Historia de la Salsa

Historia de la Salsa, desde las raíces hasta el 1975
Prof. Nicolás Ramos Gandía (niramos@arecibo.inter.edu )
Catedrático Asociado de Matemática
Universidad Interamericana de Puerto Rico
Recinto de Arecibo
Resumen
Estudio de la evolución histórica e influencia de los géneros musicales de
Cuba: el Son, la Rumba y el Danzón con sus variantes y de otros movimientos
musicales en la Salsa. Se explica cómo, desde los años 20 hasta principio de
los 60, dichos géneros fueron evolucionando hasta forjar los contornos sonoros
de la Salsa. Analizamos los procesos que llevan a la adaptación de esas
vertientes musicales redefiniéndose como la música urbana de la Salsa cultivada
por músicos latinos y neoyorquinos. Examinamos el período decisivo de su
germinación y consolidación que va desde fines de la década de los 60 hasta el
año clave del 1975. Se expone el papel definitorio de la compañía Fania, para
que músicos latinoamericanos y de otros grupos étnicos hicieran suya esas
influencias y la transmutaran en un fenómeno social, discográfico y comercial de
trascendencia mundial.
A Catalino ("Tite") Curet Alonso
Los creadores de la Música Popular nuestra tienen
que ser reconocidos sin cortapisa y en su justa
perspectiva, para así aquilatar sus aportaciones a esa
vertiente de la historia social nuestra.

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Introducción
La Salsa, como manifestación musical de un entorno social
marginado, fue atacada desde distintos flancos, tanto musicales como
sociales. Sus detractores alegaban que era: "música cubana vieja y poco
innovadora"; "música de barrio de mala muerte"; "música sin contenido y
simplista"; y mil frases más que, en este momento, está de más citar. En su
origen, otros géneros de la música popular como el Tango, el Jazz y el Rock
sufrieron ataques similares para luego convertirse en expresiones musicales
dignas de investigación académica.
Antecedentes de la Música Cubana
La música, como todo otro elemento sustantivo de una cultura, no puede ser
bien apreciada en sus valores sin conocer su función en la integridad del sistema
de esa misma cultura, de la cual aquélla forma parte. La música en general, así
sus expresiones como sus instrumentos, responden a factores muy complejos;
sin el estudio de éstos, aquélla no puede ser comprendida.
Fernando Ortiz
España, al momento del "descubrimiento" de América, era un país de
carácter multiétnico debido a las dominaciones romanas, visigodas y
musulmanas que sufrió entre los años 218 a.C. y 1479 d.C., este último, año de
la reunificación política del país. España tuvo una influencia abarcadora,
profunda y determinante en el carácter socio cultural del Caribe Hispano y,
particularmente, en Cuba y Puerto Rico hasta el final de su dominación de cuatro
siglos. Los españoles aportan a la música cubana y caribeña la estructura
melódica, los instrumentos de cuerda pulsada y las formas literarias, tanto
escritas como orales, entre las cuales se destaca la décima, fundamental en la
composición e improvisación de nuestros pueblos. "Unas músicas entraron en
Cuba como propias de los conquistadores y de la clase dominante; otras como
de los esclavos y de la clase dominada. Música blanca, de arriba, y música
negra, de abajo. Por eso sus manifestaciones han sido muy cambiadizas, sus
influjos muy distintos y variable su trascendencia en la plasmación de la
musicalidad nacional, según las peripecias sufridas por la estructura económica,
social y política del pueblo cubano." (Ortiz, 1975)
Los españoles colonizan a Cuba y, en los primeros 50 años,
prácticamente exterminaron a los aborígenes cubanos. Éste hecho provocó que
de las estructuras sociales y culturales de estos pobladores originarios muy poco
sobreviviera ante el paso de la colonización. Sólo podemos hacer una
referencia limitada a sus Areitos que era una manifestación musical, danzaría y
religiosa colectiva, pues los cronistas españoles se circunscribieron a describir la
misma de manera superficial. Además, luego de la colonización española, la
influencia indígena en las islas del Caribe jamás alcanzó los ribetes que tuvo en

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Centro y Sur América. Recordemos que Diego Velásquez, quien en el 1510
inició la colonización de Cuba, recurrió a traer esclavos africanos –
principalmente, de las tribus Yoruba (Lúcuma), Bantú (Congo) y Carabalí- para
proveer la fuerza de trabajo. El sistema esclavista en Cuba permitió a los
africanos conservar algunas de sus costumbres, tradiciones y modos de vida,
principalmente, sus toques de tambores, sus cantos religiosos o profanos y les
proveyó la organización social de ayuda mutua conocida como el Cabildo. Las
tribus africanas aportan el ritmo, la creación de tambores y otros instrumentos
percusivos, así como, la estructura de cantos basados en la alternancia entre el
cantante solista y el coro. "La fusión de las diferentes culturas africanas con los
elementos de las culturas hispánicas dio inicio a un complejo proceso de
transculturación al cual, con el tiempo, se le añadieron elementos de otras
culturas de posteriores migraciones. Este fue el caso de aporte de los
franceses, chinos, haitianos, jamaiquinos y mexicanos. No debemos olvidar que
otras culturas ejercieron por vía indirecta una fuerte influencia sobre la cultura
cubana. Estos fueron los casos en el siglo XIX de la cultura italiana y en el siglo
XX de la norteamericana". (Alén, 1992)
La mayoría de los estudiosos coinciden en que a fines del siglo XIX, en
ese crisol de costumbres, creencias e ideas, surgen las manifestaciones de la
nacionalidad cubana y, entre éstas, la música cubana con sus géneros
musicales más influyentes en la Salsa: el Son, el Danzón (con todas sus
vertientes) y la Rumba. La Salsa se fundamenta en formas y estructuras
musicales de dichos géneros cubanos y, en menor medida, de la influencia
tangencial de géneros como: la Bomba, la Plena, la Samba y el Jazz, pero
debemos enfatizar que su columna vertebral es, sin duda, el Son y el enfoque
ecléctico al manejar la fusión de esos géneros musicales.
El Son
El Son es lo más sublime para el alma divertir.
Se debería de morir, quien por bueno no lo estime.
Ignacio Piñeiro
El origen del Son se ubica en la región oriental de la isla cubana,
principalmente, en Santiago y en la cordillera montañosa de la Sierra Maestra.
También, se incluye la provincia de Guantánamo y se asocia con las fiestas
Changüí que allí se celebraban. Este género musical surge a fines del siglo XIX
concurrentemente con la formación de las características distintivas de la
nacionalidad cubana. El Son se comenzó a popularizar en los carnavales de
Santiago alrededor del 1892 por un intérprete llamado Nené Manfugás, éste
ejecutaba un instrumento rústico de madera con una caja de resonancia con tres
cuerdas doble de acero llamado el Tres. Dicho instrumento se convirtió en el
símbolo del Son y en la guitarra típica cubana. En sus inicios, la estructura
musical del Son se basaba en la repetición constante de un estribillo de cuatro
compases o menos cantado por un coro, conocido como el Montuno, y entre

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éste la improvisación la realiza el cantante solista, por lo general, contrastante
con el estribillo del coro. Luego, al asentarse en los centros urbanos, el Son
adquirió un elemento estructural de la música europea, la inclusión de una
sección cerrada, que se ubicó al inicio del canto seguida por el estribillo o
Montuno. Así en la primera parte del Son se centralizó el tema de la canción lo
que enmarcó la improvisación o Montuno a repeticiones del tema con algunas
variantes sobre el mismo.
Los instrumentos originales del Son fueron: el tres y la guitarra, brindaban
la línea melódica y era una influencia concreta de la cultura hispana; el
bongó que aportaba la concepción de la interpretación politímbrica que se
desprendía de sus múltiples formas de ejecución; las maracas y la clave ("Sin
clave no hay Son"), la llamada percusión menor, que eran, normalmente,
ejecutada por el cantante; y, finalmente, la marímbula y la botija que fueron
sustituidas con el tiempo, en los predios urbanos, por el contrabajo. En el Son
se da un sincretismo musical entre los instrumentos percusivos africanos y los
instrumentos de cuerda pulsada españoles y, en el aspecto, vocal entre la
décima española y el canto alternado entre coro y solista (el canto antifonal) de
origen africano.
En el año 1909 el Son se propagó por todo el territorio cubano gracias, en
parte, a la resolución que creaba el Ejercito Permanente del país la cual disponía
que todo soldado reclutado fuera trasladado a una provincia diferente a la de su
residencia. El propósito era sacarlo de su entorno social y, así, minimizar la
posibilidad de revueltas. (Arteaga, 1994; Orovio, 1992) Pero nos parece más
razonable que "por simplista, no es posible aceptar esta afirmación, pues,
¿Cómo es posible que una institución armada, cuya función principal no era la
música, pudiera lograr introducir el son en La Habana? [...] No puede negarse la
contribución del Ejercito Permanente en la expansión del son, pero esto no debe
llevarnos a la afirmación de que lo trajo a La Habana. Más razonable es decir
que el son llegó a la capital a través de los que emigraban de su lugar de origen
hacia otras regiones, incluyendo la capital." (Giro, 1996)
Los Cuartetos de Son provenían de las zonas rurales y dominaron el
marco musical de la ciudad y, en la década del 20, se transformaron en
Sextetos. El sexteto Habanero fundado en el 1920, por ejemplo, tuvo su
antecedente en el cuarteto Oriental. En el 1927 con la integración de una
trompeta dicha agrupación se convirtió en un Septeto, aunque mantuvo el
nombre de sexteto Habanero. Esta configuración instrumental, desde la década
del 30, definió el formato sonero característico de los medios urbanos y fue de
gran influencia en el resto del Caribe. Entre los septetos debemos destacar el
septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, que con "su poder creador trabajó en los
contornos del Son oriental impartiéndole un tratamiento y desarrollo más amplio
en lo musical y con una temática literaria más profunda y variada." (Orovio,
1992) El estilo criollo del trompetista Lázaro Herrera y la independencia
brindada al cantante como solista fue, sin duda, lo que permitió que el septeto
Nacional se convirtiera en la referencia obligada para este tipo de agrupación
tanto en Cuba como en el Caribe. Además, esta agrupación popularizó el
famoso tema de Piñeiro "Échale Salsita" referencia primaria, según varios

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autores (Calvo, 1996; Orovio, 1994; Santana,1992), de la palabra Salsa en la
música del Caribe. Afirmación que nos parece aventurada pues, su uso en este
tema, tiene una perspectiva puramente gastronómica (échale salsita a la
butifarra) y no tiene, en absoluto, el sentido que hoy le adscribimos a la palabra
Salsa, como denominación de un movimiento musical caribeño y mundial.
El Son era un baile de las clases pobres (de los solares) y fue rechazado
duramente por las clases acomodadas (de los clubes) e incluso fue prohibido por
el gobierno que lo consideraba inmoral. Al entrar en los salones de baile de La
Habana y otras ciudades importantes, al disfrutar de una significativa difusión
discográfica y radial y gracias al trabajo musical de agrupaciones como las arriba
mencionadas; el Son pasó del solar a la conciencia del pueblo cubano y de ahí
al mundo. En los años 20 el Son se convirtió en el género musical nacional de
Cuba, superando al Danzón, que lo fue desde fines del siglo XIX hasta principios
del XX.
La década del 30 representó el período de internacionalización del Son
gracias, principalmente, a las presentaciones de la orquesta de Don Azpiazu con
su cantante Antonio Machín en los Estados Unidos (1930) y Europa (1931). La
orquesta de Azpiazu convirtió el Son Pregón de Moisés Simón El Manicero en
un éxito mundial. Por su parte, el septeto Nacional de Piñeiro se presentó en la
Feria Mundial de Chicago en el 1933 y logró un triunfo arrollador.
En la década del 40 surgen los Conjunto cuando el tresista Arsenio
Rodríguez decide ampliar el formato del septeto y le añade otra trompeta, la
tumbadora y el piano. Con la inclusión de la tumbadora en las agrupaciones
cubanas se superaba la prohibición de su uso en las orquestas cubanas,
establecida por el Presidente Machado en la década del 30, debido a su
asociación con los ritos santeros. En poco tiempo Arcaño la incorporó a su
famosísima Charanga. La guitarra se dejó de utilizar en los Conjuntos y el tres
quedó como el instrumento emblema de las agrupaciones soneras. En el
conjunto de Arsenio el tres se ejecutaba en un estilo distinto a los otros formatos
musicales del Son, el piano elaboraba tumbaos de gran vitalidad y la trompeta
desarrollaba improvisaciones bien criollas partiendo del swing americano. Con
esta perspectiva musical el Conjunto de Arsenio y las otras agrupaciones que
siguieron su pauta crearon una nueva sonoridad para el Son. En esta década se
destacaron en la interpretación del Son, la Sonora Matancera, principalmente,
como conjunto acompañante de primeras figuras del canto caribeño y el
Conjunto Casino por su exquisita sonoridad e inigualable sabor interpretativo.
En la década del 50 el genio de la música cubana Benny Moré creó una
escuela aparte en la interpretación del Son, él, en sí mismo, acompañado por su
banda gigante (La Tribu, como él les llamaba), era un estilo sin competencia, un
fuera de serie en la música popular del Caribe. Además, el Son ha sido
interpretado por otros tipos de agrupaciones musicales tales como: Tríos,
Charangas, Big Bands y Grupos Experimentales. Este género tenía muchas
variantes, entre las que podemos mencionar: el Changüí, el Son Montuno, el
Son Habanero, el Sucu Sucu y el Son Pregón entre otros.
A fines de los 60 y principio de los 70 el bajista cubano Juan Formell y su
agrupación los Van Van crean el Songo, éste surge al mezclar el Son con la

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música electrónica americana del Beat. Formell un músico iconoclasta, como
los salseros de ese periodo, incorporó a la Charanga los trap drums, el bajo
eléctrico, amplificó los violines a la vez que daba un mayor énfasis al aspecto
rítmico, los cantantes interpretan a tres voces e introdujo los trombones en las
Charangas cubanas.
El Son es, sin duda, el género musical cubano que más ha influyó en la
Salsa a través de su formato instrumental, como en su estructura musical.
El Danzón y sus variantes
Los musicólogos (Carpentier, 1996; Díaz, 1991) coinciden en que el
Danzón proviene de la Contradanza Cubana y de la primera expresión vocal
autóctona de Cuba, la Habanera. Estos le adjudican a la ola migratoria del 1798
de hacendados franceses -que huían de la revolución haitiana, con sus
sirvientes africanos y criollos hacia Santiago de Cuba- la casi paternidad de la
Contradanza Cubana gracias a su música la Contradanza Francesa y el Minué.
La historiadora cubana Zoila Lapique (1996), por su parte, fundamenta la tesis
de que la Contradanza tuvo, desde mediados del siglo XVIII hasta más allá de la
mitad del siglo XIX, dos momentos fundamentales. El primero ocurre cuando
vino a través de España (la Contradanza es una adaptación francesa del
Country Dance inglés) y en Cuba se le insertó la célula rítmica de origen africano
conocida como la conga. El segundo se da tras una sedimentación musical de
las oleadas de inmigrantes franco-haitianos de más de medio siglo en tierras
cubanas tras la abolición de la esclavitud en Haití en el 1793.
La Contradanza Cubana dio pie a la Danza Cubana que, con su tempo
lento y melancólico, proveyó espacio a la estrofa cantada y de ahí a la
Habanera. En ésta la influencia africana está en el ritmo tango congo de origen
bantú y la presencia hispánica en la melodía y el verso. "El café de La Lonja
sería escenario en 1841 de un hecho trascendental para la música cubana... por
primera vez se cantó una contradanza con versos expresamente dichos al
compás de la música. Era el inicio de lo que sería después un nuevo género
cubano: La Habanera". (Lapique, 1996)
El desarrollo de la Contradanza Cubana y La Habanera llevó a la creación
de otros géneros musicales propiamente cubanos, que estuvieron muy
vinculados a la transición de la Orquesta Típica a la Charanga Francesa y de
ésta en la Charanga. En orden cronológico de origen podemos mencionar a: el
Danzón, el Danzonete, el Danzón de Ritmo Nuevo (Danzón Mambo), el Cha-
cha-chá y la Pachanga; todos ellos asociados, principalmente, al formato
instrumental de la Charanga a la Francesa que hoy conocemos, simplemente
como la Charanga.
En el 1879 el músico matancero Miguel Faílde estrenó su Danzón "Las
Alturas de Simpson" en el Liceo de Matanzas con la orquesta típica que dirigía,
abriéndole camino a este género en el ambiente popular. "La contradanza [...]
había sufrido un proceso de criollización paulatina, que devino la danza cubana,
dueña de una mayor libertad expresiva, asentada, en lo coreográfico, en la
pareja enlazada con evidente influjo afroide en su ritmo. Precisamente, al

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aumentar sus partes formativas, al extender su tiempo bailable, se le empezó a
dar el calificativo de danzón." (H. Orovio, 1992) "En sus primeras etapas, el
danzón era interpretado por un conjunto denominado Orquesta Típica que
incluía en su formato: cornetín, trombón de pistones, figle, dos clarinetes, dos
violines, contrabajo, timbal y guiro [...]. La orquesta típica fue sustituida por una
orquesta denominada Charanga Francesa, cuyo formato instrumental lo
integran: flauta, piano, instrumentos de arco (principalmente dos o tres violines y
contrabajo, pudiendo incluir también viola o violonchelo) y percusión (timbales o
pailas y güiro)." (Loyola, 1996)
El trío musical francés de piano, violín y flauta que traían los inmigrantes
de Haití con el tiempo incorporó instrumentos percusivos cubanos y así surge la
Charanga Francesa. Ese proceso de incorporación se dio paulatinamente
durante la primera parte del siglo XX se incluyó la tumbadora cubana, la paila
criolla o timbal y el güiro y su nombre se reduce simplemente a Charanga. "En
los años cincuenta Enrique Jorrín introdujo dos trompetas en su charanga y José
Antonio Fajardo incluía esporádicamente una trompeta..." (Loyola, 1996). Estos
experimentos, para redefinir la dotación instrumental de las Charangas, no
tuvieron éxito en Cuba, pero en Nueva York se concretaron a principios de la
década del 60; gracias, en gran medida, a orquestas como el conjunto Cachana
de Joe Quijano (agrega trompetas) y la Moderna de Ray Barretto (agrega
trompeta y trombón).
El Danzón dominó a su antojo el escenario musical de Cuba desde fines
del siglo XIX, luego, en la primera y segunda década del siglo XX, comenzó a
perfilar su forma definitiva e incorporar elementos de otros géneros cubanos,
principalmente del Son. "En el 1910, José Urfé, compositor, director y
clarinetista, revoluciona el Danzón cubano al insertar, en su parte final, un
montuno de son al estilo de los figurados de los treseros orientales." (Orovio,
1994) La composición de Urfé, dedicada a su violinista Julián Barreto, "El
Bombín de Barreto" estableció para el resto del siglo la tónica del estilo que
distinguiría al Danzón.
El auge del Son durante la década del 20 ocasionó que el Danzón
declinará en el fervor del pueblo cubano. En el 1929 Aniceto Díaz fusionó
elementos tomados del Son y del Danzón con una parte cantada y creó un
Danzón de nuevo estilo al que llamó Danzonete. El primer Danzonete fue
"Rompiendo la Rutina", cuyo título era, por cierto, muy sugestivo e irónico dentro
del contexto socio-musical de esa década. Para contrarrestar al Danzonete los
soneros sacaron el Sonsonete que era un Son, con una parte cantada sola, sin
respuesta del coro o Montuno. El Sonsonete tuvo poca vida musical y, en la
jerga popular, de Cuba y el Caribe, quedó como sinónimo de algo monótono y
molestoso. La creación de Díaz impone, al inicio de los años 30, la necesidad
de incorporar un cantante en las Charangas y se destacan: Paulina Álvarez,
Barbarito Diez, Pablo Quevedo (primer ídolo de masas en la música popular
cubana) y Abelardo Barroso. Debido al limitado número de Danzonetes
originales que se componen, los músicos que cultivaban este género tuvieron
que adaptar temas del Tango y el Bolero para mantener latente el mismo. Este
hecho unido a la muerte de los principales cantantes masculinos del género

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Quevedo (1936) y de Fernando Collazo (1939), al surgimiento de nuevos
formatos orquestales como los Combos y los Conjuntos, la proliferación de otros
géneros musicales como el Danzón-Mambo, las nuevas variantes del Son y la
Rumba; circunscribieron la popularidad del Danzonete a la década del 30.
En el año 1937 se funda la orquesta de Arcaño y sus Maravillas y en el
1938, gracias al talento creativo de los hermanos Orestes e Israel López, le dan
vida a una nueva variante del Danzón y la música cubana llamada el Ritmo
Nuevo o Danzón Mambo. La orquesta de Arcaño agregó, en la parte final del
Danzón, un Montuno con motivos sincopados en las cuerdas, el piano y el bajo.
Además incorporó la tumbadora (instrumento marginado durante la década del
30 en la música cubana) en la parte donde no intervienen las pailas. Así la
Charanga de Arcaño enriqueció el aspecto rítmico de su sonido y le dio un
nuevo giro al Danzón y a la música cubana de fines de los años 30 y principios
de los años 40.
En la década del 40 el Danzón con sus variantes y las Charangas
estuvieron en plena lucha musical con el Son y los Conjuntos por la supremacía
del mundo musical cubano, pero cedieron terreno frente a estos últimos debido a
su trabajo innovador y de incuestionable raíz popular. Los Conjuntos más
populares fueron el Conjunto Casino, el Conjunto de Arsenio y la Sonora
Matancera.
En1952 las Charangas vuelven a tomar el liderato en el fervor del público
con el surgimiento del Cha-cha-chá. Este género se deriva del Danzón-Mambo
y de la tendencia de los músicos a enfatizar el aspecto bailable del mismo en
sus presentaciones públicas. Enrique Jorrín y la Orquesta América presentan en
el tema "La Engañadora" el esquema ternario del nuevo género: introducción
instrumental, parte cantada a coro por todos los músicos y final con estribillo o
sin él. La diferencia con el Danzón-Mambo radicaba en que éste tenía una
orientación instrumental y hacia los ritmos sincopados; mientras que en el Cha-
cha-chá la trinidad vocal-instrumental-bailable era fundamental, todos los
músicos de la Charanga cantan al unísono y el ritmo se distingue por su
sencillez para que el bailador tenga más soltura en sus pasos y no se cruce. En
la década del 50 la agrupación charanguera más importante fue la orquesta
Aragón, fundada en el 1939 en Cien Fuegos por Orestes Aragón. La Aragón
logró exposición de primera línea en La Habana gracias, en parte, al apoyo
brindado por Benny Moré quien exigía a los empresarios que la Aragón fuera la
Charanga que alternara en sus presentaciones. La Aragón cultivó intensamente
el Cha-cha-chá, fueron excelentes exponentes del Son con su famosa versión
del tema "El Baile del Suavecito" y del Bolero con la impecable interpretación
sonora que elaboraban, escuchen como ejemplo el tema "Noche Azul". La
música cubana en esta década fue dominada por las Charangas y los Big Band
Latinos, principalmente por La Tribu de Benny Moré. Además, las Charangas se
convierten en un producto de exportación musical de Cuba hacia la ciudad de
Nueva York.

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Las Charangas en Nueva York
En Nueva York las Charangas experimentaron un desarrollo vertiginoso,
desde mediados de los 50 hasta principios del 60, que trajo importantes
variantes distintivas en el esquema instrumental de las mismas. La primera
Charanga fundada en dicha ciudad fue la de Gilberto Valdés en el 1952 y desde
el 1953 proliferan debido a la popularización del Cha Cha Chá entre el público
latinoamericano radicado en Nueva York. Para fines de los 50 las Charangas ya
competían, de tú a tu, con los "Big Band" de Machito, Tito Puente y Tito
Rodríguez, quienes eran los reyes musicales de la ciudad. Incluso algunas de
las primeras grabaciones de Tito Rodríguez para el sello RCA, entre los años
1953 y 1954, fueron realizadas con el formato instrumental de las Charangas y
al inicio de los 60 lanzó el excelente disco Pachanga y Charanga. En el 1958 el
destacado pianista puertorriqueño Charlie Palmieri organizó la Charanga
Duboney, junto al flautista dominicano Johnny Pacheco y al magnifico cantante
Vitín Avilés, esta agrupación alcanzó inmediatamente un éxito sin precedentes
en Nueva York. Al otro año, debido a discrepancias en el enfoque musical de la
Duboney, Pacheco organizó su propia Charanga con la que triunfó plenamente y
registró ventas de discos inigualables en el circuito de Nueva York para esa
época.
En el 1959, en Cuba, la Orquesta Sublime le pidió a Eduardo Davidson
que compusiera algo nuevo y de impacto musical, éste creó la composición
titulada "La Pachanga". A la hora de imprimir el disco y a falta de un nombre
para clasificar el ritmo el director musical de la compañía de discos Panart utilizó
el mismo nombre del número y lo tituló "Ritmo Pachanga". A este disco le
siguieron muchos otros porque el ritmo pegó como epidemia, principalmente en
Nueva York, donde dominó la primera parte de la década del 60. La Pachanga
fue prohibida en Cuba cuando Davidson se marchó al exilio, esto dejó a Nueva
York como el terreno fértil donde se expandirían y popularizarían las Charangas
y el ritmo Pachanga.
A principios de los 60 en Nueva York el formato instrumental de las
Charangas experimentó cambios radicales cuando le agregan trompetas,
trombones y, en ocasiones, saxofón creando así distintas combinaciones
sonoras. Esta nueva dotación instrumental creó un sonido charanguero más
poderoso y moderno. Por ejemplo, Joe Quijano en su Conjunto Cachana integra
trompetas con violines y Ray Barretto en su Charanga Moderna incluye trompeta
y trombón. Joe Quijano fue el músico que dominó con el ritmo de la Pachanga
en Nueva York desde que organizó el Conjunto Cachana en el 1960 bajo la
dirección musical de Charlie Palmieri y lanzó al mercado el tema “La Pachanga
se Baila Así”. Este número aclaró la disputa que existía en el barrio latino de
Nueva York, pues muchos músicos y bailadores creían que la Charanga era
Pachanga (asumían equivocadamente que charanga era un ritmo), pero en la
introducción del tema el coro, en animo de aclarar la controversia, decía: "Una
Charanga es la orquesta que está de moda, una Pachanga es el baile que se
baila ahora".

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Durante el período que va desde el 1960 al 1965 surgieron otras
excelentes Charangas que impactaron significativamente el mercado latino de
Nueva York, podemos mencionar, entre otras, La Charanga Moderna de Ray
Barretto en el 1961, Nuevo Ritmo de Mongo Santamaría en el 1962 y La
Orquesta Broadway de los hermanos Zervigón en el 1962. Pero la Charanga
neoyorquina más influyente en la Salsa fue La Moderna de Barretto, en ésta se
integraron los metales, trompeta y trombón, con los violines y una sección
rítmica poderosa. Esta orquesta, con su exotérica combinación instrumental,
estableció un sonido más agresivo al tradicional de las charangas, a la vez que
incorporó elementos de las Descarga cubanas. Además, los temas grabados por
Barretto tenían mucha ligadura con el barrio y mucho sabor, podemos
mencionar: “Guaguanco Bonito”, “Salsa y Dulzura” y “Watusi” entre otras.
A medidos de los años 60 agrupaciones pequeñas como el Sexteto de
Joe Cuba, la orquesta de trombones y flauta (Trombanga) La Perfecta de Eddie
Palmieri y la orquesta de trompetas de Richie Ray comenzaron a dominar la
escena musical de Nueva York con estilos rítmicos, de nueva factura, como el
Bugalú, el Jala-Jala y otros más de carácter festivo. Las Charangas y el
movimiento de la Pachanga comenzaron a perder vigencia en el 1965 y de ahí
hasta el 1968 se cocinaría el caldo de la coyuntura histórico-musical-social
(período embriónico) que abriría el camino para el surgimiento de la Salsa en
Nueva York. Del mismo podemos mencionar, por ejemplo, que los Big Bands
Latinos ya no eran rentables y evocaban una fastuosidad incompatible con las
condiciones económicas y marginales del barrio. Las Charangas, con su sonido
meloso y algo débil, no expresaban la violencia y la dureza del barrio, ni la
rebeldía de la última etapa social de los 60 en los Estados Unidos. La referencia
musical de la Cuba revolucionaria está vedada en los Estados Unidos y los
músicos puertorriqueños y cubanos de la gran urbe, que desde la década del 20
habían colaborado en diversos proyectos musicales, necesitaban establecer una
nueva referencia musical con su Caribe. El mercado de la música popular en los
Estados Unidos requería una nueva alternativa musical latinoamericana además
de la Bossa Nova.
Este fermento circunstancial socio-musical es el que provee la década del
60 para que la Salsa muestre sus primeros repiques característicos que
maduraron en la primera parte de los años 70.
El Mambo aparte
Cuando el serio y bien vestido compositor cubano Dámaso Pérez Prado
descubrió la manera de ensartar todos los ruidos urbanos en un hilo de saxofón,
se dio un golpe de Estado contra la soberanía de todos los ritmos conocidos...
Gabriel García Márquez
El Mambo surge como una modificación rítmica y orquestal del Danzón
Mambo o Ritmo Nuevo de la Charanga de Arcaño y sus Maravillas y, desde
México a principios de la década del 50, fue popularizado mundialmente por

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Pérez Prado y su Jazz Band Latino. Este ritmo sincopado surgió en el año 1938
del ingenio de los hermanos Orestes López e Israel López “Cachao” miembros
de la Charanga de Arcaño. Ellos enriquecieron la tercera parte movida del
danzón con la incorporación de un "estribillo" o "montuno" sincopado; cada vez
que necesitaban repetirlo decían "vamos a mambear" y a esta parte movida la
llamaron "sabrosura" o "mambo". A este Danzón en la orquesta de Arcaño le
llamaban Danzón de Ritmo Nuevo o Danzón Mambo. El escritor de música
popular Cristóbal Díaz (1981) nos explica: "En realidad Arcaño ha suprimido la
parte A repetitiva del danzón y sus nuevos danzones tendrán generalmente una
parte A introductoria breve, una B lenta, todavía en tiempo de danzón y la nueva
parte C o mambo".
Es conveniente apuntar que no es sólo en la Orquesta de Arcaño donde
se experimenta con el Mambo en las décadas del 30 y el 40. Arsenio Rodríguez
(quien le dio a la conga categoría de instrumento fundamental en la sonoridad
cubana) trabajó en lo que él llamaba "el diablo" el cual ejecutaba su conjunto en
la sección de los Montunos. Él estuvo experimentando con un sonido nuevo
desde el 1934 y lo desarrolló a plenitud en el 1938. Es pertinente mencionar que
en el 1940 Arsenio reconceptualizó los Septetos al agregar trompeta, un piano y
una tumbadora y cambiarle el nombre a Conjunto. Esta formación instrumental
cambio para el resto de siglo la sonoridad de la música del Caribe y proveía la
armonía necesaria para El Son Montuno de Arsenio llamado, "el diablo". Por
otro lado, Bebo Valdés con sus arreglos para la orquesta Kubaney en el ritmo
Batanga y René Hernández, arreglista de la orquesta de Julio Cuevas y luego de
Machito en Nueva York, estaban en la búsqueda de una nueva sonoridad
sofisticada la cual quedó plasmada en las grabaciones de esta última orquesta.
En el 1948 Pérez Prado alquiló el teatro Blanquita de México y ofreció un
programa musical titulado Al Son del Mambo con el cantante Benny Moré. Así,
estos dos gigantes de la música cubana con sus Mambos cantados,
comenzaron a dominar el mercado musical mexicano y, luego, sus apariciones
en películas del cine mexicano les permitieron adentrarse en diferentes países
de la América Hispana. En el 1951, al no contar con Moré, Pérez Prado lanzó al
mercado el tema instrumental Rico Mambo que fue su primer éxito fuera de las
fronteras mexicanas y lo convirtió en un artista de fama mundial. Pérez Prado
tomó el Mambo de Arcaño, lo superpuso al ritmo de cuatro por cuatro del swing
americano y lo transformó en el baile de salón por excelencia de la década del
50. La orquesta de Pérez Prado en el sonido de los metales respondía al Jazz a
la Kenton (los saxofones al unísono en el registro grave y las trompetas en el
agudo) y en la percusión al ritmo sincopado cubano, con lo que logró un sonido
musical absorbente con el que crea una cinética corporal en los bailadores
pocas veces vista. Nuevamente el investigador Cristóbal Díaz (1981) nos
explica la diferencia entre Pérez Prado y Arcaño: "es evidente que Pérez Prado
usó la palabra que se había popularizado alrededor de la orquesta de Arcaño,
pero no es tan claro el que su música fuese lo que Arcaño llamaba mambo o
tercer parte del danzón. Hay muchas diferencias, empezando por la
orquestación, a base de violines y flautas en Arcaño, y de metales en Pérez
Prado; Arcaño es cadencioso y Pérez Prado es nervioso y muy rápido".

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Para fines de los años 40 y principios del 50 las orquestas de Machito,
José Cúrvelo, Pupi Campos, entre otras del circuito de Nueva York, se
entregaron a este ritmo y lo convierten en la fiebre de los bailadores de la ciudad
hasta mediados de los años 60. Tito Puente y Tito Rodríguez con sus orquestas
fueron los reyes indiscutibles de los salones de baile en los años 50 y principios
de los 60 gracias, en gran medida, al Mambo. Las orquestas de Nueva York
ejecutaban un Mambo más orientado al Jazz, mientras que las orquestas
radicadas en Cuba, como la Riverside y la de Bebo Valdés, tenían un sonido
más típico.
La famosa pregunta: ¿Quién inventó el Mambo? -que el celebre Benny
Moré contestó erróneamente, en el tema “Locas por el Mambo” grabado junto a
Pérez Prado en México, diciendo: "Un chaparrito con cara de foca"- la podemos
reenfocar diciendo que siempre será polémico contestar la misma, pero de lo
que no hay duda es que fue Pérez Prado quien lo popularizó y puso al mundo a
bailarlo con sus ritmos y sonidos pirotécnicos. Finalmente, consideramos que la
metodología investigativa de la creación artística basada en el aporte individual y
"ex nihilo nihil" es muy débil como argumento para fundamentar un desarrollo
artístico acabado y, sin duda, la historia se ha encargado de derrotarla en
muchas ocasiones. Nos parece más razonable, como metodología de estudio,
hablar de un binomio creativo entre el desarrollo concurrente o contemporáneo
de varios artistas y la genialidad sintética del artista cumbre. Por eso creemos
que Arsenio Rodríguez, los hermanos López (Israel y Orestes), Arcaño, Bebo
Valdés y René Hernández son los desarrolladores concurrentes o
contemporáneos y Pérez Prado es el genio de la síntesis, el artista cumbre.
La Rumba
Muchos discuten de Rumba y ni siquiera saben que cosa es culumbia o mi
guaguancó señores...
Arsenio Rodríguez
La abolición de la esclavitud en Cuba, en el 1886, propició que muchos
negros esclavos se trasladaran de la ruralía a la periferia de los pueblos y
ciudades más importantes del país dando impulso a los poblados marginales
conocidos como los Solares. Los Solares de las ciudades ya existían, pero con
la abolición de la esclavitud el incremento poblacional en los mismos fue
sustancial. En los solares se mezclaban las distintas tribus africanas traídas a
Cuba con los blancos asalariados que trabajaban en los pequeños negocios que
existían en los Solares. En ese entorno marginal surgió la fiesta colectiva y
profana llamada Rumba, con tal impacto en el Caribe que, todavía, la palabra
rumbero se utiliza para designar a una persona fiestera y rumbear se asocia a
una actitud festiva de pueblo.
En su inicio, debido a la pobreza extrema de los grupos sociales que
vivían en la periferia de las ciudades, los instrumentos utilizados en la Rumba
fueron los mismos muebles y utensilios de la casa y del trabajo diario. Por

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ejemplo, los músicos utilizaban con propósitos percusivos los cajones donde se
importaba bacalao por su buena madera, con los cuales se acompañaba al
cantante quien ejecutaba la clave (de este contexto es que proviene la frase:
"rumba de cajón"). Luego los cajones fueron sustituidos por los tambores que
llegaron a ser tres, la tumba, el llamador y el quinto. También, había un
ejecutante que golpeaba con dos palos el cuerpo de madera de uno de los
tambores y se conoció con el nombre de la cáscara. Luego, el ritmo de cáscara
pasó a ser ejecutado en el instrumento conocido como cata (tronco de madera
ahuecado y suspendido en el aire). Al inicio del siglo XIX, bajo la subordinación
americana, es que surge la frase: "rumba de tiempo de España", para evocar
con carácter nostálgico la forma de ejecutar la Rumba en Cuba bajo la
dominación española. Finalmente, es más que patente la influencia de las tribus
africanas traídas a Cuba en la concepción de este género musical debido,
principalmente, a la dominante influencia del ritmo, la percusión y el canto
antifonal.
La Rumba tiene tres estadios musicales diferentes, los cuales podemos
agrupar, en términos generales, como sigue:
Diana- fragmento melódico introductorio sin texto en el cual el
cantante utiliza frases cortas de aparente incoherencia para
ambientar.
Décima- el cantante improvisa un texto donde presenta el tema
que da motivo a la Rumba, aunque el metro literario que utilizan los
rumberos en esta parte no es siempre la décima.
Rompe la Rumba- entran los instrumentos percusivos y sale al
ruedo, frente a los músicos, una pareja de bailadores o un bailarín
(en la columbia); el cantante destaca en su texto alguna frase que
será utilizada como estribillo por el coro para alternarla con las
improvisaciones del cantante.
En la Rumba existen tres estilos, a saber:
La Columbia- rumba rápida que baila un hombre solo, con
movimientos acrobáticos y compulsivos tomados de los bailes
íremes o diablito cubano, frente al quinto al cual reta con sus
pasos, al igual que en la bomba puertorriqueña. Se cree que su
origen ocurrió en un antiguo caserío de Matanza llamado
Columbia. Se ha cultivado en Cuba, pero no ha tenido
trascendencia en el resto del Caribe.
El Guaguancó- el estilo más importante de la Rumba, se
caracteriza por describir en su canto un suceso social o a un
personaje del pueblo. Su baile se distingue por un juego de
atracción y repulsión entre la pareja. El hombre trata de "vacunar"
a la mujer con gestos pélvicos posesivos mientras que ella se
cubre para evitar el "vacunao".
El Yambú- rumba lenta donde los bailadores hacen gestos propios
de la vejez, no se hacen los gestos pélvicos posesivos del vacunao
y en el canto se intercala la frase "en el yambú no se vacuna" para

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distinguir la forma en que se debe bailar. Hoy se cultiva por grupos
de baile profesionales en Cuba.
La Rumba en Cuba tenía su énfasis en el baile, pero en Nueva York y
Puerto Rico se cultivó con un énfasis en la ejecución de la conga y las
descargas correspondientes. De la Rumba, el Guaguancó fue el estilo que más
se cultivó fuera de Cuba, pero en la industria discográfica hubo muchos temas
musicales que se clasificaban o titulaban, incorrectamente, como Guaguancó
cuando en realidad eran sones o guarachas. Por ejemplo, el tema de Curet
Alonso “La Esencia del Guaguancó” que Pacheco grabó y popularizó en el 1970,
en realidad era un Son. Por su parte la Salsa se apropió de algunos elementos
de la Rumba como la introducción del tema musical por el cantante expresando
frases de aparente incoherencia acompañado solamente por los instrumentos
percusivos, el destaque de la tumbadora (la conga) como instrumento solista y la
prominencia de la sección de percusión en las agrupaciones de Salsa.
Los años 40 y 50 en Nueva York
El Palladium era un salón de bailes americanos ubicado en Broadway que
para el 1947 estaba en decadencia, pues los Big Bands americanos, así como el
Swing, entraban en su ocaso como atracción en las pistas de baile. El Bebop, la
nueva alternativa del Jazz, era música para escuchar (música cerebral) que no
tenía el elemento del baile, su énfasis era en el destaque de los
instrumentistas, era música para músicos. La administración del Palladium
decide probar con las bandas latinas y se organiza, por sugerencia de Mario
Bauzá, el club "Blen Blen Club" que presentaría un matiné bailable todos los
domingos con la orquesta de Machito y sus Afrocubans. Al año de este
experimento músico-comercial el Palladium estaba consagrado exclusivamente
a la música afrocubana y latina. La influencia de Machito y su banda fue
contundente, las orquestas de Tito Puente y Tito Rodríguez siguieron claramente
la pauta de los Afrocubans; un sonido pesado y pastoso al estilo de las Big
Bands americanas, pero con el sabor del ritmo y la percusión cubana.
Los Afrocubans, gracias a su director musical Mario Bauzá (músico y
director musical cubano con una considerable experiencia en las bandas de jazz
americanas), realizan el matrimonio de los ritmos cubanos con las armonías y
giros del jazz de vanguardia de los años 40 (el Bebop). A este movimiento
musical, en sus orígenes, se le llamó Cubop, luego Afro Cuban Jazz y hoy lo
conocemos como Latin Jazz. Al hablar del Jazz Latino tenemos que comenzar
por los Afrocubans y el genial músico y director cubano Mario Bauzá, quien
sentó las bases del mismo a través de su dirección musical. Bauzá, era un
saxofonista de primera línea en Cuba que se radicó en los Estados Unidos en el
1929 y comenzó su carrera en Nueva York como trompetista del cuarteto de
Antonio Machín. Luego pasó 10 años como trompetista y director musical, en
algunos casos, de las orquestas de jazz siguientes: Hy Clark, Chick Webb,
Fletcher Henderson y Cab Calloway. Además, Bauzá fue el padrino musical de
dos de las estrellas más refulgentes del jazz en toda su historia: Ella Fistgerald y
Dizzy Gillespie. En el caso de Gillespie la influencia de Bauzá y su relación con

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la música latina perduraría hasta sus últimos discos en los años 90. Salazar
(1992), establece que para el 1943 la orquesta de machito comenzó a
experimentar partiendo de la introducción del piano para el tema El Botellero de
Gilberto Valdés y componiendo la melodía con acordes de jazz y de la rumba,
elaboraron el tema Tanga, ésta fue la primera composición de jazz afrocubano,
que hoy conocemos como latin jazz. Luego Machito grabó esta pieza en el 1947
con lo que dio inicio al movimiento jazzístico conocido como Cubop. Excelentes
músicos, latinos y americanos, participaron en el desarrollo y evolución de este
movimiento musical, entre los que podemos mencionar a: Chico O`Farrill, Chano
Pozo, Tito Puente, René Hernández, Bebo Valdés, George Shearing y Cal
Tjader y los cronópios del Jazz Dizzy Gillespie y Charlie Parker; luego, en la
década del 60, el Cubop se empezó a conocer y promover con el nombre de
Latin Jazz.
El jazz band latino, como su nombre lo indica, es una orquesta con la
dotación instrumental del Jazz dedicada a tocar ritmos caribeños con arreglos de
orientación jazzística, pero con el sabor percusivo de Cuba. Estas bandas
consistían de una sección de viento compuesta por trompetas, saxofones y
trombones, una sección rítmica de piano y bajo -con la variante significativa en la
percusión, respecto al formato americano- la batería americana era sustituida
por el trío percusivo cubano conformado por la tumbadora (conga), el bongó y el
timbal. Este trío percusivo será un componente imprescindible en todas las
orquestas de Salsa hasta el día de hoy.
Veamos algunos detalles de este trío percusivo. El bongó era un
instrumento insustituible en las agrupaciones del Son donde, reforzado sólo por
el golpe de la clave, era el apoyo rítmico percusivo de dicho género. La
tumbadora un instrumento que era la columna vertebral de la Rumba fue
incorporada en el Son por Arsenio Rodríguez, a principios de la década del 40,
una vez concibió la estructura del Conjunto, la agrupación que revolucionó todo
el desarrollo posterior de dicho género. La tumbadora, en lo que concierne al
jazz band latino, llegó por vía de Chano Pozo creador de los nuevos giros
rítmicos en el jazz gracias a sus trabajos, a fines de los años 40, con el
sobresaliente maestro del Jazz Dizzy Gillespie. El timbal, un instrumento
netamente cubano, surgió de la dificultad que enfrentaban los músicos de las
Charangas originales para transportar el timpani debido a su tamaño, por su
génesis el timbal ejercía la función de guía acompañante en el Danzón. Luego,
por su tangencia con la batería americana, fue utilizado como un sustituto de la
misma en las orquestas y ganó jerarquía de instrumento solista gracias a los
trabajos creativos realizado por timbaleros legendarios como Tito Puente y
Guillermo Barreto. El timbal bajo la influencia de Puente sería utilizado como un
instrumento para unir la banda con la sección de la tumba y el bongó. Además,
éste le dio jerarquía de instrumento protagónico y solista -lo sacó del fondo de la
orquesta y lo ubicó al frente de la misma, junto con los cantantes- gracias a sus
ejecuciones espectaculares, convirtiéndolo así, en un instrumento fundamental
en las orquestas de Salsa. En Cuba, con el surgimiento y orientación de la
Descarga Cubana hacia un jam jazzístico a mediados de los 50, un músico
como Guillermo Barreto utilizaba el timbal no con el criterio cubano del danzón,

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sino con el americano de la batería en el Jazz. El creativo trabajo de estos
músicos le dio al timbal una nueva perspectiva percusiva dentro de la música
caribeña. Por su parte la estructura instrumental del Son, desde los Cuartetos
hasta las Sonoras y los Conjuntos, prescindió del timbal en la sección de la
percusión. A fines de los años 60 y principios de los 70 en orquestas como las
de Ray Barretto y Ricardo Ray, que compartían todas las características de una
Sonora o Conjunto, el timbal sé convirtió en un elemento esencial. Por su parte
Johnny Pacheco, quien siempre fue fiel al concepto musical de la Sonora
Matancera, utilizó en muy pocas grabaciones el timbal. Pero se diferenció de la
sonora por el uso prominente que le dio a la flauta, que era el instrumento rector
de las Charangas. Por otro lado, incluso en Nueva York, las Charangas
mantuvieron la función tradicional del timbal en el baqueteo, gracias al fervor de
los bailadores por el Cha cha chá y la Pachanga.
En la década de los 50 la influencia de la música cubana seguía con su
presencia arrolladora, dominaron en cuestiones de ritmos y orquestas creadoras
de nuevas tendencias musicales. Nos entregan el Cha cha chá y el Mambo que
fueron los géneros reyes de la música caribeña y de los clubes latinos en Nueva
York desde esa y principios de los 60. Sólo Cortijo y su Combo -un grupo
modesto, en el sentido de la sonoridad, pero arrollador, en el sentido del ritmo y
el sabor, que trabajaba musicalmente a base de la Plena, la Bomba y la
Guaracha- logró triunfos equiparables a los de las mejores bandas de los otros
géneros. Con esto Cortijo impuso un estilo diferente al de las Charangas y los
Big Bands Latinos en el marco musical del Caribe y Nueva York.
Los años 50 en el Caribe
"Si yo llego a saber que perico era sordo, yo paro el tren."
“Oyemé maricuini, que si yo llego a saber que perico era sordo paro el tren y no
mango a perico.”
"Si yo llego a saber que perico era sordo, yo paro el tren."
“Perico, perico, perico, perico, perico estaba comiendo caña en la vía y no vio el
tren, el pobre perico.”
Cortijo y su Combo con Ismael Rivera
El Combo de Rafael Cortijo con la voz de Ismael Rivera no cultivaban el
Jazz y el Son era visto con respeto, pero a distancia. A esta agrupación le
interesaban los géneros puertorriqueños de la Bomba y la Plena y, de la música
cubana, cultivaban la Guaracha. El Combo de Cortijo acabó en todo el Caribe,
por sus ritmos pegajosos y de incuestionable sabor, por sus temas agresivos y
de pueblo y por la experimentación, ocasional, con otros ritmos caribeños como
el Calipso y temas del “pop music” internacional. En esta década se
consagraron Benny Moré e Ismael Rivera, quizás, los cantantes más notables e
influyentes en la historia de los ritmos caribeños y referencia obligada para los
cantantes de Salsa.

17
Benny Moré comenzó a cantar profesionalmente en el 1940 en la
Habana, en el 1945 se une al Conjunto Matamoros para un viaje a México y al
finalizar la gira se quedó por un tiempo en el país Azteca. Entre los años del
1945 al 1952 estuvo entre Cuba y México, grabó con varias de las principales
orquestas del circuito mexicano y cubano como las de Rafael de la Paz y la de
Mariano Mercerón. Su trabajo más trascendental en México fue con la orquesta
de Pérez Prado, pues le dio dimensión vocal al Mambo, quien comenzaba a
experimentar con género desde la perspectiva del Big Band americano. En el
1953 regresó definitivamente a Cuba y se convirtió en el principal cantante
cubano de la década gracias a su excelente Banda Gigante y su capacidad
creativa sin par en la música popular cubana, tanto en la composición musical
como en el arte de sonear. El estilo de Benny fue inigualable en el canto
caribeño, pues podia recorrer con su voz todo el espectro musical cubano y por
eso lo bautizaron como el Bárbaro del Ritmo. Era un maestro en el arte de
cantar los géneros cubanos como el Guaguancó, el Mambo y el Son. En el
Bolero es un cantante fuera de serie, como lo demuestran sus grabaciones de
"Oh Vida" y sus dúos con Pedro Vargas "La vida es un sueño" y "Perdón", que
muchos críticos consideran los mejores dúos que se han grabado en la historia
de la música popular del Caribe.
Por su parte, Ismael Rivera comenzó como cantante de la orquesta
Panamericana en Puerto Rico gracias a una recomendación de su compadre
Rafael Cortijo. Es en esta orquesta que Ismael logró su primer éxito "El
Charlatán". El surgimiento del inigualable combo de Cortijo fue "El 28 de enero
de 1954 es el día en que, según el pianista Rafael Ithier, se organiza el primer
"vente tú" de lo que después sería el Combo de Rafael Cortijo con Ismael
Rivera. Ya para fines del 55 cuando Ismael todavía estaba en la Panamericana,
se graba gracias a la intervención de Bobby Capó," El Bombón de Elena", una
plena compuesta por Rafael Cepeda, que se convirtió casi inmediatamente en
un rotundo éxito." (Figueroa, 1992) Obviamente los músicos de Cortijo e Ismael
conocían el Son cubano, pero lo de ellos era la Bomba y la Plena que
interpretaban con una fuerza y sabor devastador. Además, lograron
significativos éxitos con sus Guarachas y la adaptación de temas conocidos del
pop music como “Volare” y “El Telegrama”.
Ismael como cantante tenía unas virtudes sin igual, dominio absoluto e
instintivo de la clave, uso extenso de la polirítmia y una capacidad para
improvisar sin límite. Para apreciar la capacidad creativa de Ismael vasta
escuchar los temas Perfume de Rosas y Maquino Landera, en los cuales
escuchamos un sonero que no se circunscribe para improvisar, el Montuno, al
espacio fijo entre coro y coro, por el contrario, continua su soneo encima del
mismo o termina con éste, pero siempre en clave. Esta faceta del soneo de
Ismael estará presente a través de toda su carrera de la cual queda, como
prueba fehaciente, su discografía inmortal. El musicólogo César Miguel Rondón
(1980) nos explica la influencia de Ismael en el soneo salsoso de la manera
siguiente: "Así como las innovaciones de Benny sirvieron para amoldar y
representar el espíritu característico del 50, asimismo la forma sonera de Ismael
serviría para representar el matiz de la Salsa que a partir de los años 60

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arrasaría con la región. Vista la expresión en perspectiva, el soneo salsero no
puede menos que definirse con relación a Ismael, en función de él, porque fue él
quien lo perfiló y proyectó sus posibilidades más contundentes."
Finalmente, presentamos dos declaraciones hechas por Ismael sobre el
origen del apelativo el Sonero Mayor que se contraponen. La primera fue en
una entrevista realizada por Rafael Figueroa (1992), afirmó, Ismael, que dicho
apelativo fue otorgado por Benny Moré en su visita a Puerto Rico donde fue
acompañado por el combo de Cortijo a mediado de los años 50. La Segunda
corresponde a otra entrevista hecha en los años 70, por el locutor radial
puertorriqueño Guillo Droin, donde Ismael afirma que fue el productor cubano
Maceda quien comenzó a presentarlo como el Sonero Mayor a fines de los 60.
(Grabación difundida, 2 de octubre de 2004, por el locutor Eriberto Sanabria en
su programa radial, Tardes Tropicales). Dichas afirmaciones por sus contextos
tan diferentes son contradictorias entre sí, pero los aspectos referenciales
asociados a cada una de ellas aportan a la posible validez de ambas. En el
primer caso, dentro de la tradición musical cubana, se consideraba a Benny
como un músico con la jerarquía necesaria para nombrar a otro cantante como
el Sonero Mayor. En el segundo caso, Ismael, en sus grabaciones discográficas
de los años 50 y 60, nunca había mencionado el título el Sonero Mayor. Pero en
el tema “El Cumbanchero” -de su disco Lo Último en la Avenida en el 1971- lo
afirmó, de forma categórica, en uno de los soneos: “A mí me llaman el sonero
mayor porque vacilo con la clave y tengo sabor”. Estas dos versiones nos llevan
a un dilema, que la evidencia discográfica nos inclina a favorecer la segunda.
Los años 60 punto de partida
El triunfo de la revolución cubana y el bloqueo económico impuesto por
los Estados Unidos y los países de la Organización de Estados Americanos a
Cuba tuvo un impacto trascendental en el quehacer musical del Caribe.
Primero, la música caribeña tendría que funcionar al margen de su productor
más prolífico. Segundo, la emigración de músicos cubanos, principalmente a
Nueva York, les impondría la necesidad de buscar nuevas formas musicales que
respondieran al entorno multicultural que permea en dicha ciudad. Por otro lado,
los músicos puertorriqueños -que desde el siglo XIX dominaban y redefinían los
géneros cubanos a través de un proceso de apropiación (los hacían propios)
musical único- comenzaron a incorporar elementos del Jazz y del folclor de
Puerto Rico en la música cubana que cultivaban en Nueva York. Esta música
tenía que responder a un público latino plurinacional y extranjero, en un medio
social inhóspito a su cultura como lo era la Babel de Hierro. Estas condiciones
políticas y sociales convierten a la ciudad Neoyorquina en la referencia musical
del Caribe desde inicio de los años 60. Durante el periodo del 1960 al 1963 La
Pachanga, creación del cubano Eduardo Davidson, reinaría a su antojo. Este
ritmo, que originalmente se grabó en Cuba, tuvo un impacto avasallador en New
York gracias a que las distintas agrupaciones orquestales (Sextetos, Charangas,
Conjuntos y Big Bands) lo adoptaron sin reservas. Ahora bien, fueron las
Charangas las que más se beneficiaron de este ritmo, a la vez que

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experimentaron una transformación fundamental en su base instrumental original
(violines y flauta) al incorporar metales (trompeta, trombón o saxofón). Se
destacaron La Charanga Moderna de Barretto, El Conjunto Cachana de Joe
Quijano y La Oquesta Broadway de los hermanos Zervigón.
El excelso músico puertorriqueño Tito Rodríguez con su Big Bands fue el
marajá de la música caribeña en la primera parte de los 60. La orquesta
Rodríguez contaba con dos de los músicos cubanos más destacados de la
época Israel López "Cachao" y René Hernández, el primer trompeta por
excelencia de Latinoamérica, el panameño Víctor Paz, y otros músicos de
primera línea en cada instrumento. Rodríguez cultivó el Cha cha chá y la
Pachanga como gancho comercial y, además, supo darle su toque mágico al
Mambo y al Bolero. Para el año 1963 grabó, por última vez con su Big Band, el
disco titulado En Puerto Azul y desde ese momento en adelante tomó la ruta de
regrabar importantes Boleros del repertorio latinoamericano. En sus
grabaciones como solista sería acompañado por una orquesta monumental
dominada por las cuerdas y dirigida por el maestro Lerroy Holmes. En esa etapa
gracias a temas como “Inolvidable”, que convirtió en un clásico de la música
latinoamericana, y a su forma tan particular e impecable de decir el bolero triunfó
de un extremo al otro en el mercado latinoamericano. De ahí en adelante todo lo
que grabó en este género vendió cientos de miles de copias y se convirtió en el
cantante del amor por excelencia en el idioma español. Tito Rodríguez murió en
el 1972 luego de haber participado en un Mega Concierto en su honor
acompañado por la orquesta de Machito en el Madison Square Garden.
Rodríguez fue el maestro fundador de la escuela de cantantes caribeños de
Salón con mucha sagacidad sonora, que en la actualidad cultiva el cantante
Gilberto Santa Rosa.
El destacado músico boricua Ray Barretto, en la primera parte de los 60,
organizó en Nueva York la Charanga Moderna que se adelantó al estilo salsoso
de los 70 en varios aspectos estilísticos. Barretto incorporó a la Charanga
cubana una trompeta y un trombón, este último fue el instrumento que marcó
definitivamente el perfil sonoro de la Salsa en la próxima década. Barretto, al
igual que Joe Cuba con el tema “Salsa y Bembé”, fue uno de los primeros
músicos de Nueva York que utilizó la palabra Salsa con el sentido de un estilo
musical en el tema, “Salsa y Dulzura”. El 1964 es un punto de inflexión en la
historia de la música popular y para los latinos en Nueva York; la decadencia
irreversible de la Pachanga y con ella las Charangas; los Big Bands Latinos son
vistos como dinosaurios musicales; el Palladium fue herido de muerte cuando le
suspendieron la licencia para vender licores y dos años más tarde cierra sus
puertas; Johnny Pacheco abandonó la disquera Alegre y el formato de las
Charangas para formar un Conjunto de Son y emprender la monumental tarea
de fundar un sello discográfico en la ciudad. Pacheco se asoció con su abogado
Jerry Massuci y fundaron la Fania que, con el pasar de los años, se convertiría
en la compañía de discos por excelencia en la Salsa. El primer disco que
publicó el sello fue Johnny Pacheco y su Nuevo Tumbao – Cañonazo; el nombre
de la disquera surgió del viejo son cubano de Reinaldo Bolaño titulado Fania, el
cual era uno de los cortes incluidos en dicho disco.

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Es muy conveniente detenernos un poco en el período embrionario que
va desde el 1964 al 1967, pues durante esos años la música caribeña no tiene
un rumbo definido e incluso la industria americana del disco disminuye su
atención en la misma. La industria discográfica se ubica en el Brasil donde el
Bossa Nova, una samba suavizada con elementos del Jazz, despega en grande
y vende millones de discos en Estados Unidos y el resto del mundo. Podemos
enumerar varios acontecimientos que demuestran la ambivalencia musical de
mediados de los 60, y que resumimos con la frase "sin ton ni son". También,
aunque parezca contradictorio, la semilla de lo que sería la Salsa germinó en
este período. Debemos destacar el punto siguiente: surgen los Jam Sessions o
Descargas de música latina en Nueva York. Estas reuniones musicales se
basaban en las ideas y el trabajo musical que desarrollaron, en la década previa,
Israel López "Cachao" y otros músicos cubanos para el sello Panart. En Nueva
York, al inicio de la década de los 60, Charlie Palmieri dirige La Tico All Stars
que fue la primera reunión de estrellas latinas con el fin de producir un disco
comercial de descargas. En esta reunión musical se integraron músicos
Cubanos, "newyoricans" y norteamericanos para ejecutar de manera libre y
espontánea música basada en los géneros cubanos tradicionales pero con los
elementos de improvisación del Jazz. Estos trabajos fueron aplaudidos por los
melómanos, pero el público general no le dio mucha importancia y pasaron "sin
pena ni gloria" para el mundo musical de los 60. Ahora bien, la semilla de la
descarga de varios instrumentistas con orientación jazzística en una pieza
musical caribeña ya estaba sembrada en el ambiente musical neoyorquino y que
luego la Salsa cosecharía plenamente en los 70.
El Bugalú fue el primer estilo musical producido en Nueva York por
latinoamericanos en el que se mezclan ritmos afrocubanos con el Rhythm and
Blues y otras influencias musicales popularizadas por los negros americanos a
principios del 60. El Bugalú fue un género que tuvo su cumbre con el pianista
Pete Rodríguez y el tema “Micaela” que popularizó la frase "I like it like that" en
la jerga de los jóvenes “newyoricans”. Por su parte Joe Cuba fue un triunfador
sin igual de este estilo con los temas "Bang Bang" y "El Pito". Ray Barretto nos
dejó para la historia "El Watusi". Los temas de este estilo musical mezclaban en
sus letras el español y el inglés con inmensa liberalidad. El Bugalú fue cultivado
por las orquestas latinas más prominentes, sin importar su dotación instrumental,
podemos mencionar la orquesta Broadway, Cortijo y su Combo, Tito Puente y
Eddie Palmieri. También, se impone el “Jala Jala” del Gran Combo el que
Ricardo Ray adopta para su disco Jala Jala y Boogaloo. Otros ritmos híbridos
que surgen en Nueva York y se propagan por el Caribe son: El Shingalín, El
Pata Pata y La Mazucamba. En Puerto Rico el Gran Combo se destaca y logra
resonantes éxitos con sus grabaciones de estos ritmos en el país. Fue dentro
de esta amalgama de estilos con influencia del “mainstream” americano que
surgen los primeros destellos musicales de lo que sería la Salsa. Por otro lado,
el cantante puertorriqueño Mon Rivera quien, con su estilo de cantar sumamente
picaresco y de burla social, estableció la brecha entre el cantar de salón, de un
Tito Rodríguez, y el cantar de la calle del que fue un exponente privilegiado. Ese
estilo malandro fue asumido ampliamente por muchos cantantes de la Salsa en

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los 70. Además, su banda fue la primera en utilizar los trombones como
instrumento dominante y distintivo del sonido ronco y agresivo salsoso.
Tito Puente con su Big Band aportaba la prolongación de la fastuosidad
de la música cubana de las imponentes orquestas de los 50; mientras que su
cantante La Lupe (al igual que Mon Rivera) con su canto estridente, hiriente,
lleno de mañanas y giros burlescos da los primeros toques de lo que sería el
canto salsoso en sus primeras años, música irreverente y violenta. La Lupe
interpreta guarachas, bombas, sones, joropos, boleros con un estilo iconoclasta
que sirve como puente entre los viejos y sobrios estilos cubanos y el nuevo
enfoque musical ecléctico de enfrentar los mismos que se desarrollo en los
barrios de Nueva York y que en poco tiempo se llamaría Salsa. Al inicio de los
años 70, una vez las estructuras heterogéneas de la Salsa están plenamente
definidas, La Lupe pierde vigencia pues su función de transición en la estilística
sonera ya había cumplido su rol.
Las agrupaciones pequeñas y flexibles como la de Eddie Palmieri y Joe
Cuba escenificaron, por su parte, las batallas musicales más ardientes de la
década en los salones de baile y a través de sus grabaciones discográficas.
Ambas agrupaciones experimentaron con los ritmos más importantes de esa
década tales como: la Pachanga, el Mambo y el Bugalú. Palmieri un músico
arriesgado probó suerte con el Mozambique (ritmo desarrollado en Cuba en el
1962 por Pello el Afrokán) e incursionó en el Jazz al grabar dos discos con el
vibrafonista y cultivador del Jazz Latino Cal Tjader. El sexteto de Joe Cuba, por
su popularidad, fue la agrupación que mejor representó este período de
experimentación con distintos estilos musicales y de manifestación primaria de
una música caribeña con claros matices americanos, la música de los
neoyorican, el Bugalú. Además, sus presentaciones arrolladoras en los salones
de baile y sus discos, que eran éxitos al instante, le dieron a esta agrupación un
enorme agarre en el fervor del público latino joven de Nueva York.
La Base de la Salsa
La mezcla y fusión de distintos géneros de la música cubana,
principalmente: el Son, el Danzón con sus variantes, la Rumba; con elementos
de otros géneros del Caribe como la Bomba, la Plena, la Cumbia en ocasiones
sazonados con elementos de la Samba y de la forma libre de hacer esta fusión
es que surge la Salsa. Podemos decir que la Salsa es música, principalmente,
del Caribe mulato con perspectiva panamericana creada en un medio social
pluricultural y hostil a nuestras tradiciones y costumbres. Al combinar estos
géneros y elementos las agrupaciones de Salsa no respetan las divisiones en
las estructuras orquestales y los géneros musicales establecidas en Cuba. Por
ejemplo, la redefinición de la estructura instrumental de una Sonora en la que se
sustituyen las trompetas por trombones y le agregan un timbal. El trombón
como instrumento de viento único y solista o la combinación de trombones y
trompetas que fue, y sigue siendo, la predilecta entre los salseros. El saxofón
relegado a un instrumento de tercera importancia en las orquestas que cultivan
este movimiento musical. Agrupaciones musicales que incorporaban elementos

22
del Jazz en sus armonías y la improvisación de varios instrumentistas durante la
ejecución de un tema. Los productores de este movimiento musical dejaron de
clasificar, en las carátulas de los discos, los temas grabados a base de los
géneros más conocidos en el mudo latino. Esta estrategia perseguía derrumbar
los encasillados musicales que se usaron hasta la década del sesenta en la
música caribeña y así proveer espacio para la mezcla de elementos musicales
sin las ataduras del pasado. César Miguel Rondón (1980), en su obra antológica
El Libro de la Salsa, describe la estructura de la Salsa en sus inicios como "una
música todavía incipiente y desesperada, pero novedosa, que tenía tres
características fundamentales: 1) el uso del Son con la base principal de
desarrollos (sobre todo por unos montunos largos e hirientes), 2) el manejo de
unos arreglos no muy ambiciosos en lo que a armonía e innovaciones se
refieren, pero sí definitivamente agrios y violentos, y 3) el toque último del barrio
marginal: la música ya no se determinaba en función de las esquinas y sus
miserias, la música ya no pretendía llegar a los públicos mayoritarios, su único
mundo era ahora el barrio; y es este barrio, precisamente, el escenario que
habría de concebir, alimentar y desarrollar la Salsa".
En el período que va desde el año 1964 al 1970 ocurre el asentamiento
de las bases comerciales y musicales de la casa disquera Fania, ésta compañía
definió el perfil del movimiento musical urbano que se conocería como la Salsa.
Entre el 1965 y 1966 la Fania comenzó a contratar nuevos artistas, como Larry
Harlow y Boby Valentín dos personajes que en breve tiempo se convertirían en
estrellas en el mundo latino de Nueva York. Para el 1967 Ismael Miranda firmó
como cantante de la orquesta Harlow -gracias a la recomendación de Ismael
Rivera- y rápidamente se hizo famoso por su cara de niño y su forma
características de cantar con giros y mañas de la jerga de los barrios
neoyorquinos. En ese mismo año la Fania firma a Ray Barretto, quien deja atrás
el formato charanguero de su orquesta La Moderna y se adentra en el formato y
el sonido de los Conjuntos del 40, pero agrega el timbal a la sección de
percusión tradicional de bongó y tumbadora. Barretto fue una inyección musical
significativa para la compañía pues era un músico que gozaba de un extenso
respeto y admiración entre el público latino de Nueva York.
El año 1967 fue muy productivo para la compañía pues contrató al joven
trombonista de 15 años, Willie Colón, quien sería el salsero más atrevido en
términos de la experimentación musical como en sus líricas de abundante
contenido social y político. El productor y condueño de la compañía Johnny
Pacheco unió a Colón con un cantante que llegó de Ponce llamado Héctor
Pérez, quien cambió su apellido a Lavoe por objetivos artísticos. En sus inicios
la banda de Willie Colón tuvo uno de los sonidos más pobres de la Salsa en
Nueva York. Colón estructuró su agrupación a base de bajo, piano, la percusión
completa y dos trombones siguiendo la pauta originada a inicio de esta década
por Mon Rivera y continuada por Eddie Palmieri con su Trombanga. En sus
primeras grabaciones la música de Willie Colon, en su aspecto temático, se
basaba en el guapetón (el malandro) de barrio, su sonido era hiriente y
desordenado; en el grupo de Colón mandaban las ganas y el oído, pero sonaban

23
como banda escolar, en nada parecido al sonido perfecto y armónico de los Big
Bands latinos del 50.
En la segunda parte de los 60 y la primera de los 70 la Fania siguió la
política de firmar a casi todas las bandas desconocidas que surgían en Nueva
York, a la vez que adquirían las viejas compañías discográficas latinas de la
ciudad como Inca, Cotique y Tico, con lo que ampliaron y enriquecieron su novel
catálogo. En el 1969 Roberto Roena organizó su orquesta (el Apollo Sound) e
ingresó a la Fania. Su banda, aparte de las bandas del circuito de Nueva York,
fue la agrupación principal de la compañía en Puerto Rico en los 70. El Apollo
fue una de las pocas orquestas estelares de la Salsa que incluía
permanentemente en su dotación instrumental el saxofón. Esta peculiaridad
instrumental fue relativamente común en las bandas surgidas en Puerto Rico,
por ejemplo, Boby Valentín, Willie Rosario y el Gran Combo, pero no así en
Nueva York.
Al inicio de los 70 la Salsa, como voz musical del Caribe mulato y el barrio
neoyorquino, alcanza su primera etapa de madurez musical y trascendencia
comercial más allá de los linderos del barrio en Nueva York. La Fania pasa de
una primera etapa de grabaciones cercanas a lo amateur de fines del 60 a un
producto profesional más logrado y definido, con sonidos, temas y formas de
hacer música propia y específica a su carácter multiétnico marginal.
La Salsa fue duramente criticada, y no podía ser de otra forma, pues era
música irreverente proveniente del barrio. Se decía que era música cubana
vieja, que su nombre era una etiqueta para vender, que era música de gente
baja, pero a pesar de estas críticas su impacto en Nueva York y todo el Caribe,
desde fines de los 60 y principios de los 70, fue avasallador. La Salsa surgió,
principalmente, en el Barrio Latino de Nueva York, como una manifestación
sonoro-musical de las transformaciones que realizaron músicos puertorriqueños
junto a cubanos y americanos sobre diferentes géneros de la música cubana a
los que les agregan elementos del folclor boricua y del Jazz. La Salsa implica
barrio, desasosiego, marginación, furia y sentimientos dramáticos frente a la
vida. Esta música fue rápidamente asumida como propia por las comunidades
de los barrios en las ciudades del Caribe como: Caracas, Cali, Ciudad Panamá y
San Juan.
César Miguel Rondón (1980) describe, con extremado acierto, lo que él
entiende son las características de la Salsa. "La Salsa, pues, no tiene
nomenclatura, no tiene porque tenerla. La Salsa no tiene un ritmo, y tampoco es
un simple estilo para enfrentar un ritmo definido. La Salsa es una forma abierta
capaz de representar la totalidad de tendencias que se reúnen en la
circunstancia del Caribe urbano de hoy; el barrio sigue siendo la única marca
definitiva." [...] "Claro en la medida en que el Son se convierte en la principal
forma de desarrollo de la Salsa, en esa misma medida la Salsa se reviste de
ciertas características primariamente cubanas. Pero esto es tan sólo un matiz,
no es el todo." Como toda música que surge con profundadas raíces de pueblo
y que puede galvanizar espontáneamente el sentido latinoamericano de muchos
grupos nacionales en el exilio Neoyorquino o en su patria; tenía que superar la
livianes de sus detractores. La Salsa se convirtió en una música que trascendió

24
fronteras sociales y geográficas, en el caribe y Latinoamérica, hasta convertirse
en un fenómeno mundial gracias al talento de sus músicos, a sus temas con raíz
de pueblo y por su dimensión danzaria.
La Fania All Stars
En el 1968 el Red Garter sirvió de escenario para que la Fania reuniera,
por primera vez, a sus músicos estrellas del momento y los reforzará con
miembros de la Tico Alegre All Stara. El encuentro se plasmó en dos discos en
vivo de descargas-jazzísticas con destellos salsosos, que no tuvieron impacto en
el público general, el bailador y, mucho menos, en los melómanos. Estos discos
de la Fania All Stars siguieron la pauta establecida por Cachao en sus
grabaciones para la Panart en Cuba a fines del 50 y las reuniones de la Alegre
All Star y la Tico en Nueva York en la primera parte de los 60. No hay duda que
dichas grabaciones fueron superiores a la intentona de la Fania, en la calidad de
la música grabada y la ejecución de los instrumentistas.
En agosto del 1971 la Fania volvió a reunir sus estrellas, ahora en el
salón de baile el Cheetah para un concierto-baile con la perspectiva festiva del
barrio, una considerable diferencia con respecto a la reunión anterior de carácter
jazzístico. En esta ocasión la Fania no buscó refuerzos de otras casas
disqueras para su proyecto, pues tenían artistas bajo su tutela artistas con
suficiente solvencia musical, aprecio del público neoyorquino y con ventas de
discos respetables, en fin, músicos establecidos y de valía. El evento, sin igual
en la música caribeña, quedó plasmado en cuatro discos de la Fania All Stars y
con la película Nuestra Cosa Latina.
Las Estrellas de Fania tenían como su director musical a Johnny
Pacheco. También, incluía a los directores de orquestas Ray Barretto en la
tumbadora, Larry Harlow en el piano, Willie Colón en el trombón, Bobby Valentín
en el bajo y Roberto Roena en el bongó. Como invitados especiales Ricardo
Ray y Bobby Cruz, músicos que ingresaron a la Fania a principios de los años
70 y que ya gozaban de un considerable agarre en el público neoyorquino.
Como vemos, las Estrellas de Fania tenían su base principalmente en los líderes
de las bandas más reconocidas de la compañía y sus respectivos cantantes
Pete “El Conde” Rodríguez, Adalberto Santiago, Héctor Lavoe, Ismael Miranda,
Santos Colón y Cheo Feliciano.
Al parear los cantantes podemos establecer ciertas peculiaridades de
cada pareja. Adalberto y “el Conde” eran los cantantes identificados con la
tradición charanguera y sonera de Cuba en Nueva York por sus trabajos en las
Charangas de Barretto y Pacheco respectivamente y luego en las orquestas tipo
Conjunto o Sonora de estos mismos directores. Ismael y Lavoe eran los
novatos, los soneros jóvenes que expresaban su conexión directa con el barrio
con sus estilos de soneo malandro y callejero. Santitos y Cheo eran los
cantantes solistas que venían de la tradición musical caribeña en Nueva York
con mucha fama y reconocimiento entre los bailadores. Colón fue cantante de la
Orquesta de Tito Puente desde fines del 50 hasta principios del 70, con todo el
bagaje musical que eso significaba. Por su parte, Feliciano fue el imprescindible

25
cantante del fiero Sexteto de Joe Cuba que a mediados del 60 arrasó en Nueva
York. Santos Colón, a pesar de ser un cantante curtido en los ritmos caribeños
se notó, en esta grabación, un poco perdido y sin fuerza en sus soneos. Por su
parte, Cheo Feliciano quien, sin duda, era el mejor cantante que tenía la Fania
en ese momento, logró un soneo arrollador y elocuente en el número Anacaona
y estuvo impecable en los otros temas que compartió con los otros cantantes.
Es sumamente imprescindible analizar la dotación instrumental de las
Estrellas de Fania y ver como la misma representó los nuevos giros de la música
caribeña en los años setenta. Como siempre piano y bajo, instrumentos
imprescindibles; el trío percusivo timba, tumba y bongó que eran extensamente
utilizados por las orquestas de Puerto Rico y Nueva York desde los años 40. La
sección de instrumentos de viento estaba constituida por tres trompetas y tres
trombones, dotación bastante extraña en la tradición musical caribeña y que
perfilaría el sonido particular de la Salsa hasta nuestros días. La ausencia del
saxofón era notable, pues en ese momento pertenecía a conceptos musicales
del pasado y a la fastuosidad de los Big Band. El saxofón no era pertinente al
estilo musical que buscaba establecer la Fania a principios de los 70. La
sustitución del saxofón por el trombón permitía diferenciar, en algo, el sonido
salsoso del sonido cubano tradicional. Por último, pero no menos importante, la
presencia del cuatro puertorriqueño ejecutado por el maestro Yomo Toro desde
la nueva perspectiva salsosa. La intensión de la Fania era traer al ámbito
musical urbano la guitarra de la ruralía caribeña (el Tres cubano o el Cuatro
puertorriqueño). Recordemos que el Tres cubano fue un instrumento silenciado
y casi olvidado, desde los años 50, debido al auge que tuvieron los Big Band
Latino y las Charangas en Cuba. La movida de la Fania reconoce la primordial
aportación musical de Puerto Rico a la Salsa. El cuatro puertorriqueño adquiría
jerarquía de solista y de instrumento bandera en la Fania All Stars, a la vez que
se establecen las diferencias instrumentales y sonoras con la música cubana.
En resumen, dicha sesión musical pudo integrar acertadamente los
nuevos elementos que aportaba la Salsa a la música caribeña: soneos
aguerridos en trueque constante con elementos de descargas instrumentales,
esto permitió el destaque de los cantantes y de los instrumentistas en justo
balance, a la vez que el bailador tenía su espacio danzario.
Se oficializa el término Salsa
En el 1973 la Fania anunció que celebraría en el Yankee Stadium lo que
pretendía ser el concierto más espectacular en la historia de la música caribeña
para realizar otra película sobre su música. En el mismo reunirían, una vez más,
los músicos de la Fania All Stars –sin refuerzos de otras casas disqueras- y
compartirían la tarima con La Típica 73, El Gran Combo y Mongo Santamaría.
Luego de la participación de los artistas antes mencionados le correspondía a
las Estrellas de la Fania cerrar el mismo, pero no bien habían comenzado con el
arrollador estreno del tema Congo Bongó -descarga en la cual rivalizarían
Barretto y Mongo en un debate de tumbadoras- el público enloqueció y se lanzó
al terreno del Stadium como si hubieran ganado la Serie Mundial del béisbol. La

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policía intervino con fuerza para controlar al público, la tarima quedó desolada y
un locutor comentó: "se acabó el concierto, señores…". La idea de Massucci de
realizar una segunda película con la Fania All Stars en concierto, esta vez en el
Yankee Stadium, quedó frustrada. A pesar de este contratiempo la película se
realizó y del concierto en el Yankee Stadium sólo se utilizaron las tomas de la
presentación de los músicos y el apaleo policiaco; el resto del concierto se tomó
de la presentación de la Fania en el Coliseo Roberto Clemente en San Juan. En
esta película los productores recurrieron al intento de desvincular la Salsa del
Caribe (multiétnico) y asociarla solamente a los negros esclavos traídos a
América (Estados Unidos) y el Caribe. Según el libreto de la película los negros
del Caribe con el tiempo emigraron principalmente a Nueva York y allí fue que
desarrollaron esta música. El mensaje era que la Salsa nació en América
(Estados Unidos) y que no tenía vínculos con el Caribe. El propósito de los
empresarios era vender la Salsa al público estadounidense como un producto
americano. Por otro lado, con el título de la película Salsa -término que hacia
varios años muchos músicos caribeños radicados en Nueva York utilizaban en
sus discos o presentaciones para designar la música brava- se oficializó un
término genérico para la música afrocaribeña que cultivaba la Fania y así vender
la misma como una moda de masas.
Lo que llamamos la americanización (Estados Unidos) de la Salsa se
intensificó en el año 1974 cuando la Fania lanzó el disco de la Fania All Stars,
Latin-Soul-Rock. El título en sí mismo era un contrasentido absurdo, pero desde
la perspectiva comercial era un acomodaticio enjambre de términos musicales
inconexos que no eran propios de la Salsa. Esto nos anunciaba los intentos que
haría la disquera Fania a través de su agrupación la Fania All Stars para atar su
música caribeña con el mundo musical americano del”Pop music” y aspirar a un
“crossover”. Con esta estrategia, y en sólo dos años, la Fania All Stars pasó de
ser una orquesta con profundas raíces caribeñas y de barrio a un volantín
perdido en el mundo de la música en los Estados Unidos. El único tema que
valía en este disco fue “El Ratón”, tema compuesto y cantado por el maestro del
soneo Cheo Feliciano y que previamente había grabado con Joe Cuba. A pesar
que este tema tenía un arreglo con orientación al Rock Latino, al incorporar a
Jorge “Él Malo” Santana en la guitarra eléctrica, Cheo fue superior a ese giro
poco salsoso y nos dejó plasmada una magistral interpretación sonera.
En el 1975 la Fania lanzó dos discos con el título Live at Yankee Stadium
y el disco de la banda sonora de la película Salsa, con lo cual la Fania se
proclamó como la compañía disquera de la Salsa. En los discos Live at Yankee
Stadium la Fania falsea la realidad, pues la portada era una foto de la abortada
presentación de la Fania All Stars en el Yankee Stadium, mientras que, la
grabación correspondía a los conciertos de la Fania en el Coliseo Roberto
Clemente en Puerto Rico. Estos dos discos de la Fania All Stars representaron
el retorno de esta banda a la Salsa en propiedad. Se deben destacar dos
números que, de alguna manera, ilustran parte de la tónica que asumiría la
compañía Fania de ahí en adelante con respecto al mundo Salsoso. El tema Mí
Gente interpretado por Héctor Lavoe, el sonero que definiría el derrotero a seguir
por los soneros de la Salsa en el resto de la década, se convirtió en uno de los

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temas obligado de la orquesta y carta de presentación de Lavoe como solista.
El otro tema que pegó fuertemente fue Bemba Colorá, grabado anteriormente
por Celia con el maestro Tito Puente y que, en esta ocasión, se utilizó para
coronar a Celia Cruz como la reina musical de la compañía y de la Fania All
Stars.
Como hemos podido apreciar es en el 1975 que se coagula el movimiento
de las fichas para la masificación y venta del producto musical llamado Salsa.
Se oficializa dicho término a través de la película para agrupar la música
cultivada por la Fania. Celia Cruz será tratada como la diosa musical de la
Salsa. Se impulsa el saqueo de la música producida en Cuba en los años 40 y
50 detrás de las letras D.R. (Derechos Reservados). Los solistas (Héctor Lavoe,
Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Ismael Quintana y, el manda más, Ismael
Rivera) dictaran la pauta en el gusto popular y desarrollaran sus carreras
musicales al margen de las orquestas que los hicieron famosos. La Fania All
Stars se orientará cada vez más al público estadounidense e internacional, a la
vez que se transformó de una orquesta concepto en una banda para el
acompañamiento de solistas.
Vernon Boggs (1992) expone sobre el origen del término Salsa lo
siguiente: "Finalmente, podemos decir que nuestro examen de varias
publicaciones sobre salsa sugiere que nuestros autores parecen estar de
acuerdo en los puntos siguientes: La salsa es música de base cubana nutrida
por músicos hispanos en Nueva York y sus barrios, quienes vivían en áreas de
bajos ingresos de dicha metrópoli. El término Salsa ha sido utilizada en
estribillos, títulos de canciones, en carátulas de discos, en programas de radio y
TV, etc., desde las primeras décadas del siglo 20. La popularidad del término,
como uno genérico para varias modalidades musicales, fue concientemente
universalizado y popularizado exitosamente por la Fania All-Stars, Jerry
Masucci, Leon Gast y la maquinaria de la Fania." Rondón (1980) expone con
suma claridad sobre el término Salsa como sigue: "...si la salsa ha de ser la
música que representa plenamente la convergencia del barrio urbano de hoy,
pues entonces ella ha de asumir la totalidad de los ritmos que acuden a esa
convergencia. La salsa, pues, no tiene nomenclatura, no tiene porque tenerla.
La salsa no es un ritmo, y tampoco es un simple estilo para enfrentar un ritmo
definido. La salsa es una forma abierta capaz de representar la totalidad de
tendencias que se reúnen en la circunstancia del Caribe urbano de hoy; el barrio
sigue siendo la única marca definitiva."
La Salsa, desde nuestro punto de vista, no es un género musical como el
Son, el Mambo, la Rumba o la Plena; es más bien una forma abierta de fusionar
y hacer música caribeña desde la perspectiva neoyorquina. Por eso los músicos
mezclan con mucha libertad y elasticidad el complejo rítmico-melódico y
armónico del caribe mulato con elementos musicales de otros países
latinoamericanos y del Jazz. Como afirma Willie Colón: “la Salsa no es un ritmo
ni un género que se pueda identificar y clasificar: la salsa es una idea, concepto,
un modo de asumir la música desde la perspectiva de la cultura
latinoamericana”. (Colón, 1987 citado en Santana, 1992) En su origen la Salsa
fue una manifestación musical marginal de puertorriqueños y cubanos del barrio

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neoyorquino con rasgos nostálgicos. Luego fue promovida inteligentemente por
empresarios disqueros para responder a la necesidad sicosocial de los latinos
de poseer alguna identificación cultural con sus raíces desde la perspectiva de
Nueva York. Fue entonces que la Salsa se convirtió en un artículo de
exportación y consumo para el Caribe urbano. Finalmente, se expandió a
mercados tan diversos como África, Europa y Japón con éxito gracias a sus
discos, viajes y a las presentaciones en vivo de la Fania All Stars.
Epílogo
La compañía RMM, comandada por Ralph Mercado, entre el año 1987
hasta el 2000, contaba con productores musicales de primera línea como Louie
Ramírez, Sergio George e Isidro Infante dominó el panorama salsero de ese
periodo. Esta compañía, gracias, a la calidad de sus músicos, a sus ventas sin
precedentes, la vasta difusión radial y a los conciertos colmados de público, le
brindó a la Salsa lo que quizás fue su último aliento en el gusto musical de los
jóvenes. Mercado supo incorporar artistas latinos novicios provenientes del “Hip
Hop” en Nueva York, como Marc Anthony y La India, con artistas jóvenes
establecidos, como Tito Nieves, José Alberto “El Canario” y Domingo Quiñones.
Además, contaba con los maestros históricos de la música en Nueva York como
Tito Puente, Eddie Palmieri y la eterna Celia Cruz. El éxito de la compañía RMM
representó para la Salsa en los años 90 lo que la Fania para los 70. La Fania se
basaba en Salsa bailable con referencia social, mientras que RMM era un punto
intermedio entre la Salsa con “swing” de los 70 y la románica de los 80, a la vez
que la tejían sus temas con elementos del “Hip Hop”. Además, dicha compañía
creó un espacio importante para el Latin Jazz con su sello afiliado Tropi Jazz en
el cual la innovación se mantuvo opacada por las formas tradicionales que
cultivaban sus músicos principales Tito Puente y Eddie Palmieri. También, en la
primera parte de los 90, la Salsa contó con la aceptación y el cultivo de toda una
nueva generación de músicos cubanos. Muchos de estos músicos, auspiciados
por productores Españoles, replicaron la fórmula de RMM con relativo éxito,
debido al limitado ámbito creativo que dejaba el espacio ya ocupado por la
compañía neoyorquina.
Hoy la Salsa es un fenómeno mundial, principalmente desde el punto de
vista bailable, donde personas con distintas raíces étnicas, culturales y
económicas disfrutan en congresos de baile alrededor del mundo. Pero, por otro
lado, la exigua participación e integración de músicos jóvenes en la Salsa está
convirtiendo al género en uno basado en regrabaciones de glorias pasadas y
encuentros de viejos colegas que sólo interesa a los salsomaniacos. En un
artículo publicado en el periódico puertorriqueño El Nuevo Día a preguntas del
periodista Jaime Torres (2004), Gilberto Santa Rosa, como dicen los salseros, la
puso en china con el comentario siguiente: "Se necesita tolerancia, porque ha
sido un género popular elitista. Tenemos como una sociedad secreta en la que
nadie puede entrar y necesitamos abrirlo para que evolucione con la llegada de
gente nueva." La historia de la música popular del siglo XX está plasmada por
un hecho recurrente, el movimiento musical que no se abre a las nuevas

29
generaciones de cultores está condenado a desaparecer como valor cultural de
futuro en la memoria colectiva de un pueblo. Por eso es menester entender que
un género con innegables raíces en el contexto urbano (el cual se caracteriza
por el cambio) como la Salsa, le es imprescindible la capacidad y la disposición
de adaptarse a nuevas corrientes musicales para que de esa manera pueda
proyectarse hacia el futuro y no se extinga añorando un pasado irrecuperable.
Para que la Salsa no naufrague -sí es que queda tiempo todavía - tendrá que
abrirse e incorporar creativamente los nuevos ritmos juveniles y, los pocos
cultores de los 70 que quedan con vitalidad musical, tendrán que dejar a una
lado su perspectiva retrograda y nostálgica de glorias ya idas, para entrar en una
esfera de experimentación y riesgo creativo prospectivo. Sólo debemos recordar
el éxito que tuvo la eterna Celia Cruz con La Negra Tiene Tumbao antes de
morir.
Finalmente, reconocemos que han quedado muchos aspectos en el
tintero, pues el estudio del fenómeno de la música popular urbana llamado Salsa
no se puede agotar con esta publicación. Aspiramos a que nuestro trabajo sea
una puerta abierta hacia investigación y debate sobre el tema. Queremos cerrar
nuestra labor con la comparación siguiente.
Si hacemos una comparación entre la Salsa y las salsas que se preparan
en la cocina, hacer una salsa es mezclar y agregar ingredientes con tino, se
prefieren calientes y preparados a base de una salsa oscura, mientras más
condimento más sabor tendrá y las que tienen más ingredientes son la salsa
española y la criolla, y al cocinero con maña, que sabe mezclar los ingredientes,
le queda con mejor sabor.
Nicolás Ramos Gandía
niramos@arecibo.inter.edu

30
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Magazine, 2 (7), 10-15.
Salazar, M. (1992, October). Who Invented the Mambo? Latin Beat Magazine, 2
(8), 9-14.
Salazar, M. (1992, November). Who Invented the Mambo Part II.Latin Beat
Magazine, 2 (9), 9-12.
Santana, S. (1992). ¿Qué es la Salsa? Buscando la melodía. Medellín:
Ediciones Salsa y Cultura.
Storm, J. (1999). Latin Jazz. The first of the fusions 1880s to today. New York:
Schimer Books.
Tamargo, L. (1997, December/January). Desarrollo y evolución de la Charanga
en los Estados Unidos. Latin Beat Magazine, 6 (10), 34-38.
Torres, J. (2004, Julio 18). Contra la pared la Salsa tradicional. El Nuevo Día, pp.
4-5.

33
Apéndices
Apéndice 1: Discografía para comenzar
Esta discografía presenta varios de los discos más importantes de los
artistas principales de la Salsa que, a nuestro entender, representan
grabaciones clásicas de este movimiento musical con sus diferentes vertientes.
Ahora bien, no pretendemos ser exhaustivos con esta selección.
• Apollo Sound. Roberto Roena y su Apollo Sound 6. International Record,
SLP-00474.
• Barretto, Ray. Que Viva la Música. Fania Records, SLP-00427.
• Barretto, Ray. Barretto. Fania Records, SLP-00486.
• Betancourt, Justo. Pa Bravo Yo. Fania Records, SLP 00426.
• Colón, Willie. Lo Mato. Fania Records, SLP-00444.
• Colón, Willie y Blades, Rubén. Siembra. Fania Records, FACD 537.
• Colón, Willie y Blades, Rubén. Maestra Vida Primera Parte y Segunda
Parte. Fania Records JM 576 & JM 577.
• D'León, Oscar. Oscar D'León y su Salsa Mayor. Top Hits Record, THS-
2036.
• Fania All Stars. Live at the Cheetah Vol. I y Vol. II. Fania Record, SLP
00416
• Feliciano, Cheo. José "Cheo" Feliciano. Vaya Records, LP 7891.
• Harlow, Larry. Hommy a Latin Opera. Fania Records, LPS 8836.
• Harlow, Larry. Salsa. Fania, SLP 00460.
• Lavóe, Héctor. La Voz. Fania Records, XSLP 00461.
• Miranda, Ismael. Así se Compone un Son. Fania Records, SLP- 00437.
• Pacheco, Johnny y Cruz, Celia. Celia y Johnny. Vaya Records, SLP-
00312.
• Palmieri, Eddie. El Sol de la Música Latina. Coco Records, CLP-109XX.
• Puente, Tito. Tributo a Benny Moré. Tico Records, JMTS-1425.
• Puerto Rico All Stars. Puerto Rico All Stars. PRAS.
• Ramírez, Louie. Louie Ramírez y sus Amigos. Cotique Records, JMCS-
1094.
• Ray, Richie y Cruz Bobby. Agúzate. Alegre Records, SLPA-8800.
• Rivera, Ismael. Traigo de Todo. Tico Record, CLP-1319.
• Típica 73. Intercambio Cultural. Fania Records, JM-00542.
• Valentín, Bobby. Bobby Valentín va a la Cárcel Vol I-II. Bronco Records.

34
Apéndice 2: Lista de temas
La lista de temas siguiente está concebida para ofrecerle al lector una
referencia musical que le ayude a complementar y enriquecer, con una
experiencia auditiva, la comprensión y análisis de este artículo.
1. Soy Salsero: Machito y su Orquesta.
2. Son Montuno: Cuba Música Campesina, Auvidis Ethnic Francia.
3. Soneros Mayores/El Son y Sus Instrumentos: Carlos Embale y
el Septeto Nacional.
4. Échale Salsita: Septeto Nacional de Ignacio Piñero.
5. Son al Son: Orquesta Aragón con Elena Burke.
6. Tumba Palo Cucuyé: Arsenio Rodríguez y su Conjunto.
7. Centinela Alerta: Grupo de Rumba Lomydé de Cienfuegos.
8. Rumba de los Rumberos: Carlos Embale y los Roncos Chiquitos.
9. Yambú: Tata Güines.
10.Las Alturas de Simpson: Piquete Típico.
11.Tres Lindas Cubanas: Charanga Típica Cubana de Gonzalo
Rubalcaba.
12.Rompiendo la Rutina: Charanga Típica Cubana de Gonzalo
Rubalcaba.
13.Goza Mi Mambo: Aracaño y sus Maravillas.
14.Tanga: Machito y los Afrocubans.
15.Que Rico Mambo: Pérez Prado y su Orquesta.
16.Locas por el Mambo: Pérez Prado y su Orquesta con Benny
Moré.
17.La Engañadora: Orquesta América.
18.El Bodeguero: Orquesta Aragón.
19.Cha Cha Chá in Blue: Quinteto de José Cúrvelo canta Mon
Rivera.
20.La Pachanga se Baila Así: Joe Quijano y el Conjunto Cachana.
21.Repica el Timbal: José Cúrvelo y su Orquesta con Tito Rodríguez
y Tito Puente.
22.Porque Tu Sufres: Chano Pozo con la Orquesta de Machito, canta
Tito Rodríguez.
23.Un Poco Coco: Bebo Valdés y el Andre`s All Stars.
24.Descarga Cubana: Cachao y su Descarga.
25.Rumbero de Ayer: Benny Moré y su Banda Gigante.
26.Que Bueno Baila Usted: Benny Moré y su Banda Gigante.
27.Perfume de Rosas: Rafael Cortijo y su Combo.
28.Maquino Landera: Rafael Cortijo y su Combo.
29.Qué Bonito es Puerto Rico: Machito y sus Afrocubans.
30.Cara de Payaso: Tito Rodríguez.
31.El Güiro de Macorina: Johnny Pacheco y su Charanga.
32.Sonó Sonó: Alegre All Stars.

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33.Bang Bang: Joe Cuba y su Sexteto.
34.Jala Jala: El Gran Combo.
35.Salsa y Dulzura: Ray Barretto y su Charanga Moderna.
36.Yo No Lloro Más: Tito Puente y La Lupe.
37.Muñeca: Eddie Palmieri con Ismael Quintana.
38.Sonero: Johnny Pacheco y Pete "Conde" Rodríguez.
39.La Revolución: Larry Harlow con Ismael Miranda.
40.Vámonos Pa`l Monte: Eddie Palmieri con Ismael Quintana.
41.Huracán: Bobby Valentín.
42.Hay Fuego en el 23: La Sonora Ponceña.
43.El Malo: Willie Colón con Héctor Lavoe.
44.Invitación al Son: Ray Barretto con Adalberto Santiago.
45.Pa'que Afinquen: Cheo Feliciano.
46.Amparo Arrebato: Richie Ray y Bobby Cruz.
47.La Hija de Lola: Charlie Palmieri con Vitín Avilés.
48.Piraña: Willie Colón y Héctor Lavoe.
49.Incomprendido: Ismael Rivera y sus Cachimbos.
50.Estrellas de Fania: Fania All Stars.
51.Quimbara: Johnny Pacheco y Celia Cruz.
52.Qué Viva la Música: Ray Barretto con Adalberto Santiago.
53.El Ratón: Fania All Stars canta Cheo Feliciano.
54.Calle Luna, Calle Sol: Willie Colón y Héctor Lavoe.
55.Arsenio: Larry Harlow con Ismael Miranda.
56.Gracia Divina: Larry Harlow y Celia Cruz.
57.Calle Luna calle Sol: Willie Colón con Héctor Lavoe.
58.Güararé: Ray Barretto con Tito Gómez y Rubén Blades.
59.La Cartera: Larry Harlow con Júnior González.
60.Mi gente: Fania All Stars.
61.Pa Bravo Yo: Justo Betancourt.
62.Un Día Bonito: Eddie Palmieri con Lalo Rodríguez.
63.Rompe Saragüey: Héctor Lavoe.

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Apéndice 3: Cronograma del desarrollo histórico de la Salsa
El cronograma histórico marca, a través de un lapso de dos siglos, los
principales sucesos musicales en el caribe y Nueva York que fueron definiendo
diferentes géneros que en alguna medida han influido o perfilado la Salsa.

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