10. cinquecento 2015

CINQUECENTO.(S. XVI)
Introducción
•
Sólo duró la primera mitad del siglo ya que en las
últimas décadas se aprecia la crisis de la cultura
humanista y el inicio del MANIERISMO.
•
Crisis y decadencia de las repúblicas italianas y
apogeo de las monarquías autoritarias
(Francia,España…) y de Roma (El papado casi una
corte de emperadores y un foco artístico con Julio II,
León X, Clemente VII… que atrajo a los principales
artistas). Reafirmación del papado y su poder.

CINQUECENTO.Introducción
•
Periodo de madurez creadora: se perfeccionan los
logros de la etapa anterior:
– Antropocentrismo.
– Carácter científico: investigación de la obra de arte
(Leonardo)
– Se concilia la antigüedad y la herencia cristiana: arte
solemne, eclesiástico, en nada mundano.
Los artistas se independizan del mecenas y adquieren mayor
libertad para interpretar los temas. Nace la figura del genio
individual, disputado en los encargos.

ARQUITECTURA: BRAMANTE (1444-
1515)
•
Las principales características de Bramante:
-Síntesis de Alberti (medida, forma pura en un
universo matemático) y Brunellechi (perspectiva,
centralidad, unidad del espacio, elementos clásicos,
claridad en la concepción del espacio).
-Valor escultórico del edificio. Simplicidad.
-Escasa decoración . Arquitectura como orden,
medida, proporción y masa.

ARQUITECTURA DEL
CINQUECENTTO. BRAMANTE•
TEMPLETE DE SAN PEDRO IN MONTORIO .Mármol
•
- Lugar donde San Pedro fue crucificado(por eso es
circular como los martyria). Perfecto : une lo terrenal
(la columna vertical ) y lo celeste (la cúpula circular).
•
-Está concebido para ser visto desde el exterior.
•
-Su planta es circular, centralizada con pilastras
adosadas a la pared.
•
-Rodeado por un peristilo de 16 columnas de orden
toscano que se alzan sobre una base escalonada
como los modelos clásicos. Entablamento
(arquitrabe, friso con triglifos y metopas que narran
el martirio y una cornisa), encima una balaustrada
circular que rodea el tambor de la cúpula con nichos
y ventanas ciegas. Rematado con una cúpula y la
linterna.

Templete de San Pedro in Montorio
•
Carácter unitario. Proporción, armonía. Sin decoraciones superfluas.
•
Simetría en todos sus ejes. Radios de la esfera hacia la columna.
Equilibrio entre lo vertical y lo horizontal
•
Proporción : módulo a partir de la columna.
•
Ritmo: columna/ventana (masa/vacío).
•
Ritmo circular (columna redonda, capilla redonda, balaustrada y
cúpula… como anillos concéntricos)
•
Simbolismo: representa la iglesia fundada por Pedro (centro y sostén
del espacio y del mundo). Por eso se considera el modelo de edificio
sagrado (similar al Panteón pero aplicado al cristianismo: síntesis de
la historia antigua y de la ideología cristiana)

BASÍLICA DEL VATICANO (Proyecto de Bramante)
Cruz griega inscrita en un cuadrado y una cúpula central sobre enormes pilares y tambor en
forma de anillo de columnas. Cuatro cúpulas menores y cuatro torres. Une geometría,
órdenes clásicos y simbolismo (cúpula del Panteón) .Este proyecto inicial fue modificado por
varios arquitectos : Rafael (une el espacio centralizado y un cuerpo basilical). Sangallo
(planta centralizada pero con un cuerpo previo) y Miguel Ángel vuelve al plan de cruz griega
dejando una sola entrada y con una cúpula mayor contrarrestada por 4 menores (como
Santa Sofía).

Proyectos para la iglesia del Vaticano
(Bramante y Miguel Ángel)
En el periodo
barraco se
incorpora el
proyecto de
Maderna : nuevo
acceso.

CÚPULA DEL VATICANO (Miguel Ángel)
CÚPULA CIRCULAR : Soporte doble: pilastras y
columnas que se repite en el tambor y la linterna
de la cúpula.
Alternancia de frontones curvos y triangulares.
Utiliza en el exterior el orden gigante.
Dos tambores (con nichos y con guirnaldas).
Manierismo por su concepción ovalada y el orden
gigante de las columnas.

Miguel Ángel.
Escalera de la Biblioteca Laurenciana
(Florencia)
Miguel Ángel inicia un camino hacia el manierismo: originalidad, orden gigante, imaginación,
efectos ópticos (apariencia más amplia), libertad para disponer los elementos clásicos.

Miguel Ángel.Plaza del Capidoglio
Introduce el óvalo y la elipse , en principio
figuras imperfectas que no tienen una única
centralidad.

Andrea Palladio. Villa Rotonda
Nuevo lenguaje arquitectónico: el manierismo. Libertad e
imaginación a la hora de incorporar los elementos clásicos.
Orden gigante.
En este caso reinterpreta la arquitectura clásica del templo
romano.
Planta con sala circular cubierta con cúpula inscrita en una
planta cuadrada donde se encuentran las habitaciones.
Cuatro pórticos con escaleras (igual al templo romano)
hexástilo y con columnas jónicas. Sobre un podium para la
contemplación del paisaje desde la planta noble.
Remate con estatuas religiosas.
Iluminación: óculo en el centro de la cúpula y la luz de los
cuatro corredores con ventanas.
Sótano con cocina y administración.
Simplicidad y simetría.
Adaptación de las formas romanas pero rompiendo la simetría
axial en favor de la central.
Influencia posterior: neoclasicismo y mansiones del S. de
EEUU

Manierismo. Vignola. Iglesia jesuítica del
Gesú.
Alberga el sepulcro de San Ignacio
Plan de cruz latina con solo una nave y
cubierta con bóveda de cañón y lunetos.
Capillas laterales (cultos a los santos) entre
los contrafuertes, en penumbra. Cúpula en el
crucero y altar en el ábside (zona en
penumbra)
Iluminación con ventanas en los lunetos.
Austeridad en la fachada aunque más
ornamentada que las de Alberti: volutas
que ensanchan el cuerpo superior. El
cuerpo superior de mayor dimensión crea
una tensión que rompe con el equilibrio
renacentista.

Arquitectura renacentista en España
•
Tres corrientes arquitectónicas:
1.- Plateresco (s.XV)
- Elementos decorativos que
recuerdan el trabajo de los
orfebres y enmascaran los
elementos arquitectónicos
- Persistencia del gótico (arco
carpanel, cubiertas con bóvedas
ojivales)

2.- Purismo o clasicismo(2º tercio del s.XVI)
Izquierda:
Palacio de
Carlos V en la
Alhambra de
Granada. Autor
: Pedro
Machuca
Derecha:
catedral de
Granada.
Autor: Diego
de Siloé

3.- Estilo herreriano (último tercio del s. XVI)
•
Austeridad propia de la iglesia de la Contrarreforma
(promovida por el Concilio de Trento). Introducido por
Juan de Herrera. Monasterio de San Lorenzo de El
Escorial.

ACTIVIDADES
•
Sobre la planta de El Escorial, pon los números
correspondientes a las partes del edificio.
•
1.- Fachada principal
•
2- Patio de los reyes
•
3.- Iglesia (debajo el Panteón de los Reyes)
•
4.- Estancias privadas de Felipe II
•
5.- Claustro de los Evangelistas
•
6.- Monasterio
•
7.- Palacio público para la Corte
•
8.- Dependencias del Seminario y Colegio
Universitario

ESCULTURA DEL CINQUECENTO
MIGUEL ÁNGEL
•
Parte de una vivencia religiosa atormentada : búsqueda interior de Dios, de
la salvación a través de la conciencia de cada uno. La relación con Dios
como tragedia, tensión moral.
•
Temperamento soberbio y asocial que aparece en su arte: LA TERRIBILITAT
•
Autodidacta, polifacético. Busca la libertad como artista y la inspiración
interior. Rechaza la autoridad de lo clásico, las normas.
•
Plasma su idea de la naturaleza, no su aspecto (neoplatonismo).
•
Se consideró ante todo escultor: liberar del bloque lo sobrante para que la
figura que encierra se libere y aflore.
•
Muchas obras inacabada, en un deliberado “no finito”.
•
Sentimiento moral en su obra. Repite el acto divino de la creación
(considerado un genio)
•

Figuras con un movimiento atormentado, interior, causado por el
espíritu.
Figuras monumentales, anatomía poderosa (fuerza física) y
fuerza interior.
La proporción externa interesa menos que el hecho de captar la
profundidad. Mensaje espiritual y psicológico más que científico.
Lecturas recomendadas “El terrible florentino” (Pilar Molina Llorente) Edit. NOGUER
“Miguel Ángel, una vida inquieta” (Antonio Forcellino) Alianza Editorial

Miguel Ángel
•
Muchas obras son reflejo de
su propia personalidad:
1. Rostros como el de El Moisés
muestran su fiereza y soberbia
personalidad.
2. El Todopoderoso representado en el
Juicio Final muestra su ilimitada y
airada fuerza creadora.
3. Los esclavos muestran el
sufrimiento, la inquietud y
melancolía, el ansia de liberación
del alma respecto a lo terrenal.

Miguel Ángel
– La formación del artista se realizo en Florencia, en los tiempos
exaltados de Savonarola que predicaba el fuego de la Edad
Media, y la corte humanista de los Médicis . Acaso el propio
Savonarola le inspiraba su ardiente pasión y Lorenzo de Médicis
le indujo a sumergirse en los tiempos clásicos.
Características de su obra que anuncian el manierismo
– Tensión frente al equilibrio clásico
– Volumetría frente a la ligereza y la fragilidad
– Expresividad frente al idealismo
– Inquietud y sorpresa frente al orden, la mesura y la proporción.
– Arte como resultado de una experiencia espiritual personal más
que una ciencia

ESCULTURA. MIGUEL ÁNGEL
En estas primeras obras
se aprecia aún la
armonía renacentista y la
influencia del periodo
helenístico griego.
Pero, el equilibrio se
rompe es este Baco en
aras de un equilibrio
tambaleante.
Supera el problema de
enlazar un miembro con
otro y éstos con el resto
del cuerpo
Oscilación entre el placer
y la melancolía propia de
la condición humana.Técnica del stracciato (Donatello), pero no para
crear la perspectiva sino para liberar la figura del
bloque. Monumentalidad de la figura en un espacio
pequeño (Tensión).

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO Miguel Ángel .
La piedad del Vaticano
•
Sentimiento moral, sufrimiento, tristeza
contenida en el rostro de la Virgen y
aceptación del hecho. Su mano expresa
“mirad si hay algo comparable a este
dolor”
•
Estructura piramidal (enmarcada en un
triángulo), con una composición
cerrada y simétrica; descompuesto este
equilibrio por una línea oblicua que
forma la imagen de Cristo.
•
Virtuosismo en el acabado de la
obra (pliegues).
•
El martirio no ha destrozado la
belleza de Cristo (como un Apolo
dormido), lo que muestra una
humanidad superior.

Pietat del Vaticano
En el paño aparece su firma,
cuando sólo tenía 25 años.
Nunca realizó una obra con tal
virtuosismo ya que consideró
que este camino no conducía a
ninguna parte.
Complementariedad en la
posición de la cabeza (hacia
delante, hacia atrás).

MIGUEL ÁNGEL. El David (un bloque de 5 m de altura)
•
-Tensión frente al equilibrio
clásico. Volumetría, expresividad .
Inquietud . Fuerza física (vigor en
los tendones, músculos, venas….)
y fuerza interior (fuerza
espiritual). Contraste entre la regla
clásica y lo arbitrario
(desproporción en las manos y
brazos).
Sintetiza los
ensayos de toda
la escultura
renacentista:
posición clásica,
tensión interior
que precede a la
acción (pathos ).
Tensión en el
ceño fruncido, los
ojos con rabia
contenida, la
torsión de las
muñecas y las
manos .
Heroicidad del
mundo romano.

MIGUEL ÁNGEL. Los esclavos. Moisés. Proyectos
para la tumba de Julio II
Su indumentaria parece más una
tela petrificada que una piedra
modelada.
En él se funde lo heroico de la
antigüedad con lo espiritual de
cristianismo.
Anatomía poderosa a pesar de la
edad.
Orden gigante en sus dimensiones.
Fiereza y energía en potencia (la ira aún contenida). Lleva las
tablas de la ley (la justicia divina) y los cuernos de la sabiduría.
Energía en toda la figura, no comprimida en un detalle.

ESCLAVOS (para la inacabada tumba de Julio II)
- Composición cerrada.
- Torsión de la cabeza acentuada.
- Curvatura.
- Anuncia la posición de las figura de
forma serpentinata (en espiral).
- Hombres de carne y hueso que
luchan contra el destino.
- Inacabados.
- Sin canon proporcional.
-
La piedra devastada sin hacer un
diseño previo de la escultura
completa: permite hacer cambios
sobre la marcha porque no fija la
postura de la figura desde el
principio.
-
-La figura emerge de la piedra, se va
liberando de la materia.

MIGUEL ÁNGEL. Los esclavos. Moisés.
Proyectos para la tumba de Julio II
Influencia del Laocoonte, hallado
en 1506. Actitudes forzadas,
sufrimiento, inquietud y
melancolía. Simbolizan el esfuerzo
del alma por liberarse de las
pasiones y de la materia. A la
derecha: moribundo ya liberado y
con una posición que remite al
Laocoonte.

MIGUEL ÁNGEL. Tumbas de Lorenzo y
Juliano de Médicis
Reflexión sobre la muerte y la gloria: crepúsculo y aurora; noche y día. La muerte
representada en forma de tiempo que todo lo consume y sólo la fama y la gloria quedan
en la memoria de los hombres para la posteridad. Figuras sobre una curva como dioses
fluviales helenísticos. Equilibrio inestable, desproporción en los cuerpos (manierismo).
Lorenzo.
Actitud
pensativa
Juliano.
Actitud
activa

La melancolía de los rostros es el reflejo de las derrotas que sufre Florencia (luchas
internas , intervención de Francia…), del cansancio del escultor enfermo, deprimido,
de 60 años. Contraste entre zonas inacabadas y otras perfectamente pulidas. Otra
interpretación: carácter cíclico del tiempo (nacimiento y fin)

Pietat
Composición piramidal pero de silueta mucho
más peraltada y oval ; zigzag (manierista) en la
postura del Cristo muerto, sostenido por el José
de Arimatea en que se cree reconocer su
autorretrato.
Efecto de caída, de movimiento hacia el suelo
que desequilibra al composición .
Pietat Rondanini. Diseñada para su tumba y
realizada pocos días antes de morir. El tema
de la Pietat no como una lamentación sino
como una presentación al mundo para que
los hombres se avergüencen de su culpa
ante el cuerpo muerto de Cristo.
Esquematismo, trazos apuntados, ,expresión
(más que forma), posición imposible,
inestable alejada de los valores clásicos.

COMENTARIO DE UNA ESCULTURA
1.- Autor. Obra. Estilo.
Época
2.- Material
3.- Técnica (talla,
modelado, fundición)
4.- Tema
5.- Composición
6.- Proporcionalidad
7.- Movimiento
8.- Expresión

PINTURA DE CINQUECENTO. LEONARDO DA
VINCI
•
Artista polifacético. Escribió un tratado sobre
pintura (para él sería una poesía que no se puede
oír y que perdura) aunque se consideraba más un
hombre práctico que un pintor. Ha dejado pocas
pinturas. Hizo proyectos de ingeniería, diseños
artísticos, trabajos científicos, bailes, disfraces
•
Único artista que no cree en el retorno a lo
clásico.
•
Leonardo representa el ideal de hombre
humanista y sabio; tuvo una vida artística errante.

•
Nació en Vinci, pueblo muy cercano a Florencia y
en esta ciudad se educó. Empezó sus estudios de
Bellas Artes en el taller de Verroquio y ya en 1482
se presentó al mecenas de Milán. Con él estuvo
hasta el año 1499 cuando Milán fue conquistada
por los franceses. De allí volvió a Florencia y
después a Roma donde coincidió con Rafael y
Miguel Ángel.
•
Por último, en 1515 Francisco I de Francia lo llamó
a Fontainebleau y allí trabaja hasta el 1519 cuando
muere. Este sería pues su último mecenas.

•
Estudia la naturaleza pero no para imitarla sino para
comprenderla: la luz es un fenómeno fugaz y cambiante.
Estudia de la luz tal como la ven nuestros ojos al
reflejarse en los objetos (experiencia visual). Descubre la
PERSPECTIVA AÉREA: captar la densidad y el color de la
atmósfera que se interpone entre las figuras y hace que
pierdan los contornos en la distancia . Para ello utilizó la
técnica del sfumato o difuminado: la luz y las sombras
difuminan los contornos y funden las figuras con la
atmósfera. Se diluyen los contornos para integrar a la
figura en el paisaje . Utiliza blancos y grises para
difuminar el resto de los colores y lograr así aspectos
expresivos sutiles, por ejemplo su risa leonardesca, lo
que da a la figura sensación de vida, de poesía, de
misterio.

Leonardo. Anunciación.Óleo sobre tabla
En sus comienzos se halla influido por los círculos neoplatónicos de Florencia.
Fondos con una atmósfera húmeda y densa (azul lejano) que muestra la experiencia visual
del ojo al observar la luz. Colores negros y blancos , claroscuros.
La naturaleza como motivo de observación científica (botánica).

PINTURA DE CINQUECENTO. LEONARDO DA VINCI•
Las figuras en un espacio central .
•
El espacio no se construye geométricamente sino con la densidad y el
color de la atmósfera (perspectiva aérea) que difumina los contornos
(sfumato)y funde las formas uniendo naturaleza y figuras de modo
íntimo. Fondos vagos e irreales, con una especie de neblina que lo
difumina todo. El contorno de la Virgen no se ve, se mezcla con el
paisaje.
•
El cuadro refleja sus facetas como erudito: óptica, anatomía, botánica
(flores), geología (la caverna)…
•
En el dibujo consigue una composición muy clásica, tanto que a partir
de ahora el esquema triangular va a ponerse de moda en el
Renacimiento: Una pirámide o triángulo con la Virgen como ángulo
superior. Una composición que refleja un mundo muy ordenado.
•
El triángulo recibe la iluminación principal desde arriba y desde el
fondo. María como una cúpula central (Bramante) desde donde
desciende la luz.
•
Las figuras están en reposo pero ciertos gestos le dan movimiento a la
escena: las manos señalando cosas , una conversación de gestos;es este
suave movimiento es el que caracteriza a la elegancia clásica, un
dinamismo armónico que está entre el estatismo y el movimiento .
•
Ambigüedad en el tema y en la relación psicológica de los personajes.
Implica al espectador con la mirada andrógina del ángel. Las cabeza
forman una cruz (¿martirio futuro?)
La Virgen de las rocas

Leonardo. La bella Ferronière
Interés mayor por el contenido y el
hallazgo de la perspectiva aérea que por
las cuestiones técnicas (masa, peso,
volumen…) que ya fueron resueltas por
pintores anteriores.
El dibujo pierde importancia y maneja de
forma perfecta el color: el blanco y el negro
permite captar la luz o la ausencia de la
misma. Luz y sombra para acercar o alejar
los objetos.
Colores sobrios que unifican y armonizan
la escena.
Composición triangular.
Figuras que ocupan gran parte del cuadro,
con rostros enigmáticos.
Contenido moral de los clásicos: belleza
física y espiritual, dignidad.
Desaparece el fondo: el hombre como
centro

LEONARDO DA VINCI. La Gioconda•
Para él, la atmósfera no es totalmente transparente sino que tiene
una densidad y un color. Por tanto, en su pintura la luz es la fusión
del negro y el blanco, no una gradación de tonos.
•
Gracias al sfumato se capta la tercera dimensión de la figura, su
volumen.
•
Los colores cálidos de la piel nos acercan la figura .
•
La luz progresa desde el fondo y desde arriba
•
El paisaje de fondo es neblinoso, azulado (lejanía) y manifiesta los
fenómenos particulares de la naturaleza: en su estado sólido (la
montaña), líquido (el riachuelo) y gaseoso (la atmósfera).
•
La línea del horizonte no coincide en las dos partes de la figura lo
que introduce el enigma en el cuadro al igual que la sonrisa de la
mujer que desaparece al mirarla directamente .
•
La mirada parece detenida, no deja de observar al espectador. Su
sonrisa cambia, debido a las sombras que rodean la comisura de
los labios, parece mostrar expresiones diferentes, es fugaz, tal
como percibe el ojo humano la naturaleza.
•
Expresa la existencia humana en equilibrio con la naturaleza.

Es el retrato de una mujer real: Mona Lisa, tercera esposa de Giocondo de Florencia. Cuando la
pintó tenía treinta años.
Sólo alguien que siente como una mujer pudo convertir toda la esencia de lo femenino en una
sonrisa. Leonardo supo captar la esencia de la psicología del eterno femenino. Es una sonrisa
ambigua que rebosa felicidad como si degustara con una cierta maldad interior todo lo que
había conseguido, es decir, casarse con una de las personas más ricas y ser admirada en toda
Florencia. Leonardo no buscaba sólo el parecido sino conseguir que el retrato siga viviendo
fuera de su original, captando su psicología y su esencia interior.

Leonardo da Vinci. San Juan
Bautista
•
En sus temas gusta
de lo sugestivo, sin
buscar prototipos, lo
que hace que en
ocasiones sus
cuadros se vean
envueltos en una ola
de misterio, de
gestos enigmáticos…

Leonardo .La Cena (fresco)
•
Leonardo eligió el
momento de la acusación
a Judas y la reacción
psicología de las figuras
reunidas en grupos de
tres, conversando . Cristo
solo , en medio, aislado,
con un gesto absoluto
•
Cada apóstol tiene una
reacción ante las palabras
de Cristo y en grupos de
tres se hacen preguntas y
se intentan responder.
•
Une la perspectiva lineal
y la aérea (luz y sombra)
Fue un encargo del mecenas de Milán (los Sforza) para
el Refectorio del Convento de Santa María de las
Gracias. El cuadro está muy mal conservado por las
guerras y la técnica (óleo sobre estuco). El color casi no
se conserva.
Figuras monumentales, solemnes, en una unidad que
rodea a Cristo.

LA CENA•
PERSPECTIVA: las líneas de fuga confluyen en la figura de
Cristo, el cual está en el centro de la mesa en forma de
triángulo con las manos extendidas lo que le da sensación de
reposo. Al fondo las tres ventanas dejan ver un paisaje que
aumenta el espacio.
•
Del color no se puede decir casi nada porque no se conserva,
únicamente percibimos la armonía de los tonos.
•
Cada rostro es perfectamente distinto a los demás
reflejando la psicología de cada apóstol y esto lo consiguió
retratando a diferentes personajes de la calles, vagabundos y
pordioseros. Se preocupó por la individualización y la
captación de la personalidad de todos sus personajes.

Leonardo. Santa Ana, la Virgen y el
Niño•
Entre los personajes aparece
una interrelación psicológica y
gestual
•
La composición es triangular,
aunque el tema central (el
Niño con el cordero de la
Pasión) se halla en el lateral.
•
Pinceladas ligeras que crean
un efecto evanescente.

RAFAEL SANZIO (1483-1520)
•
Fue el más joven de los tres grandes genios del s. XVI
(Leonardo, Miguel Ángel son ya mayores cuando Rafael pinta
en Roma para el Papa Julio II) que murió a los 33 años.
RECORDAR las influencias:
Miguel Ángel muestra en su obra la idea. Grandeza de las
figuras.
Leonardo muestra en su obra la experiencia. Formas delicadas,
sfumato, composición triangular, belleza serena, sin tensión.
Rafael sería la síntesis de ambos (idea y experiencia). No
investiga sino que demuestra las verdades de la fe. La
revelación es algo evidente, natural, racional y los dogmas
religiosos son leyes universales.

Rafael Sanzio (1483-1520)
•
Fue el pintor oficial de la Iglesia que intenta
renovar la grandeza de la antigua Roma con
los papas Julio II y LeónX.
•
Representa la máxima expresión del ideal
humanista: verdades religiosas como
racionales, formas simplificadas, sencillas,
claras, mesuradas, sobrias, contenidas y
solemnes. Capta lo que no es momentáneo,
sino lo universal. . No se deja llevar por los
sentidos (como Leonardo) sino por la razón.

RAFAEL Los desposorios de la Virgen
. En la composición une lo longitudinal y lo central
(La iglesia en el centro, como símbolo).
. El edificio del fondo marca el punto del que parten
las líneas de las cabezas de los personajes que a su
vez, coinciden con los intercolumnios del edificio
(lleno/vacío). Curva del suelo hacia el espectador y
curva en el templo. El suelo marca la perspectiva
geométrica.
. Figuras monumentales.
. Luz nítida en el cuadro, difundida de forma circular.
. Mensaje: mostrar una evidencia, las verdades de la
teología son evidentes. El arte debe repetir el acto
divino de la revelación (no de la creación como
Miguel Ángel)

Madonna del gran duque
•
Sigue la influencia de Leonardo pero
con horizontes y figuras definidas en
sus contornos (sin sfumato).
•
La luz es clara, el claroscuro relaciona
la figura y el espacio al precisar los
volúmenes de la figura y los pliegues.
•
Proporción y equilibrio. La alteración
de cualquier detalle rompería la
armonía del conjunto. Consigue el
ideal humano de equilibrio perfecto.
•
Sus figuras no pierden la calma, son
grandiosas, firmes, tiernas, ideales,
llenas de poder y dignidad.

Rafael. La Virgen del Jilguero. Personajes sin enigmas ni conflictos psíquicos ni
morales.
. Concilia belleza y bondad; belleza física y fuerza
espiritual; ética y estética.
. Perfección en el dibujo.
. Luminosidad diáfana.
. Utiliza sobre todo pigmentos claros.
. Equilibrio, simetría en los ejes, claridad
expositiva .
. Volúmenes (Miguel Ángel) en escorzo (rodilla)
. Fondo transparente, azulado pero con una línea
horizontal que divide el cuadro en dos.
. Extrae lo bello de la realidad mediante un
proceso selectivo.
. Nada forzado ni artificioso, como si no pudiera
ser de otro modo, como verdades eternas (como
los dogmas cristianos).

ESTANCIAS DE LA SIGNATURA (Vaticano).
RAFAEL
Armonía entre la Antigüedad y el mundo moderno ; entre el paganismo y el cristianismo.

No hay paisaje (creación de Dios) sino arquitectura que
representa la construcción del pensamiento humano. Las
figuras son monumentales, a escala con la arquitectura. Cada
personaje se halla individualizado, con un movimiento propio. La
luz es diáfana.
Arquitectura similar al proyecto de Bramante para el Vaticano

No hay paisaje (creación de Dios) sino arquitectura que representa la construcción del
pensamiento humano.
Luz por las aberturas , diáfana, con claroscuros que modelan las figuras.
Si Miguel Ángel contraía el espacio para acrecentar las figuras, Rafael engrande las figuras
proporcionalmente al espacio y reduce la tensión que provoca la pintura de Miguel Ángel.

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Boecio o
Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno
– 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco
Maria della Rovere) – 10: Esquines o Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13:
Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como
Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17:
Plotino? – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como
Bramante) – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Rafael como Apeles –
21: El Sodoma como Protógenes.

•
Muestra a Platón (las
ideas) y Aristóteles (la
experiencia) en su centro.
•
En el fresco predomina el
dibujo y la armonía de
colores, fríos (trasmiten
serenidad y valores
racionales) y los cálidos
(valores emocionales).
•
Los artistas del

Detalle de la Escuela de Atenas y
de Las Virtudes

Miguel Ángel. Tondo Doni
Contornos escultóricos.
Colores puros, graduados
para crear volúmenes
Ritmo espiral,
ascendente.
Unión de lo pagano (en el
fondo) y lo divino
(Sagrada Familia)

CAPILLA SIXTINA
•
En ella trabajó solo, sin de ayudantes y sin permitir el acceso durante su labor.
•
Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda
pero fue cambiada para representar temas del Antiguo Testamento junto a una
serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo.
•
En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se
situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se
narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel.
•
La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena bíblica
cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que se acompañan
de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria clásica. La
Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la Creación del mundo, la
Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso,
el Sacrificio de Noé, el Diluvio Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes
escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración
arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.
•
El altar mayor más tarde sería decorado con el Juicio Final.

CAPILLA SIXTINA
Existe una deliberada fusión de arquitectura (dibuja los nervios de la bóveda) , pintura y
escultura (modelado). Características manieristas: sin unidad (cada zona tiene sus propias
proporciones). Tensión: figuras comprimidas en la arquitectura. Engaño óptico: simula espacios.
Jamás se había representado el Antiguo Testamento de esta forma (no copia de la iconografía
tradicional)
Solo el hombre, sin casi naturaleza. Sólo la idea del hombre, el espíritu, no en comunión con la
naturaleza.

La luz de cada figura coincide con la tensión y el ímpetu
de los gestos. Volúmenes netos, en relieve (casi
esculturas). Vigor y energía en las figuras.
No mezcla
pigmentos. Las
sombras tienen un
color propio.
Pinceladas rápidas,
casi esbozos pero
que captan la
expresión.
La profundidad la
marca el volumen
de la propia figura.

Los colores son puros, la luminosidad emana de las propias
figuras: la luz en cada figura es una envoltura espacial
propia, lo que contribuye a individualizarlas y aislarlas
Al igual que en el relieve, la forma de las figuras viene dada por los contornos más
que por el ligero claroscuro.
Imágenes espiritualizadas, insensibles a la luz o al aire, concentradas en su propio
interior, preocupados.
Capta el momento previo, la concentración (recordar la escultura de El David)

Las figuras parecen modeladas, con
volúmenes netos, gigantes, cargados
de vigor y energía.

Las figuras colocadas de forma que adolecen de falta de espacio,
creando una sensación de angustia, de dramatismo que rompe con el
equilibrio del clasicismo. Las Sibilas y los profetas anuncian el destino
trágico de la humanidad.

EL JUICIO FINAL
•
Inspirado en el infierno de la
Divina Comedia (Dante)
•
El espacio queda ordenado por
el movimiento de las figuras, no
en registros geométricos
•
Toda una humanidad
desesperada que se enfrenta al
drama del Juicio Final.
•
Figuras en torbellino, en
movimiento, movidas por el
espíritu, sin esfuerzo físico.

Las figuras no son clasificables o definibles
fácilmente por sus atributos. Solo los santos
aparecen junto a referencias del martirio.

Quiso representar la grandeza de Dios, su generosidad,
pero también su terribilitá (una figura vigorosa,
desproporcionada, casi propia de un Júpiter o un Hércules)

Detalle del Juicio Final
•
La humanidad que
Miguel Ángel
representó no es
humilde, sino
gigantesca y heroica;
él ve a el hombre
como un espíritu
independiente y
capaz de desafiar a
Dios

10. cinquecento 2015

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