El rococó

El estilo llamado Rococó es una creación francesa desarrollada
durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Sus características mas destacadas son la ligereza, la fragilidad y la
gracia, frente a los profundos contenidos del Barroco.

El motivo decorativo mas sobresaliente es la rocaille, elemento
asimétrico, medio vegetal medio mineral, que invade la arquitectura
y todas las artes decorativas.

Este estilo es una respuesta a los factores históricos del siglo XVIII:
el desarrollo de la ciencia y la tecnología, el auge de la burguesía y
el nacimiento de unos géneros nuevos de pintura, tapices y
alfombras.

En rata nueva sociedad la mujer adquiere un gran protagonismo,ya
que organiza y participa en las reuniones. El ejemplo mas
significativo madame Pompadour.

Los Rasgos Mas Característicos De Periodo Son:

El Ansia de Libertad
La Galantería
El Amor
El Gusto por lo Exótico
El Encanto
El Movimiento y El Desequilibrio

Todo esto, con sus contradicciones, constituye el fenómeno
denominado Rococó.

EL CONTEXTO HISTORICO

El Rococó de desarrolla en un momento de gran apogeo para Francia. En
los medios aristocráticos la búsqueda de lo raro, lo curioso o lo exótico
requiere un refinamiento que va a contribuir al distanciamiento entre la
aristocracia y la burguesía, y que culminara en la revolución francesa. El
rococó va a ser el arte característico de esta sociedad aristocrática,
aunque alguno de sus elementos sea copiado en otros círculos.

la nota mas llamativa es su tendencia a expresarse en interiores
decorativos. Por ello ha sido considerado Arte de Salón.
Sus manifestaciones se ciñen a los siguientes campos:

a) Las expresiones mobiliarias: el Francia, el mueble de formas
recias de tiempos de Luis XIV, paqueado de carey y adornos de
bronce, ve reducidas sus dimensiones en el siglo XVIII y
adopta formas mas flexibles, con superficies dominados por la
curva (onduladas, convexas y cóncavas). Destaca las sillería de
patas onduladas, los respaldos adaptados al cuerpo y la
tapicería llamativa. Aparecen muebles nuevos, como la
rinconera, la cómoda, la consola, el canapé o sofá, la chaire
lingue y el escritorio.

Figura 19.1

b) Las expresiones decorativas y utilitarias en cerámica, cristal y
orfebrería: en cerámica, se va sustituyendo la cerámica de
importación oriental por cerámica autóctona (Mesen, Seres,
Chelsea, Buen Retiro, Capodimont) y, por otra como prolifera un
amplio repertorio de objetos (bajillas, jarrones, relojes, juegos de
café y te, espejos, figuritas…). En la cristalería, merecen mención
especial las famosas fabricas de Murano,y se desarrollan las de
bohemia como Bacará y la Granja. En Orfebrería, toda Europa
presenta una riqueza inmensa, tanto en las áreas palaciegas y
aristocráticas como en las áreas religiosas, fomentado por la
liturgia de la contrarreforma.
Fig. 19.2

En el caso de España será sobresaliente la platería proveniente de
los plateros cordobeses.

c) La Tapicería: se crean «Fabricas» de tapicería tan importantes
como las de Gobelinos, Bea vais, Sabonera o Santa Bárbara. La
tapicería encuentra un terreno abonado en la decoración de las
grandes salas de los palacios y en las nuevas salas de las casas de
la aristocracia.

d) Las tipologías de pintura y escultura. Están dominadas por
una temática eminentemente domestica y cotidiana. En el
exterior, se manifiesta sobre todo en la jardinería. Para ello,
utiliza un lenguaje estético proveniente de la Academia Royal,
que uniformaba los gustos.

La nobleza esta «recluida» y casi secuestrada en palacio durante el
reinado de Luis XIV. A la muerte del rey, la vigilancia se suaviza y
obtiene mayores grados de libertad. Esta nobleza no retorna
mayoritariamente a sus palacios, sino que construye «hoteles» en
la ciudad, principalmente en Paris. Estas casas-residencias
urbanas, poco espectaculares en el exterior, centra se atención en
su interior. El objetivo es envolver al hombre en un ambiente
tranquilizador artificial y terreno, pero solo es posible aplicarlo en
determinados ambientes de elite, las clases aristocráticas, ya que
el pueblo sigue inmerso en las coordenadas del Barroco.

LA ARQUITECTURA
Los cambios llegan a la par que los producidos en las ideas y
costumbres, aunque solo se desarrollan en el ámbito social mas
elevado.
Al exterior suelen distribuirse las construcciones en dos pisos, se baja
la altura de los tejados y se sustituye el ladrillo por la piedra,
equilibrándose los ordenes y la composición de las fachadas.

Lo mas importante es la distribución de los interiores, determinada
por la especificación de los fines y las funciones del edificio.
Los tratados de la primera mitad del siglo XVIII se consagran a la
distribución y a la decoración del espacio interno, iluminándolo de
luz, de color, de elegancia y de movimientos ondulantes.

ARQ. EN FRANCI A
El arquitecto mas semanal es Jaques Gabriel (+1742), el cual destaca
en los interiores por su gran sentido inventivo, pero en el exterior
mantiene la severidad del Barroco, aunque con menor escala de
proporciones.

Fuera de Paris, el mas refinado ejemplo de decoración rococó lo ofrece
la ciudad de Nancy, con verjas, fuentes y bancos de piedra de
complicada tarca.
Fig. 19.3

ARQ. EUROPA CENTRAL

Los modelos del Rococó construyen una moda general, sobre todo en
las pequeñas cortes alemanas. El teatro de la Residencia fig. 19.4,
construido en Múnich por F.cuvillies /1751-1753) es un buen ejemplo
de la llegada de los modelos franceses.

Los grandes artistas centroeuropeos, como Baltasar Neumann y
Dominicus Zimmerman, mantienen los postulados del Barroco,
aunque con mayor sentido decorativo.

ARQ. FRANCI A

A lo largo del siglo XVIII perdura un cierto deseo de
magnificencia en los monumentos sepulcrales y en las estatuas
conmemorativas, que contrasta con el agudo intimismo del retrato.
Las figuras mas significativas son : Bocharon, Pagarle y Falconete.

Bouchardon (1698-1762)

Bouchardon marcha a Roma y ejecuta copias de esculturas
antiguas, de las cuales aprende los presupuestos fundamentales
del Clasicismo.

En 1739, los regidores de Paris le encargan una fuente, las cuatro
estaciones fig. 19.5. En una monumental arquitectura, la villa de
Paris, vestida a la antigua, recibe la pleitesía de las alegorías del
Sena y del Marne, dentro de una composición piramidal.
Entronca en el Rococó en la ligereza de las esculturas de los
genios alados y los relieves de los niños jugando, representación
de las estaciones. En el resto de la escultura, anticipa el
Neoclasicismo de finales del siglo.

Pigalle (1714-1785)
Pigalle es un escultor de corte al servicio de madame Pompadour.
Su gusto teatral queda manifiesto en el mausoleo del mariscal
d´Harcourt fig. 19.6

El tema infantil fue también uno de sus favoritos, y además tenia
la ventaja de que se adaptaba a la escultura de salón de pequeños
tamaños, muy adecuado a los nuevos espacios. Pigalle pronto se
vinculo a esta moda e hizo numerosos figuras de niños jugando
con objetos diversos. 19.7 fig. 19.7

Falconet (1716-1791)
Artista también protegido por madame Pompadour, Falconet se
abrió pronto camino entre los escultores reales sus figuras menudas
como mujeres casi niñas y composiciones refinadas y sensuales
consiguieron un enorme éxito (fig. 19.8). Al ser nombrado en
1757director del taller de escultura de Sevres, realizo numerosos
modelos en «biscuit», lo cual contribuyo a la difusión de su estilo.

Este artista fue elegido por Catalina II de Rusia – gracias a la
recomendación de Diderot- para alzar la estatua ecuestre de Pedro
el Grande, en San Petesburgo, anticipando ya el gusto neoclásico de
la segunda mitad del siglo.

ALEMANIA
En Alemania como en Europa central, no es fácil separar
arquitectura y escultura, incluso podrá afirmarse que en el Rococó
se produjo la unidad de las artes. Mientras que Francia se perdía
poco a poco la tradición académica, en Alemania se crea un
Rococó peculiar que reelabora la tradición italiana y la influencia
francesa. Sedan formas graciosas, juegos de luz y estucos que se
integran en iglesias y palacios – escaleras, jardines y parques,
figuras alegóricas, etc.

Lo mas destacado es la riqueza inventiva, que lleva, especialmente
en los altares de la iglesia, a un «nuevo manierismo» de figuras
gráciles y elegantes (fig. 19.9 y 19.10)

Los retablos austriacos y bávaros continúan la escenografía
barroca heredada de Bernini, pero su fantasía lumínica es
totalmente nueva (fig. 19.11 y 19.12)

La importancia de la keinplastik (escultura pequeña) en porcelana
(fig. 19.13). A partir de 1710, la fabrica de Meissen alcanzo gran
fama por los objetos que imitaban la cerámica orienta. Pronto
surgieron otras fabricas (Hoechst, Berlín, Ludwisburg) que
crearon su propia estilo variando motivos, formas y colores. De la
inicial profusión de colores se paso, poco a poco, a todos pastel,
mas del gusto europeo.

ESPAÑA
La fundación de la Académica de san Fernando pretendido renovar la
tradición escultórica en madera, orientando a los artistas hacia
Italia. Persiste, sin embargo la tradición «imaginera» en Salzillo, anqué
la llegada de los Borbones crearía un foco cortesano de influencia
francesa con temas y estilos diferentes de los tradicionales fig. 19.14

FRANCIA

En los años finales del siglo XVII, los franceses estaban ya
cansados de la rigidez de la reglas, la norma y la simetría. En el
reinado de Luis XV se generaliza el coleccionismo de cuadros mas
pequeños de ocenas galantes o de temas de genero con tonalidades
mas claras. Este nuevo estilo se plasma en la obra de tres pintores:
Watteau, Boucher y Fragonard.

Watteau ( 1684-1721)

A partir de 1705, watteau vivió con el pintor Claude Gillot,
introductor de un nuevo genero, «la fiesta galante2 que
desarrollaría con gran refinamiento. Desde ese momento trabaja
en una estética que no abandonara nunca: La de la comedia del
arte, perfeccionando al mimo tiempo diferentes técnicas como
lacas chinas, pastel, barniz, etc. Fig. 19.15

Watteau es el cronista de la nueva sociedad: representa los bailes
públicos en el Paláis Royal, las fiestas campestres, los paseos -que
dan pie al pintor para desarrollar su amor por el paisaje- el teatro,
etc. Sin embargo no se trata de una interpretación realista de la
sociedad de sus actividades cotidianas sino del reflejo de una
cierta clase social en ascenso: Los burgueses, que desean el poder
y la cultura. Fig. 19.16

Los temas inventados o recreados por Watteau pronto se pusieron
de moda en Europa – Federico II de Prusia adoraba su pintura –
propiciando la aparición de un gran numero de mediocres
copistas e imitadores, pero también de buenos artista que
contribuyeron a la difusión del estilo.

Boucher (1703-1770)
Buen conocedor de la pintura italiana y admirador de Correggio,
Boucher fue el pintor favorito de madame Pompadour y realizo
numerosos lienzos mitológicos. Fig. 19.17
Fue el primer gran artista que se nego a claudicar ante las
exigencias de la Academia, dando lugar con su ejemplo a que una
serie de pintores y escultores iniciase un arte rico al margen de las
exigencias institucionales.

Fragonard (1732-1806)

Fragonard es un artista versátil, sólidamente preparado y con dotes
excepcionales para el dibujo y el color. El amor a la naturaleza, el
paisaje y el intimismo con carácter de juego o diversión, así como
la pincelada rápida y cremosa, con sus características principales
fig. 19.18

Otros Autores

El artista mas completo es Maurice Cuentin La Tour (1704-1788)
Fig. 19.19
Todo el ambiente social poso para el:
La realeza, los nobles, los financieros y los intelectuales, aparecen
retratados por su mano. Otro autor importante es Chardin (1699-
1779). Frente al jardín de los placeres reflejado en pintura reflejado
en la pintura francesa del momento, entre gestos refinados, Charin
ofrece la visión de lo humilde y lo sencillo, la recreación de los
objetos mas humildes y cotidianos fig. 19.20

INGLATERRA
El recuerdo de van Dyck, pintor en la corte de Carlos I, no había servido
de precedente ni creado escuela. Tampoco existía una escuela de
paisajistas autóctonos. En la segunda mitad del siglo XVIII se produce
la búsqueda del arte original a partir del retrato y del paisaje. Este
proceso fue apoyado por la sociedad londinense, se sentó las bases de su
peculiar refinamiento y constituirá una de las fuentes de inspiración
fundamentales del arte del siglo XIX.

Hogarth (1697-1764)

Hogarth es el maestro de la satira social y de la política en contacto
directo con la literatura del momento.

El acercamiento a la vida cotidiana a través de la pintura de genero fue
el objetivo principal de la obra del Hogarth, junto con sus retratos,
ámbito en el cual conseguirá esplendidas creaciones.
Fig. 19.21

Reynolds (1723-1792)

Reynolds es el prototipo del artista culto que viaja por Italia y
admira el Renacimiento y a algunos pintores barrocos (Murillo). Se
instala en Londres, donde frecuenta la a mistad de intelectuales y
personalidades publicas y funda el primer club italiano. En 1769
obtiene la presidencia de la Real Academia.
Su técnica se hace evidente en lienzos de color claro con
imprimación blanca o gris. Tras realizar una serie de dibujos
preliminares, centraba la cabeza del personaje con una mancha de
pintura blanca y trazaba los rasgos mas acentuados con laca, blanco
y negro. En sucesivas sesiones, disponía los tonos cálidos de carne
aplicando colores opacos y veladuras.
Tras concluir los rostros, un ayudante de taller llevaba a cabo las
telas teniendo como modelo un maniquí; un segundo operario se
encargaba del paisaje y el propio Reynolds daba las luces y el toque
final fin 19.22

Gainsborough(1727-1788)

Gainsborough expresa un gran intimismo que lo convierte en
antepasado del movimiento romántico. En su producción se
pueden señalar dos tipos de obras: el retrato y el paisaje.
El primer caso, supo asimilarlas influencias de van Dyck y
Rubens con una pincelada suelta y ligera ( fig. 19.23)
Los paisajes establecen las claves fundamentales para el posterior
desarrollo del genero en el Romanticismo. Constable opinaría que
la pintura de paisaje de Gainsborough es apaciguadora, tierna y
conmovedora, al contemplar sus cuadros nos sentimos invadidos
por las lagrimas sin saber por que.

ITALIA

Aunque en el siglo XVIII pierde su papel protagonista frente a
Francia, Italia sigue contando con figuras de gran peso e
importancia.

En Venecia destaca la figura de Tiepolo (1696-1770). Su arte es muy
personal, aunque se inspira en la tradición renacentista y barroca
(veronés) aportando nuevos ángulos ópticos, en escorzo de planos
en declive. los personajes se asoman a la tierra en actitudes teatrales.

Sus cuadros de caballete se hallan influidos por su vocación de
fresquista, que se manifiesta en perspectivas extrañas y figuras que
se recortan sobre relieves que permiten un juego escenográfico.
Obtuvo un gran éxito y fue requerido por numerosas cortes
europeas, entre ellas la española, practicando en la decoración del
palacio Oriente. Fig. 19.24

En venecia se desarrolla también un genero nuevo, las vedutte, o
vistas urbanas, que describen con gran minuciosidad los canales y
monumentos de la ciudad. Este tipo de cuadros gozo de una gran
difusión, ya que dichas obras fueron pensadas como recuerdo para
los viajeros extranjeros. Los pintores mas característicos del genero
son Canaletto (1697-1768)y Guardi (1712-1792). El primero es el
representante de la belleza de la ciudad, de sus palacios, iglesias y
canales. Formando en una familia de escenógrafos, pinto numerosos
decorados para el teatro de Sant´Angelo y telones para las obras de
Scarlatti, además de perspectivas urbanas difundidas en cuadros y
agua fuentes (fig. 19.25)
Guardi siente la ciudad con mas ternura y profundidad del paisaje.
En sus cuadros se pequeño fondo, con vistas a las lagunas, sus
azules adquieren gran intensidad en las aguas y los fondos de cielo.
En los cuadros de costumbres relata la gracia y el refinamiento de la
Venecia del siglo XVIII (fig 19.26

España
La llegada a España de una nueva dinastia real –los Borbones-
significo un cambio en el gusto y en las actividades artísticas. Pero
este cambio no fue brusco ni afecto por igual a toda la península.

Los Artistas de Corte
Franceses e italianos trabajaban en la corte de Felipe V fig. 19.27 y
contribuyen a la introducción del retrato francés, que influirá a la
siguiente generación de pintores –es especial, Mengs.

Paret y Alcazar (1746-1799)
Es el artífice de una pintura amable, llega de insinuaciones, con
modelados que asemejan porcelanas y lienzos de carácter
miniaturista. Sus cuadros mas representativos son los pintados
para la realeza y la nueva clientela burguesa. Paret domino la
técnica de la acuarela, contribuyendo a la difusión del gusto
Rococó. Fig. 19.28 y 19.29

Meléndez (1716-1780)
Su gran creación es un tipo de bodegón de singulares
características, donde, junto unas cualidades de tradición española
que entroncan a Zurbaran, sabe mostrar sobre fondos obscuros o
neutros una gran elegancia y realismo. Fig. 19.30

Otros artistas
En las provincias hay menos figuras destacables, aunque se crean
Academias Provinciales que siguieron el modelo madrileño.
Zaragoza, Sevilla, Valencia y Valladolid crearon sus centros de
enseñanza, donde formaron los pintores de la segunda mitad del
siglo XVIII. Entre ellos destacan los Bayeu, retratistas y fresquistas
aragoneses, pintores de la corte y vinculados a la Academia, que
constituirán el núcleo de formación inicial de un pintor que llena
con su estilo la segunda mitad del siglo XVIII: Goya.

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