2º fundamentos10

Contenidos del Bloque:
Arquitectura. El estilo internacional.
Arquitectura española: Francisco Javier Sáenz de Oiza, Miguel Fisac.
Expresionismo figurativo y expresionismo abstracto. La pintura hiperrealista.
Expresionismo abstracto: Jackson Pollock, Mark Rothko.
Expresionismo figurativo: Francis Bacon, Lucian Freud.
Hiperrealismo. David Hockney. Antonio López. Eduardo Naranjo.
La importancia histórica de los grupos españoles de artistas plásticos "El Paso" (1957) y su
antecesor "Dau al Set " (1948).
El expresionismo en la escultura española.
Escultores vascos: Jorge Oteiza. Eduardo Chillida, Agustín Ibarrola.
La abstracción geométrica: Pablo Palazuelo, Martín Chirino, Amadeo Gabino.
El movimiento cinético: Eusebio Sempere.
Fotografía: el sensualismo de David Hamilton. La elegancia de Juan Gyenes.
La moda francesa: Yves Saint Laurent.
Música. El sonido estéreo. La música Pop. The Beatles Los grandes conciertos de masas. La
cultura fans.
El jazz alcanza un público de masas: Chet Baker, Miles Davis, Chick Corea.
El auge del flamenco. Paco de Lucía y Camarón de la Isla.
El baile flamenco: Antonio. Carmen Amaya. La compañía de Antonio Gades.
El nuevo cine español. El cine de la transición. Saura, Camus, Picazo, Patino, Erice, Borau, la
Escuela de Barcelona.
Cine: El nuevo impulso norteamericano Francis Ford Coppola. El gran cine japonés: Akira
Kurosawa.
Nace la Televisión como fenómeno de comunicación de masas.
Cómic: éxito internacional de la editorial Marvel.

1.1. Comenta la uniformidad estilística mundial del estilo
arquitectónico denominado "Estilo Internacional".

Estilo Internacional en arquitectura tiene las formales del Movimiento Moderno.
Se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies
lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía
la construcción en voladizo, por entonces novedoso. También se avino a una
homogeneidad de materiales, presididos por el hormigón armado, con el que se crearon
amplios espacios interiores con similitudes en varios edificios.
El Estilo Internacional claves: En primer lugar, la incomodidad de algunos arquitectos
con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo
XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los
más diversos estilos y períodos.
En segundo lugar, la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces
desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas
fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros.
El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en la ciencia de los materiales y
la construcción, que permitieron la invención del hormigón armado y los progresos en
las aleaciones de acero. Todo esto conllevaría nuevas posibilidades estructurales que
harían realidad edificios más altos, más resistentes, más espaciosos.
El Estilo Internacional fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos,
entre ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, J. J. P. Oud, Richard
Neutra, Rudolf Schindler y Philip Johnson.
Edificio Seagram, construido por el alemán Mies van der Rohe para la corporación de las
bebidas alcohólicas. Se ubica en Park Avenue, en Nueva York, donde Mies ideó una gran
plaza urbana situada entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida,
permitiendo tener un punto de observación inmejorable hacia la alta edificación que
muestra su estructura de acero, y tiene la sencilla forma de un prisma rectangular
desprovisto de toda ornamentación.

1.2. Analiza la arquitectura española, especialmente los
trabajos de Francisco Javier Sáenz de Oiza y Miguel Fisac.

Francisco Javier Sáenz de Oiza
Se licenció en Arquitectura en 1946 por la Escuela de Arquitectura
de Madrid y se doctoró en 1965. Amplió posteriormente sus
estudios en EEUU con una beca de la Real Academia de Bellas Artes
de San Fernando. A su regreso, en 1949 comenzó a trabajar en la
Escuela de Arquitectura de Madrid, a la que estuvo ligado hasta su
jubilación en 1985, primero como profesor de proyectos
arquitectónicos, después como catedrático y director de la misma.
Desde 1983 centró su actividad en el trabajo de estudio. Entre sus
obras destacan edificios tan emblemáticos como el de las Torres
Blancas (1969) o el del Banco de Bilbao (1972-78) en el Paseo de la
Castellana, ambos en Madrid
Basílica de Aránzazu (1950-1954), iglesia que construirá en Gipuzkoa
junto con Luis Laorga y que será de gran importancia no sólo por el
trabajo arquitectónico -las líneas generales son bastante habituales,
no hay una gran renovación aunque la lectura sí es contemporánea-
sino porque en la misma diferentes artistas vascos -Jorge Oteiza,
Eduardo Chillida o Nestor Basterretxea- colaborarán, haciendo una
apuesta por la plástica contemporánea
Edificio Torres Blancas Una de las construcciones más imponentes
del arquitecto Sáenz de Oiza fue el edificio de las Torres Blancas de
Madrid, una de las obras maestras del organicismo extremo español.
Torre del Banco de Bilbao La antigua sede del Banco de Bilbao en el
distrito financiero Azca de Madrid es expresión de la conversión
orgánica de la arquitectura hacía los rasgos de la modernidad.
.

En los 80 su trabajo sufre el influjo de la
posmodernidad quedará en el aspecto externo,
en cierto detalles decorativos, pero en la planta,
en los materiales, en la organización o en las
formas no tendrá gran influencia. En cierto modo
esta nueva tendencia le posibilitará ser todavía
más expresivo, cuidar más el lado estético.
Los ejemplos de esta nueva fase son el Museo de
Arte Contemporáneo que construyó en 1985 en
Las Palmas de Gran Canaria, el conjunto de
viviendas que levantó en 1986 al lado de la
autopista M-30, los pabellones que en 1987
IFEMA de Madrid,
Torre Triana en Sevilla y por último, la obra más
significativa y también más polémica, el auditorio
de Santander construido en 1989. Sáenz de Oiza
en estos trabajos combinará el racionalismo, el
funcionalismo, en menor medida el organicismo
y la posmodernidad,
1-Viviendas de la autopista M-30
2- Torre Triana en Sevilla
3-auditorio de Santander

Miguel Fisac
Disconforme con la arquitectura de su tiempo, logró un
estilo de gran personalidad, en el cual incorporaba
originales soluciones estructurales con hormigón
pretensado y sus características vigas-hueso.
Desde sus inicios, en que va rechazando el racionalismo de
sus maestros al percibir que en ellos la plástica
arquitectónica no responde a las exigencias técnicas y a la
necesidad humana, se vio influido por la obra del
arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright, el
neoempirismo del arquitecto Erik Gunnar Asplund y el
organicismo nórdico, experimentado en su viaje en 1949 a
Suecia. Se interesa también por la arquitectura popular, en
la que la realidad del paisaje, de las características
humanas, históricas y geográficas del lugar se funden con el
valor plástico o incluso técnico. Recibió el encargo del
Consejo Superior de Investigaciones Científicas para
ordenar la zona sur de la Colonia Los Chopos en Madrid.
Remodeló el antiguo auditorio de la Residencia de
Estudiantes para construir la nueva capilla del CSIC. La
decena de años en los que trabaja en torno a las nuevas
edificaciones de este organismo supone la transición que
modela su lenguaje desde un sobrio clasicismo hasta
asimilar la influencia del organicismo.

Edificio IBM (1967)
Arquitecto: Miguel Fisac
Dirección: Paseo de la
Castellana, 4

2. La pintura en los años 60-70

1950
1960
EXPRESIONISMO
AMERICANO
Expresión del “yo” a
través del gesto del trazo,
cuadros abstractos,
nuevas técnicas
(dripping)
Pollock
Rothko
NEODADAISMO Integración de objetos en
la pintura mediante el
ensamblaje
Raugchemberg
Bacon*
1960
1970
OP-ART Búsqueda de efectos
visuales
Vassarely
POP-ART Referencias a los mass-
media
Warhol
LAND-ART Intervenciones en el
paisaje
Christo
CONCEPTUAL Relaciones arte-lenguaje,
concepto, happenings
Beuys
Fluxus
1970
1980
CONCEPTUAL Relación arte-sociedad Kosuth
HIPERREALISMO Realismo fotográfico en
la pintura
Antonio Lopez
Movimientos Artísticos que dominan durante los 60-70

2.4. Analiza las claves artísticas de las corrientes
expresionistas.

El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados
Unidos hacia 1947, fecha en la que la mayor parte de los artistas más
importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean
un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste,
toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas
practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la
expresión de la personalidad del artista.
La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento
en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y
desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de
importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el
estallido de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo
surrealista en pleno determina e influye de manera decisiva en el
nacimiento de esta nueva corriente.
En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la
gestual o pintura de acción (action painting) y la pintura de superficie-
color (color fiel-painting). En la pintura de acción encontramos artistas
como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos
artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan
la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de
superficie-color centra su interés en las diferentes posibilidades de
ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en
superficies generalmente de grandes dimensiones. Mark Rothko, Clifford
Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.

Pueden señalarse como características formales de
este estilo.
Preferencia por los grandes formatos. Trabajaban
normalmente con óleo sobre lienzo.
• Generalmente son abstractos en el sentido de
que eliminan la figuración. No obstante, hay
excepciones y algunos emplean trazos
figurativos, apareciendo figuras reconocibles,
como ocurre con las Mujeres de Willem de
Kooning.
• El espacio pictórico se trata con frontalidad y
no hay jerarquía entre las distintas partes de la
tela.
• El cromatismo suele ser muy limitado: blanco
y negro, así como los colores primarios:
magenta, amarillo y cian.
• Algunos pintores expresionistas que
redujeron la obra a prácticamente un solo
color, estaban ya anticipando el arte minimal.
• Este tipo de cuadros, con violentos trazos de
color en grandes formatos, presenta como
rasgos distintivos la angustia y el conflicto.
Clyfford Still,
Pintura: Willem de Kooning- Two Trees

2.2. Explica la obra pictórica de Jackson Pollock y de Mark
Rothko.

Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito
la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más
parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados
y literalmente "estar" en la pintura.
Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y
pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida o impasto con arena, vidiros
rotos o cualquier otro material añadido.
Cuando estoy "dentro" de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de
un periodo de "aclimatación" me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios,
destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo
contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo
dar y recibir, y la pintura resulta bien. Pollock (1956)
Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella,
trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es propio de los métodos de pintura
en arena de los indios del Oeste.
Autumn rhythm
Jackson Pollock: Mural (1943). Óleo y pintura con base de agua
sobre lino, 247 x 605 cm.

Artistas:
el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el
Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor
del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos
hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote.
El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy
atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es
controlable.
Tras verse influenciado por el regionalismo, los muralistas mexicanos y
los surrealistas, Pollock realiza a principios de los cuarenta unas obras
cercanas a la abstracción pero de carácter totémico, primitivo. Será
alrededor de 1947 cuando Pollock comienza a pintar con el estilo que le
hará mundialmente famoso: se trata de abstracciones libres hechas a
base de manchas y de “dripping”, una técnica que consiste en agujerear
un bote metálico de pintura y desplazarse con él por el lienzo
(previamente puesto en el suelo) dejando caer la pintura. Lo importante
para Pollock será esa acción de pintar, el momento y el cómo el artista
realiza su obra siguiendo sus impulsos interiores, sin un plan previo. Por
eso este tipo de pintura se denominará “action painting” o “pintura de
acción”. En 1951 Pollock tendrá un nuevo estilo. Volverá a las pinturas
totémicas, pero esta vez abandonará los colores, centrándose sólo en el
negro.
'Número 3', esmalte de Jackson Pollock

Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede
compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más
directo. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla de los colores
en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados,
combinados con algunos tierras y sombras.
De Kooning había pintado mujeres con regularidad a
principios de los años cuarenta, y de nuevo entre 1947 y
1949. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones
pueden interpretarse como símbolos femeninos. Pero no fue
hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de
forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística.
En verano de ese año comienza la que sería su serie más
célebre, cuyo tema eran las mujeres. Comenzó con Woman I
(Mujer I), que pasó por innumerables metamorfosis antes de
que fuera terminado en 1952. En el mismo museo se
encuentra Woman II (1952).
Concebía el arte como "acción unida a la energía y al
movimiento corporal", como algo en lo que se trabaja con
una intensa concentración dirigida exclusivamente al acto
creativo sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba
pinceladas mordaces y violentas, con espesas capas de óleo.
Esta action painting produce una pintura abstracta y vigorosa,
de gran densidad y muy intensos desde el punto de vista
cromático. Hacía una pintura "representativa y gestual a la
vez, algo parecida, salvando las distancias, a la del español
Antonio Saura",
Woman I - Willem de Kooning

Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su
obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de
grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de
color.
Comienza siendo expresionista en los años 30 y también se verá atraído por el surrealismo en los 40, pero
en los años 50 su pintura se simplifica para centrarse en el color, un estilo que se conocerá como “Color
Field Painting”. Se trata de superficies llenas de color en las que las manchas se superponen a modo de
veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra.
Este tipo de pintura, en el que priman las relaciones cromáticas, deriva de los experimentos espaciales de
los cubistas. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que debe hacer meditar al
espectador, algo totalmente basado en la expresividad.
Mark Rothko - The Seagram Murals

Clyfford Styll
Franz Kline
Motherwell Philip Guston

Desarrollo posterior: El expresionismo
abstracto se desarrolló en Estados Unidos a lo
largo de unos veinte años, aproximadamente.
Después se divulgó por Europa, Japón y
Sudamérica. La llamada segunda generación
expresionista viene formada por una serie de
artistas, aproximadamente una treintena, que
alcanzaron su madurez en la década de los
cincuenta. La mayor parte de ellos sienten la
influencia poderosa de Jackson Pollock.
Su obra se divulgó por Europa en torno a 1964.
El movimiento expresionista abstracto influyó
en otras tendencias pictóricas como el
informalismo y el tachismo europeos.
La action painting, en particular, fue muy
influyente en el violento tachismo francés.
Fue la tendencia principal de la pintura hasta los
primeros años 1960 en que surgió el Pop Art y el
arte minimal (hacia 1962-1963). No obstante,
algunos pintores minimalistas se ven influidos
por el expresionismo abstracto, especialmente
por la tendencia color-field painting.
1985-H13, Hans Hartung

Esteban Vicente (1904-2001), español
nacionalizado estadounidense. Premio
Nacional de arte en 1991.
Museo en Segovia

José Guerrero (1914-1991), otro español
nacionalizado estadounidense. Muy
influido por la action painting.
Museo en Granada

2.1. Comenta las claves del expresionismo figurativo,
desde el expresionismo alemán hasta la obra de Francis
Bacon y de Lucian Freud.

El expresionismo fue un movimiento artístico vinculado sobre todo al mundo
nórdico y germánico reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e
intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial
(1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un
deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la
imaginación y de renovar los lenguajes artísticos.
El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión
subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso,
demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva,
una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los
medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos
al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su
carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el
mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del
espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele
calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica
con el estereotipo de los países del norte de Europa.
Die Brücke (el puente) con Kirchner y Heckel. Propugnaban un arte como expresión
directa de la vida, inmediato y personal, puro y violento. Admiraban la escultura
africana primitiva y a Van Gogh que propiciaron un arte exagerado en sus trazos y
colores.
Der Blaue Reiter (El jinete azul) con Kandinsky, Marc y Macke. Pintores
procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la
música y todas las formas de creación. Muy intelectuales.A este grupo acabó
uniéndose Paul Klee.

Kandinsky
Comenzó como pintor figurativo y terminó siendo
abstracto. Ruso de nacimiento se trasladó a Alemania y
sus paisajes urbanos plenos de colores fulgurantes y de
pinceladas vigorosas.
Lo importante no son los detalles sino el concepto
general, de ahí que las figuras no aparezcan más que
como conjuntos de manchas de color. Resulta muy
representativa esta explosión cromática en el mundo
germánico, muy dado al extremismo y a la visión
exagerada de la realidad.
Kandinsky pinta con gruesos
trazos y una gran variedad de
colores pero siempre fuertes

• E. KIRCHNER (1880-1938)
• Sus formas son angulosas, inspiradas en el cubismo y sus líneas
gruesas y rectas.
• Sus temas son paisajes urbanos y chicas mirando escaparates o
moviéndose por las calles. Por tanto, el movimiento y la luz,
reflejadas en los colores ácidos son los motores de la obra de
Kirchner.
• La fiereza de los colores y su excentricidad marcan mucho los
personajes. Los trazos son vigorosos y la luz es muy intensa.
• En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte
degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria
situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en 1938
• ERICH HECKEL (1883-1976)
• Como otros miembros del grupo Die Brücke admiró muchísimo la
obra de Edvard Munch, y pretendía tender un «puente» entre la
pintura alemana neorromántica y la moderna pintura
expresionista. Los cuatro miembros fundadores usaron mucho la
técnica de grabado en xilografía al ser un medio barato y rápido
de producir arte al alcance de todos.
• En 1937 el partido nazi declaró que su obra era degenerada; le
prohibió mostrar su obra en público, y más de 700 cuadros suyos
fueron confiscados de los museos de la nación. Para el año 1944
todos sus bloques de grabado en madera y las planchas de sus
láminas habían sido destruidas.
Fränzi ante una silla tallada
(1910), de Ernst Ludwig
Kirchner, Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid.

Francis Bacon
(Dublín, 1909 - Madrid, 1992) Pintor inglés de origen irlandés, figura
destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia que se
desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del
informalismo. En el panorama del arte de la posguerra, el
expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte, difícilmente
relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que
recorren estos años. Toda la trayectoria pictórica de Bacon se
caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura
un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del
siglo XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del
movimiento Pop inglés.
Tras una infancia marcada por la soledad y la enfermedad, Bacon pasó
su juventud en su Irlanda natal. En 1925 se establece luego en
Londres, donde trabaja como decorador. Se interesa en seguida por la
pintura, sobre todo tras sus estancias, en los años veinte, en Berlín y
París, donde junto a los expresionistas (Otto Dix, Max Beckmann),
queda impresionado por la obra de Picasso, lo que debe valorarse si se
considera la formación autodidacta de Bacon.
Tres estudios de figura en la base de una crucifixión, de 1944, aparecen
las claves a las que responde su pintura en las décadas siguientes.
Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la
somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con
anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos,
como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los
cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías
anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta
en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica
una sensación de aislamiento y claustrofobia.
El papa Inocencio X de Velázquez
de Francis Bacon

Francis Bacon 'Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion'

Lucian Freud
Después de haberse iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los
principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de
sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso
de los desnudos.
A partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del
empasto (o impasto). Los colores son a menudo neutros.
Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta
retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la
esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo
que son".
En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud consigue desvelar la vulnerabilidad
del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que rezuman sus obras.
Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un realismo crudo y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones
se acercan a lo sórdido. En sus retratos no busca el parecido, sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta
encontrar la esencia de su personalidad
Lucian Freud's painting 'Benefits
Supervisor Sleeping'

2.3. Identifica las claves de la pintura pop art

El arte pop es interpretado como una reacción a los entonces
dominantes ideales del Expresionismo abstracto.
Antecedentes: El arte pop tiene como referencia el Dadaísmo.
Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos
sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos,
satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas
considerados como precursores del movimiento pop están
Marcel Duchamp, Kurt Schwiters. Y mas directamente el Neo-
dada americano con Jasper Johns y Robert Rauschenberg .
Las pinturas de Rauschenberg tienen relación con los trabajos
anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran
una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su
método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los
que representaba acontecimientos de actualidad con los que
los estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras
de una calidad única.
Jasper Johns las pinta banderas de los Estados Unidos a la
encáustica en la década de 1950. Otros símbolos, como letras,
números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y
grabados.
El movimiento Pop como tal surgió a mediados de los años
1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1960 en los
Estados Unidos.
White Flag- Jasper Johns
Canyon- Rauschenberg

En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque
también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se
enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura
popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de
mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los
patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la
sociedad.
El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces
como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular
estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas
estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir
dentro de dicha cultura.
En el Reino Unido: el Grupo Independiente
Fundado en Londres en 1952, es precursor del movimiento artístico
pop.Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y
la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales,
películas, tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la
primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador,
artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una serie de «objetos
encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas,
portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura
estadounidense. Una de las imágenes I was a Rich Man's Plaything,
el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″,
Eduardo Paolozzi

Richard Hamilton En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo
el título This is Tomorrow (Esto es mañana). Hamilton organizó la contribución del
Independent Group a la muestra, en la cual presentaría su collage Just What Is It That
Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (¿Pero qué es lo que hace a los hogares
de hoy día tan diferentes, tan atractivos?), el cual se convertiría en el manifiesto del arte
pop británico, movimiento en el que interpretaría un papel esencial.
En esta obra aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una
chica de revista (ver: pin up y cover girl), un fisioculturista, un televisor, un logotipo de Ford,
una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado
centenario y un enorme chupa-chups (chupetín o caramelo con palo) sostenido por el
fisioculturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta Tierra a modo
de techo. Su obra se nutriría desde entonces de los motivos y elementos de la cultura
popular y de masas.

David Hockney Fue un importante contribuidor del
movimiento de Arte Pop en la década de 1960, es
considerado uno de los artistas británicos más influyentes del
siglo XX.
Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés, célebre por
sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus dibujos magistrales
y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas.
Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas
de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente
ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura
popular. A Bigger Splash (1967,) es una de sus pinturas más
conocidas. La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su
talento para las composiciones y los diseños de fuerte
expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un
estilo más naturalista, en particular en sus retratos. Aunque
sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en
su estilo preferido, superficies planas de pintura acrílica y
gran profusión de líneas de esmerado dibujo, son
representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a
sus modelos. Las notables escenografías que realizó para
diferentes óperas, son muy importantes sus composiciones
hechas con Polaroid, a las que llama ensamblajes, como
Henry Moore (1982), constituyen otro ejemplo de su trabajo
fotográfico.
Retrato de un artista (1971)
Descripción: Acrílico sobre lienzo. 214 x 304,8 cm.
Localización: Collection David Geffen
Autor: David Hockney
Hockney, David Image A Bigger Splash

Mr and Mrs Clark and Percy 1970-1 David Hockney

David Hockney retrato de
Henry Moore
David Hockney retrato de su
madre

Arte pop norteamericano comenzó en la década de
1960.
De máxima importancia para el arte pop es Roy
Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la
premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro a
través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua
como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la
composición precisa que los documentos, mientras que
las parodias de una manera suave. Las pinturas de
Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom
Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la
imagen habitual de la cultura popular estadounidense,
sino también tratar el tema de una manera impersonal,
ilustrando claramente la idealización de la producción en
masa.
Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del
arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo
artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se
muestra la falta de afectación humana que prescinde de
la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.
Artist, Roy Lichtenstein
Tom Wesselmann

Roy Lichtenstein. A partir de 1961 se dedicó
por completo a producir arte mediante
imágenes comerciales de producción masiva.
Sus historietas de cómics, como Good
Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli,
Nueva York), son ampliaciones de los
personajes de los dibujos animados,
reproducidas a mano, con la misma técnica
de puntos y los mismos colores primarios y
brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Sus últimas obras, entre las que están las
reproducciones de personajes muy
populares de la novela rosa, paisajes
estilizados y copias de postales de templos
clásicos, muestran la influencia de los artistas
Henri Matisse y Pablo Picasso.
También sus esculturas recrean los efectos
de los cómics. Ha realizado, también, obras
en cerámica.
Brushstroke (Pincelada),
escultura en el Museo
Nacional Centro de Arte
Reina Sofía en Madrid,
España.
'M-maybe' (1963) - Roy Lichtenstein. '

Andy Warhol Su primera exposición individual
fue en la galería californiana Ferusel de 1962 y
marcó el debut del movimiento pop art en la
costa oeste. Cuatro meses más tarde inauguró su
primera exposición en Nueva York. Allí incluyó El
díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100
botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí
donde conoció a John Giorno, con quién
después coincidiría en la primera película
warholiana: Sueño (1963).
En esa época empezó a pintar sus famosos
dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de
Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos
estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy
Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su
estudio The Factory, por donde pasaron artistas,
escritores, modelos, músicos y celebrities
underground del momento. El taller, decorado
con hojas de papel de aluminio color plata,
estaba inicialmente en la calle 47. Después se
mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy
conocida y desató ciertas polémicas sobre el
papel del artista y la finalidad del arte.

2.3. Identifica las claves de la pintura hiperrealista

big-self-portrait-1967-1968-Chuck-Close

El hiperrealismo es una tendencia de la pintura
realista surgida en Estados Unidos a finales de
los años 1960 que propone reproducir la
realidad con más fidelidad y objetividad que la
fotografía. El término hiperrealismo es también
aplicable a la escultura.
Pero es innegable que el arte pop sigue siendo
el precursor inmediato del hiperrealismo, pues
toma la iconografía de lo cotidiano, se
mantiene fiel a la distancia de su enfoque y
produce las mismas imágenes neutras y
estáticas.
En esa época la abstracción era la tendencia
dominante y el realismo estaba mal visto; se
consideraba un arte que copiaba de fotografías
o de la realidad y sin ningún interés. Sin
embargo, artistas como Chuck Close, Richard
Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas
de representación de la realidad, consiguiendo
resultados a veces asombrosos.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus
retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y
se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio
cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la
no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el
gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales. En
su obra trata problemas como la percepción del espectador
y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la
aborda indirectamente a través de la fotografía que
proyecta sobre el lienzo .
Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas
y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con
una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel,
siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que
no quede ningún relieve, ninguna materia.
Richard Estes, conocido por sus cuadros de escaparates y
escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo
objeto, de modo que en sus cuadros se ve no sólo el
escaparate sino también lo que hay dentro de la tienda y lo
que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están
desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo
representado que es típica del fotorrealismo.

En el caso español, algunas de las figuras más relevantes del
hiperrealismo serían los pintores Antonio López, Eduardo
Naranjo.
Antonio López
Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las
propias posibilidades.
Con estas palabras Antonio López resume su particular modo
de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a
lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una
plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la
esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue
plasmar la esencia del mismo en el lienzo.
El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos
cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de
detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde
las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares,
pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.
A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio
López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un
panorama artístico estructurado en base al informalismo y la
abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de
López con las tendencias realistas europeas más recientes, o
con el hiperrealismo americano.

Eduardo Naranjo posee un hiperrealismo onírico fractura de forma fantasmagórica las figuras que evocan
sueños.
Artista al margen de las modas y de escasísimas muestras personales,sí presente, en cambio, en
innumerables colectivas junto a los otros grandes contemporáneos, su obra es muy seguida en China.

2.3. Identifica las claves de la pintura hiperrealista y pop
art. Comparando las obras de David Hockney y de los
españoles Antonio López y Eduardo Naranjo, entre otros
posibles.

2.4 La importancia histórica de los grupos españoles de
artistas plásticos "El Paso" (1957) y su antecesor "Dau al
Set " (1948).

Grupo Dau al Set
La guerra civil española (1936-1939) frenó el desarrollo de la
vanguardia. Muchos artistas de esta época murieron en el frente o
fueron exiliados.
Durante la posguerra se produjo una pintura de carácter académico
y tradicional con unas gotas de modernidad y será a finales de los
años cuarenta cuando comiencen a surgir grupos que apuestan por
nuevas tendencias. Dau al Set (Dado en el número siete) será uno
de los primeros movimientos preocupado por reivindicar la creación
artística y las obras surrealistas de Dalí y Miró frente a la ideología
imperante en España.
El grupo desempeñó un papel de gran importancia en la entrada de
la vanguardia y prepararon el camino al informalismo en España.
Joan Josep Tharrats nació en Girona y cursó sus primeros estudios
artísticos en Barcelona. Es uno de los fundadores del grupo Dau al
Set en 1948. Se encargó de editar y dirigir la revista hasta 1956.
Antes de vincularse al grupo, su pintura pasó por el
postimpresionismo, con claras referencias a Toulouse-Lautrec y Van
Gogh. También experimentó la abstracción, donde se ve la influencia
de Kandinsky, Klee y Mondrian.
Al integrarse en Dau al Set se adentró en el mundo del surrealismo y
la abstracción mágica, y más tarde, lo abandonó en favor del
informalismo, sumergiéndose en las posibilidades de la investigación
técnico-material. Introducirá materiales no convencionales como
arena, cemento, limaduras que le permiten crear imágenes con
sugerencias de mundos fantásticos o soñados.
Dau al set la revista
Poemas visuales
Joan Brossa

• Joan Ponç se movía desde 1946 en la línea de un
expresionismo fantástico. En 1947 conoció a
Brossa, se preocupó por la teoría freudiana y
realizó algunas series de carácter surrealista
como Suite Inquietuts, Suite Al-lucinació II y Al-
lucinació III.
• Su mundo mágico lo habitan personajes
deformes, con miembros que se estiran, se
alargan y se encojen y narran complejas historias.
• Al contrario que Tharrats, Cuixart y Tapies, no
evolucionó hacia el informalismo, sino que siguió
una trayectoria personal.
• Modest Cuixart es quien más entronca con la
línea del surrealismo anterior. Sus obras están
llenas de signos e imágenes oníricas, ofreciendo
una imagen mágica y misteriosa de la realidad.
Realiza una pintura de pasta espesa y colorista
agujereada por múltiples incisiones y grafismos.
Compagina la importancia del signo y el grafismo
con la preocupación por los materiales no
convencionales y la investigación técnica.
Experimenta con diversos soportes y materiales y
posteriormente incorporará objetos diversos en
la tela.
.
Suite fons del ser de Joan Ponç
Modest Cuixart Composició (Composición)

• Antoni Tàpies, se interesa por el surrealismo durante
los años cuarenta como reacción al arte conservador
franquista.
• Encontramos notables referencias a Miró, Ernst y Klee
en las obras de este periodo, como en Parafaragamus,
Kaffir o Collage amb billets de banc.
• Hacia 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e
inicia una evolución individual. Opta por una línea
informalista, abstracta, basada en las investigaciones
sobre la materia pictórica como medio expresivo
artístico e impone como valor total la materia frente a
la forma, su obra se convirtió en el máximo ejemplo
del informalismo español.
• Los miembros del grupo tuvieron una trayectoria
irregular, por lo que en 1954 acabó disolviéndose..
Parafaragamus,
Antoni Tàpies Gat i piràmides (Gato y pirámides)

Grupo "El Paso" 1957
El Paso es un colectivo de artistas que se fundó en febrero
de 1957 en Madrid, siendo el grupo de mayor relevancia
en la configuración y definición de la vanguardia española
de posguerra. Los integrantes de El Paso en el momento
de la firma del manifiesto y en sus primeras exposiciones
como colectivo fueron los pintores Rafael Canogar, Luis
Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera,
Antonio Suárez, Antonio Saura y el escultor Pablo Serrano
En el año 1958 se incorporan los artistas Martín Chirino y
Manuel Viola. También se incluye al arquitecto Antonio
Fernández Alba.
En marzo de 1957 se publicó el manifiesto de El Paso
redactado por José Ayllón y con el símbolo del grupo
realizado por Antonio Saura basándose en una obra de
Pablo Serrano. En abril de ese mismo año se inauguraba la
primera exposición del grupo en la Librería-Galería
Buchholz de Madrid.
El Grupo El Paso desempeñó un papel fundamental en el
proceso de normalización de una vanguardia, desorientada
y dispersa desde el final de la Guerra Civil. Presenta una
significación singular debido a la procedencia dispar de sus
miembros, su coherencia plástica, a pesar de la fuerte
individualidad de cada uno de sus componentes, y a su
ideología comprometida y radical.
Manolo Millares,
Grupo el Paso

La vanguardia de París y el Expresionismo Abstracto
norteamericano fueron los puntos de referencia y
contacto con un nuevo lenguaje que inmediatamente
asimilaron e hicieron propio.
Los componentes de El Paso tienen pintos en común:
• la primacía de una expresividad agresiva e
intensa;
• la reducción intencionada del color a unos
límites mínimos para su existencia
• el convencimiento en una poética artística del
compromiso.
Uno de los aspectos que definen la dimensión
plástica de El Paso fue precisamente su preocupación
y actitud crítica ante la realidad y su compromiso con
una situación histórica. La vanguardia significaba
rebeldía, ruptura. El compromiso con la realidad del
momento suponía una misma actitud de lucha y
negación de lo establecido que los miembros de El
Paso identificaron con su práctica artística.
Una fotografía de Manolo Millares, reproducida en
diversas ocasiones, en la que el pintor aparece junto
a un deteriorado cartel en el que se lee «PROHIBIDO
EL PASO», es un testimonio preciso de esta actitud a
contracorriente.
Antonio Saura Crucifixión
Luis Feito N.º 179

Claves de cada uno de los artistas:
El monocromatismo y la gestualidad de Saura.
Los hierros encontrados y soldados herencia del dadaísmo
más radical de Pablo Serrano.
las condensaciones de materia de Feito, Suárez y Juana
Francés.
la desgarrada angustia, existencial y patética de las arpilleras
de Millares.
Las telas metálicas de Rivera.
Los nocturnos, ausentes de color, de Viola.
Las espirales de Chirino.
La gestualidad expresiva y palpitante de Rafael Canogar.
Inciden en una idea esencial: el valor plástico y agresivo de la
tradición española y su recuperación para una vanguardia
universal.
Una tradición dramática que tiene su referencia en la
expresividad y agresividad radical de la pintura final de Goya
El Paso fue un paso imprescindible en la afirmación de la
vanguardia y en la consolidación de la modernidad artística e
histórica de España.
Manuel Rivera
Rafael Canogar Pintura n.º 27

Juana Francés "El Hombre y la Ciudad",
Unidades Yunta, 1972, de Pablo Serrano

Manuel Viola Profecía
Matín Chirino

Sala del Museo de Arte Abstracto
Español, inaugurado en 1966
(Cuenca).
El Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca
alberga y exhibe de forma permanente una
colección de pinturas y esculturas de artistas
españoles de la generación abstracta de los años
50 y 60, que configuraron algunas de las tendencias
abstractas más significativas del arte en España a
mediados del siglo XX.
El museo abrió sus puertas el 1 de julio de 1966,
fruto de la iniciativa de Fernando Zóbel (Manila,
1924–Roma, 1984), quien en 1980 donó su
colección a la Fundación Juan March. Desde
entonces esta institución la ha incrementado y
completado con sus fondos propios y mediante la
adquisición de nuevas obras.
La colección permanente de este museo cuenta con
abundantes piezas del grupo “El Paso”.
Situado en las Casas Colgadas de la ciudad de
Cuenca, en un edificio medieval muy singular de
finales del siglo XV sobre la Hoz del Huécar,
propiedad del Ayuntamiento, el museo ha sido ha
sido objeto de varias remodelaciones.

3.1. Analiza la importancia de la escultura expresionista
española..

Durante el periodo franquista la poderosa
escultura española vanguardista del periodo de
entreguerras había quedado descabezada (Pablo
Gargallo —muerto en 1934—, Alberto Sánchez
Pérez, Julio González —exiliados—); produciendo
un hiato que ocupó la continuidad de las formas
clásicas o academicistas, adecuadas a la
ideología oficial (Juan de Ávalos, Victorio Macho,
José Capuz, Carlos Ferreira de la Torre,
Florentino Trapero). Muy significativamente, a la
muerte de Mariano Benlliure (1947), ABC tituló
«Benlliure muere, pero no se rinde».
No obstante, tanto Benlliure como Victorio
Macho hubieron de pasar la inevitable
depuración por haber trabajado para el bando
republicano (bustos del general Miaja y de la
Pasionaria respectivamente).
También seguía productivo durante los años de
la posguerra Josep Clarà.
Monumento a Calvo Sotelo, Carlos
Ferreira, 1960 (Madrid, Plaza de
Castilla).

Julio González. Es quizá el principal escultor del periodo
en entreguerras. Catalán, de familia de orfebres y
herreros, familiarizados con la forja y los diseños
ornamentales de joyería modernista, reside en País
desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de
orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la
Exposición Internacional de París su Montserrat, de
tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación
de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en
utilizar el hierro de forma sistemática.
Es una de sus figuras más dramáticas y expresivas,
símbolo de la lucha por la libertad. Fue expuesta en el
pabellón de la República Española en la Exposición
Internacional de París de 1937, que acogió un conjunto
de piezas inspiradas en hechos y escenas bélicas que
reaccionaban en contra del fascismo durante la Guerra
Civil española y se manifestaban a favor de la República.
A partir de la emblemática Montserrat, realizaría
diferentes variantes o interpretaciones en esculturas
como El Pie, Gran Perfil de la campesina, Busto femenino
o Torso. González se servirá de planchas de hierro para
representar las partes del cuerpo humano.

La cabeza de la Montserrat
Es la culminación de este proceso. La obra quedó inacabada. Muestra
el rostro de una mujer sencilla, fuerte y humilde, con el pañuelo en la
cabeza, llena de fuerza, de rabia y de dolor por la situación de
angustia que padece. Al representarla con la boca abierta alcanza un
alto grado de expresividad, es el momento preciso en el que emite el
grito por el dolor que está soportando.

Subirach
En los años 1950 evolucionó hacia el
expresionismo, estilizando la forma a través de
la distorsión de las proporciones y de la
incorporación de superficies angulosas,
además de un tratamiento inacabado de la
materia, con superficies rugosas y ásperas, que
dan una mayor sensación expresiva. Sus formas
un tanto hieráticas recuerdan la estatuaria
egipcia, mientras que el tratamiento dado a la
figura femenina, donde destaca un abultado
vientre, remite a las Venus esteatopígicas
prehistóricas Recibe en esta época la influencia
de escultores como Leandre Cristòfol, Ángel
Ferrant o Eudald Serra, que antes de la Guerra
Civil se habían adentrado en el terreno del
vanguardismo, proceso que se vio truncado
con la contienda.
Realizó las esculturas de la fachada el Santuario
de la Virgen del Camino, Esculturas de la
Sagrada Familia de Gaudí.

Victorio Macho
Macho supo recoger los innovadores latidos
neocubistas y expresionistas del modelado, sin
olvidarse del gran aprendizaje que le supuso el
realismo plástico. Supo fundir en el mejor crisol lo
viejo con lo nuevo, formando una simbiosis con la
rotundidad de volúmenes, la limpieza y austeridad
compositiva.
1918 - Monumento a Benito Pérez Galdós, inaugurado el 20 de enero de 1919,
en presencia del escritor, ya ciego, en los Jardines del Retiro de Madrid.
1922 - Segundo Monumento a Benito Pérez Galdós, Las Palmas de Gran
Canaria, que sería lentamente 'devorado' por el mar, hasta que fue retirado de
su emplazamiento original; se conserva en la Casa-Museo Pérez Galdós.
1922 - Esculturas del Monumento a Juan Sebastián Elcano en Guetaria,
Guipúzcoa, diseñado por los arquitectos Agustín Aguirre y José Azpíroz.
1925-1927 - Fuente de Concha Espina, Jardines de Pereda, Santander.
1926 - Monumento a Santiago Ramón y Cajal, Paseo de Venezuela, Jardines del
Retiro de Madrid.
Monumento a Santiago Ramón y Cajal en el Retiro (Madrid).
1930 - Busto de Miguel de Unamuno, Universidad de Salamanca, Salamanca.
1930 - El Romano, en la cúspide del edificio de la Gran Vía, número 60, en
Madrid.
1931 - Cristo del Otero, Palencia, en cuya cripta está enterrado el escultor.
1940 - Monumento a Rafael Uribe Uribe, en el Parque Nacional Enrique Olaya
Herrera de Bogotá, Colombia.
1937 - Monumento a Sebastián de Belalcázar, Santiago de Cali, Colombia (hay
otro en Morro del Tulcán, Popayán).
1946 - Monumento a Miguel Grau Seminario, Lima, Peru
1962 - Monumento a Jacinto Benavente, Parque del Retiro, Madrid.

La siguiente generación se lanzó a la innovación de la escultura abstracta española (Pablo Serrano,
Eusebio Sempere, Pablo Palazuelo, Martín Chirino, Andreu Alfaro), de entre la que destacó el núcleo
vasco (Eduardo Chillida, Jorge Oteiza, Agustín Ibarrola). En los años setenta, ya en plena Transición, la
formación del Museo de Escultura al Aire Libre del Paseo de la Castellana en Madrid, significó todavía
un escándalo cultural, centrado en las dificultades para exhibir La Sirena Varada de Chillida.
Compuesta por 17 obras de escultores de esta generación y de la época de las Vanguardias
Si quieres consultar los datos de las piezas de la colección
Sirena Varada, Eduardo Chillida
(Castellana, Madrid).
Móvil, Eusebio Sempere
(Castellana, Madrid). Proyecto para
un monumento
IV B, Pablo
Palazuelo
(Castellana,
Madrid).

3.2. Describe la importancia de la escultura vasca, indica
las obras de Jorge Oteiza, Eduardo Chillida y Agustín
Ibarrola.

Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924- 2002) fue un escultor español conocido por
sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio
González y Pablo Picasso.
Sus primeras esculturas son obras figurativas lo acercan al lenguaje de Henry Moore.
En 1949 realizó Metamorfosis, obra que ya puede ser considerada abstracta.
Alrededor de 1951, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro.
Emprende entonces un ciclo de esculturas no imitativas en las que destaca su
preocupación por la introducción de espacios abiertos.
Huye de la imitación de la naturaleza y va en busca de la creación e invención. Cada
una de sus obras plantea un problema espacial que trata de resolver con la ayuda del
material, según las características o propiedades del mismo. Algunos ejemplos son
Peine del viento, Música de las esferas, Oyarak (Eco) y Espacios sonoros. En
Peine del viento la naturaleza interviene como un elemento más, sin forzarla. Recurre
al viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura. Para las
puertas de Aranzazu busca chatarras y desechos industriales que puedan servirle.
No pretende hacer unas puertas donde se coloquen esculturas, sino que ellas mismas
sean las esculturas.

En 1957 abre una nueva etapa de
experimentación. Hasta entonces, en
su lenguaje predominaban las líneas
horizontales, verticales y curvas y
ahora adoptará ritmos lineales más
movidos e inquietos, de difícil
comprensión.
Ejemplos: Hierros de temblor o
Ikaraundi (Gran temblor), También
elabora Rumor de límites,
Modulación del espacio, la serie de
ensayos Yunque de sueños, o la
serie Abesti Goroa (Hacia lo alto).
Son variadas composiciones que
asentadas en rudos bloques de
granito o madera, parecen extender
sus ritmos al espacio con gran
ligereza, a pesar del material, que no
lo oculta.
CHILLIDA Eduardo,HIERROS DE TEMBLOR III,
Eduardo chillida yunque de sueños

En un primer momento, el hierro fue el
material preferido para la búsqueda
espacial, pero posteriormente introdujo otros
materiales como la madera, el hormigón, el
acero, la piedra o el alabastro. En la serie
Alrededor del vacío, emplea el acero. El
mismo material que en Gnomon, Iru Burni o
Elogio de la arquitectura.
Eduardo Chillida optará por unos materiales
u otros de acuerdo a las posibilidades
estructurales de los mismos. Elegirá el
alabastro, cuya cualidad pone en relieve con
la ayuda de la luz para hacer referencias a la
Arquitectura. La serie Elogio a la luz,
compuesta por trece ensayos de
ortogonales volúmenes, cuyas paredes
están atravesadas por breves y estrechos
corredores que, rectos y curvos, juegan con
la luz y la sombra.

Eduardo Chillida. Homenaje a Jorge Guillén.
Cadenas de San Gregorio, Valladolid
Narciso
Escultura Topos V plaza del rey
Eduardo Chillida. Elogio Gijon

Homenaje a Malevitch, Jorge Oteiza, 1999
(Tarrasa), sobre un original de 1957.72.
Jorge de Oteiza (Orio, Guipúzcoa1908
- 2003) fue un escultor español. Se le
considera uno de los máximos
exponentes de la Escuela Vasca de
Escultura.
Se le concede por concurso la
realización de la estatuaria para el friso
y la fachada de la Basílica de Nuestra
Señora de Arantzazu (1949-51), obra
del arquitecto Francisco Javier Sáenz
de Oiza. En esta gran obra, Oteiza
pone en práctica sus teorías sobre el
debilitamiento de la expresión
figurativa, aplicándolas a un tema
religioso. La Iglesia prohíbe los
trabajos, retrasando su conclusión a
1968, cuando se termina de colocar el
friso de apóstoles y se coloca en la
fachada una imagen de la Virgen con
el hijo muerto a sus pies.
Aránzazu Piedad de Oteiza

Jorge Oteiza Caja vacía.
Con la experimentación heredada del
constructivismo, Oteiza se embarca en lo que
denomina su Propósito Experimental (1955), título
con el que se presenta en la Bienal de São Paulo
(1957), donde obtiene el premio extraordinario de
escultura. En 1959, por entender que había
alcanzado a su fase conclusiva, decide abandonar la
actividad escultórica. En estos cinco años de
actividad Oteiza realiza una operación de gran
trascendencia, al situar su obra en la senda de la
tradición geométrica europea, reivindicando el
neoplasticismo y el constructivismo soviético.
La recuperación de las estéticas geométricas
europeas y su influencia en la cultura vasca generan
las bases de lo que se denomina la escuela de la
escultura vasca.
Durante los 60 y 70 Oteiza investiga la lengua vasca
y las manifestaciones populares de su pueblo. En
1963 publica Quousque tandem…! Ensayo de
interpretación del alma vasca, que se convertiría en
su texto más conocido y polémico. En este libro se
hace una defensa de la cultura popular vasca y su
identidad, a la vez que se propone la estética como
ciencia bajo la que subsumir todo el conocimiento.
Caja metafísica

Sculpture. Construction Vide. Jorge Oteiza. Saint-SébastienEscultor Jorge Oteiza. Biarritz (Francia)

Bosque de Oma, cerca
de Guernica
Agustín Ibarrola 1930- Escultor y pintor.
n 1950 conoció a otro artista que tuvo gran influencia sobre
su producción y su mentalidad artística, el escultor vasco
Jorge Oteiza; junto a él se introdujo en la división y análisis
del espacio propia del constructivismo. También aprendió de
Oteiza la mentalidad de creación artística conjunta, donde
participaran numerosos artistas y diferentes artes.
En 1956, y tras realizar diversas exposiciones en España, se
trasladó a París. En esta ciudad conoció a otros artistas
españoles residentes allí, con los cuales en 1957, en el café
Rond Point fundaron el Equipo 57; entre integrantes de
dicho grupo fueron José Duarte, Ángel Duarte y Juan
Serrano. En este época, a través de José Ortega, descubre
la técnica del grabado y se integra en el movimiento de
"Estampa Popular" del País Vasco. Esta es su época del
constructivismo.
Durante los años 60 inicia su actividad política y social,
siendo detenido en 1962 y encarcelado varios años, la
prisión de Burgos por su militancia comunista.
Hace algunos años decidió retirarse a su caserío realizando
obras pictóricas y escultóricas de gran formato, y trabajando
en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques,
decoraciones pictóricas realizadas en árboles. Un ejemplo
de estos, y quizá su trabajo más conocido, es el Bosque de
Oma, cerca de Guernica
Bosque de Totems, 1996 (50 traviesas de
ferrocarril sobre bloques de hormigón,
Estación Prícipe Pío, Madrid)

ESCULTURAS DE AGUSTIN IBARROLA
Estos son los ''Cubos de Memoria''
creados por Agustin Ibarrola y
localizados en Lianes, Asturias.

Obra de Agustín Ibarrola de 1984,
situada en la plaza Gabriel Celaya en
Intxaurrondo.

3.3. Comenta la abstracción geométrica escultórica en la
obra, entre otros posibles, de Martín Chirino, Amadeo
Gabino, Pablo Palazuelo, Pablo Serrano y Gustavo Torner.

La escultura abstracta española, que se había
originado en el periodo de entreguerras (Julio
González, Alberto Sánchez Pérez) fue
especialmente importante en la España del
franquismo (Pablo Serrano, Eusebio Sempere,
Pablo Palazuelo, Martín Chirino, Andreu
Alfaro y el grupo de escultores vascos
Eduardo Chillida, Jorge Oteiza y Agustín
Ibarrola), llegando a tener una destacada
presencia institucional al final del periodo, a
pesar de las resistencias iniciales (Museo de
escultura al aire libre del Paseo de la
Castellana, Madrid).

Martín Chirino Las Palmas de Gran Canaria, 1925
En 1952 finaliza sus estudios de Bellas Artes en Madrid. Al año siguiente viaja
a Londres, donde toma clases en la School of Fine Arts; conoce la escultura
contemporánea inglesa (Henry Moore, Barbara Hepworth). Regresa a Las
Palmas donde trabaja junto a su amigo Manolo Millares.
En la Bienal de São Paulo de 1959 se le dedica, dentro del pabellón español,
una sala especial, donde se exponen nueve esculturas. La colectiva del MOMA
de 1960, Frank O'Hara, entonces curator del Museo, incluye a varios artistas
españoles. Chirino presenta cuatro piezas: "Homenaje a Julio González" Con
"El viento" aparece el tema más recurrente de la obra de Chirino: la espiral.
Grace Borgenicht, impresionada por sus esculturas en la muestra del MOMA,
viaja a Madrid para ofrecerle un contrato en exclusiva para los Estados
Unidos. Pertenece al grupo El paso hasta su disolución
La obra de Chirino se fundamenta en dos principios: el hierro forjado, material
mayoritario de sus esculturas; y la espiral, en cuanto símbolo y solución
formal recurrente a lo largo de toda su carrera. Ahí se contienen sintetizadas
los fundamentos de su trabajo: la noción del plegado y desplegado, el
desarrollo horizontal y vertical en el espacio y en la curvatura de un material
que en sus manos, y recuperando la tradición de la forja, se hace dúctil. La
producción escultórica de Chirino se extiende y agrupa cronológicamente de
acuerdo a motivos concretos, cuyo referente se encuentra siempre y en
último término en la naturaleza y el mundo real, en los que insiste durante un
tiempo prolongado hasta agotar todas sus posibilidades expresivas.
El viento, 1978
1963 EL VIENTO CUENCA

Martín Chirino Meditarránea III

Amadeo Gabino
(Valencia, 1922 , 2004), hijo del escultor Alfonso Gabino, fue un pintor,
escultor y grabador español.
Hizo los primeros pasos hacía el arte asistiendo a su padre en su taller de
escultura. Comenzó sus estudios de arte en la Escuela Superior de Bellas Artes
de San Carlos de Valencia. Los completó en Roma, París, Hamburgo y Nueva
York.
Su obra consiste sobre todo en complejos objetos metálicos abstractos y
"collages" constructivistas. Representando a España, participió en las
ediciones de 1956 y 1966 de la Bienal de Venecia. Mostró su obra en varias
exposiciones en Alemania y España. En 1998, se erigió su escultura
monumental "Homenaje a Anton Bruckner" en la ciudad austriaca de Linz.
Estela de Venus,
Madrid Museo Arte
PúblicoHomenaje a Galileo (1992), Madrid

Amadeo Gabino - Yelmo De Marte XiiiLas armaduras celestes de Amadeo
Gabino

Pablo Palazuelo Pintor Escultor y grabador estudia
arquitectura en Londres su obra tiene una gran proyección
internacional desde 1948
Palazuelo concibe el arte como «un camino para dar salida
a los problemas humanos». Sus referencias a la historia de
la pintura son continuas, y es especialmente importante la
influencia en su trabajo de la noción de línea derivada de
la obra de Klee, que supone una auténtica revelación para
él. También reivindica a sus inicios su interés por
constructivistas rusos como Gabo y Pevsner, aun cuando
rehúsa su concepción científica de la geometría.
La obra de Palazuelo ha sido clasificada por la
historiografía de los últimos treinta años como una
abstracción de tipo idealista, muy vinculada a corrientes
de espiritualidad y a una concepción sagrada del artista y
de su obra.
El desarrollo de la abstracción y el uso de la geometría en
su obra están íntimamente ligados a un proceso racional
basado en el descubrimiento - no invención- de nuevas
formas. Esta descubierta constante que guía su trabajo se
traduce en una tensión manifestada a través de las
variaciones interminables de las formas.
Madrid Museo Arte Público
Pablo Palazuelo.Sueño de vuelo. 1977.

serie “Paisaje”, perteneciente a
sus proyectos escultóricos,
Palazuelo trabajó en acero
inoxidable
Proyecto para un monumento IV
B, de Pablo Palazuelo. La obra
es característica del estilo de
Palazuelo, reflejando «el
dinamismo de lo aparentemente
estático», según sus propias
palabras. Está realizada en
acero corten.

Pablo Serrano
Nace en Crivillén (Teruel), en 1908-1985) Junto a otros artistas de la época, como Antonio Saura o Rafael
Canogar, funda en 1957 el grupo “El Paso”. Durante estos años realiza bustos y retratos a gran escala, como
el de Unamuno, el de Galdós y el de Marañón. En 1967 presenta su “Hombres con puertas”, expuesto en
Nueva York y Toronto
Recupera en su trabajo materiales y técnicas, como las escorias o la forja del hierro. Trabajar la figura
humana y el retrato, tanto en su vertiente íntima y expresiva, como monumental. Este segundo aspecto
enlaza además con su defensa de la función monumental de la escultura.
Su conjunto monumental más importante dos grandes esculturas de que flanquean el Ayuntamiento de
Zaragoza (1965), así como el gran relieve de la Venida de la Virgen del Pilar (1969), en la fachada de la
Basílica. En Madrid podemos ver Escultura homenaje a Largo Caballero en Nuevos Ministerios, busto de
Antonio Machado en la calle del mismo nombre y Unidades-Yunta, obra expuesta en el Museo de Arte
Público
Busto de Antonio Machado
Escultura homenaje a
Largo CaballeroEn Nuevos Ministerios

Pablo Serrano
Unidades-Yunta, de Pablo Serrano. La gran obra expuesta en el Museo de Arte Público pertenece a la
serie Unidades-Yunta. Se compone de dos piezas independientes, de formas redondeadas, que
representan la fusión de las fuerzas opuestas que configuran el mundo: lo material y lo espiritual, la
vida y la muerte, lo masculino y lo femenino. Estas formas sugieren un movimiento de integración de
manera que incluso podrían llegar a acoplarse en una unión perfecta. Es la única obra del museo
situada al otro lado del paseo de la Castellana.

Gustavo Torner.
Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela
conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de
introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década
de 1960, siendo la fundación del Museo de Arte Abstracto Español de
Cuenca su principal iniciativa.
Sus primeras obras toman de la naturaleza los temas, y posteriormente
encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en
toda su obra. En 1956 realiza su primera obra abstracta, "Roca". A partir
de aquí comienza una etapa artística dentro de la corriente informalista.
Estos planteamientos artísticos alcanzaron mucha mayor complejidad a
mediados de los 60, en aras a la consecución de una mayor expresividad,
de modo que la madera o el metal sustituyen al convencional lienzo, y
aparecen ya todo tipo de objetos y materiales: nylon, piel sintética,
cartón, plástico... Realiza instalaciones de gran sentido escenográfico,
debiendo mencionarse por su significación la serie "Homenajes",
dedicada a artistas del pasado, realizada sobre 1965. Encontramos así
obras plagadas de imágenes contradictorias y equívocas, pertenecientes a
un universo imaginario de realidades contrapuestas y falsas apariencias.
En Madrid realiza una escultura para la que se denominará Plaza de los
Cubos.
Se trata, por lo general, de obras de gran tamaño y formas geométricas
simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y explorando las
posibilidades de diversas texturas. Esta simplicidad geométrica con una
elaboración y montaje es de gran complejidad, y a menudo implica el uso
de electricidad, agua

3.4. Analiza el arte cinético y la relación con la obra
creativa de Eusebio Sempere.

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen
movimiento o parecen tenerlo.
El arte cinético fue una corriente iniciada la mitad de los 60 hasta
mediados de los 70.
Tiene como precedentes las esculturas de Naum Gabó.
• El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, en la mayoría
de las obras el movimiento es real, no virtual.
• Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura
rigurosamente planificada.
• La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan
del plano bidimensional.
• Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el
viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
• Busca la integración entre obra y espectador.
Existen diferentes tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera que
produzca sensación de movimiento
Los estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de
tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.
Los móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a
diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.
Los penetrables: Generalmente la obra es un ensamblaje en un espacio
real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a
medida que la recorre.
Arte cinetico Actual Antony Howe
Jesús Soto
Alexander Calder
Cesar Manrique

Eusebio Sempere (1923 - 1985) fue un escultor, pintor y artista
gráfico español. Es el pintor más representativo del
movimiento cinético en su país. La línea y su repetición y un
gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar
profundidad a sus composiciones pictóricas.
En 1953 Sempere toma la decisión de dejar de trabajar lo
figurativo para volcarse en la pintura abstracta y en al
geometría. indagando, utilizando gouaches, cartulinas y
acuarelas. Tras varios años de búsqueda personal, ahora
experimenta con el trabajo realizado, buscando cierto
dinamismo o movimiento con figuras geométricas. Se percibe
en su obra una mayor preocupación tridimensional.
En 1959 participa en la Bienal de São Paulo y en 1960 en la
Bienal de Venecia.
En los 70 Sempere se interesa por la escultura, pues ve en esta
grandes posibilidades para trabajar con lo cinético, lo óptico y
la luz. El mismo entiende sus esculturas como pinturas en tres
dimensiones o anti-esculturas. Son piezas de hierro o acero de
depurada técnica y síntesis geométrica, móviles o giratorias,
colgantes o sobre peanas o plataformas.
Móvil de Eusebio Sempere. En el Museo de Escultura al aire
libre se compone de dos estructuras cuadradas de acero
inoxidable suspendidas verticalmente a veinte centímetros de
distancia una de otra. Cada una tiene en su interior un diseño
distinto a base de varillas, por lo que la superposición crea un
interesante efecto óptico al ser movidas por el viento o por el
espectador.
Esculturas en los jardines
de la UPV. Móvil, E.
Sempere, 1971

Las cuatro estaciones, Invierno, 1988.
eusebio-sempere-mobil-fundacion-march

4.1. Compara la diferente concepción plástica en la
obra fotográfica de David Hamilton, Juan Gyenes,
Irving Penn y otros.

David Hamilton (Londres, 15 de abril de 1933) es un
fotógrafo inglés autodidacta, famoso desde la década
de los 1970 por sus series de retratos de mujeres
adolescentes desnudas o semidesnudas.
Posee un estilo característico en el que suelen
predominar los colores suaves, atmósferas
difuminadas y el [grano] grueso, que acabó
llamándose hamiltoniano. Tuvo un tipo muy definido
de modelo: iniciara la adolescencia (hacia los 11 años)
o fuera plena adolescente o hubiera salido ya de la
adolescencia, su modelo debía transmitir perfección,
elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil
erotismo. El talento de David Hamilton consiste en su
habilidad para sorprender a las jóvenes exactamente
en el momento en que descubren la mejor parte de su
erotismo ingenuo; esto lo llevó a escoger casi
invariablemente un tipo de joven: el artista recurre
siempre al mismo tipo de muchacha escandinava que
conserva intacta durante mucho más tiempo esta
etapa fugaz de la existencia.

Juan Gyenes (Gyenes János) (1912 - 1995)
fue un fotógrafo de origen húngaro que
desde 1940 estuvo trabajando en España.
Una foto de Francisco Franco fue
seleccionada para la impresión de una
popular serie de sellos de Correos con su
efigie. Realizó retratos a numerosos
personajes entre los que se encuentran Sara
Montiel, María Félix, Salvador Dalí, Pablo
Picasso, Joan Miró, Andrés Segovia,
Montserrat Caballé, Jacinto Benavente,
Cayetana Fitz-James, Omar Sharif,
Tsuguharu Foujita, Herbert von Karajan,
Artur Rubinstein, Gina Lollobrigida, Charlton
Heston, Lola Flores, Julio Iglesias, Raphael,
Isabel Preysler, Charles Chaplin y la cantante
y actriz española Marisol-Pepa Flores.
Los retratados se presentan en su espacio
habitual rodeados por sus objetos que
funcionan como una escenografía que
ayuda a comprender la personalidad del
retratado

Irving Penn es junto a Richard Avedon y Helmut
Newton uno de los grandes retratistas y fotógrafos
de moda estadounidense. La carrera de Penn
abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de
trabajos, especialmente para la revista Vogue, pero
también retratos, fotografías publicitaria y de
tribus.
El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su
lema. El dominio de la luz en estudio y el
fuerte contrate del blanco y negro fueron su marca
personal.
Tras largas horas de experimentación con la luz y
en el cuarto oscuro, Penn logró el dominio técnico.
Pero el secreto de su arte partía de una convicción:
el ingrediente más importante en la fotografía está
en la captura un alma –ya sea a través del vuelo de
un vestido o un trozo de carne–, es parte de un
mismo misterio que no puede ser conocido.
En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un
sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad
más efectivamente que otros fotógrafos de la
época.

Truman Capote by Irving PennPicasso by Irving Penn

Compara la diferente concepción plástica en la obra fotográfica
David Hamilton, Juan Gyenes, Irving Penn .

5.1. Comenta las claves del sonido musical:
monofónico, estereofónico, dolby, 5.1; 7.1.

Clément Ader realizó la primera emisión estereofónica en 1881, con el llamado "teatrófono" para recibir a
distancia audio de ópera. La primera película con sonido estereofónico fue Fantasía, de Walt Disney.
La grabación en estéreo se introdujo en los negocios musicales durante el otoño de 1954 para sustituir a la
grabación monoaural de canal único.
Generalmente, se llama sonido estereofónico o estéreo al grabado y reproducido en dos canales
(disposición 2.0). Los discos de vinilo, los CD audio, la mayoría de las estaciones de radio FM, casetes y la
totalidad de canales de TV y televisión vía satélite, transmiten señales de audio estéreo. El propósito de
grabar en sonido estereofónico es el de recrear una experiencia más natural al escucharlo, y donde, al
menos en parte, se reproducen las direcciones izquierda y derecha de las que proviene cada fuente de
sonido grabada.
Se denomina sistema de sonido multicanal tanto al diseño de la pista de audio que tiene tres o más canales
como también el equipo en sí capaz de reproducir dicha pista.
Símbolo de sonido 5.1. Consta de 6 altavoces.
Sistema 7.1 Coloca dos altavoces más en la parte lateral con respecto a 5.1. y crea una sensación de
ambiente, en caso de los videojuegos, es lo que hace que parezca estar metido dentro del juego, suele pasar
en los videojuegos de guerra, o muy realistas. En el caso de las películas, es lo que hace que parezca estar
metido dentro de la película, suele pasar en las películas de guerra, o muy realistas.
Posición de los altavoces
1.0 sistema monofónico
2.0 estereofónico
4 en adelante multicanal

6.1. Analiza las claves de la música Pop.

La música pop (del inglés pop music, contracción de popular music)
es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los
años 1950 como una derivación del rock and roll, en combinación
con otros géneros musicales que estaban en moda en aquel
momento. Los términos música pop y música popular se usan a
menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido
más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se
consideren populares.
Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestado a
menudo elementos de otros estilos como el urban, dance, el rock, la
música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay elementos
esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a
media duración, escritas en un formato básico (a menudo la
estructura verso-estribillo), así como el uso habitual de estribillos
repetidos, de temas melódicos y ganchos. La instrumentación se
compone habitualmente de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica,
teclado, sintetizador…
A lo largo de su existencia, la música pop ha absorbido influencias de
la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop de los
comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma,
tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz, el
country y el rock su instrumentación, de la música clásica su
orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su
acompañamiento, del hip hop elementos rítmicos, y recientemente
ha incorporado también los pasajes hablados del rap.

Así mismo, ha sacado partido de las innovaciones
tecnológicas.
En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono
hizo posible un estilo de canto más íntimo, y diez o
veinte años más tarde los discos de 45 r.p.m. —baratos
y más duraderos— «revolucionaron la manera en que
se diseminó el pop» y ayudaron a conducir a la música
pop a «un star system de disco/radio/cine».
Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad de
la televisión en los años 1950; con las actuaciones
televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una
presencia visual».
En la década de los 60, la introducción de receptores de
radio baratos y portátiles significó que los adolescentes
podían oír música fuera de casa. La grabación multipista
(de los 60) y el sampling digital (de los 80) han sido
usados también como medios para la creación y
elaboración de música pop.
A comienzos de los 80, la promoción de la música pop
se había nutrido del auge de los programas y canales
musicales de televisión, como la MTV, que
«favorecieron a aquellos artistas como Michael Jackson
y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual».

6.2. Identifica las principales canciones de los "Beatles".

The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la
más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular.
Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul
McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó más tarde con distintos
géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo
elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme
popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al
tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser percibidos como la
encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales
de la década de 1960.
Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el álbum Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra. Cuatro
décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el
grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier
otra agrupación musical.

La influencia de The Beatles en la cultura popular fue —y sigue siendo— enorme. El ex editor asociado de la revista
Rolling Stone, Robert Greenfield, dijo: «La gente sigue admirando a Picasso [...] a los artistas que rompieron los límites de
su época para llegar a algo que era único y original. La manera en que se trabajó para la construcción de la música
popular, nadie será más revolucionario, más creativo y más distintivo como lo fueron The Beatles».Desde la década de
1920, los Estados Unidos habían dominado la cultura popular de entretenimiento en gran parte del mundo, a través de
las películas de Hollywood, el jazz, la música de Broadway y, más tarde, el rock and roll que surgió por primera vez en
Memphis, Tennessee. Basándose en sus raíces del rock and roll, no sólo desencadenaron la invasión británica en los
Estados Unidos, sino que se convirtieron en un fenómeno influyente a nivel mundial.
1. «Love Me Do» (1962).
2. 2. «She Loves You» (1963).
3. 3. «Can't Buy Me Love» (1964).
4. 4. «Yesterday» (1965).
5. 5. «Norwegian Wood» (This Bird Has Flown) (1966).
6. 6. «Tomorrow Never Knows» (1966).
7. 7. «Strawberry Fields Forever» (1967).
8. 8. «A Day In The Life» (1967).
9. 9. «Helter Skelter» (1968).
10. 10. «Here Comes The Sun» (1969).

6.3. Explica las claves del movimiento "Fans".

Un fan o aficionado, es alguien que tiene un intenso interés
sobre una persona, grupo de personas, producto, idea o
tendencia. La unión de estos fans en grupos pueden
convertirse en los llamados fan clubs o clubs de fans,
convenciones de fans, crear fanzines o actividades similares.
Las fans de Frank Sinatra que vestían calcetines cortos y
que en 1944 protagonizaron el llamado “motín del
Columbus Day”. Ese mismo año nacía la revista Seventeen,
la primera publicación masiva dirigida a chicas adolescentes,
con un subtítulo profético: “las jefas del negocio”.
En cuanto manifestación cultural, el surgimiento del
fenómeno del rock a nivel mundial se conecta con el
contexto social de los años ´60. Más particularmente con el
rol que juegan los grupos juveniles en este momento de la
historia por un lado la Contracultura y por otro el fenómeno
fan..
Durante esta época, renace en los jóvenes una nueva
idealización que les hace cambiar la militancia por la
adoración a las estrellas del rock. Esta transformación se
debe a la preferencia de vivir en la propia individualidad y no
en retomar el método de vida que tenían sus generaciones
pasadas, la de conseguir un trabajo estable con el que
sustentar con facilidad a sus familias. Es por ello que se fijan
y adoran a los actores y a las nuevas estrellas del rock,
porque son ellos los que estimulan esta nueva forma de
vida.

6.4. Comenta la aceptación mayoritaria del Jazz.
6.5. Analiza la obra jazzística y vital de Miles Davis y Chet
Baker.

En los años ’70 llegamos a un punto dónde los músicos de Jazz tienen
a su disposición básicamente todos los elementos de la música
moderna de hoy en día: el Jazz tradicional (Dixie, Swing Bebop,
HardBop, Cool, Modal), el Funky, el Blues, el Soul, el Rock, el Free
Jazz, la música de concierto europea y las músicas del mundo.
Hoy en día realmente cualquier estilo de Jazz moderno es una
especie de fusión. Cada artista o agrupación se hace su propia
“receta” con todos o algunos de estos ingredientes. Ya sea solo para
un álbum o para crear una cierta tendencia, una especie de sub-
estilo.
Miles Davis consigue nuevamente estar en la onda en el momento
justo, cuando se habla de Jazz-Fusión normalmente se refiere a un
sonido particular del Jazz de los ’70 y también conocido bajo el
término Jazz-Rock. Básicamente consiste en la fusión de estos dos
estilos musicales: encima de una base rítmica rockera, funky y/o
también latina, se incorporan toda clase de instrumentos
electrónicos al Jazz: la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico,
sintetizadores y efectos. El nuevo sonido en parte atrae a un público
distinto, más joven y numeroso, que a consecuencia le brinda a más
de un músico de Jazz un éxito económico considerable jamás visto
hasta el momento. Sobre todo al principio de los `70 surgen grupos
nuevos con un sinfín de ideas curiosas. El éxito comercial de esta
corriente conlleva también que en ocasiones el Jazz-Rock más bien
suene a “Jazz-Pop”

Bitches Brew, publicado en 1970. Sus dos álbumes anteriores: Filles De
Kilimanjaro (grabado en `68) y In A Silent Way (grabado en ’69), ambos
publicados en el año 1969, nos enseñan perfectamente el camino musical
que Miles y sus músicos han tomado para llegar al nuevo sonido:
Es interesante anotar que las grabaciones para el disco se realizan bajo
las impresiones frescas del festival Woodstock, celebrado apenas unos
días antes. Otro dato que refuerza el nuevo rumbo del Jazz hacia la
música Pop
El estilo de Chet Baker (trompetista) es muy sencillo. Lo explica tan bien
en Como si tuviera alas. Las memorias perdidas que merece la pena
ceñirse únicamente a sus palabras:
“De él aprendí (se refiere a Jimmy Rowles ) mucho sobre la importancia
de mantener la sencillez al tocar y de no liarme demasiado con la
trompeta. Me da la sensación de que la mayoría de la gente se deja
impresionar solo con tres cosas: la rapidez con la que toques, los agudos
que consigas, la fuerza y el volumen que le saques al instrumento. A mí
eso me resulta un tanto exasperante, pero ahora tengo mucha más
experiencia, y he llegado a entender que seguramente ni siquiera el dos
por ciento del público sabe oír como es debido. Cuando digo “oír” me
refiero a la capacidad de seguir a un trompetista y discernir sus ideas, así
como entender esas ideas en relación con los cambios, si es que los
cambios son modernos de verdad.”
Sencillez y delicadeza. Tocaba la trompeta como cantaba, sobre un débil
hilo musical a punto de romperse. Su vida estuvo marcada (aparte de por
el jazz) por las mujeres y las drogas.

7.1. Describe la evolución del cine español en el periodo
de la transición.

En los 60 se impulsaron las ayudas estatales y la Escuela Oficial de Cine, de la que saldría la mayoría de
nuevos directores, generalmente de izquierdas y opuestos a la dictadura franquista. Entre estos destacan
Mario Camus (Young Sánchez, 1964); Miguel Picazo (La tía Tula, 1964); Francisco Regueiro (El buen amor,
1963); Manuel Summers (Del rosa al amarillo, 1963) y, sobre todo, Carlos Saura (La caza, 1965).
Ajeno a esta corriente, Fernando Fernán Gómez realizaría la clásica El extraño viaje (1964). Mientras
tanto, Orson Welles filmó la película Campanadas a medianoche, en 1965. De la televisión procedía Jaime
de Armiñán, autor de Mi querida señorita (1971) y Jo, papá (1975), ambas con enorme éxito de taquilla.
De la llamada «Escuela de Barcelona», originalmente más experimentalista y cosmopolita, destacan
Vicente Aranda, Jaime Camino o Gonzalo Suárez, que realizarían sus obras más importantes ya en la
década de los 80.

En los 70 Con el fin de la dictadura, se suprime la censura y se permiten las manifestaciones culturales en
otras lenguas españolas, además del castellano, fundándose, por ejemplo, el Institut de Cinema Català,
entre otros.
En un principio triunfan los fenómenos populares del destape y el landismo.
En los primeros años de la democracia, se abordan temas polémicos y se revisa la historia nacional
reciente en películas que, en algunos casos, tienen una innegable calidad como sucede, por ejemplo, con
Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976) o El espíritu de la colmena (Víctor
Erice, 1973), otras son dignas recreaciones de los años más grises de la dictadura como ocurre con Pim,
pam, pum... ¡fuego! (Pedro Olea, 1975), donde se describen las dificultades de supervivencia de los
perdedores en la España más puramente franquista; o particulares visiones esperpénticas del
franquismo, como sucede en La escopeta nacional (Luis García Berlanga, 1978).
Los cambios políticos de esos años se reflejan de forma inmediata en filmes como Camada negra, de
Manuel Gutiérrez Aragón; Tigres de papel, de Fernando Colomo y, en un tono menos militante pero de
mayor calado popular, Asignatura pendiente, de José Luis Garci, Cría cuervos Carlos Saura

8.1. Comenta el resurgimiento del gran cine
norteamericano con la obra cinematográfica de Francis
Ford Coppola.

Nuevo Hollywood es un término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de
directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década
de los 60.
Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven
Spielberg llegaron para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar sobre los
géneros y técnicas ya existentes. Al principio de la década de los 70, sus películas fueron a la vez alabadas
por la crítica y exitosas comercialmente. Mientras las primeras películas del «nuevo Hollywood» como
Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido relativos affairs de bajo presupuesto con héroes amorales y una
sexualidad y violencia incrementadas, el enorme éxito cosechado por Coppola, Spielberg y Lucas con El
padrino, Tiburón, y Star Wars, respectivamente ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine
comercial" o mainstream, y llevaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en intentar
producir grandes éxitos.

Francis Ford Copola Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó
el guion. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica
cinematográfica, entre las que destacan producciones como la bélica Apocalypse Now (1979) o la
adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y
ovacionadas son El padrino y El padrino II, ambas adaptaciones del superventas homónimo del novelista
italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los
tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guion
adaptado (que compartió con Puzo por coescribirlo), mientras que la segunda es la secuela más
apreciada en la cinematografía estadounidense), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor
director.
Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más
grandes de todos los tiempos. Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como
productor.

9.1. Analiza la filmografía del director japonés Akira
Kurosawa.

Akira Kurosawa (1910-1998) fue uno de los más
célebres directores de cine de Japón, dirigió más de 30
películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los
siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. En 1990
recibió un Óscar honorífico por su trayectoria.
Una película de género policial, Rashōmon, le haría
conocido internacionalmente, al ganar el León de Oro
en el Festival de cine de Venecia en 1951.
Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo
en que aplanaban el encuadre y porque creía que
situando las cámaras lejos de los actores se lograban
mejores interpretaciones.
También le gustaba usar varias cámaras al mismo
tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde
distintos ángulos.
Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo
habitual de los elementos meteorológicos en sus
películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de
Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el
calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en
Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru
(Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

Akira Kurosawa era también conocido "El Emperador”. por su estilo
como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes
cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado.
En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el
efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de
agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la
escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas,
Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos
desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de
Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas
del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena
clímax de la película.
Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del
vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho restaba
autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los
actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo
diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos
casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del
reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los
actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes
del rodaje.

10.1. Reconoce el paso de la Televisión a fenómeno de
comunicación de masas.

Una vez creado el soporte técnico necesario para
la transmisión de imágenes en movimiento,
algunos científicos comprendieron que la
televisión podía repetir el éxito de la radio años
antes
Si la televisión hubiera nacido antes la I Guerra
Mundial, en plena etapa liberal, su estatus
jurídico hubiera sido seguramente similar al de la
prensa, con la libertad de creación de emisoras y
formatos. Pero la gran crisis económica de 1929 y
el nacimiento de los regímenes totalarios que
amenazaban con ahogar los sistemas liberales
hicieron que los gobiernos de la mayor parte de
los países en los que dio sus "primeros pasos" el
nuevo medio de comunicación decidieran
reservárselo para su uso exclusivo.
La televisión renacería durante los años 1950-
1960, convirtiéndose en el mayor medio de
presión y de propaganda que ha conocido el
mundo hasta el momento.

Para aquellos nacidos después de la Segunda Guerra Mundial, la
emergencia de la televisión como una fuente de entretenimiento e
información - así como la expansión masiva asociada del consumismo
a partir de la influencia de la posguerra y la publicidad en la TV -
fueron componentes esenciales en la disolución de los más jóvenes y
la creación de nuevos comportamientos sociales, aunque las agencias
de publicidad se enfocaban en la mercado joven .
En los Estados Unidos, la cobertura en casi tiempo real de la campaña
de Birmingham en la era de los derechos civiles, el evento de
Domingo Sangriento en las marchas de Selma a Montgomery, y las
imágenes gráficas en las noticias de Vietnam, la llegada del hombre a
la luna, trajeron una realidad a los hogares por primera vez acerca de
los conflictos armados.
El término del sociólogo canadiense Marshall Mc Luhan “Aldea
Global”; este da la idea de que, debido a la velocidad de las
comunicaciones, toda la sociedad humana comenzaría a
transformarse y su estilo de vida se volvería similar al de una aldea.
Debido al progreso tecnológico, todos los habitantes del planeta
empezarían a conocerse unos a los otros y a comunicarse de manera
instantánea y directa. Como paradigma de aldea global, Mc Luhan
elige la televisión, un medio de comunicación de masas a nivel
internacional, que en esa época empezaba a ser vía satélite.

11.1. Explica las claves del éxito mundial de la editorial
de cómics "Marvel".

Marvel Worldwide, Inc., es una editorial de cómics estadounidense creada en 1939, inicialmente con el
nombre de Timely Comics. Entre sus personajes emblemáticos del género superheroico se encuentran
Spider-Man, Capitán América, Iron Man, Hulk, Thor, Wolverine, Daredevil, y los X-Men, entre otros.
A partir de los años 70, la compañía se posicionó como una de las principales editoriales de cómics del
país. En agosto de 2009, la multinacional Walt Disney compró Marvel Entertainment por cuatro mil
millones de dólares.
En los años 60-70
En 1961, la editorial que habría de ser Marvel Comics destacaba únicamente por sus cómics de monstruos
y por el trabajo de dos de sus dibujantes, Jack Kirby y Steve Ditko.
Sin embargo, en noviembre de 1961 aparecía Fantastic Four, una serie que bebía de la moda de los
superhéroes y que rápidamente se ganó el favor del público gracias al desarrollo de sus personajes, cuya
caracterización era mucho más realista que la de otros títulos superheroicos.

Los 4 Fantásticos serían el pistoletazo de salida para otras series y
personajes, como Astonishing Ant Man en enero de 1962, The
Incredible Hulk en mayo de 1962, Spider-Man en el último número de
Amazing Fantasy en agosto de 1962, Thor el número de Journey Into
Mystery de agosto de 1962, Iron Man en el número de Tales of
Suspense de marzo de 1963, la Avispa en el número de Tales to
Astonish de junio de 1963 y el Doctor Extraño en el número de
Strange Tales de junio de 1963.
El éxito de estos personajes hizo que la compañía, que ahora
respondía al nombre de Marvel Comics, se lanzase a publicar dos
series de superhéroes en septiembre de 1963, The Avengers y los X-
Men.
Un nuevo superhéroe, Daredevil, aparecería en el título homónimo
en abril de 1964, mientras que personajes de los años 40 como
Namor y el Capitán América protagonizarían sus propios seriales, el
primero en Tales to Astonish y el segundo en Tales of Suspense, en
agosto de 1965 y noviembre de 1964 respectivamente.
El último personaje de aquella etapa sería Nick Fury, un personaje
que protagonizaba historietas bélicas desde 1963, pero que sería
remozado a partir del número de Strange Tales de agosto de 1965,
convirtiéndose en un agente secreto integrado dentro del universo
ficticio de Marvel.

12.1. Identifica la obra musical de Paco de Lucía y de
Camarón de la Isla.

Francisco Sánchez Gómez (1947-2014),1 de nombre artístico Paco de
Lucía, fue un compositor y guitarrista español de flamenco.
Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso
Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó
sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del
conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al
toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijano y desde 1969 con
Camarón de la Isla.
A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó
al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue
progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que
comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los
tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito
en Europa, Norteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor
parte de su tiempo.
Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le
atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la
escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos
desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo
destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos
Santana, Al Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras
figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes
modernizó el concepto de flamenco clásico.

José Monge Cruz, conocido artísticamente como Camarón o Camarón de la Isla (1950-1992), fue un
cantaor español, considerado una de las principales figuras del flamenco.
En 1968 Camarón llega a ser fijo en el tablao de Torres Bermejas allí conoce al maestro Paco de Lucía,
con el que grabaría nueve discos entre 1969 y 1977.
Durante esos años se produce su evolución como cantaor, pasando de un estilo ortodoxo a otro más
personal. Su primer disco supuso el principio de una revolución musical, y los tangos extremeños Detrás
del tuyo se va incluidos en este disco fueron el primer éxito del dúo.
En 1979, bajo el nombre de Camarón, sin la referencia a su ciudad natal, publica La leyenda del tiempo,
disco que supone una auténtica revolución en el mundo del flamenco al incluir sonoridades propias del
mundo del jazz y el rock. En él hay varias adaptaciones de poemas de Federico García Lorca. A partir de
este momento comienza su colaboración con el guitarrista Tomatito y se desvincula por un tiempo de
Paco de Lucía.
En mayo de 1987 actúa tres días seguidos en París con un éxito absoluto. En 1989 graba Soy gitano, el
disco más vendido de la historia del flamenco. De 1992 data el último disco publicado en vida de
Camarón, Potro de rabia y miel, que contó con las guitarras de Paco de Lucía y Tomatito. OIR BULERÍAS

12. El Flamenco
12.4. Analiza la ubicación del flamenco en España y
establece conclusiones a partir de los datos obtenidos.
12.2. Explica las claves del éxito internacional del
flamenco.

Orígenes del Flamenco
Sobre sus orígenes o influencias, solo podemos aventurarnos, pues carecemos de antiguas referencias
escritas donde se mencione el flamenco como tal. El único dato conocido, por transmisión oral, es que se
trata de un arte muy antiguo y que encuentra su cuna en Andalucía, en la rivera del Guadalquivir.
En el flamenco encontramos numerosas influencias de culturas muy diversas por esta tierra pasaron las más
diversas civilizaciones y culturas. Fenicios, griegos, cartaginenses, romanos, judíos, musulmanes, godos y
gitanos se han ido durante siglos asentado en esta tierra, y con seguridad estas influencias han sido
absorbidas en la música y en el baile de esta tierra.
En escritos griegos encontramos el estilo melismático como característica típica del canto del sur de España,
este estilo también lo tiene hoy el Flamenco. De la época romana, encontramos las reseñas de Marcial y
Juvenal sobre las Puellae Gaditanae, jóvenes procedentes de Gades, Cádiz. Estas bailarinas, que formaban
compañía con músicos acompañantes, llegaron a ser muy apreciadas en los círculos de la aristocracia y alta
burguesía romana, que las contrataban para sus fiestas privadas o para espectáculos públicos, en los relieves
aparecen las Puellae Gaditanae con castañuelas, y con posiciones de pies y de brazos idénticas a las del
flamenco actual.
Otras teorías apuntan que la Seguiriya, la Saeta y el Fandango encuentran su cuna en la liturgia semita , los
acordes nos recuerdan a los alegres ritmos judíos.
Otra influencia: la música Andalusí, resultante de la fusión de la musulmana procedente del norte de África,
con la cristiana y judía, ya existentes en la península. La Granaina con su indiscutible origen moruno, o la
Zambra, que es un vocablo que originalmente designaba las antiguas reuniones de músicos andalusíes, son
claros exponentes de esta influencia.
La influencia gitana la encontramos tanto en el baile como en la música. Algunos caracteres del baile son
muy similares a los de las regiones asiáticas de las que proceden los gitanos. También los ritmos flamencos
diferentes a los europeos tienen caracteres que hoy sólo encontramos en la música India.
Pero en cualquier caso, lo que es evidente, es que el flamenco durante su larga historia ha sido permeable a
las más variadas influencias, y que es tan puro como mestizo.

Evolución del Flamenco a partir de 1765
Entre 1765 y 1860. En esta época encontramos tres
focos de importancia que crearían escuela: Cádiz, Jerez
de la Frontera, y el barrio de Triana, en Sevilla. Es a
partir de esta época cuando el baile flamenco, empieza
a tener un sitio entre los bailes españoles que se
desarrollan en las escuelas, representándose
frecuentemente en patios, ventas y salones privados
cuando se celebraban fiestas.
En lo que se refiere a la guitarra, al principio no solía
acompañar al cante, que normalmente se realizaba a
palo seco, sin más acompañamiento que el toque de
palmas.
Entre 1860 y 1910 se ingresa en una época más
prolífica que se ha llegado a llamar La Edad de Oro del
Flamenco. En esta época florecen los cafés cantantes,
desarrollando el flamenco todas sus facetas; la
instrumental, la de cante y la de baile, hasta fijar
definitivamente lo que pudiéramos considerar
clasicismo de lo "jondo". El baile adquiere un
esplendor sin precedentes, siendo éste el mayor
atractivo para el público de estos cafés cantantes y se
da un gran impulso a la guitarra, como complemento
fundamental e indispensable para el cante y para el
baile.

Entre 1910 y 1955, el cante esta marcado por lo que ha llegado a
llamarse la etapa de la Opera Flamenca donde mandan los cantes más
ligeros como los fandangos y cantes de ida y vuelta (de influencia
sudamericana, que trajeron los cantaores que habían sido emigrantes
en Latinoamérica). Este camino nuevo que había tomado el flamenco
no gusta a todo el mundo y en 1922 un grupo de intelectuales, como
Falla y otros artistas de la Generación del 27 crean en Granada un
Concurso, con la finalidad de buscar nuevos valores que cultiven el
cante jondo auténtico. A partir de 1915, se produce un ciclo de baile
teatral de excepcional calidad, llevando el baile español y flamenco
por todos los escenarios del mundo.
A partir de 1955 nos encontramos con un Renacimiento del
Flamenco, siendo Antonio Mairena su figura principal, con ese rigor
interpretativo y su afán investigador y de divulgación de la ortodoxia
del cante.
El baile en esta época se desarrolla en los tablaos, que son los
herederos de los cafés cantantes anteriores, contando con verdaderas
personalidades del baile, que alternan sus actuaciones no sólo en los
tablaos, sino en teatros, festivales y otros escenarios.
Los guitarristas, acompañando al cante y al baile adquieren un mayor
protagonismo, alcanzando este arte su madurez. El guitarrista es
actualmente no sólo acompañamiento, sino solista. Paco de Lucía
marca el inicio de una nueva etapa de esplendor sin precedentes,
dando a la guitarra una dimensión universal. Junto a él habría que
citar a otros que verdaderos virtuosos de este instrumento, como
Manuel Cano, Victor Monge Serranito y Manolo Sanlucar.

El flamenco se convirtió en uno de los símbolos de la identidad nacional española durante el franquismo, ya
que el régimen supo apropiarse de un folclore tradicionalmente asociado con Andalucía para promover la
unidad nacional y atraer al turismo.
A mediados de los 60 y hasta la transición comenzaron a aparecer cantaores que se oponían al régimen con
el uso de letras reivindicativas. Entre estos se pueden contar: José Menese ,Enrique Morente, Manuel
Gerena, El Lebrijano, El Cabrero, Lole y Manuel, el Piki o Luis Marín, entre muchos otros.
En contraposición a este conservadurismo con el que se asocia durante el franquismo, el flamenco sufrió el
influjo de la ola de activismo que agitó también la universidad contra la represión del régimen cuando los
universitarios entraron en contacto con este arte en los recitales que se hacían, por ejemplo, en el Colegio
Mayor de San Juan Evangelista

Cantes flamencos primitivos básicos con sus derivados:
• Romances
• Tonás o cantes sin guitarra (Tonás, Deblas, Martinetes, Carceleras)
• Siguiriyas (Liviana, Serrana)
• Soleares (Alboreás, Cañas, Polos, Peteneras, Bulerías)
• Tangos (Tientos, Tanguillos, Marianas)
• Cantiñas (Cantiñas, Alegrías, Cante de las Mirris, Caracoles, La Rosa, Mirabrás, La Contrabandista, La Romera
Cantiña de Romero el Tito, Cantiña del Pinini, Cantiña de Córdoba)
Cantes Flamencos derivados del fandango:
• Cantes de Málaga (Rondeña, Jabera, Verdiales, Fandangos locales, Malagueñas locales, Malagueñas
personales)
• Cantes de Levante y Cantes de las minas (Granaína, Media Granaína, Taranto, Taranta, Cartagenera, Minera).
• Fandangos de Huelva (Estilos locales, Estilos personales).
• Fandangos de creación personal.
Cantes varios aflamencados:
• Origen folclórico andaluz (Sevillanas, Saetas, Campanilleros, Bamberas, Pregones).
• Origen híbrido incierto (Farruca, Garrotín).
• Origen hispanoamericano (Guajiras, Milongas, Colombianas, Rumbas).
Todos estos palos y sus características podemos encontrarlos estudiados en la sección “Palos flamencos“.

Dentro de los palos de flamenco vemos sus conexiones con distintas regiones de España e hispanoamérica en los
cantes de Ida y Vuelta.
Su popularidad en el extranjero debe a diversos factores:
El trabajo realizado para La popularización e internacionalización del flamenco desde distintas áraes en distintas épocas
a lo largo siglo XIX, XX y XXI
• El flamenco entra en las academias de baile, a través de piezas de músicos y coreógrafos nacionales e
internacionales desde el romanticismo, Carmen de Bizzet.
• El sustrato musical popular que origina la música flamenca como mezcla de estilos
• El flamenco llega a Madrid. Bailes en los cafés cantantes donde acuden intelectuales y personalidades conectadas
con la culturas.
• primera decantación del baile flamenco 'clásico'. El paso hacia los grandes escenarios, grandes compañías de
danza presentan piezas con conexiones flamencas
• Los papel de los intelectuales y el flamenco ensayos, críticas, poemas de Lorca
• El baile flamenco y el ballet clásico español entidad sufragada desde época de Franco por el estado Español. Que
contó entre sus directores bailarines de prestigio nada afines con el régimen.
• Hitos y artistas en el siglo XX actuaron con sus propias compañías en salas por todo el mundo.
• El flamenco, primera industria cultural de Andalucía el flamenco tiene origen en su música popular.
• Flamenco y copla permite acercarlo al gran público .
• Flamenco y pop, flamenco y rock. Flamenco y jazz lo conecta con público joven.
• Festivales flamencos internacionales. Potencia la aparición y el contacto de figuras del flamenco de distintos
orígenes.
Todo ello lleva al la popularidad del flamenco en diversos lugares. Los EEUU. Iberoamérica. Japón. China. Europa. Países
árabes del Mediterráneo.
En Japón es tan popular que se dice que en ese país hay más academias de flamenco que en España.
Su reconocimiento como patrimonio de la humanidad en el 2010 favorece su difusión.

12.3. Reconoce la importancia del baile flamenco en el
mundo, referencia la danza y coreografías de Carmen
Amaya y Antonio Gades.

Antonio Esteve Ródenas, más conocido como Antonio Gades (Elda,
1936 - 2004), fue un bailarín y coreógrafo español.
En 1949 se inscribe en una academia de baile, donde la casualidad le
permitiría conocer meses más tarde a Pilar López Júlvez. Fue ésta
quien le sugiere el nombre artístico de Antonio Gades, como recuerdo
a las bailarinas gaditanas. Pilar será su descubridora y admirará en él
las dotes naturales y su exquisita pureza. En 1951 entra a formar parte
de la compañía. Pilar y el primer bailarín, Manolo Vargas, serán los
encargados de darle a conocer el mundo del folklore español en un
repertorio amplísimo.
Al mismo tiempo que viaja por todo el mundo, descubrirá su gran
inspiración para la creación de sus propias coreografías: Federico
García Lorca.
Durante los 12 primeros años viaja, baila y se forma también en danza
clásica, "aquél tiempo de aprender no lo he perdido jamás". Gades es
ya conocido y valorado internacionalmente. En el Teatro de la Ópera
de Roma se le denominará "el bailaor de la esencia andaluza", prueba
de que se ha decantado firmemente por este folklore.
En 1962 funda su primera compañía. En Italia actuara, además de en
Roma, en el Festival de Spoleto como primer bailarín y coreógrafo con
Carmen y en el Teatro de La Scala de Milán. Alfredo Mañas había
escrito expresamente para él "La historia de los tarantos". Tras varios
meses en Italia regresa a España representando La historia de los
tarantos y rodando una película (ya había intervenido en un pequeño
papel en Italia con Vittorio Gassman), Los Tarantos, de Rovira-Beleta
(1963).

Representa a España en 1964 en la Exposición de Nueva York, quien
lo acoge como a un ídolo del flamenco.
En 1965 estrena Don Juan en el Teatro de la Zarzuela. La obra supone
un buen triunfo de público. Antonio Gades había puesto buena parte
de sus recursos en la producción y se encontrará pocos meses
después casi sin dinero. Hasta 1968 regresa a la Scala de Milán junto
a Rudolf Nuréyev donde, sin cosechar un gran éxito, Gades se
reafirma en su capacidad para transmitir la pureza del baile español.
En 1969 realiza la coreografía de El amor brujo con la Ópera de
Chicago. Representa la obra en Francia, Italia, España, Japón, Estados
Unidos, Marruecos, Argentina, y entre otros países con su propia
compañía, el Ballet de Antonio Gades.
1974 recorrerá todo el mundo. Ese año estrena en Roma su nueva
obra: Bodas de sangre o, en su título original, Crónica del suceso de
bodas de sangre. El éxito le acompaña, ya incluso en España, pero
Gades anuncia su retirada y disuelve la compañía como reacción ante
los fusilamientos de septiembre de 1975 por parte del régimen
franquista. En 1976 rueda Los días del pasado. A excepción de un
viaje por Cuba y Estados Unidos con Alicia Alonso, no vuelve a bailar.
En 1978 es nombrado Director del Ballet Nacional Español. A pesar
de su rotundo éxito, sólo permanece dos años en el puesto. Con los
bailarines del Ballet Nacional que renuncian a su puesto, forma
nueva compañía hasta 1981. Antes rueda Bodas de sangre con Carlos
Saura, con quien haría además El amor brujo, Carmen y Flamenco.
Es tiempo de la apertura y la figura controvertida de Gades se abre
un hueco en el panorama político y cultural español.

Carmen Amaya Amaya (1918- 1963) fue una bailaora y cantaora de flamenco española de origen
gitano.Desde pequeña, formó parte de una de las familias más vinculadas al flamenco.
Carmen Amaya logró entre los años treinta y los sesenta universalizar el flamenco. Era una mujer menuda,
todo nervio y corazón, que bailaba de una forma casi salvaje, que convertía cada uno de sus movimientos
en un imán irresistible. «La mejor bailarina del mundo», dijo Orson Welles; «el arte», la definió Greta
Garbo. «Me dejo llevar por la música y bailo lo que me va saliendo. Sé cómo empezar un baile y cómo
terminarlo. Pero entre medio no sé lo que pasa», explicaba en una entrevista publicada en Buenos Aires.
Pocas artistas concitan en el mundo del baile y del flamenco tanta admiración –rayando en el culto– como
Carmen Amaya, de quien se ha destacado siempre también su bondad y su generosidad. Toda su familia
viajaba siempre con ella y el dinero que ganaba le duraba apenas unos segundos en los bolsillos. Tras
triunfar en España, y al estallar la Guerra Civil, viajó por numerosos países, tanto en Europa como en
América. Allí se convirtió en una estrella.

“Carmen Amaya es el granizo sobre los cristales, un grito de golondrina, el cigarro que fuma una mujer
soñadora, una tormenta de aplausos. Cuando su gente llega a una ciudad, suprime la fealdad, la
monotonía, la tristeza; cual vuelo de insectos devora las hojas de los árboles. Desde el ballet ruso de Serge
Diaghilev no habíamos vuelto a encontrarnos este tipo de citas de amor en una sala de teatro». Estas
palabras de Jean Cocteau, escritas en París en 1948, simbolizan la fascinación que provocó a lo largo de su
vida Carmen Amaya.
En 1947 regresó por fin a España para representar en Barcelona la obra Embrujo español acompañada de
40 gitanos con los que tenía vínculos familiares. Y es que Carmen nunca se olvidó de los suyos. Después
triunfó en el Princes Theatre de Londres, donde se fotografió con la reina de Inglaterra. Los titulares de los
diarios británicos al día siguiente no pudieron ser más gráficos: "Dos reinas frente a frente"
Su filmografía fue muy extensa, pero el rodaje de su última película, Los Tarantos, de Francisco Rovira
Beleta, en la primavera de 1963, resultó durísimo. Carmen disimuló sus males como pudo. Tenía que bailar
descalza, con un frío insoportable batiéndole su maltrecho organismo.

13.1. Analiza la importancia de la moda francesa,
referenciando las creaciones de Yves Saint Laurent.

Tras abandonar la firma Dior por acudir al
servicio militar, Yves Saint Laurent
emprendió su propio camino y montó su
propia casa de costura.
En 1962 nació la primera colección de
Saint Laurent para sí mismo y solo cuatro
años después diseñó la que ya es su
prenda más memorable, el esmoquin
femenino.
A partir de ahí todo fue gloria, considerado
por Brunoff como “el hombre que dotó de
poder a las mujeres”, ideó un estilo
andrógino que rompió los esquemas de la
época.
A él le debemos las blusas transparentes,
las espaldas descubiertas, los shorts y
por supuesto la americana femenina.
Nombrado “rey de la moda” por la
revista Time, sus diseños han desfilado
por los mejores museos del mundo, tanto
en vida como después de su muerte, como
si de auténticas obras de arte se tratasen.
Y no es para menos porque su moda y el
arte iban tan de la mano que llegaron a
confundirse en sus diseños. Prueba de ello
es su vestido Mondrian.

Desarrollo del Prêt-à-porter es una expresión francesa que
significa textualmente «Listo para llevar». Se refiere a las
prendas de moda producidas en serie con patrones que se
repiten en función de la demanda; es por tanto la moda que se ve
en la calle a diario.
Aun así, hay también un prêt-à-porter de lujo producido por
numerosas firmas de máximo prestigio, como Yves Saint Laurent
y Chanel..
Nació la década de los cincuenta y produjo una gran revolución
en la moda a nivel internacional. La Alta Costura, sin llegar a
desaparecer, fue poco a poco desplazada por el prêt-à-porter. Se
inició un periodo de democratización de gran repercusión desde
el punto de vista social; las prendas se empezaron a fabricar a
gran escala, y la ropa de diseño, bien confeccionada, alcanzó a
otros estratos sociales
La forma de presentar las colecciones también sufrió una
profunda transformación. De los coquetos e íntimos salones, se
pasó a convocatorias multitudinarias de gran repercusión social.
Antaño cada casa fijaba su día de presentación, se remitían las
invitaciones y se publicaba en prensa el eventoEl papel de los
medios de comunicación también ha sido esencial en este
aspecto, pues tanto los diarios como la prensa especializada y,
sobre todo, la televisión se convirtieron en el canal de difusión
más inmediato.
En el año 1959, otro diseñador
francés, Pierre Cardin , lanzó
el prêt-a-portèr (listo para
poner), destinado al mercado
masivo ; tendencia que se
instalaría con éxito en el
público frente al mundo
exclusivo de la alta costura
.Sus lineas simples y
geométricas lo convirtieron en
un diseñador de vanguardia.

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