Fundamentos7 gotico

1- Desarrollo económico europeo. Auge de las ciudades.
• 1.1. Analiza la situación económica europea en el
siglo XIII y su relación con el nacimiento del Gótico.

• El Gótico se desarrolla entre mediados
del siglo XII y principios del siglo XVI,
salvo en Italia, donde el Renacimiento se
inicia a principios del siglo XV.
• Su núcleo originario estaría en la Isla de
Francia con Saint Denis en París y la
catedral de Sens en Francia, hacia 1125
• Su nombre se debe al pintor manierista
Giorgio Vasari que alude al estilo como
“gótico” al considerarlo de origen
germánico y propio de godos,
acentuando el aspecto despectivo de
este arte anterior al Renacimiento. Para
los artistas del Renacimiento nada es
comparable al arte clásico del que ellos
sacan su inspiración.
Saint Denis Paris

• A partir del siglo XIII se reactivará el
comercio y las ciudades (burgos)
crecieron espectacularmente.
• El gótico se ve favorecido por una
intensa actividad urbana y comercial,
que convertirá a las ciudades en
potentes focos culturales.
• En ellas van a aparecer las
universidades.
• Paralelamente al desarrollo de los
gremios aparecerá una burguesía
urbana, una nueva clase triunfante que
desarrollará un arte urbano, de una
sensibilidad más realista y más
naturalista.
• El edificio más emblemático será la
catedral.
• Con el desarrollo de las ciudades
aparecerá una arquitectura civil.
• Los edificios más característicos serán
los palacios urbanos y los edificios
municipales. Como ayuntamientos y
lonjas.

2- El Gótico, arte europeo. Extensión geográfica.
Arquitectura: edificios públicos y religiosos.
Etapas del Gótico: inicial, pleno y florido.
La catedral gótica. Características.
• 2.1. Comenta los elementos góticos y su aplicación a
las catedrales españolas más representativas .

El gótico y la historiografía
El término "gótico" es original de Vasari, importante artista e intelectual del
Renacimiento, empleado con carácter despectivo, ya que atribuía estas obras a
godos y bárbaros.Vasari clasificaba la historia del arte entres periodos:
Arte Antiguo. Estado de perfección
Arte Medieval. Ocaso y decadencia del florecimiento anterior
Arte Moderno. Renacimiento de la perfección clásica que culmina su ideal con
Miguel Ángel.
Es en Alemania donde, por influencia del Movimiento Romántico del siglo XIX, la
arquitectura gótica empieza a ser estudiada de forma sistemática. Se empezó a
reconocer este arte como expresión de un sentimiento religioso cristiano. Y en esto
se trabajó en la historiografía del XIX, realizando un estudio científico.
A partir de los 60 se da una dirección opuesta. El punto de partida es la admiración
de los aspectos técnicos de una arquitectura de dimensiones excepcionales: la
búsqueda del milagro gótico. Se empieza a estudiar por sus soluciones técnicas.
Las investigaciones en esta línea serán francesas: como el "Diccionario de
Arquitectura" de Viollet le Duck que es la primera gran compilación de obras góticas.

PARÍS: LA îLE DE FRANCE
- LA ARQUITECTURA GÓTICA EUROPEA -
EVOLUCIÓN DEL GÓTICO EN FRANCIA
La arquitectura gótica nace y
se desarrolla en la Isla de
Francia (París).

LA DIFUSIÓN DEL GÓTICO
- LA ARQUITECTURA GÓTICA -

Evolución de la arquitectura
El gótico se da entre 1150 y 1525. La evolución del gótico da lugar a las siguientes
etapas:
Gótico de Inicial (1150- 1200)Conviven elementos románicos con otros del gótico
(uso de rosetones en fachadas, arcos ojivales, bóvedas de ojivas). Se incluyen en
este gótico los monasterios del Cister.
Gótico pleno (Siglos XIII y XIV) En el siglo XIII el gótico alcanza todas sus
características y elementos representativos: verticalidad, preponderancia del vano
sobre el muro, etc. Es la época de las grandes catedrales. En Francia, destacan
Chartres, Reims y Amiens. En España (Castilla y León): Burgos, León y Toledo. En
el siglos XIV la arquitectura sigue haciéndose más esbelta y empieza a darse una
relativa independencia de la escultura y pintura.
Gótico florido o flamígero Es la fase decadente correspondiente al siglo XV en
que se produce una explosión decorativa, hasta el punto de hablar de
barroquización del gótico. Junto al arco ojival se usan nuevos arcos como el
escarzado, carpanel (tres centros) y conopial (cuatro centros)
También proliferan las bóvedas muy decoradas y ventanas muy grandes. Esta
etapa, en España, se denomina gótico isabelino o estilo Reyes Católicos.

CARACTERISTICAS DE LA ARQUITECTURA GÓTICA
• Verticalidad. Los edificios tienden a la altura.
Tienen un sentido simbólico de ascensionalidad, de
llegar al cielo.
• Luminosidad. Espacios interiores muy luminosos y
coloristas. Se debe al predominio de los vanos con
vidrieras sobre los muros. La luminosidad coloreada
pretende representar las sensaciones de una
Jerusalén celestial.
• Naturalismo. Los elementos escultóricos imbricados
en la arquitectura suelen ser bastante naturalistas:
follajes, hojas y animales en la decoración de los
capiteles y elementos constructivos y decorativos

LA ARQUITECTURA GÓTICA
• La catedral gótica es el edificio más representativo
de la nueva sociedad urbana. Es la Iglesia de la
ciudad.
• Se caracteriza por su verticalidad y su luminosidad.
En las catedrales las columnas ganan altura gracias
a los nuevos avances técnicos. Estas nuevas técnicas
constructivas permiten rasgar los muros y
sustituirlos por vidrieras de colores.
• Las vidrieras tienen una doble función: aislar e
iluminar. Sustituyendo al muro. El vano prevalece
sobre el muro. El gótico es ante todo la arquitectura
de la luz. Desaparece así la pintura mural
característica del románico y en su lugar se
desarrolla la pintura sobre tabla y los tapices.

El arte gótico
es la EXPRESIÓN DE LA CULTURA
URBANA de la Baja edad media europea,
de su prosperidad económica y de su
hegemonía cultural
ARQUITECTURA RELIGIOSA
La catedral sustituye a la abadía o
monasterio como edificio
paradigmático
ARQUITECTURA CIVIL
Lonjas, palacios, ayuntamientos

LA
CATEDRAL
Exterior de la CATEDRAL DE LAON (FRANCIA). La catedral es
la sede del obispo, como el monasterio era la sede del abad

EL EXTERIOR DE LA CATEDRAL:
VOLUMETRÍA DEL EDIFICIO
En el gótico, el sentido
ascensional de las formas y la
intensa luminosidad del interior de
los edificios recrean el espacio ideal
para acercarse a un Dios más
humano:
Un reflejo de la “Jerusalén celestial”
de la que habla el apocalipsis de
san Juan, con sus “puertas de
perlas”, “sus calles de oro puro y
vidrio transparente”.
Los avances en la técnica
constructiva del gótico hará posible
plasmar en piedra y de forma
simbólica tales visiones.

LA PLANTA DE LA CATEDRAL GÓTICA

CABECERA
Las plantas son muy similares a las románicas: tres o cinco naves
longitudinales y cabecera con transepto, presbiterio y remate en
ábside o deambulatorio con capillas radiales.
CONCEPCIÓN ESPACIAL: PLANTA DE UNA CATEDRAL GÓTICA
PÓRTICOS

Planta de la Catedral de
Notre-Dame de París
(1163)
El espacio y la construcción
se articulan a partir de
módulos geométricos que
se repiten; cada tramo de la
bóveda genera un espacio
modular que tiene entidad
tectónica autónoma.
Esta repetición genera un
ritmo ascensional y
longitudinal que converge
en el altar.

DEAMBULATORIO
O GIROLA CON CAPILLAS ABSIDIALES
Cabecera de la abadía de Saint Denis
(Francia)
La cabecera gótica es
más amplia que la románica;
los brazos del transepto se
acortan y adquiere
protagonismo
el deambulatorio o girola
rodeado de capillas radiales
llamadas
absidiolas. En ellas, las
cofradías y gremios
artesanales, que habían
participado en la financiación
de la catedral, instalaban las
capillas de sus santos
patronos.
LA CABECERA DE LA CATEDRAL GÓTICA

PLANTA DE SALÓN
Dividida en cinco naves, que en
la cabecera generan un doble
deambulatorio.
El transepto no sobresale
exteriormente, ya que queda
integrado en el cuerpo
longitudinal del edificio, aunque
se siguen abriendo pórticos a
su exterior.

La organización del alzado interior sigue su precedente románico: arcadas que
conducen a las naves laterales, un triforio (estrecho pasadizo con arquerías),
que sustituye a la tribuna románica, y un claristorio o cuerpo de ventanales con
vidrieras coloreadas.
ALZADO Y SECCIÓN DE UNA CATEDRAL GÓTICA

El alzado interior de la catedral
se articula en: arcadas que
separan la nave central de las
laterales; triforio a modo de
galería abierta sobre la nave
central; y claristorio, con vanos
cubiertos de vidrieras que
posibilitan el paso de la luz
exterior.
Interior de la
catedral de Laon
Nave lateralNave lateral
TriforioTriforio
ClaristorioClaristorio

• ALZADO Y SECCIÓN DE UNA CATEDRAL GÓTICA

LA ARQUITECTURA GÓTICA ESPAÑOLA

Catedral de León Catedral de Burgos
- LA ARQUITECTURA GÓTICA ESPAÑOLA -

Catedral de León
Se inició su construcción en el año 1205.
Llamada Pulchra Leonina, es una joya
universal del arte gótico. Es una sinfonía de
luz y de piedras componiendo en su conjunto,
a través de sus vidrieras, el ejemplar más
delicado y transparente del mundo entero.
Tiene forma de cruz latina, con tres naves,
un crucero triple y girola. Mide 91 metros de
largo, 40 metros de ancho y su nave central
alcanza los 39 metros de altura. Destaca la
pureza de su estilo gótico, su asombrosa
armonía y equilibrio, la belleza incomparable
de sus vidrieras y la reducida superficie de
sus muros.
Unos 1.800 metros cuadrados de vidrieras
artísticas cubren los 31 ventanales de 12 m
de altura, las 83 rosas polilobuladas que los
coronan y los tres grandes rosetones de ocho
m de diámetro, además de multitud de
enjutas, triángulos...
Los vicios y las virtudes, los santos del cielo,
los reyes de la tierra, mitra y báculo, cetros y
coronas, escudos de nobles, componen los
motivos de este mundo de color de los vitrales
de la Catedral de León.

Planta de
la catedral
de Reims
Planta de
la catedral
de León
Catedral de León

Interior de la Catedral de León: atención a las vidrieras

Vidrieras de la Catedral de León

Basílica de Santa
María del Mar
(Barcelona)

Basílica de Santa María del Mar (Barcelona)

Basílica de Santa María del Mar. Interior

Catedral de Palma
de Mallorca.
Interior

3- Elementos arquitectónicos góticos
La bóveda ojival. Rosetón. Pináculos.
• 3.1. Identifica y nombra correctamente los elementos
principales del arte gótico a partir de fuentes
historiográficas de muestras representativas.

• Triforio y claristorio
• Pilar fasciculado

EL INTERIOR DE UNA
CATEDRAL GÓTICA
Está dominado por la luz y
una sensación de intensa
“desmaterialización”
arquitectónica, gracias a la
“desaparición del muro”
como elemento sustentante.
Este efecto produce
sensaciones de ingravidez
y transparencia que
subrayan el carácter místico
y simbólico del espacio de
la catedral, que se convierte
así en el mismo cielo, no en
un cauce para comunicarse
con el cielo.

LA BÓVEDA DE CRUCERÍA
O NERVADA
CLAVE
NERVIO
S
ARCO PERPIAÑO
El arco apuntado u ojival es el
que hace posible la gran novedad
del gótico: la bóveda de crucería
PLEMENTO
LA CUBIERTA

LA CUBIERTA

Bóveda de terceletes Bóveda estrellada
LA CUBIERTA

BÓVEDA DE CRUCERÍA DE LA
CATEDRAL DE CHARTRES
(NAVE CENTRAL), s. XIII
LA CUBIERTA
La bóveda de crucería es el
resultado del cruce entre arcos
apuntados, que forman un
esqueleto de nervios;
el espacio entre los nervios de
piedra se rellena con
plementería (material ligero de
relleno).
La clave de la bóveda es la
dovela central que la cierra.
El arco apuntado permite elevar
considerablemente la altura de la
nave sin que se resienta su
estabilidad por el peso de la
bóveda, ya que las presiones
tangenciales se han reducido.

Las tensiones de la bóveda de crucería, que se resuelven en el exterior con
contrafuertes y arbotantes, en el interior descansan sobre pilares. Los nervios
de la bóveda acostumbran a prolongarse en baquetones o columnillas
adosadas a lo largo del fuste de los pilares, hasta el suelo.
LA CUBIERTA
¿CÓMO SE
SOSTIENE LA
BÓVEDA DE
CRUCERÍA?

LA DESMATERIALIZACIÓN
DEL MURO:
EL SISTEMA INVERNADERO
Una vez que la cubierta ya no
carga sobre los muros y éstos
desaparecen, grandes
ventanales, decorados con
vidrieras y tracerías, que
potencian la luminosidad,
vendrán a ocupar su lugar.
Las fachadas serán perforadas
por un gran ventanal circular
vidriado, llamado rosetón.
LA SAINT CHAPELLE DE PARÍS
LOS SISTEMAS CONSTRUCTIVOS

Imágenes reales del sistema
exterior de contrafuertes y
arbotantes
LOS SISTEMAS CONSTRUCTIVOS

ARCOS GÓTICOS más
característicos
Arcos góticos apuntados
Arco
conopial
Arco
carpanel
Arco
tudor

LA ARQUITECTURA CIVIL
La arquitectura civil es la mejor
muestra de la pujanza económica del
occidente cristiano en la Baja Edad
Media.
El auge de las actividades comerciales
y artesanales, la apertura de nuevas
rutas comerciales y el inminente
descubrimiento de América, además de
la consolidación de formas de gobierno
municipales frente al dominio señorial o
eclesiástico, facilitan el desarrollo de
numerosos edificios de uso civil.
Ayuntamientos, Lonjas, Palacios
urbanos, etc. son la mejor muestra de
este despertar urbano que anuncia ya
la proximidad del Renacimiento.
La Lonja de Valencia

LA ARQUITECTURA CIVIL: EL AYUNTAMIENTO
AYUNTAMIENTO DE BRUSELAS
CASTILLO DE VINCENNES

El S. XV conoció el impulso
definitivo de la arquitectura
civil, que en el ámbito de las
finanzas tuvo su máximo
exponente en la construcción
de lonjas (edificios destinados
a albergar actividades
mercantiles y que eran el
reflejo del dinamismo de la
clase comercial).
Las lonjas, al principio
simples espacios porticados
donde realizar las
transacciones, pasaron a ser
imponentes edificios de
piedra que reflejaban la
riqueza de una ciudad.
ARQUITECTURA CIVIL: LA LONJA
LONJA DE PALMA DE MALLORCA

LA ARQUITECTURA CIVIL: EL
PALACIO
PALACIO DUCAL DE VENECIA
PALACIO GÓTICO
El palacio urbano es técnicamente similar en cuanto a soluciones
constructivas se refiere, pero su riqueza ornamental y suntuosidad
Son el mejor exponente del florecimiento de la burguesía mercantil
Y financiera, de la nueva aristocracia del dinero.

ARQUITECTURA CIVIL: EL PALACIO
Plaza y palacio
de la Signoria
(Florencia)

Los comienzos:
Basílica de Saint Denis
(París, 1140-1144)
Dirigida por el abad
Suger, fue
consagrada en
1144.
En esta obra
convergen todos
los tanteos
constructivos que
conducen al gótico.

Basílica de Saint Denis
Esta iglesia ofrece de golpe todo el
planteamiento claro de la estructura gótica.
A partir de aquí, los progresos son claros y
fácilmente identificables.

Vidrieras de Saint Denis

Notre Dame (París, ss. XII-XIII)

Notre Dame
(París)

Notre Dame (París)

Notre Dame (París)
Mientras tanto, la altura de las catedrales
ha ido aumentando progresivamente: 22 m
en la nave central de Noyon; 32,50 m en
París.

Catedral de Chartres
(París, s. XII)
Con este edificio comienza
el apogeo de la arquitectura
gótica.

CHARTRES,
PARÍS
Catedral de Chartres (París)
FACHADA

En su interior desaparece la
alternancia de pilares y columnas,
sustituidas por haces de columnillas
que se abren de un modo orgánico
para distribuirse en las bóvedas.

CHARTRES:
interior y exterior
Es la primera que se libera de la galería
superior para desplegar airosos arbotantes

Catedral de Reims
El apogeo de la época clásica de la
arquitectura gótica comienza con los
logros de Chartres, pero queda
fijado en las catedrales de Reims,
Amiens y Beauvais, de la primera
mitad del XIII.
Catedral de Amiens
Catedral de Beauvais
(51 m de altura en su nave
central)

Catedral de Rouen Monet (1889)
La serie sobre la catedral de Rouen refuerza las teorías de Monet iniciadas años antes con los Almieres. Según
éstas, los objetos varían dependiendo de la luz que se les aplique. No es lo mismo una iluminación matutina que
vespertina cuando incide sobre un mismo elemento.

La Capilla Santa
[Sainte-Chapelle]
de París
(1243-1248)
En la segunda mitad del XIII se
produce un incremento de la
decoración y las iglesias ganan en
esbeltez y luminosidad.
Es significativa de este proceso la
Sainte-Chapelle de París (1242-
1248).

La Sainte-Chapelle de París

Catedral de Ruán
El siglo XV será la época de la decoración
exuberante del gótico flamígero, presente en las
catedrales de Tours y Ruán [Rouen].

INGLATERRA
Catedral de Wells (s. XIV)

INGLATERRA
Catedral de Salisbury

INGLATERRA
El Gótico perpendicular
Bóveda de abanico en la
abadía de Bath (restauración
del siglo XIX)

INGLATERRA
El Gótico perpendicular
Capilla del King’s College
(Cambridge), ca. 1515.
Exterior y bóveda de abanico

- LA ARQUITECTURA GÓTICA
EUROPEA -
ITALIA
Catedral de Orvieto

ITALIA
Catedral de Orvieto

- LA ARQUITECTURA GÓTICA
EUROPEA -
ITALIA
Catedral de Siena

ITALIA
Catedral de Florencia, proyectada por Arnolfo di Cambio hacia 1294

ITALIA
Iglesia de Santa Croce (Florencia), iniciada en 1294

ITALIA
Catedral de Milán

ALEMANIA
Catedral de Colonia (s. XIII)

4. Relacionar el arte gótico y su revisión en el siglo XIX.
• 4.1. Identifica la tipología gótica en edificios
cronológicamente posteriores, especialmente en el
neogótico del siglo XIX.

Neogótico
En el siglo XIX la Europa continental vivió
una auténtica fiebre neogótica que,
además de levantar nuevos edificios,
restauró y completó edificaciones
medievales, como catedrales y castillos.
En Francia destacó la labor restauradora y
reconstructora de Eugène Viollet-le-Duc.
El ambiente artístico de mediados del siglo
XIX fue muy proclive al medievalismo, que
se extendió por todas las artes,
especialmente en la decoración y el
mobiliario (Arts and Crafts), pero también
en pintura, con distintos criterios (los
nazarenos en Alemania, los pre-rafaelitas
en Inglaterra) o en literatura (drama
romántico, novela histórica, novela gótica)
o en música (óperas de ambientación
medieval).
El Palacio de Westminster, sede del parlamento del Reino
Unido en Londres.
Las famosas gárgolas de Notre Dame de Paris, fruto de la
intervención de Viollet-le-Duc (1846),

Tower Bridge sobre el Támesis, en Londres.

San Jerónimo el Real de Madrid.

Interior de la Catedral de la Almudena de Madrid.

Casa de los botines en León de Gaudí

Fachada de la catedral de Barcelona. Barrio gótico de Barcelona.

La Sagrada Familia de Barcelona.

5. Los vitrales góticos.
• 5.1. Analiza el proceso de fabricación e instalación de
los vitrales en catedrales más representativas.

De Diversis Artibus tratado de Teófilo de Mónaco S XII
explica las técnicas artísticas medievales
Elaboración de las
vidrieras:
1-Obtención de la pasta vítrea:
El vidrio se obtiene a unos 1500 °C
a partir de arena de sílice (SiO2),
60% carbonato de sodio (Na2CO3)
y caliza (CaCO3).
A esa pasta se le añadía color
utilizando, manganeso, cobalto en
función de el color que se deseaba
dentro del crisol que se calentaba
en el horno a altísimas
temperaturas

2-Proceso fabricación
vidrio plano
Para la obtención de
planchas de vidrio se
usaba el
sistema de manguito:
El vidriero soplaba un
largo globo de vidrio,
cortaba con ayuda de
otros operarios los
extremos de manera que
se convertía en in cilindro
que se cortaba en toda su
longitud mientras estaba
caliente

3- Proceso realización vidriera
Cortados los distintos vidrios de colores siguiendo un dibujo preparado previamente, comenzaba la
pintura, haciéndose esto mediante la grisalla. Esta era un compuesto de vidrios pulverizados mezclados
con óxidos metálicos diluidos en sustancias líquidas, llegándose incluso a utilizar vino como disolvente.
Su uso consistía en realizar los contornos de las figuras a realizar, haciéndolo frecuentemente por la
parte interior de la vidriera para protegerla de las inclemencias del tiempo, siendo sus colores más
habituales el marrón, negro y verde. Una vez aplicada la grisalla se sometían las piezas aisladas de vidrio
a un nuevo proceso de cocción a temperaturas un poco más bajas para fijar los componentes vítreos de
la grisalla. Una vez enfriados se montaban las piezas sueltas siguiendo el diseño original.
Utilizando una tira de plomo flexible que seccionada tiene forma de doble T
El último paso consistía en colgar cada vidriera en una estructura de hierro llamada bastimento.

6- Escultura, evolución desde el arte románico.
• 6.1. Explica el cambio formal de la escultura románica
a la gótica

La escultura gótica
•En la escultura gótica las tallas en piedra continúan
usándose para la decoración de la arquitectura,
además de cumplir la función evangelizadora (el
catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de
la población) pero cada vez se emancipa más (paso
del relieve al bulto redondo).
•La escultura gótica evolucionó desde un estilo
alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un
sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo
XII y principios del siglo XIII. La influencia de las
esculturas griegas y romanas que aún se
conservaban se incorporaron al tratamiento de las
telas, las expresiones faciales y la pose
•El hieratismo geométrico de la figura escultórica
románica que induce una percepción atemporal y
simbólica deja paso a un progresivo naturalismo
donde se busca la belleza formal.

•Este fenómeno de
humanización y
localización en el tiempo y
espacio se percibe, aunque
con signos opuestos, en las
dos figuras más
representadas de la
escultura gótica.
• En el caso de la Virgen
con el Niño, María adopta
la forma de madre alegre y
cariñosa que atiende a su
hijo con amor maternal. Es
fácil encontrar leves e
incluso abiertas sonrisas
en su rostro.
•Por el contrario, Cristo
aparece doliente como un
hombre normal
enfrentado a su muerte.

•Características:
• Progresiva liberación del
marco arquitectónico
• Naturalismo
• Las imágenes expresan
sentimientos
• Realismo
• El artista tiene libertad
para hacer sus obras y las
firmará
• Gran importancia de la
escultura funeraria.

Protogótico: conjunto del pórtico de la
Gloria, atribuido al maestro Mateo y el
pórtico real de Chartres.
Clásico: encontramos una tendencia a la
belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez.
Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan
principalmente las portadas.
Flamígero: se caracteriza por la utilización
de manera decorativa, de la curva y la
contracurva,

•ICONOGRAFIA
•Temas de la vida de Cristo. Se prefieren escenas de la
Pasión, especialmente Cristo crucificado. Se le
representa con la corona de espinas, el paño de pureza
(con pliegues), un único clavo en ambos pies que ya
están juntos, abundantes heridas (destaca la del costado)
Se destaca el peso del cuerpo de Cristo que va desnudo.
Nos da imagen de dolor. Se suele disponer en el tímpano
y en el parteluz.
•Temas marianos o escenas de la Virgen. Aunque en el
románico tardío, la Virgen María comienza a ser muy
representada, es en el gótico donde adquiere pleno
protagonismo. La Virgen se esculpe sobre todo con el
Niño. Se la representa como madre, bella, idealizada.
Muestra una gran humanización.
•Hagiografías o escenas de la vida de Santos. Tomadas
casi todas del famoso libro "La leyenda Dorada" del
dominico Vorágine. Casi todas son de martirios.
•También hay temas vegetales (cardinas...).
•Animales fantásticos. La novedad de la escultura gótica
es la aparición de monstruos en las gárgolas.

6.1. Explica el cambio formal de la escultura románica a la gótica
Características
formales
Temas Géneros Finalidad
Religiosa
Escultura
Romanica
Hieratismo
Rigidez
Solemnidad
Pantocrator
Virgen
entronizada
Vida de Cristo
Juicio final
Incorporada a
la arquitectura
Impresionar
Con el poder
de la divinidad.
Escultura
Gótica
Naturalismo
Movimiento
Amabilidad
Patetismo
Cristo doliente
Cruz- Piedad
Virgen con niño
sonriente,.
Vidas de
Santos, Cristo,
María
Progresiva
liberación del
marco
arquitectónico
Escultura
exenta
Sepulcros
Conmover
Naturalismo
cercanía de la
divinidad a las
pasiones y
situaciones
humanas. Dios
niño y
moribundo

7- Pintura gótica. Pintura sobre tabla.
• 7.1. Identifica los elementos de la pintura gótica a
partir de fuentes historiográficas.
• 7.2. Explica el proceso técnico de la pintura sobre
tabla.
• 8.1. Comenta el proceso de fabricación y aplicación
de la pintura al temple.

7.1. Identifica los elementos de la pintura gótica a partir de fuentes historiográficas.
Periodos Características Ejemplos en España Ejemplos en
Europa
la pintura gótica española
recibe influencias de las
corrientes góticas
europeas.
Desde el siglo XIII hasta el
XVI evolución
1-Pintura Franco-Gótica o
Gótico Lineal
1-Utilización de la línea
como separación
planos
elegancia,
recargamiento lujoso
ornamental de
influencias bizantinas.
Aplicada a los muros,
vidrieras, códices
miniados
Los frescos de la
catedral de
Salamanca.
Vidrieras Catedral de
León
Las Cantigas Santa
María de Alfonso X
"El Sabio"
Vidrieras Chartes,
Notre Dame,
Saint Chapelle
Códice: Salterio
de la Reina Doña
Blanca de Castilla
y de San Luis,
siglo XIII.
2-Pintura Italo-gótica o
Gótico Internacional
Internacional llega de
la influencia de la
escuela italiana de
Siena
Ferrer Bassá
Nicolas Frances
Dello Delli
Siena: Duccio,
Simone Martini
Florencia:
Cimabue, Giotto
3-Pintura Hispano-
Flamenca
Llega la influencia de
los primitivos
flamencos porque
muchos han venido a
decorar catedrales y
Luis Dalmau
Jaime Huguet
Fernando Gallego
Bartolomé Bermejo
Escuela
Flamenca:
Jan Van Eyck
Van del Weyden

PINTURA GÓTICA
• Características generales:
– Comparte con la escultura un gran número de
características.
– Continuidad del pasado: presencia de formas bizantinas.
– Asistimos a la sustitución del imaginario irreal bizantino
por el mundo de lo real, de lo cotidiano y de lo
anecdótico.
– Preeminencia de la temática religiosa, pero contemplada
desde un lado más humano, más cercana a los
sentimientos.
– Mayor individualismo social y cultural.
– Nueva relación entre el cliente y el autor: elaboración de
un nuevo gusto, más doméstico.
– Diversificación de la demanda al desaparecer los muros
en las catedrales:
• Proliferación de las tablas.
• Consolidación del retablo en madera policromada.
• Trípticos y polípticos.
• Miniaturas.
– Aparición, en Flandes, de la técnica al óleo: los pigmentos
se disolvían en aceite de linaza o de nuez: brillantez y
transparencia.

PINTURA ANTERIOR AL SIGLO XV
• GÓTICO LINEAL O PINTURA
FRANCOGÓTICA.
– Extendido por toda Europa.
– Importancia de la línea y del
contorno.
– Colores planos y vivos.
– Escenas bajo arquerías góticas.
– Ausencia de luz natural.
– Desinterés por el espacio:
ausencia de perspectiva.
– Figuras recortadas sobre fondos
neutros.
– Movimiento indicado por los
pliegues de las vestimentas.

Cantigas de Alfonso X el Sabio

Pantocrátor – Capilla de San Martín – Catedral vieja de Salamanca

Plañideras – Sepulcros de la iglesia de San Miguel
Mahamud, Burgos
Actualmente en el MNAC, Barcelona

ESCUELAS ITALOGÓTICAS: DUECENTO Y TRECENTO.
• Ruptura con la tradición bizantina en beneficio de un mayor naturalismo.
• Nuevo tratamiento del espacio y de las figuras.
– Los fondos neutros desaparecen y dejan lugar a entornos naturales o
arquitectónicos.
– Aumento de la riqueza gestual.
– Creciente importancia del estudio anatómico.
– Estudio de la luz.
• Mantenimiento de fondos dorados, frontalidad, composiciones planas y
perspectivas forzadas.
• DUECENTO (siglo XIII).
– Continuidad de las formas bizantinas.
• TRECENTO (siglo XIV).
– Escuela de Florencia.
• Innovación frente a la tradición bizantina.
• CIMABUE (1240-1302).
– Introdujo tendencias naturalistas.
– Mayor gestualidad de los personajes.
– Desproporción y uso, todavía, del dorado en los fondos.

Madonna de los Uffizi
1285-1286
Florencia

Crucifixión
1268-1271
San Domenico
Arezzo

• GIOTTO (1267-1337).
– Iniciador de la pintura renacentista.
– Triunfo del naturalismo.
– Estudio de las diversidad de actitudes
humanas.
– Gran realismo anatómico.
– Figuras con mucho volumen y
macizas.
– Ojos rasgados y labios entreabiertos.
– Transmisión de sentimientos.
– Integración en espacios naturales y
arquitectónicos a modo de escenarios
teatrales.
– Utilización de la luz para modelar las
figuras.
– Gradación de colores.
San Francisco predicando
a los pájaros 1299
Basílica de Asís

San Francisco dando su capa a un pobre – 1299 - Basílica de Asís

Beso de Judas – Capilla Scrovegni – 1304-1313 - Padua

Entierro de Cristo – Capilla Scrovegni – 1304-1313 - Padua

• Escuela de Siena.
– Mayor apego al estilo bizantino.
– DUCCIO (1260-1318).
• Intentos de perspectiva.
Maestá – 1308-1311 - Catedral de Siena

• SIMONE MARTINI (1284-1344).
– Desinterés por los intentos de perspectiva y la profundidad.
– Formas sinuosas y bien perfiladas.
Anunciación
1333
Galería de los Uffizi
Florencia

• PIETRO LORENZETTI (1280-1344) Y AMBROGIO
LORENZETTI (1290-1384).
– Introdujeron en Siena los adelantos conseguidos por Giotto en
Florencia.
Alegorías del buen y el mal
Gobierno
1348
Palacio de Siena

• Corona de Aragón.
– FERRER BASSA y HERMANOS SERRA
FERRER BASSA
Mujeres en la tumba
Capilla de San Miguel
1346
Monasterio de Pedralbes
Barcelona

PERE SERRA – Retablo de Sijena (Huesca), (1363-1375).
Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

• Castilla.
– MAESTRO DEL RETABLO DE DON SANCHO DE ROJAS.
• 1400, Museo del Prado – Madrid.

PINTURA DEL SIGLO XV
• GÓTICO
INTERNACIONAL.
– Fusión del carácter lineal del
primer gótico con las formas
italianas.
– Pintura de colores muy vivos,
trazas sinuosas y gran
brillantez.
– Gusto por los detalles
anecdóticos.
– Estilización de las figuras para
conseguir mayor expresión.
HERMANOS LIMBOURG
Libro de las muy ricas horas del
duque de Berry (1412-1416).
Museo Condé, Chantilly;
Francia.

• Corona de Aragón.
– LUIS BORRASSÁ.
• Retablo de San
Pedro (1411-
1413), Iglesia de
Santa María de
Egara, Tarrasa,
Barcelona.

• Castilla.
– NICOLÁS FRANCÉS.
• Retablo de la Virgen y san Francisco. 1445-1460.
• Museo del Prado, Madrid.

– DELLO DELLI.
• Retablo de la catedral vieja de Salamanca. 1430-1450.

• PINTURA FLAMENCA.
– Gran realismo.
• Representación de lo cotidiano.
• Inclusión de paisajes.
• Descontextualización de los personajes
sagrados.
– Gran detallismo en la representación de
arquitecturas o paisajes.
– Valor simbólico de todos los elementos.
– Apariencia escultórica y volumétrica de
las figuras.
– Importancia de la luz, que crea gamas
de tonos de colores brillantes e
intensos.
– Estudio del espacio: profundidad.
– Introducción de la técnica al óleo:
pigmentos mezclados con aceite de
linaza o nuez.
• Transparencias y veladuras.
• Colorido más brillante.
– Tabla como principal soporte.
– Temática religiosa.
‘The Arnolfini Marriage’ by Jan Van Eyck –
1434 – . National Gallery London.

• ROBERT CAMPIN (MAESTRO DE
LA FLEMALLE, 1375-1444).
– Cofundador de la escuela flamenca.
– Representaba ambientes
domésticos en espacios de
estudiada profundidad.
Santa Bárbara
1438
Museo del Prado
Madrid

Anunciación, 1425-28, Metropolitan Museum of Art, New York

• JAN VAN EYCK (1390-1441).
– Cofundador, junto con Campin, de la escuela flamenca.
– Gran perfección técnica.
– Composiciones muy cuidadas.
– Objetos de carácter simbólico.
– Gran minuciosidad en los detalles.
Políptico del Cordero Místico, 1425-1429, Gante.

Políptico del Cordero Místico, 1425-1429, Gante.

Hombre del turbante
rojo.
1433
National Gallery
Londres

Virgen del
Canciller Rollin
1435
Museo del Louvre
París

Virgen del canónigo Van der Paele, 1436,
Museo de Bellas Artes, Brujas

• ROGER VAN DER WEYDEN (1400-1464).
– Gran dramatismo en sus figuras.
– Preocupación por la composición.
Adoración de los
Magos.
1455
Alte Pinakothek
Munich

Descendimiento, 1436, Museo del Prado, Madrid.

• EL BOSCO (1450-1516).
– Tendencia a lo fantástico, a la exacerbación de lo simbólico.
– Profunda religiosidad.
– Pintura moralizante.
– Crítica de las malas costumbres de la sociedad desde una concepción
moral muy religiosa.
– Composiciones con una gran abundancia de personajes.
– Composiciones muy complejas.
El Jardín de las Delicias, 1504, Museo del Prado, Madrid.

El carro del heno
1500-1502
Museo del Prado
Madrid

Mesa de los siete pecados capitales
1480
Museo del Prado, Madrid.

• OTROS PINTORES FLAMENCOS:
– DIRK BOUTS, HANS MEMLING, GERARD DAVID,
HUGO VAN DER GOES Y JOACHIM PATINIR.
HANS MEMLING
Adoración de los Magos
1479-1480
Museo del Prado, Madrid
GERARD DAVID
Virgen con el Niño, 1520, Museo del Prado, Madrid

• PINTURA FLAMENCA EN ESPAÑA.
– CORONA DE ARAGÓN.
• LUIS DALMAU, JAUME
HUGUET, BARTOLOMÉ
BERMEJO.
– CASTILLA.
• FERNANDO GALLEGO.
BARTOLOMÉ BERMEJO
Santo Domingo de Silos
1474-1477
Museo del Prado
Madrid

LUIS DALMAU, Virgen de los Consellers, 1445
Museo de Arte de Cataluña, Barcelona

FERNANDO
GALLEGO
Cristo
bendiciendo
1470
Museo del Prado
Madrid

7.2. Explica el proceso técnico de la pintura sobre tabla.
Maderas utilizadas Preparación
Del soporte
Técnicas para pintar
Sobre tabla
Ejemplos de la
Historia del Arte
la de nogal, pino o
abeto,
en Italia se usaba
chopo, y en el Norte
de Europa, roble, haya
o pino.
Otros tableros de
abedul, el cedro o el
álamo blanco.
la Edad Moderna se
recurrió a maderas
tropicales duras como
la caoba. Y DM
conglomerado de
Densidad Media que
no se alabea o
abarquilla
Inconvenientes de
este soporte.
La humedad ambiental
altera su forma.
Puede albergar
insectos xilófagos.
La preparación: había
que unir diversas
tablas entre sí, usando
clavijas de madera y no
de metal, que se oxida;
se añadía yeso con
cola, en ocasiones pan
de oro.
Ventajas: al tratarse de
una superficie lisa y
uniforme permite un
trabajo detallado
1-Encáustica
2-Temple :emulsión
graso+magro
Al huevo
A la cola
A la Caseina
3- Al óleo
4- Mixta: temple
(grisalla) y óleo
5-Estofado sobre pan
de oro, pintura a la
cola que se rayaba
para imitar los
brocados del ropaje
Los sarcófagos
egipcios a 2000 a. C.
Pintados encáustica.
«retratos de El
Fayum», II a IV.
En la baja Edad Media
se pintó al temple
sobre madera, en
tablas individuales o
disponiendo
conjuntamente varias
tablas, lo que se
denomina, según su
número, díptico,
tríptico o políptico

Descendimiento de Roger Van der Weyden, Museo del Prado

Crucifixión de Roger Van der Weyden, El Escorial

8.1. Comenta el proceso de fabricación y aplicación de la pintura al temple.
Aglutinante Preparación del soporte y
Proceso de trabajo
Ejemplos de la
Historia del Arte
La pintura al temple, también
conocida como témpera, es
una técnica de pintura en la
que el disolvente del pigmento
es el agua y el aglutinante
(también denominado temple
o engrosador) algún tipo de
grasa animal, glicerina, huevo,
caseina, otras materias
orgánicas o goma..
Estas sustancias actúan como
emulsionantes es decir
mezclan sustancias magras
como el agua con sustancias
grasas como el óleo o barnices
Es preferible usar la madera como
soporte.
Se unen los diferentes tableros con
uniones de madera y encolados
Se sujetan a un bastidor también de
madera.
Se utiliza una preparación de yeso,
carbonato de cal y cola de conejo.
Se comenzaba pintando una grisalla:
La imagen el blanco y grises
definiendo sus sombras y volúmenes.
Se continuaba aplicando el color por
finas capas de veladuras.
Los sarcófagos
egipcios a 2000 a. C.
Pintados encáustica.
«retratos de El
Fayum», II a IV.
la pintura al temple es
característica de la
Edad Media europea.
estilos románico y
gótico en el occidente
europeo, y de los
iconos bizantinos y
ortodoxos, en Europa
Oriental.
Boticelli y Miguel
Ángel usaban esta
técnica

DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO
DE EMPLEO, UTILES Y SOPORTES
En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias
orgánicas.Consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o
una solución de glicerina. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea.
Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos
bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.
Temple de huevo: La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta
técnica solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. (Hay también temples de clara de huevo y
de huevo completo)
Temple a la Caseína: conocido desde la Antigüedad y ha resultado tener un comportamiento más estable
que el resto de las emulsiones. El temple de caseína es muy resistente al agua, muy estable y de gran poder
adhesivo. El fondo que mejor se comporta es el de caseína. Otra característica importante de la caseína es
su gran claridad e intensidad luminosa.
Temple a la Cola: Tiene como aglutinante cola de animal, la pintura tiene un acabado mate, empleada por
Andrea Mantegna

ESTILO O PRÁCTICA ARTISTICA,
ÉPOCA, ARTISTAS DESTACADOS
• La pintura al temple ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto.
Muchos de los retratos de las momias de El Fayum están realizados al temple, a veces en
combinación con pintura encáustica.
• La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrollo desde la
pintura encáustica y fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de
manuscritos en el mundo bizantino y en el medievo y Renacimiento europeos.
• Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Duccio, Giotto, Cimabue y sus
contemporáneos, solían utilizar esta técnica sobre una preparación de yeso blanco.
• Los Grandes pintores del siglo XV Piero de la Franchesca, Mantegna y Sandro Botticelli, Fray
Angélico usaron el Temple. Todas las pinturas de tabla conservadas de Michelangelo son de
temple al huevo.
• El óleo reemplazó a la pintura al temple como principal medio artístico durante el siglo XV en
la pintura Holandesa del norte de Europa. Al rededor del año 1500, reemplazó a la témpera
en Italia.
• En los siglos XIX y XX ha habido revivals intermitentes de la pintura al temple en el arte
occidental, entre los pre-rafaelitas (Marianne Stokes), realistas sociales y otros. La pintura al
temple se sigue usando en Rusia y Grecia donde es el medio requerido para los iconos
ortodoxos.

Guido da Siena, Iglesia de San Regolo, Siena, Témpera y oro en panel, 1285-1295

Artist Duccio di Buoninsegna
Última Cena
Year c. 1300
Type Tempera

Artist Duccio di Buoninsegna
Calvario
Year c. 1300
Type Tempera

9-Vestimentas y costumbres.
• 9.1. Identifica los elementos característicos de la
vestimenta gótica a partir de fuentes historiográficas.

Vestimenta gótica
• Es a mediados del siglo XIV cuando se puede empezar a
hablar de moda aunque todavía no del sistema moda tal
como lo entendemos hoy.
• Sólo una revolución se ha producido en la historia del
vestido, sólo un cambio verdaderamente radical de
concepto vestimentario; comenzó a mediados del siglo XIV y
afectó simultáneamente al tempo de cambio formal
indumentario y a la propia morfología del vestido:
• -Se agilizó el cambio vestimentario, se aceleraron las
innovaciones formales. Dicho de otro modo, surgió la moda
en el vestir, es decir, el cambio sistemático de los estilos
vestimentarios y la fascinación por las novedades.
• -El traje se volvió mayoritariamente anatómico. Opuesto al
traje antiguo y altomedieval, que se basaba en la mera
combinación de túnicas y mantos amplios que desdibujaban
las líneas corporales, el traje dibujará y redibujará la belleza
física acomodándolo a cambiantes ideales de atractivo
sexual.

• El atuendo masculino se
compone de un jubón, especie
de chaqueta corta y estrecha
hasta la cintura o la jaqueta
hasta los muslos, unido a unos
calzones que descubrían la
forma de las piernas. El jubón se
considera una prenda
revolucionaria.
• El traje de la mujer sigue siendo
largo, pero mucho más ajustado
y escotado resaltando el busto y
las caderas. Se completaba con
unos tocados extravagantes: un
cucurucho exageradísimo o dos
salientes laterales en forma de
cono como dos cuernos.
2. Extracto del libro "Las horas de
Etienne Chevalier", pintura de Jean
Fouquet (siglo XV), Museo Condè de
Chantilly. Jubón y calzas ajustadas al
cuerpo permiten admirar las
proporciones masculinas y realzar la
apostura física. 3. Jubón dicho de
Charles de Blois (siglo XIV). lyon,
Museo de los Tejidos. Patronaje
sumamente complejo: 28 piezas.

EL TRAJE EN EL DUCADO DE BORGOÑA (1375-
1475)Países Bajos y Flandes (que incluía las
poderosas ciudades de Ypres, Brujas, Gante y el
puerto de Amberes) y el ducado de Borgoña, hoy
territorio francés, se reunieron en la centuria final de
la Baja Edad Media para deslumbrar al mundo con
su sentido del lujo y la elegancia.
Hombres En el cambio hacia el siglo XV
destacan una prenda por encima de todas las
demás: la hopa u hopalanda, un sayón, es decir,
una gran saya o túnica muy larga. Abundosa de
tejido de excelente calidad, desbordaba
generosamente a su vestidor: cuello alto y a
menudo tieso, mangas desbocadas, forros ricos y
orillos de piel, falda ancha y a veces arrastrada.
Con una hopalanda apenas se puede lucir una
segunda prenda: el tocado, que para los hombres
suele ser alto, a modo de pieza estructurada y
cubierta de lienzos (capirote) o bien un bonete
cilíndrico. El peinado a la escudilla, cortado en
redondo y con forma de plato boca abajo, fue el
favorito de los hombres durante casi cien años,
hasta las melenas de 1475-80.

Mujeres La saya de mejor
aspecto o más rica recibe el
nombre de la que fuera una saya
interior, el brial. Luce cuerpo muy
ajustado (imitando los jubones
masculinos, parece que también
las mujeres estofaban sus sayas
y gonelas) y de escote redondo,
falda de vuelo y cola. Hasta bien
avanzado el siglo XV, algunas
damas de alcurnia se revisten
con un surcot guarnecido de piel,
a todas luces una prenda similar
al pellote castellano del siglo XIII
y principios del XIV, ahora
reservado exclusivamente a las
mujeres. La moda del vientre
prominente es común a todo el
siglo XV. Los tocados de cuernos
permiten a la mujer competir con
los capirotes masculinos.

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