesa-Mu-
seu do Cinema, Centro Português de Serigrafia (Lisboa); Câmara Municipal de Almada; Delegação de Turismo dos Açores, Biblioteca Pública e Arquivo Regional
de Ponta Delgada e em colecções particulares. Em 2005, publicou o livro Tierras - Diálogo Godofredo Ortega Muñoz.

Fotografias em película preto e branco Ilford HP5 400 Asa. Ampliações (aproxidamente 40x50cm) sobre papel Ilford MG IV FB 1K. Laboratório: N. Calvet Lda.

dições
ÚLTIMAS PRÓXIMAS
JOHN HUSTON, CAVALEIRO ERRANTE VIAGENS COM PRESTON STURGES
ERAM OS ANOS 70 ANTHONY MANN
PICKPOCKET AS FOLHAS DA CINEMATECA:
ELIA KAZAN
AS FOLHAS DA CINEMATECA:
LUCHINO VISCONTI
JOÃO CÉSAR MONTEIRO


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