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- 1. DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1599-1660) ETAPAS Y EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA: Etapa de formación (1617-1622) Etapa de madurez (1623-1660) “Más aún que Caravaggio o Ribera, Velázquez se lanzó a la conquista de la realidad, su materialidad y su carnalidad. Introdujo a manos llenas en la pintura la materia, lo accidental y lo circunstante.” Fernando Marías, Univ. Aut. de Madrid
- 2. ALGUNAS LECTURAS PREVIAS: “Velázquez fue un artista que no se dejó constreñir por las imposiciones estéticas de su tiempo. Si bien vivió intensamente la espiritualidad del Barroco, no por ello se prestó a ser acotado por la formalidad que ese movimiento impuso. (...) Que no encontremos en su arte ninguno de los clichés del momento, es decir, ni tremendismo, ni moralismo, no quiere decir que no podamos leerlo como un ejemplo de vanitas. Sus vanitas son asépticos y nos son coercitivos. La rendición de Breda, Las hilanderas y las Meninas son vanitas. No olvidemos que el Barroco coincide con el nacimiento de los Estados, y esos Estados recién nacidos para impresionarse y darse miedo mutuamente, se vistieron, no más nacer, de pavos reales. Antoni Llena, pintor. El país, 16 de octubre de 2006
- 3. En 1611, con doce años, tras un corto periodo como aprendiz en el taller de Francisco Herrera el Viejo, ingresa en el taller de Francisco Pacheco, con cuya hija contraerá matrimonio. Etapa de formación (1617-1622) A los 18 años consiguió licencia para pintar, de sus maestros tomó los principios manieristas y academicistas además del tenebrismo. En este periodo, caracterizado por el tratamiento naturalista, los temas preferidos son los: • Bodegones con figuras: El aguador de Sevilla (1620), Vieja friendo huevos (1618) • Retratos: Retrato de Sor Francisca Jerónima de la Fuente (1620) • Escenas religiosas: Cristo en casa de Marta y María, la Adoración de los Magos (1619) VELÁZQUEZ SE FORMA EN SEVILLA, EN EL ESTILO TENEBRISTA Y NATURALISTA
- 4. Desayuno óleo sobre lienzo 1617 183 x 116 cm The Hermitage, St. Petersburg Características de este periodo son: el tenebrismo, con los fuertes contrastes de luces y sombras, predominio de los colores terrosos, sencillez en la composición.
- 5. Vieja friendo huevos óleo sobre lienzo 1618 99 x 128 cm National Gallery of Scotland, Edinburgh
- 6. El aguador de Sevilla óleo sobre lienzo 1623 106.7 x 81 cm Wellington Museum, London Asimiló el programa del naturalismo y consagró su arte a la observación objetiva de la realidad, soslayando cualquier convencionalismo (Gombrich)
- 7. Sor Francisca Jerónima de la Fuente óleo sobre lienzo1620 160 x 110 cm Museo del Prado, Madrid
- 8. Cristo en casa de Marta y María óleo sobre lienzoc. 1620 60 x 103,5 cm National Gallery, London
- 9. La adoración de los Magos óleo sobre lienzo1619 203 x 125 cm Museo del Prado, Madrid
- 10. Etapa de madurez (1623-1660) Este periodo puede subdividirse a su vez, en tres, coincidiendo los hitos con sus viajes a Italia. 1623-1631: Primera etapa madrileña y primer viaje a Italia. Velázquez viaja a la Corte, logrando su propósito de establecerse en ella; hay un abandono de la temática religiosa y de los bodegones, para concentrase en el género retratista. VELÁZQUEZ EN LA CORTE Pintor del Rey
- 11. Estos retratos, tienen como características: la sencillez en la composición, el realismo, la escasa preocupación por los fondos, la elegancia que emanan los personajes y el estatismo, son retratos de cuerpo entero, en busto, de tres cuartos, sobresalen diversos retratos del monarca y del Infante D. Carlos (1625-28), y los primero retratos de bufones, como el de Calabacillas. Felipe IV c. 1624-1627 óleo sobre lienzo 210 x 102 cm Museo del Prado, Madrid
- 12. Don Luis de Gongora y Argote 1622 50.3 x 40.5 cm Museum of Fine Arts, Boston
- 13. Infante Don Carlos 1626-27 óleo sobre lienzo 209 x 125 cm Museo del Prado, Madrid
- 14. Retrato de hombre joven 1626-31 óleo sobre lienzo Alte Pinakothek, Munich
- 15. Doña Maria de Austria, reina de Hungria 1630 óleo sobre lienzo 58 x 44 cm Museo del Prado, Madrid
- 16. El encuentro con Rubens, que visita Madrid, en 1628, le orientó hacia el humanismo y la mitología, además de animarlo a continuar su formación en Italia, antes pintó “Los Borrachos” o el Triunfo de Baco (1629), en él muestra al Baco mitológico entre campesinos andaluces, señalando la principal característica de su pintura mitológica, la concepción burlesca e irónica de la misma. El Triunfo de Baco EL ENCUENTRO CON EL PINTOR FLAMENCO RUBENS
- 18. Desde 1629 a 1631, realiza el primer viaje a Italia, donde conocerá la obra de los pintores renacentistas romanos y venecianos (Tiziano), visitando además Ferrara y Nápoles, donde contactó con el pintor español Rivera; durante este viaje realizó “La Fragua de Vulcano”, de género mitológico y “La Túnica de José”, en todos ellos se advierte la influencia de los pintores italianos. PRIMER VIAJE A ITALIA (1629-1631)
- 21. 1631-1648: Segunda etapa madrileña. En este periodo se produce el apogeo del maestro, la influencia italiana hace que su dibujo se haga más suelto, sus figuras pierden rigidez, el espacio se llena de aire, presagiando la perspectiva aérea y se colorea de grises, ocres y verdes suaves y armónicos. La producción pictórica en esta etapa es muy abundante. De este periodo son los cuadros religiosos: Cristo crucificado del Prado (1631), la Coronación de la Virgen y los Eremitas, Cristo atado a la columna (1632). A la vuelta de Italia, el estilo de Velázquez se hace más suave y colorista
- 22. Cristo en la cruz 1632 248 x 169 cm Museo del Prado, Madrid
- 23. Entre sus retratos: El Conde-Duque de Olivares (1638), Felipe IV, el Príncipe Baltasar Carlos (1635), (retratos ecuestres), Felipe IV y D. Fernando de Austria (con traje de caza). Y los retratos de los bufones Pablillos de Valladolid, el niño de Vallecas, el primo. Además los retratos imaginarios de los filósofos Esopo y Menipo. Autorretrato De 1643
- 24. Dentro del género histórico, pinta la Rendición de Breda o Las Lanzas (1634-35). La rendición de Breda (Las Lanzas) 1635 307 x 367 cm Museo del Prado, Madrid “La Rendición de Breda es la plasmación de una cierta vergüenza; aquélla que toda victoria genera en el ánimo de una persona sensible.” Antoni Llena, pintor
- 26. El Conde-Duque de Olivares a caballo 1634 313 x 239 cm Museo del Prado, Madrid
- 27. La reina Isabel de Borbón a caballo 1634-1635 301 x 314 cm Museo del Prado, Madrid
- 28. Retrato ecuestre de Felipe IV 1635-36 301 x 314 cm Museo del Prado, Madrid
- 29. Príncipe Baltasar Carlos a caballo 1635-36 209 x 173 cm Museo del Prado, Madrid
- 30. Felipe IV de cacería 1634-35 191 x 126 cm Museo del Prado, Madrid Cardenal Infante Fernando de Austria de cacería 1632-36 - 191 x 107 cm Museo del Prado, Madrid
- 31. Príncipe Baltasar Carlos de caza 1635-36 191 x 103 cm Museo del Prado, Madrid
- 32. Juan Martinez Montañés c. 1635 109 x 107 cm Museo del Prado, Madrid
- 33. Bufón Barbarroja c. 1636 198 x 121 cm Museo del Prado, Madrid
- 34. El enano Don Juan Calabazas, apodado Calabacillas c. 1639 106 x 83 cm Museo del Prado, Madrid
- 35. Pablo de Valladolid c. 1635 209 x 123 cm Museo del Prado, Madrid
- 36. El enano Francisco Lezcano, apodado "El Niño de Vallecas" 1642-45 107 x 83 cm Museo del Prado, Madrid
- 37. Diego de Acedo (El Primo) 1644 107 x 82 cm Museo del Prado, Madrid
- 38. El enano Sebastián de Morra c. 1645 106,5 x 81,5 cm Museo del Prado, Madrid
- 39. Esopo 1640 179 x 94 cm Museo del Prado, Madrid Menipo 1636-40 179 x 94 cm Museo del Prado, Madrid
- 40. Marte, Dios de la guerra 1640 179 x 95 cm Museo del Prado, Madrid
- 41. 1648-1660: Segundo viaje a Italia y Tercera etapa madrileña. • Velázquez realizó un segundo viaje a Italia, entre 1649 y 1651, con el encargo real de adquirir cuadros y antigüedades para las galerías reales hispanas, en este viaje realiza el retrato de Inocencio X, el de su criado Juan Pareja y los dos cuadros del Jardín de Villa Medicis, considerados un claro precedente de la pintura de Corot y el impresionismo, también realizó en el viaje la Venus del Espejo, uno de los pocos desnudos de la historia de la pintura española. • En este período, Velázquez perfecciona la técnica, consiguiendo plasmar la perspectiva aérea, su pincelada suelta emplea cada vez menos cantidad de pasta pictórica, cuida la ambientación y los detalles. Velázquez vuelve a Italia...
- 42. Retrato de Inocencio X c. 1650 141 x 119 cm Galleria Doria- Pamphili, Roma “(...)(Por) el modo en que el pincel reproduce los brillos de las telas y la seguridad de toque con que capta la expresión del Papa, no dudamos ni por un momento de que nos hallamos ante el hombre mismo.” (Gombrich)
- 44. Juan de Pareja 1650 81.3 x 69.9 cm Metropolitan Museum of Art, New York
- 45. El pabellón Ariadna en el jardín Médici en Roma 1650-51 44 x 38 cm Museo del Prado, Madrid
- 46. Entrada a la gruta de los jardines de la Villa Médici en Roma 1650 48 x 42 cm
- 47. “La Venus del espejo, que nos da la espalda y nos mira borrosa desde el espejo, es quizás la pintura más genuinamente barroca de Velázquez (...) ya que en ella se vislumbra una variante de la metáfora barroca española que equipara el sexo con la cara. Según Quevedo, el sexo y el rostro son dos caras de la misma moneda, como también lo son para él el oro y la mierda, la luz y la sombra. Si el sexo anda oculto bajo la ropa, el rostro va al descubierto. Esta separación dolorosa que la civilización nos ha impuesto, es la que nos ha hecho seres humanos, la que nos ha condenado al trabajo y a la Historia. Pero esta separación es también lo que nos condena a inventar metáforas y suprimirla, a hacer arte para deshacer tal condena.” Antonio Llena, pintor El País, 16 de octubre de 2006 “El espejo refleja el rostro de una imagen, reflejo de un reflejo. prodigiosa cristalización de un momento que, en realidad, ya se ha desvanecido.” Octavio paz
- 48. Venus del espejo 1649-51 - 122,5 x 177 cm - National Gallery, London
- 49. Velázquez vuelve a la Corte y a Madrid en 1651, después de una estancia de casi tres años en Italia. Esta última etapa madrileña supone la culminación estilística del maestro sevillano. Son de este período los retratos de la Infanta Margarita y el de la Reina Mariana de Austria. En dos obras se puede resumir la aportación de Velázquez a la historia de la pintura: Las Meninas ( 1656), y las Hilanderas o la Fábula de Aracne (1657). La última etapa madrileña y la culminación de Velázquez
- 50. La reina Doña Mariana de Austria 1652-53 231 x 131 cm Museo del Prado, Madrid
- 51. Maria Teresa de España 1652-53 127 x 98,5 cm Kunsthistorisch es Museum, Vienna
- 52. Felipe IV de marrón y plata 1653 231 x 131 cm Museo del Prado, Madrid
- 53. Retrato de Felipe IV 1652-53 47 x 37,5 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna
- 54. Felipe IV 1655-60 69 x 56 cm Museo del Prado, Madrid
- 55. Infanta Margarita Teresa c. 1654 128,5 x 100 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna
- 56. En las Meninas, evoca la vida cotidiana de la familia real, que aparece alrededor de la Infanta Margarita, de sus damas de honor portuguesas, las meninas, y de los criados enanos, en el salón en que Velázquez (que se autorretrata en la penumbra) se encuentra pintando a los reyes (reflejados en el espejo); al fondo, en la puerta abierta, el aposentador observa la escena; el pintor obtiene la sensación de profundidad mediante la alternancia de espacios iluminados con diferente intensidad. El espectador queda atrapado en este “instante” casi fotográfico que el pintor captura con sus pinceles. Al contemplar la obra nos hallamos, a pesar de estar fuera del cuadro, dentro del mismo, en el espacio donde se hallan los monarcas. El espacio abarca, de este modo, tanto lo que hay dentro del cuadro como lo que hay fuera. Esta obra es “la teología de la pintura”. 1656
- 58. “Al pintar Las Meninas, Velázquez tiene a los reyes de las Españas delante de las narices, pero no los ensenña. Nos da a conocer su reflejo en el espejo que está al fondo de la sala. Se trata de un reflejo al que un juego de perspectivas invertidas de arriba a bajo y de destellos casi imperceptibles al ojo le permiten al aire ser el protagonista del cuadro, señorear y disolver cualquier ilusión de poder.” Antoni Llena (pintor)
- 60. En las Hilanderas, sitúa el mito de Aracne, la habilidosa tejedora perseguida por Atenea en el taller de tapices de Santa Bárbara, el mito va tejiéndose en las formas de un tapiz al fondo, mientras en un primer plano las obreras trabajan, lo real y lo mítico se funden en tonos amortiguados y templados que tienen toda su delicadeza en el tapiz, donde se desarrolla la escena principal con los protagonistas rodeados de una intensa luz. La rueca, en constante movimiento, se convierte en el elemento que mejor ejemplifica la “instantaneidad” del momento; esa rueca al girar, genera un vacío que lo absorbe todo, la realidad y el mito. La estancia iluminada por la vaporosa luz que penetra, se llena de aire. Velázquez logra pintar la atmósfera, el aire que envuelve a las figuras. La pincelada suelta, de apariencia inacabada, las manchas de color que sugieren detalles o formas; todo en esta obra se aproxima a un lenguaje nuevo que todavía está por nacer, el impresionismo. 1657
- 62. La Infanta Don Margarita de Austria c. 1660 212 x 147 cm Museo del Prado, Madrid
- 63. Retrato de la Infanta Margarita c. 1660 121 x 107 cm Museum of Fine Arts, Budapest
- 64. Infante Felipe Próspero 1660 128,5 x 99,5 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna
- 66. A modo de conclusión: Velázquez, sintetizó los estilos del XVI y XVII, el renacimiento romano y la escuela veneciana, el tenebrismo, el barroco flamenco y el naturalismo hispano. Pintores neoclásicos como Ingres, románticos como Delacroix, impresionistas como Manet y Degas, fauves como Matisse, los expresionistas alemanes, surrealistas como Dalí, sin olvidar al mismo Goya van a ser, sin duda, deudores de Velázquez.