Artez204

Carlos Gil Zamora
Número: 204 - año 19 · Mayo / Junio 2015 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | Espectáculo Yekyll one ice de Paolo Nani Teater
15 mayo
junio
Tiempo para distinguir entre
las competencias impropias
y los incompetentes propios
I
nsistiremos en señalar algo que viene
muy bien recordar en esta campaña
electoral para nombrar a quienes van
dirigir los destinos de municipios y go-
biernos locales. La inmensa mayoría de los
edificios públicos destinados a las prácticas
escénicas son de titularidad municipal, al
igual que un porcentaje muy elevado de la
gestión de los mismos. Es así, pero en nin-
guna ley ni reglamento les obliga a ello nada
ni nadie. Se realizan estas inversiones en
construcción, estos gastos presupuestarios
en gestiones y programaciones dentro de
una figura que se denomina “competencias
impropias”. Las realizan por decisión pro-
pia, pero pueden dejarlas de hacer si el pre-
supuesto, el talante o la mayoría política así
lo decide, sin que nadie les pueda reclamar
nada legalmente.
Estamos, pues, ante una inseguridad, ante
un vacío legal que no se resuelve solamente
con una promesa electoral, sino que debe ser un compromiso polí-
tico que vaya más allá de las próximas elecciones del 24 de mayo,
al que se le añada presupuesto, porque de lo contrario seguiremos
con lo que sucede con demasiada frecuencia actualmente. Tenemos
edificio, cada vez en peor estado por su uso limitado y sus escasos
recursos para el mantenimiento de las instalaciones, tenemos una
gestión parcial, es decir a cargo de un funcionariado que se dedica
a otras múltiples funciones, pero no se dota del presupuesto im-
prescindible para su funcionamiento, para su programación, ya sea
a base del pago de cachets, o al menso para la difusión, publicidad
y todas esas otras acciones que deberían acompañar de manera
ordinaria al hecho de rellenar la hoja de programación con lo que se
encuentre por ahí barato, en oferta o regalado.
La inexistencia de ley alguna de cualquier ámbito en donde se
regule el funcionamiento de estos edificos, nos lleva a una falta
absoluta de criterios, de organización, de
planes, de objetivos y de obligaciones a las
que se comprometan las instituciones que
deberían intervenir en cualquier acción cul-
tural medianamente panificada. Está claro
que la constitución vigente, la España de
las Autonomías, los diferentes estatutos,
las leyes de régimen local, la existencia de
unas diputaciones que no acaban de tener
una función clara y, sobre todo, homogénea
en cuanto a sus dedicaciones a lo cultural
y lo teatral en concreto, nos coloca ante un
laberinto sin escapatoria.
Pero los partidos concurrentes a estas
elecciones, los de viejo cuño, los emergen-
tes, las coaliciones electorales, no acaban
de fijar una postura adaptable a todas las
circunstancias. Seguimos en se territorio
de la vaga promesa generalista, sin con-
cretar, con propuestas espumosas, sin un
valor práctico previsible, lo que viene a ins-
taurarnos en un pesimismo que se acrecienta ante esta vacuidad
tan sideral.
Se han escuchado las típicas bravatas delirantes, las promesas
de difícil cumplimiento, las generalidades que a nada apuntan ni
comprometen, y repasando algunos avances sinopsis de progra-
mas se pasa por encima de los cultural con tres tópicos y sobre
la cultura en vivo, las artes escénicas, con un desconocimiento
abisal. Por lo que seguiremos instalados en esa imposibilidad real
de que los edificios, la infraestructura depende de unos, en cada
lugar de unos diferentes, en la comunidad autónoma tienen sus
propuestas clientelares en base a criterios contables y numéricos
y conforme se asciende en la s instituciones todo se diluye en re-
glamentaciones oportunistas, puntuales y sin un sustento general
de una ley o un proyecto integrador, que desde luego no se pue-
de resolver en esa instancia tan abstracta que llamamos Europa

Editorial
índice41.65(41º38’)|-4.73(-4º43’)
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
70 Luz Negra – Josu Montero
71 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
72 - 73 Postales argentinas – Jorge Dubatti
74 El método griego – María Chatziemmanoui
75 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
76 El lado oscuro – Jaume Colomer
77 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
78 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán
79 Las lejanías – Carlos Be
Estrenos
10 Nómadas de La Llave Maestra
11 La viuda alegre de Franz Lehár por Teatro
Arriaga
12 Musua de Ivan Cotroneo por Tanttaka Teatroa
14 - 16 Resto de estrenos
Festivales
18 - 20 XX Festival Internacional de Clowns y
Payas@s de Arrigorriaga
22 - 25 XVI Umore Azoka - Feria de Artistas
Callejeros de Leioa
26 - 28 XVI Festival Internacional de Teatro y Artes
de Calle de Valladolid
30 - 31 X KALDeARTE - Muestra Internacional de
Artes de Calle de Vitoria-Gasteiz
32 XI Lekuz Leku / Adelanto Bilboko Kalealdia
34 - 35 XXIX Titirimundi / Fira de Titelles de Lleida
36 Trapezi 2015 - Fira del Circ de Catalunya -
Reus
37 VIII Muestra de Artes Circenses Circolmedo
38 IX Festival Internacional Escena Mobile -
Sevilla
56 - 57 Mostra de Teatre d´Alcoi
58 XXXVIII Festival de Teatro de El Ejido
59 XXXI Muestra de Teatro Escolar del Bajo
Deba
60 X Haizetara - Concurso Internacional de
Música Callejera
62 Miscelánea de festivales
Suplemento
39 - 54 XXXII Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de
Almería
En gira
64 - 68 Programaciones varias
Zona abierta
84 - 85 Guía de Encuentros
83 Tres premios
84 Candidaturas Premios Max
86 - 87 Escaparate
88 - 90 Crónicas varias
Esta revista ha recibido
una ayuda a la edición del
Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte
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junio
o Unión Europea donde sabemos que usan en algunos países
nuestra misma moneda, pero que sus leyes son troncales, hay
una conciencia social, política y cultural consolidada que durante
décadas ha creado infraestructuras llenas de contenidos, y por lo
tanto públicos, que no son de oleada, sino ciudadanos formados,
que aman sus creaciones a las que apoyan desde la crítica.
No por todas las deficiencias y vacíos vamos a dejar de hacer
teatro, informar de lo que se hace, verlo, criticarlo, disfrutarlo o
simplemente ignorarlo que es lo que hace la inmensa mayoría de
nuestros paisanos. Porque la falta absoluta de políticas pensadas,
elaboradas desde el pensamiento y no desde la coyuntura más
adherido a su valor venal, nos tiene en una situación de insuficien-
cia creativa, de falta de riego, de públicos cuya pirámide de edad
se corresponde con la general, es decir muy envejecida, pero que
parece dar por perdida la incorporación de varias generaciones de
ciudadanos como públicos habituales, entendiendo esta habituali-
dad con mucha generosidad, pongamos de una a seis veces al año
como una medida razonable.
Por lo tanto deberíamos empezar a hacer una autocrítica efi-
caz, no de golpes de pecho, ni de aspavientos, ni de negaciones
globales, sino de añadir a la realidad de las competencias impro-
pias, las incompetencias propias, es decir que todos los estamen-
tos que concurren al hecho teatral, cada uno desde su relevancia
decida analizar su realidad, su funcionalidad y ponerse a trabajar
en común, no penando en salvar las elecciones, ni en que hay
que llenar teatros, o hay que dar de comer a muchas familias que
viven de esta actividad que además de cultural es, obviamente,
económica, sino cambiando la mirada absolutamente, dignifican-
do cada uno su profesión incardinándola dentro de una función
mucho más ambiciosa en el ámbito de lo cultural, de lo ciudadano,
de lo imprescindible, de lo intangible necesario, lo que nos hace
felices más allá de lo posesivo: por ahí encontraríamos caminos
de solución, pensando en mayúsculas, con un proyecto común de
largo alcance, a desarrollar en varios años para lograr una rege-
neración cultural, muy específicamente en el campo de las Artes
Escénicas que vaya en paralelo con la necesaria e imprescindible
regeneración política que parece vislumbrarse.
Desde Artezblai y desde todas sus actividades, edición de
libros, de esta revista, del periódico digital www.artezblai.com,
estamos dispuestos a colaborar en la medida de nuestras pocas
fuerzas a ese cambio. Lo hemos propuesto por activa y por pa-
siva. Como es natural no nos hacen mucho caso. Lo cómodo es
vivir cada uno en su mediocridad sin riesgos. Pero insistiremos
hasta quedarnos sin voz. Por convencimiento ya que damos por
agotado el sistema actual del que nos hemos ido dotando por
superposición de parches y componendas y que impide un desa-
rrollo adecuado acorde con las necesidades de nuestra sociedad.
Lo decimos una vez más porque nada esperamos personalmente
más allá de esperar mejoras para todos y de nuestra vinculación
histórica con la realidad de las artes escénicas sin sectarismos.

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w w w . a r t e z b l a i . c o m
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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias
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junio
Los estrenos del “Sábado de
Gloria” en Barcelona
engo la suficiente edad como para poder acordarme de
cuando existía un Sábado de Gloria cuando todos los niños
hacíamos ruido con tapaderas y carracas. Los mayores,
ese día, a menudo iban al teatro. Era el día de los estrenos, si-
guiendo posiblemente la tradición de la época clásica cuando la luz
solar y el clima templado eran necesarios para el teatro. El avance
de la técnica lo cambiaría todo, empezando por la iluminación eléc-
trica a finales del XIX y prosiguiendo hacia hacer de la técnica y la
tecnología uno de los protagonistas. Esta primavera, en Barcelona
han sido numerosos los estrenos que han coincidido con Pascua y
algunos de gran interés. Especialmente los “grandes” espectáculos
que, muy distintos y por distintas razones, me han seducido corres-
ponden a los dos teatros públicos: el TNC y el Lliure y al emblemático
e histórico Teatro Romea.
No es más que una comedia contemporánea para todos los pú-
blicos pero llena hasta los topes el teatro Romea. Teatralmente, en
“Els veïns de dalt” de Cesc Gay todo funciona. Nos muestra la cena
de dos parejas de vecinos, aparentemente muy normal la vida de una
pareja-la anfitriona-, muy provocadora la actitud de la pareja invitada a
la cena en casa de los vecinos. Se desatan frustraciones sexuales , se
destapan deseos ocultos. Es una trama ágil que sacude vivencias, un
teatro inteligente que nos entretiene. Creo que éste es un teatro que
debería darse siempre en varios teatros de una gran ciudad.
En el polo opuesto estaría el espectáculo del Teatro Nacional de
Catalunya, una obra densa y compleja que ha dirigido Ramon Simó
y que, pese a algunas deficiencias, es un espectáculo poderoso. Es
la convulsa historia del Este de Europa, de Estonia, de las mafias
que explotan a las mujeres, hasta las deportaciones a Siberia, es
la ocupación soviética y la ocupación nazi. Sofi Oksanen escribió la
obra con anterioridad a la novela que le daría fama hace tres años,
una impresionante “Purga”, avasalladora narración que te muerde
las entrañas. 1992,1991, 1949, 1950...Oeste de Estonia, Berlín,
Estonia Libre, Tallín, fechas y localizaciones se mezclan en la no-
vela. Todo son situaciones bélicas y crueles contempladas por una
muchacha que huye y una vieja que se esconde, el descubrimiento
de la relación que las une, todo constituye un espejo de angustia y
tortura, de miedo y de realidades que dan crédito al miedo... Ramon
Simó es un excelente director capaz de asumir retos como éste y de
superarlos. Es la historia de Estonia vivida desde el refugio oculto
de una mujer mayor y fuerte y de una muchacha que huyendo de
posibles violadores y torturadores llega a su casa, como a una isla
de seguridad. La acción y el resto de los personajes nos sirven para
darnos cuenta de la existencia de un mundo de miedo y violencia...
En diferentes momentos de la historia, veremos la brutalidad de la
policía, del marido, el horror de un joven permanentemente escon-
dido en un zulo doméstico que es el armario... todo nos transmite la
angustia, el miedo, la inseguridad de una lucha por la supervivencia
de unos seres y de un país. Es un argumento complejo difícil de
entender pero la puesta en escena lo clarifica suficientemente. El
espacio escénico, muy expresivo y acompañado de filmaciones se
fusiona con la acción de los personajes. Las principales interpre-
taciones son brillantes. Carmen Elías es capaz de olvidar su gran
belleza para ponerse en la piel y la imagen de una anciana torturada
que mantiene su cordura a pesar del miedo, la miseria y el horror.
También Maria Molins -el mismo personaje en su juventud- ofrece
una excelente interpretación. O Andrea Portella... no así algunos
personajes masculinos quizá un tanto superficiales en su interpreta-
ción. Pero todo funciona con fluidez para emocionarnos y hacernos
reflexionar sobre la violencia que en décadas no tan lejanas, ha
imperado en Europa, en Estonia. Gran espectáculo.
El mayor, mejor y más convincente estreno de esta pasada Pascua
ha sido “El curiós incident del gos a mitjanit”(2003) novela de Mark
Haddon que en 2012, Simon Stephens adaptó al teatro y que se
estrenó en el National Theatre de Londres dirigido por Marianne
Elliot obteniendo varios premios. Hoy, además de en el Lliure de
Barcelona, se está representando en el Gielgud de Londres y en
Broadway. En Barcelona la dirige Julio Manrique y la protagoniza Pol
López quien por su físico menudo, encaja perfectamente en la figura
del adolescente de quince años protagonista del espectáculo y por
sus grandes cualidades interpretativas nos ofrece con gran riqueza
de matices, la personalidad del chico autista, con síndrome de As-
perger, que no se separa nunca de su ratita-fetiche, que es un genio
en las matemáticas y la astronomía, que no cuenta por el orden
habitual sino que lo hace a partir de los números primos y que, al
hallar un perro asesinado en el parque vecino a su casa, emprende
la aventura de una investigación. Él es siempre el centro de un es-
pectáculo, acompañado de batería y piano, y también en ocasiones
por el violoncelo que toca Marta Marco. Con un ritmo trepidante que
va de los descubrimientos de la primera parte al viaje iniciático de la
segunda que le llevará a situaciones nuevas y difíciles en busca de
la madre, siempre convincente Cristina Genebat ,traductora también
del espectáculo. Hay que señalar también de modo muy positivo,
una escenografía-de Lluch Castells- sobria en la primera parte que
alude sólo a la habitación del protagonista en casa de su padre -bri-
llante Ivan Benet- pero que en la segunda sufre transformaciones,
siendo la más vistosa la conversión del espacio en un vagón de tren
en una estación londinense... Con las entradas agotadas, el Lliure ha
prorrogado dos semanas.
Este es mi resumen barcelonés de los estrenos de Pascua, de los
tres teatros más emblemáticos. Se me ocurre sugerir que, alguno de
estos espectáculos pudiera verse también en Madrid y en el resto
del Estado Español, aunque fueran necesarios los subtítulos, como
en tantas ocasiones se hace cuando la lengua del espectáculo difie-
re de la lengua hablada por el público.
T

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Desde la caverna David Ladra
Lorca en el Real
l monarca entra en el palco real del coliseo de la plaza de
Oriente acompañado por la reina. Todo el mundo se pone
de pie y la orquesta interpreta la marcha real coronada
por un nutrido aplauso. En cierta manera, es un día especial éste en
el que los reyes asisten al teatro para mostrar en público su admira-
ción y aprecio por el poeta cuya obra hoy se estrena y que, rodeado
de amigos de la Residencia, está presente en la platea. Y es que
esta tarde-noche de 1931 se va a representar la versión operística
de El Público de Lorca, esa obra que el renombrado autor finalizó
en La Habana el año pasado de vuelta de una estancia en Nueva
York y cuya versión teatral, estrenada en el María Guerrero por la
compañía de la Xirgu y Borrás dirigidos por Rivas, tanto ha dado
que hablar: que si se trata de una obra de vanguardia de las más
avanzadas, que su autor es un genio de la dramaturgia nacional, o
bien, muy al contrario, que no se entiende nada y que el poeta es
homosexual. En todo caso, la expectación hace vibrar la sala y se
barrunta una memorable velada.
Así debería de haber sido la presentación de la ópera El Público
de ser éste un país sin la historia truncada. Por contra, la que aca-
bamos de vivir en febrero de este 2015 se le asemeja tan solo en lo
superfluo: el soberano es otro, aunque también Borbón; en efecto,
la pieza se estrenó en el María Guerrero, pero mucho después; y
tras estar cerrado unos decenios, el Real se inauguró otra vez. El
público del patio de butacas se sigue levantando entusiasmado y
ahora aplaude a rabiar cuando entra el rey y suena la marcha na-
cional – bastante mal, por cierto, habrá que ensayar más... Como la
decoración del teatro, todo está restaurado en rojo y gualda pero
de una manera que destaca, que no parece natural. Y es que, bajo
las estructuras revocadas, relucientes, existen todavía las ruinas
centenarias que, junto al suburbano, las sostienen: de la muralla
árabe, del pueblo medieval, del alcázar quemado y sus conventos,
y hasta las de los Caños del Peral. Ave Fénix a punto de expirar, la
Patria se renueva cada día a base de consumir sus restos. Un siste-
ma barato y eficaz aunque, de vez en cuando, no deje de cobrarse
sus impuestos. Por ejemplo, esta vez, el poeta no se encuentra en
la sala sino en algún lugar ignoto de Granada, ocupando una fosa
común con dos banderilleros anarquistas y un maestro de escuela
nacional… Un error lamentable que alguna de las Restauraciones
que hoy se llevan habrá de reparar.
La idea de convertir El Público en ópera se debe a ese artista y
gestor tan genial que fue Gerard Mortier quien, en los cuatro años
que programó el Real lo colocó – mal que les pese a algunos – a un
nivel internacional. Convencido de que el canto y la partitura musical
terminarían por iluminar las zonas oscuras de una obra que él veía
de por sí muy compleja, confió en dos artistas del país, Mauricio
Sotelo como compositor y Andrés Ibañez de libretista, con objeto de
hacerla transparente para el espectador. De modo que fue Ibañez
quien se enfrentó el primero con la máxima dificultad de la tarea al
tener que integrar una interpretación unívoca y plausible del texto
lorquiano original en ese maremágnum de diversos lenguajes ex-
presivos que es el espectáculo operístico, reto que consiguió al final.
También la composición musical de Sotelo, aunque un tanto irregular
en ocasiones en lo que se refiere al perfil melódico y el ritmo, busca
la inteligibilidad del texto cuidando con un tacto exquisito su articu-
lación y fraseo, esmero que permite que la letra y la música con-
cuerden y se entienda el libreto, lo que no suele ocurrir en español.
Ello unido a la perfecta ejecución del Klangforum Wien, la excelente
dirección musical de Pablo Heras-Casado y la bondad de cantantes
como Isabella Gaudí o Thomas Tatzl conforma una sólida base de
carácter psico-conceptual sobre la cual edificar la obra.
Lástima que dicha construcción quede viciada por dos desajus-
tes de diseño que creo que provienen, al menos el primero, de un
desacuerdo personal. Y es que la introducción del flamenco en sus
modalidades de toque, cante y baile me parece bastante oportu-
nista y supone una contradicción. No por el saber y buen hacer de
sus ejecutantes, el “tocaor” Juan Manuel Cañizares y el percusionis-
ta Agustín Diassera, los “cantaores” Arcángel y Jesús Méndez o el
“bailaor” Rubén Olmo, que descuellan por sus respectivas faculta-
des, sino porque la estética surrealista de El Público quiere romper
con todo lo existente y lo “jondo”, aunque maleable como el “jazz”,
tiene existencia propia y muy particular. A la misma crítica responde
la transmutación del Desnudo Rojo en el Cristo, aunque aquí la inten-
ción pudiera ser peor al poder deslizarse con gran facilidad la ago-
nía del Desnudo en su camilla hacia lo folclórico y turístico de una
Semana Santa en toda regla, con su cruz, sus damas y estudiantes
penitentes y sus hachones encendidos en medio de la oscuridad. Se
incrementa la comercialización del producto pero a base de perder
veracidad. Y una segunda discrepancia, y ésta de más calado, es
con la intervención del escenógrafo Alexander Polzin y el figurinista
Wojciech Dziedzic en cuanto a su concepto de lo homosexual. Para
ellos, el deseo del hombre por el hombre se traduce en una estética
de “boudoir” repleto de máscaras, disfraces y tules transparentes
con biombos pintados que suben y bajan sin cesar como intentando
remedar lo voluble de un sexo afeminado, mientras que para Lorca
es un amor de machos desnudos sin careta, una entrega y posesión
bestial – de ahí los caballos.
Partiendo de la base de que la ópera representada en el Real, aun
con todos sus defectos de concepción y sus “traiciones” al poeta, es
un gran espectáculo, vanguardista, brillante y profesional - lo que
contribuirá sin duda a que fuera se le abran las puertas de par en
par - el lector me dejará que opte, sacándole ventaja a mi provecta
edad, por el montaje teatral de Lluís Pasqual en enero del 87 en el
María Guerrero, sede del Centro Dramático Nacional. No solo porque
dicho montaje corresponde al original del propio Lorca o, al menos,
al que entregó a Rafael Martínez Nadal en la estación de Atocha y,
por lo tanto, guarda su idea primigenia en toda su pureza, sino por
ser también un posible punto de partida de nuestro teatro en demo-
cracia. Si el del final de la República y el comienzo de la guerra civil
se plasma en el silencio que impone la Bernarda en su casa, El públi-
co (y Comedia sin título) constituye un ejemplo de ese nuevo teatro
que aquí nos queda por hacer y aún rechazamos. Cuando la leía a
sus amigos y todos le decían que no se podía representar todavía,
le echaban por lo menos veinte años hasta su estreno. En realidad,
fueron 56. Y es que las cosas van despacio en este país.
E

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junio15 mayo
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L
a compañía La Llave Maestra es-
trena el 22 de mayo en el Teatro Ga-
yarre de Pamplona Nómadas obra
sin texto de autoría propia dirigida
por el chileno Álvaro Morales Lifschitz. Al
igual que en sus dos trabajos anteriores,
‘Bestiario’ y ‘Delirios de papel’, en este
montaje “convergen una mixtura de len-
guajes escénicos, teatro gestual, movimien-
to, teatro de objetos y muñecos, máscara y
las artes plásticas, tras una investigación
con materiales de embalaje y objetos coti-
dianos” explican desde la compañía afinca-
da en Chile desde 2013.
En Nómadas tres personajes –interpreta-
dos por Edurne Rankin, Patxi Larrea y Aint-
zane Baleztena tres de los cuatro miembros
de la compañía junto a Morales– navegan en
un universo poético, un viaje que se convier-
te en una metáfora de la vida, “es una oda
al acto valiente de viajar” porque “bien sea
por placer o por necesidad, todos nos con-
vertimos en viajeros, en inmigrantes, en nó-
madas. Es un viaje onírico a la imaginación”
afirman los miembros de la compañía para
añadir que “los tres personajes nos llevan
de la poesía a la comicidad, en un baile de
emociones, en un deleite para los sentidos”.
Para este tercer proyecto, La Llave Maestra
ha contado con la colaboración de “dos ar-
tistas de lujo”, el ilustrador y diseñador Isi-
dro Ferrer y el compositor Gorka Pastor y
ha llevado a cabo cuatro residencias en las
Casas de Cultura de Noain, Burlata, Mutilva
y Zizur donde han desarrollado diversas
actividades como training físicos abiertos al
público, charlas y talleres.
Tras el estreno darán comienzo a una
gira que les llevará a Taiwan, Argenina y
Chile, donde realizarán un segundo estreno
de Nómadas en agosto, en el Teatro Matu-
cana 100 de Santiago.
La Llave Maestra estrena Nómadas
Oda al acto valiente de viajar

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E
l bilbaíno Teatro Arriaga presenta
el estreno de La Viuda Alegre, “la
producción propia más importante
de la temporada” que se podrá ver
a partir del 13 de mayo. Natalia Millán en-
cabeza el reparto del clásico de la opereta
del compositor austro-húngaro Franz Le-
hár que el Teatro Arriaga convertirá en “un
gran musical lleno de glamour”.
La actriz, cantante y bailarina Natalia Mi-
llán interpretará a Hanna Glawari, “la viuda
alegre” de la opereta en tres actos que se
estrenó en Viena en 1905, con música de
Franz Lehár y libreto en alemán de Victor
Léon y Leo Stein basados en la comedia
‘L’attaché d’ambassade’ (1861) de Henri
Meilhac. Natalia Millán, que ha trabajado a
las órdenes de directores como Mario Gas
o Adolfo Marsillach, ha protagonizado ya
musicales tan reconocidos como ‘Cabaret’
o ‘Chicago’. En cuanto al resto del elenco,
Antonio Torres interpretará al Conde Danilo,
Silvia Luchetti a Valencienne, Guido Balzaretti
a Camille, Enrique Viana a Njegus y, por últi-
mo, José Manuel Díaz será el Barón Mirko.
Jordi López es el director musical de este
espectáculo que se representará en caste-
llano y ofrecerá 11 funciones entre el 13
y el 24 de mayo. Emilio Sagi es el director
de escena del montaje que cuenta con la
escenografía de Daniel Bianco y con Renata
Schussheim como figurinista. La iluminación
corre a cargo de Eduardo Bravo, siendo la
coreógrafa Nuria Castejón.
La pieza cuenta la historia de una rica
viuda a la que intentarán seducir. Así, sus
paisanos, en un intento de mantener su for-
tuna en el pequeño principado, intentarán
encontrarle un buen marido.
La opereta convertida en
un gran musical

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U
n beso, el beso, Musua –en eus-
kera–, es el nuevo espectáculo de
Tanttaka Teatroa que se presenta
del 23 al 27 de junio en el Teatro
Victoria Eugenia de Donostia dentro de las
diversas actividades que se van a desa-
rrollar en torno al Día Internacional del
Orgullo LGBT.
Fernando Bernués dirige esta obra ba-
sada en la novela ‘El beso’ del italiano Ivan
Cotroneo, en la que tres voces, en forma
de tres monólogos relatan un suceso vio-
lento ocurrido en el aula de una escuela en
EE.UU. en 2008, en que un estudiante cali-
forniano llamado Larry King, fue asesinado
por un compañero de clase de un tiro, pero
lo que convirtió a este homicidio en un cri-
men distinto a los perpetrados en las aulas
norteamericanas, fue que King había trata-
do de conquistar al chico que le asesinó.
La adaptación que lleva a escena
Tanttaka Teatroa contextualiza las tres vo-
ces mencionadas, la de dos alumnos y la
profesora, y las mezcla en escena “el re-
lato se va interponiendo con el punto del
vista del otro” explica Bernués para aña-
dir que “van narrando no solo el hecho en
si sino el devenir de los sucesos que han
acontecido los días anteriores y además
expresan su punto de vista”.
Sobre el escenario tres personajes, dos
adolescentesencarnadosporAnderIrureta-
goiena y Haritz Morras y una profesora, Mi-
reia Gabilondo. Ellos son los protagonistas
de una obra que trata “asuntos tremendos
y contemporáneos como los malos tratos,
la homosexualidad no aceptada, el bulling,
la homofobia, la moralidad de la escuela”
explica su director para a continuación
aclarar que “la obra tiene un contenido na-
rrativo importante pero todo ello se aborda
desde una perspectiva nada didáctica” y a
través de “un teatro de proximidad” ya que
el objetivo de esta propuesta es hacerla en
las propias escuelas, con los adolescentes
como público y con el objetivo de realizar
un coloquio posterior o una puesta en co-
mún sobre los temas tratados.
Musua, que se estrenará en castellano
el próximo mes de octubre, es en definiti-
va una historia estremecedora que parte
de un hecho real y que aborda “la incapa-
cidad de gestionar los afectos y los pre-
juicios” de muchas personas. La sinopsis
de la obra acerca la historia de la manera
siguiente: “Lorenzo tiene quince años,
llega, desde el orfanato, a una familia de
acogida en una pequeña ciudad de provin-
cias italiana. Allí se enamora de Antonio, un
joven que tiene dificultades para expresar
lo que siente y no sabe cómo reaccionar
ante el afecto de Lorenzo. Testigo de todo
es Elena, una profesora deseosa de dar a
sus alumnos el coraje del que ella carece.
Estos son los protagonistas de esta obra
a tres voces, un relato extraordinario de
amor, odio y violencia. Y en el centro, un
beso, un único y sencillo beso capaz de
dar rienda suelta a la locura. . .”
Los prejuicios, la homofobia, el bulling,
la incapacidad de expresar los sentimien-
tos, son temas de actualidad que nece-
sitan ser abordados y la escuela, en la
propia aula es un lugar privilegiado para
ello. La temática de la obra es adecuada,
especial, una oportunidad que diversos
centros educativos de Donostia aprove-
charán de cara al curso que viene y que
Tanttaka Teatroa tiene previsto ampliar a
otros lugares con la versión en castellano
de esta obra.
Tanttaka Teatroa estrena ‘Musua’
Los besos confinados a la
oscuridad de lo prohibido

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Después de haber girado con su anterior trabajo ‘zo-
omwooz’, el equipo multidisciplinar formado por la ale-
mana Karla Kracht y el español Andrés Beladiez pre-
senta su último espectáculo de cine en directo: 2062.
Vídeo en directo, juegos de sombras, teatro, animación,
música y multimedia. Así se presenta el montaje donde
el espectador encontrará multitud de objetos en la es-
cena, iluminados por pequeñas luces, proyectando así
sombras en el espacio. Los actores se mueven en el es-
cenario y dan vida a los diferentes personajes construi-
dos a mano. Para ello usan una cámara, linternas, ani-
mación por ordenador, efectos especiales o sombras que
interactúan con los personajes. Todo esto se proyecta en
una gran pantalla con sonido envolvente. “No se trata de
crear una película en directo, que lo hacemos. Buscamos
un lenguaje, una forma de contar propia uniendo las
artes visuales, la ilustración, el tratamiento del vídeo y
del espacio sonoro así como la animación por ordenador
con las artes escénicas”, expresan.
En cuanto al contenido, la pieza apuesta, como su an-
terior montaje, por temas sociales donde la actualidad
es el auténtico protagonista. Fronteras, muros, nuevas
migraciones y los últimos cambios geopolíticos y eco-
nómicos son los ingredientes con los que estos artistas
construyen un mundo distópico para hablarnos de nues-
tra sociedad hoy en día. La creación del espectáculo se
inició en Seoul Art Space (Corea del Sur) durante una
residencia artística de tres meses, para posteriormente
continuar su creación en Portugal acogidos por la com-
pañía Joao García Miguel y el Festival ALT de Vigo. An-
drés Beladiez y Karla Kracht han mostrado su trabajo
en festivales de teatro, objetos, animación, danza, cine
o performance repartidos por todo el mundo, como el
Festival du Nouveau Cinema de Montreal, Animanima-
Serbia, TAC-Valladolid, Dfesta-Corea de Sur, Tact Fest-
Japón, Future Everything-UK, Dferia-Donostia, Seoul
International Cartoon & Animation Festival-Corea del
Sur, etcétera. La representación de su último montaje
será en el Figuren Theater Festival de Nürnberg (Ale-
mania) los días 15 y 16 de mayo.
El argentino Grupo Laboratorio de Teatro El Rayo
Misterioso presenta el estreno de El fabuloso mundo
de la tía Betty, con texto, dramaturgia y dirección de
Aldo El-Jatib. La obra es la escenificación del incons-
ciente colectivo de una sociedad que construye su di-
námica de comportamiento con la mentira, la crueldad
y la muerte. Es un fantasma que nos recuerda, con su
aparición, las leyes físicas de la naturaleza: que todos
los hechos cometidos quedan impresos en un mecanis-
mo de funcionamiento social repetitivo y de autodes-
trucción. “La Tía Betty se presenta como una secuencia
vertiginosa de escalofriantes cuadros que presentan lo
más miserable y lo más sublime de los hombres, y nos
da la posibilidad de expresar esas energías violentas de
nuestros antepasados que nos punzan y conducen sin
darnos cuenta. Es una forma de presentar la repetición
de generaciones y generaciones que sólo supieron ca-
nalizarla mediante guerras. Y de las víctimas indirectas
que aún hoy siguen pagando las consecuencia de tanto
desastre. Es la oportunidad para el espectador de vi-
vir la escenificación del inconsciente”, afirman desde
la compañía.
La Tía Betty propone ser una nueva ruptura de lenguaje
dentro de la estética de El Rayo Misterioso, grupo
creado en 1994 que tiene como objetivo principal en-
contrar nuevas formas de expresión teatral. Para ello,
desarrolla un Proyecto Cultural con diversas activida-
des como producción de Espectáculos, Talleres y Semi-
narios Internacionales de Teatro, Edición de Revistas y
Libros Especializados, Sala de Teatro y la organización
anual de “Experimenta Teatro”, un Encuentro Interna-
cional de Grupos. En sus 21 años de vida, ha producido
13 espectáculos, con más de 1000 funciones realiza-
das. El año pasado el Teatro Nacional Cervantes le otor-
gó el Premio María Guerrero. Su nuevo espectáculo se
estrena el 2 de mayo en el rosarino Teatro del Rayo,
y se representará durante los viernes de todo el mes.
María de los Ángeles Oliver, Catalina Balbi, Ada Cottu,
Maywa Vargas, Sebastián Arriete y Exequiel Orteu son
los intérpretes que conforman el reparto de la obra.
2062El fabuloso mundo de...
m i s c e l á n e a

16
15 mayo
junio
Fernando Sansegundo es el autor y el director de La
Cumbre, ‘Las Conversaciones Secretas de María Fer-
nández Estuardo e Isabel Sánchez Tudor’, una obra que
habla de mujeres y de poder. “De mujeres en el poder,
de cómo lo afrontan y cómo se les contempla de un
modo especial por ejercerlo siendo mujeres. A partir
de ello rondaba nuestra memoria aquel enfrentamiento
entre grandes lobas que fue el conflicto entre Isabel
de Inglaterra y María de Escocia. Robamos a Schiller,
como hicieron otros, la invención de un encuentro que
al parecer nunca llegó a producirse”.
“A partir de este momento, no culpes a la suerte si algo
te va de culo. Tu mala suerte se llama Isabel” (Isabel
Sánchez Tudor). “Las zarzas ardiendo eran pistas falsas
en desiertos empapados en petróleo. La respuesta es
silencio” (María Fernández Estuardo). Noelia Benítez y
Pepa Gracia serán las actrices encargadas de ponerse
en la piel de estos dos personajes. En palabras de Fer-
nando Sansegundo, “¿Ha de ‘igualar’, ‘emular’, la mujer
a los varones, primordiales ejecutores del rol reservado
a ellos durante siglos, o ha de conducirse de un modo
diferente por estar dotada de una sensibilidad distinta,
por haber accedido al poder después de tanto tiempo,
por saber sufrir lo que es carecer de poder?”. Como
explica el director madrileño, “para encontrar estos
contrastes y también similitudes necesitábamos contar
con dos personalidades distintas, fuertes cada una a
su modo, ambas conocedoras y ejecutoras del poder,
entendido de maneras diferentes. Buscábamos, como
es esencial en la materia teatral, el conflicto. A ser po-
sible, un conflicto prácticamente irresoluble”.
Producido por La Catorce, el espectáculo mostrará la
escenografía de Juan Francisco Pozo y la iluminación
del inglés Michael Collis. El autor de la obra, junto con
Diego Cabezas, es el encargado del espacio sonoro de
esta pieza que cuenta con la participación de Alicia
Lobo como voz en off. La fotografía y el vídeo llevan
también la autoría de Diego Cabezas. La Cumbre es-
tará en cartel del madrileño Teatro del Arte durante los
jueves y viernes del mes de mayo.
El Punto! Danza Teatro presenta este espectáculo de
danza contemporánea y danzas urbanas que cuenta
con la dirección, idea original y coreografía de Fernando
Lima. “La presencia del deporte en la sociedad contem-
poránea es sin duda cada vez mayor. Los deportistas
son ídolos con una presencia cada vez más amplia. Son
los nuevos dioses del Olimpo, pero muchas veces no
por su conducta ejemplar. Son un espejo de una so-
ciedad competitiva, en la que se premia el juego he-
diondo, siempre que el resultado final sea el triunfo...
La descontextualización de las esencias del deporte se
ha generalizado tanto que ya es otra cosa diferente,
con reglas diferentes. Más cerca del espectáculo y del
negocio que de una competición para mejorarse a uno
mismo”. La compañía aborda este mundo a través de la
danza y de los lenguajes urbanos, como el breakdance
y el hip-hop, que han dejado de ser materiales exclusi-
vamente urbanos para asociarse con otras expresiones
creativas en el terreno del baile.
El Punto! Danza Teatro se forma en Sevilla en 1997
dando continuidad al trabajo que el coreógrafo, actor y
gestor cultural brasileño Fernando Lima venía desarro-
llando en España desde 1992. La compañía adopta un
lenguaje personal que nace de la necesidad de mezclar
distintas disciplinas artísticas. “Crear partituras coreo-
gráficas con nuestra propia cotidianeidad como telón
de fondo para las discusiones y reflexiones que plan-
teamos, pues lo que sugerimos no es más que la con-
frontación con una parte de nosotros mismos”, explica
el coreógrafo. El diseño de sus piezas navega en una
atmósfera onírica donde elementos muy cercanos a
nosotros ganan una dimensión lírica, cargada de sim-
bología. El trabajo dramatúrgico, como búsqueda de
un diálogo que sirva para conectar y comunicar, es el
punto de partida para la creación de sus espectáculos.
Manuel Acuña, Daniel Gómez, Sergio Fuentes y Álvaro
Silvag son los actores de esta última pieza que se podrá
ver el 16 y 17 de mayo en el Teatro Central de Sevilla.
El 23 y 24 de mayo estará en La Fundición de Bilbao y
el 8 de junio en el Festival Internacional Cádiz.
La CumbreEl Olimpo no es aquí
©Diego Cabezas

18
15 mayo
junio
A
rrigorriaga acogerá, del 8 al 10
de mayo, la XX edición de su Fes-
tival de Clowns y Payas@s, donde
los asistentes podrán disfrutar de
representaciones que mezclan diferentes
disciplinas como teatro, danza, magia o
circo. En total serán 12 las compañías que
se den cita en el municipio vizcaíno. Brasil,
Suiza y Francia serán algunos de los países
representados en el festival, además de las
agrupaciones vascas y las provenientes
del resto del Estado. La Plaza del Ayunta-
miento, la de Juan XXIII, el polideportivo y el
frontón son los espacios que en los que se
podrá disfrutar de las diferentes funciones.
El espectáculo Dans tous ses états de
Mathieu Moustache dará el pistoletazo
de salida al Festival de Clowns de Arrigo-
rriaga, que cumple 20 años en la presente
edición. Este montaje visual mezcla mala-
bares, contorsión, teatro, danza y música
en directo. Un espectáculo para todos los
públicos que propone descubrir un univer-
so imaginario donde un tibetano baila con
las sillas, un águila se convierte en tambor
o la música hace malabares con el espa-
cio. El otro espectáculo programado para
el viernes y que se podrá ver también en
la Plaza del Ayuntamiento es Dumbreak de
Deabru Beltzak. Este montaje sin texto es
una fusión de break dance y percusión, una
lucha de ritmos y coreografías.
El sábado comenzará con una propues-
ta de teatro-circo a cargo de El Gran Ru-
fus. Al fin y al cabo, una nueva forma de
vida es un montaje de circo en el que se
formulan los equilibrios y malabares que
hay que hacer para tener una vivienda
digna y con todo lujo de detalles. Su autor
propone una diversión asegurada sin salir
de su vivienda.
Ya a la tarde, Ortzi Acosta presentará
un espectáculo que busca sensibilizar al
público a través de una historia narrada
mediante la expresión corporal, la acroba-
cia, la comedia, el drama y su música en di-
recto, todo ello dirigido por un lenguaje uni-
versal: las emociones. Con Ilusioa se quiere
fomentar la importancia de la ilusión para
afrontar la vida. Dos personajes vivirán una
experiencia mágica que les ayudará en sus
XX Festival Internacional de Clowns y Payas@s de Arrigorriaga
Diversas disciplinas artísticas
se mezclan en Arrigorriaga
Entre las actividades paralelas, el festival organiza un curso de
teatro de calle impartido por una de las compañías programadas
Dans tous ses états de Mathieu Moustache ©Christine Amat

19
15mayo
junio
respectivas vidas, presentes y futuras.
La brasileña Jessica Arpin llegará a
Arrigorriaga para ofrecer un conjunto de
clown, circo y poesía. Kalabasi es la his-
toria de una joven extranjera, a quien le
gusta tanto el lugar donde se encuentra,
que hace todo lo posible por aferrarse a
él. Su permiso de residencia caduca pronto
y sólo tiene una oportunidad de permane-
cer en el país, y es... casándose; pero no
con cualquier hombre. Así, organizará un
concurso para encontrar entre el público a
quien podría convertirse en su marido. Los
candidatos tendrán que participar en algu-
nas pruebas.
Las calles del municipio serán testigo
del espectáculo ambulante que ofrecerá la
francesa Cie Cacahuète, que también im-
partirá un curso de teatro de calle dentro
del festival. Por su parte, L’enterrement
de Maman es un montaje satírico de calle
en el que una familia busca desespera-
damente el camino hacia el cementerio al
que llevan el ataúd de la difunta madre.
Los intérpretes improvisarán con la cir-
culación, los comercios, la arquitectura,
el público, las terrazas de las cafeterías,
las obras, los transportes públicos, el río,
las escaleras, los parques, las fuentes, la
estación... convirtiendo a Arrigorriaga en
el actor principal de su espectáculo.
La última representación del sábado
será El experimento del cuarteto vocal
Primital Bros, que presentarán “un labo-
ratorio demencial. Cuatro cobayas huma-
nas. Una reacción en cadena de comedia,
música y ciencia infusa”. La obra es una
comedia musical sin palabras ni instru-
mentos, donde la música vocal es la prin-
cipal protagonista.
Ilusioa de Ortzi Acosta

20
15 mayo
junio
Último día:
5 espectáculos
Cinco serán las propuestas programa-
das para el domingo. El público conocerá
la historia de Txo mikmak, un indio venido
del otro lado del océano. Serán Pirritx,
Porrotx eta Marimotots los encargados de
representar esta pieza titulada Txo, Mik-
mak txikia, donde realizarán un plan con
él y con el abuelo Roke: “nos hemos unido
para cambiar el mundo, ya que Roke es
carpintero y hace sueños de madera es-
tando despierto”.
La segunda propuesta del día llegará de
la mano de la compañía Dikothomia. “En el
letargo de la convivencia, la vida transcurre
sin sorpresas; nos conocemos bien, parece
que todo ya está escrito... rutina y con ella
los choques de una relación claustrofóbica
que perdió el gusto de lo imprevisto... aun
así, todavía nos quedan cuentos por inven-
tar”, expresan. Así, las técnicas de circo se
convertirán en su máquina de escribir en
Spazi…O : “dibujando con malabares, insi-
nuando emociones con el cuerpo: vertica-
les para no perder el gusto de soñar, danza
y teatro físico para hilar capítulos, equilibrio
acrobático para recordar que sin lectores
no hay escritores”.
Comenzando la tarde, la Plaza del Ayun-
tamiento se convertirá en el escenario don-
de se dará cita una troupe de marionetistas
gitanos. El Espejo Negro representará
allí su mítica La cabra, donde el grupo se
buscará la vida irrumpiendo en medio de
la calle entre palmas y música de raza para
pedir con desparpajo a la gente. Cantes
flamencos y discotequeros, auténticos za-
pateados sobre cajas de cartón... las ma-
rionetas harán poner a prueba la paciencia
y la imaginación de todo el clan familiar y la
sorpresa y admiración del público.
Después de los andaluces, Circo Los
mostrarán su Xaribari Blues, un espectá-
culo con el que, inspirados en la película
‘The Blues Brothers’, cuatro artistas de cir-
co ofrecerán malabares, monociclos y una
cama elástica con equilibrios imposibles y
vertiginosas acrobacias.
El Mago Sun, Premio Nacional 2011 de
Grandes Ilusiones en el Congreso Nacional
de Magia en Madrid, será el artista encar-
gado de clausurar esta vigésima edición
del Festival de Clowns y Payas@s de Arri-
gorriaga. Spectacular Magic está dirigida
al público infantil y juvenil, que podrá ver
cómo los trucos se intercalan con el hu-
mor y la participación de los asistentes a
la función. La actuación contará con diver-
sas apariciones y desapariciones, y con
trucos “increíbles”.
Exposición y cursos
Además de las mencionadas represen-
taciones, la organización del festival ha
programado tres actividades paralelas:
dos cursos y una exposición. En cuanto a
la formación, el curso ‘L´enterrement de
Maman XXL’ será impartido por una de las
compañías programadas en el festival: Cie
Cacahuète. Durante el 7 y el 8 de mayo,
los participantes trabajarán con Pascal
Larderet, fundador de la compañía, en la
creación de acciones urbanas. El taller se
presenta como una experiencia fuera de lo
común donde tendrán que aceptar el prin-
cipio básico de transgresión de las normas
y códigos en vigor.
Por otro lado, la compañía Tiritirantes
ofrecerá el taller infantil de circo ‘Cirkean-
do’. Cirqueamos es una carpa itinerante
que acercará el mundo del circo a los ni-
ños y a los no tan niños, en la que demás
de poner en práctica sus habilidades, de-
sarrollarán su psicomotricidad. Los parti-
cipantes podrán atreverse con tres talle-
res 100% circenses: Equilibrios, Zancos y
Aéreos.
El tercer y último acto educativo es la
exposición de marionetas ‘La metamor-
fosis de las ranas’, que se puede visitar
ya en la Sala de exposiciones del Ayunta-
miento y que estará hasta el 13 de mayo.
La muestra de Corrado Masacci está cen-
trada en las ranas, y quiere demostrar
que la marioneta, en sí, es una síntesis de
la escultura, pintura y teatro. Los asisten-
tes podrán ver diferentes dibujos, bocetos
y marionetas construidas por su autor a lo
largo de 30 años de trabajo. Uno de los
objetivos de la exposición es activar en el
público, prioritariamente infantil, el deseo
de mover y construir marionetas.
Kalabasi de Jessica ArpinDumbreak de Deabru Beltzak

22
15 mayo
junio15 mayo
junio
T
al y como afirman desde
la organización “Umore
Azoka se ha convertido en
un escaparate para que
las compañías que apuestan por
la calle como espacio de creación
presenten en Leioa sus nuevas
producciones” –muestra de ello
son los 22 estrenos que tendrán
lugar esta edición– y destacan
además que “el compromiso de
para con las compañías vascas es
cada vez más firme y trasciende
los días de la feria plasmándose
en acuerdos de colaboración que
les permiten disponer de espa-
cios para ensayos, realizar pases
previos, etcétera”.
Esta edición ese apoyo especial
es para cuatro compañías que
presentan por vez primera ante
el público sus nuevos espectáculo.
Dikhotomia Cía. estrena Spazi…O,
propuesta de circo en la que Bar-
bara Govan y Endika Salazar ofre-
cen malabares, acrobacias y ver-
ticales, gestualidad y movimiento
más allá de la exhibición técnica;
minimalismo en una composición
escenográfica viva y dinámica. Wifi
free de Ékoma Teatro es “una
comedia que cuestiona el mal
uso de las nuevas tecnologías a
través del humor” mientras que
Micro-Shakespeare de Laitrum
Teatre-Toti Toronell es una insta-
lación participativa de teatro de
objetos en la que se condensan
en cinco piezas de ocho minu-
tos cada una toda la obra de
Shakespeare y teatro-instalación
es también Nola de Hortzmuga
Teatroa con una puesta en es-
cena viva y dinámica en la que
conviven trabajo actoral, títeres
y objetos, recursos tecnológicos,
auditivos y lumínicos para ofre-
cer un tránsito entre los límites
de la fantasía y la realidad.
Estrenos de Danza
y más
Cuatro estrenos de danza.
Cía. Cielo Raso - Igor Calon-
ge presenta en Umore Azoka
Bruto dúo basado en el trián-
gulo cuerpo-límite-velocidad,
en las acciones, reacciones
e interacciones físicas de un
XVI Umore Azoka - Feria de Artistas Callejeros de Leioa
Al encuentro de las Artes de
Calle en estado puro
Las calles, plazas y diversos rincones de Leioa se con-
vierten un año más en el escenario de la Umore Azoka
- Feria de Artistas Callejeros de Leioa que celebra su
décimo sexta edición del 21 al 24 de mayo con una
programación que reúne a 50 compañías –selecciona-
das de las más de 400 solicitudes de participación re-
cibidas por la organización, 100 más que en la edición
anterior– que pondrán en escena otros tantos espec-
táculos –22 de ellos estrenos absolutos– con más de
170 representaciones. 14 espacios escénicos habilitados
donde disfrutar de las propuestas de 17 compañías
vascas, 24 estatales y 9 compañías internacionales que
optarán a los Premios Umore Azoka en las categorías
Premio al mejor espectáculo callejero, Premio al me-
jor espectáculo callejero de Euskadi y Premio Especial
al Mejor espectáculo/artista emergente. Umore Azoka
calienta motores cada año más pronto con actividades
paralelas que se llevarán a cabo antes de su celebración
–tales como el concurso de escaparates Umore Azoka,
el taller COFAE: ‘Posicionamiento digital’ impartido por
Pepe Zapata o una workshop de la Cie. Cacahuète– y
durante la feria:Asamblea de Sarea, Encuentros COFAE,
actividades de diversa índole en el Espacio Artekale, re-
unión de la Junta directiva de la Red o la entrega de
los XV Premio Umore Azoka que recayeron en los es-
pectáculos ‘Rudo’ de Manolo Alcántara, ‘Gelajauziak’ de
Kukai Dantza Konpainia,‘L’effet escargot’ de la Compag-
nie Kadavresky y ‘Sinestesia’ de Iron Skulls Co.
Zirkozaurre
Sómente de Teatro Só

15mayo
junio
23
15mayo
junio
cuerpo con otro, sin tacto, ni cuidado, en
la velocidad de las frases coreográficas y
en el ímpetu de la energía humana. El show
del espectador de la compañía de Asier Za-
baleta, Ertza Dantza es una coreografía
para reflexionar sobre la posición que toma
el espectador en una representación artís-
tica pública, desde el prejuicio inconsciente
hasta la crítica consciente y Kukai Dantza-
Tanttaka Teatroa revisan la trayectoria en
común que comenzó en 2002 sacando a la
calle, a espacios no convencionales Hazipe-
nen pozak, en la que ofrecen una mirada a
las producciones creadas conjuntamente.
Barrock de Dantzaz Konpainia es una
pieza que juega con el barroco y el rock re-
escribiendo el minué con un lenguaje con-
temporáneo.Unacoreografíaparadocebai-
larines del italiano Paolo Mohovich dirigida
por Adriana Pous. El joven colectivo Etorki-
zuna Kontzeptuak presenta Leihotik, una
coreografía para diez bailarines creada a
partir de textos de Joseba Sarrionandia,
sobre músicas de Alos Quartet, Mikel La-
boa y Juan Mari Beltrán. La canaria Paula
Quintana llega con Latente una propuesta
que aúna danza contemporánea, flamenco,
teatro y humor absurdo que se presenta-
rá en Leioa en la intimidad de la noche y
desde Madrid danza contemporánea, acro-
bacia y contact en Solo juntos del director,
coreógrafo, docente Lucio Baglivo.
Colectivo Hiriko estrena La Gloïre-les
bouffeurs d’ombres, una pieza de danza,
música, textos, acciones físicas y sonoras,
creada in situ a través de la improvisación
al igual que Urbanitas, de Muyuyay una
creación única, espontánea y original, don-
de el espacio se rehace, el tiempo se re-
contextualiza y se resignifica lo conocido.
El teatro físico, el humor y la danza se
funden en Ka-Yi-Ha una historia que hace
cabalgar al público entre cowboys, indios,
escorpiones, fogatas, alcohol, duelos y mu-
cho más de Cía Los Moñekos.
Gaitzerdi Teatroa –Premio de Honor
Umore Azoka 2013– vuelve a elegir Leioa
para estrenar su nuevo espectáculo de tea-
tro de calle, Out, en el que desde lo absurdo,
lo chapliniano, lo delirante y lo participativo
se cuestiona lo absurdo de los conflictos.
Particular de Marcel Gros

24
15 mayo
junio15 mayo
junio
Otra compañía conocida en Umore Azoka
La Pez vuelve a estrenar en Umore Azoka
su nuevo trabajo, Rotonda circus montaje
en el que la fusión de lenguajes, la cercanía
con el público y la improvisación se funden
con su sello inconfundible que sorprenderá
a gran parte del público y en una rotonda
se presenta Crudo ingente, “una experien-
cia de inmersión, una road movie, o mejor,
una rawmovie”, una pieza performativa de
calle de Nacho Vilar Producciones en el
que el público compartirá un espacio míni-
mo durante 15 minutos.
Y más estrenos
Almacenes la Parisienne de Pez Lim-
bo es un espectáculo sin palabras sobre
gente que no se calla, un lugar antiguo y
apacible con especialidades como osadía a
granel, ingenio fresco y resistencia en lata.
Teatro de humor mediante piezas breves
con toques de chirigota, cajones y pitos,
versos con ritmo sureño, humor femenino,
frescura, irreverencia, verdad… son los
ingredientes del nuevo trabajo de Chirigó-
ticas, Tres monjas y una cabra y el humor
y la sutileza del clown son los protagonis-
tas de Fitness espectáculo de Ibuprofeno
Teatro en el que la payasa Marian Baño-
bre ofrece un retrato crítico de absurdos
clichés construidos socialmente en torno al
universo femenino mientras que el también
clown Marcel Gros da vida a un singular
personaje que guarda la luna en una caja
de cartón en Particular.
También habrá estrenos de espectáculos
que tienen las diferentes técnicas circenses
como medio de expresión. Zirkozaurre, es-
pacio y asociación destinada a la difusión de
las Artes Circenses en Bilbao presenta su
primer espectáculo, mOrse, un evento poéti-
co que dibuja el viaje de tres personajes. Los
andaluces Vaivén Circo presentan su cuarto
trabajo DES-hábitat en el que tratan el tema
de la supervivencia y la necesidad de encon-
trar nuestro lugar vital a través del gesto,
movimiento, fusión de lenguajes, coreogra-
fías circenses, acrobacias, danza, guiños al
flamenco, humor, poesía y mucho circo.
Los estrenos de esta edición se comple-
tan con Zuek espectáculo de aforo limitado
a medio camino entre el concierto, el cine
y el teatro de objetos de Rouge Eléa, Le
Petit tudio Cinéma, una instalación de tea-
tro de ingenios, títeres, cine de feria y ju-
guetes ópticos de Compañía de Títeres
Errantes/Producciones Cachivache y la
propuesta itinerante de teatro y música con
degustación de “pollo a l´ast” incluida, La
vida es un milagro de Cía. Zootroupe.
Itinerancia y mucho circo
Itinerantes son también aunque ya han
sido estrenados los espectáculo de Markeli-
ñe y Almozandía. Lo primeros se valen del
teatro de máscaras para de forma poética
y sin palabras poner en escena con Andante
historia que no deberíamos olvidar mientras
que en Asmakizun asmatzaileak sus esper-
pénticos personajes y sus alocados inventos
buscarán la participación del público.
La teatralidad se fusiona con los portés
acrobáticos, el lanzamiento de cuchillos,
los equilibrios y la manipulación de objetos
en Ekilibuá de Cía. Maintomano y el circo,
la danza aérea, el teatro gestual y el humor
son los lenguajes utilizados por Cía Es-
tampades en Enfila S.A.. Los miembros de
Circo Los por su parte realizan equilibrios
imposibles, malabares con aros y mazas,
saltan y bailan en minibicicletas a un ritmo
musical frenético en Xarivari Blues.
Trapecio fijo, mástil chino, escalera de
equilibrios, rueda cyr, cuadro ruso y música
endirectoenelconcierto-cabaretVioletade
Col·lectiu La Persiana y como una fiesta
de la percusión puede definirse Evolution,
espectáculo en proceso de transformación
constante de Comañía Brincadeira.
El mástil chino, las acrobacias y la danza
de Iter, espectáculo dirigido por Claire Du-
crueux e interpretado por Serena Vione,
la mezcla de danza, teatro y clown en From
lost to the river de XeviXaviXou, la danza
performance de Tania Garrido Monreal
en ETZEV[labor] o el espectáculo de danza
Ánimo animal, creado a partir de la coreo-
grafía ‘Communication Breakdown’, premia-
da en el Certamen Coreográfico de Madrid
de Babirusa Danza son otras de las pro-
puestas con las que se podrá disfrutar en
Umore Azoka. Junto a estas aWish, espec-
táculo de humor gestual, la historia de dos
Sulky M1 de Compagnie Mobil

15mayo
junio
25
15mayo
junio
payasos de Carlo-Mô & Mr.
Di, los títeres, la música y el
videomapping de TitiriBeat-
les Cabaret: nothing is real
de Cía Periplo Marionetas
y la instalación Apicirc, com-
puesta por cinco pequeñas
cúpulas geodésicas en las
que niños y niñas podrán
descubrir un mundo de ob-
jetos, títeres y juguetes de
Pessic de Circ.
Internacionales
Nueve compañías inter-
nacionales llegadas de Ale-
mania, Dinamarca, Francia,
Holanda, Italia y Japón pre-
sentan en Leioa –la gran
mayoría de ellas por primera
vez en el Estado– sus espec-
táculos.
Desde Dinamarca el clown
italiano Paolo Nani ofrece
poesía visual, teatro físico,
enormes globos, helados y
juego en Jekyll on ice, una versión loca de
‘Jekyll y Hyde’. El humor visual, los efectos
especiales y el dinamismo en escena son las
señas de identidad de los holandeses Com-
pagnie Mobil que Sulky M1 presentan a un
hombre poco convencional con un vehícu-
lo muy particular. Llegados de Japón, To R
Mansion ofrecen humor al estilo de Buster
Keaton, manga, series de televisión, pelícu-
las de acción, ciencia ficción y westerns en
24 fotogramas por segundo en el montaje
Cinema Paradise y los italianos Trío Trioche
interpretan de una manera extraña y llena
de humor las arias de ópera más famosas
acompañadas por un piano, una flauta y de-
cenas de objetos en Troppe Arie.
Pachamama Coronada de los franceses
Compagnie La Belle Image es una fanfarria
perfecta que funde música, teatro y danza
para contar la historia de un viaje a la Madre
Tierra. Y tres compañías francesas más. En
Café Frappé! las dos bailarinas de Les Mo-
bilettes protagonizan con gesto seductor,
un toque de swing, un paso de chachachá,
mambo o boogie-woogie
un espectáculo que lleva
al público a un café con
aire de los años 50; La
Grosse B., compañía que
reúne a artistas de gru-
pos como Du moutons
à 5 pattes, Galapiat Cir-
que, Cie Bam, y Cirque
Inextrémiste, entre otras
presenta Insert Coin, es-
pectáculo circense inspi-
rado en la técnica de la
báscula coreana y Cie.
Cacahuète crea confu-
sión con L´enterrement
de maman XXL protago-
nizada por una familia
singular y en compañía
de personas voluntarias
que quieran participar
en una experiencia muy
particular.
Ver, escuchar, sentir,
pensar. Una historia so-
bre la vejez y la soledad
contada sin palabras, a
través del gesto y la fisicalidad corporal.
Así puede definirse Sómente de la compa-
ñía portuguesa afincada en Berlín Teatro
Só. Por último, Umore Azoka acogerá la
presentación del proyecto Twisting the ba-
lance, montaje que aúna circo y nuevas tec-
nologías de la de la creadora bilbaina Leire
Mesa alumna en la actualidad de la escuela
de danza y circo Doch de Estocolmo. Una
propuesta que se representará con aforo
limitado con acceso preferente para profe-
sionales acreditados.
Enfila S.A de Cía Estampades

26
15 mayo
junio15 mayo
junio
C
on una programación heterogénea
en la que se combinan “la tradición
teatral y circense con los lenguajes
y estilos más vanguardistas” se
presenta la décima sexta edición del TAC,
Festival Internacional de Teatro y Artes de
Calle de Valladolid que organiza un año
más la Fundación Municipal de Cultura y en
la que participan compañías procedentes
de 12 países como Alemania, Argentina,
Dinamarca, Holanda, Israel, Kenia, Perú o
Suecia así como de diversas Comunidades
Autónomas del Estado español.
Siete estrenos absolutos
Un año más el TAC se convierte en esca-
parate de nuevas creaciones, siete serán
los estrenos absolutos que tendrán lugar
en esta edición repartidos en las tres sec-
ciones. La Sección Oficial acogerá dos es-
trenos absolutos Danza in blue de Produc-
ciones Imperdibles, una propuesta visual
en la que a través del juego de dos bailari-
nes en vivo –Lucía Vázquez y Juan Melchor,
autores también de la coreografía– y en
formato virtual a través de proyecciones
audiovisuales, ofrecen otra forma de expe-
rimentar la danza y Go tell fire to the moun-
tain de los portugueses FIAR, una obra
de teatro de calle en la que dos actrices
y un músico crean diversas instalaciones
visuales y sonoras. El apartado Estación
Norte, dedicado a compañías de Valladolid
incluye tres estrenos absolutos, la copro-
ducción entre La Quimera de Plástico y
el Colectivo Las Chamanas, Círculo vicia-
do, espectáculo de danza teatro sobre los
malos tratos a las mujeres, Autoestop de
Teatro de la Arena, propuesta de teatro
de calle creado y protagonizado por Miguel
Jerez y Che si può fare, propuesta musical-
performativa a partir del barroco musical
de Teatro Dran. La Sección Off por su par-
te acogerá dos estrenos más Crazy Safari
Circus de Les Dessous de Barbara, una
pieza de “happening feriante’ en la que dos
personajes reflexionan sobre el maltrato
animal y la economía capitalista mundial y
la propuesta circense Arquímedes de los
hispano-argentinos A & D.
Sección Oficial
34 montajes conforman la Sección Oficial
de esa edición, eje central del festival que
además de los estrenos absolutos ya indi-
cados incluye entre otros el espectáculo
inaugural, L´oublié(e) de la artista francesa
Raphaëlle Boitel, una propuesta de danza,
circo, teatro y cine, “un relato introspectivo
y fantástico, un salto físico y metafórico en
las profundidades del inconsciente, las heri-
XVI Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid
La heterogeneidad escénica
como identidad del TAC
La décimo sexta edición del Festival de Teatro y Artes
de Calle de Valladolid,TAC, se celebra del 27 al 31 de
mayo y reunirá a 54 compañías de 12 países que pon-
drán en escena en torno a 170 representaciones de
montajes de teatro de calle, circo, clown, teatro de más-
caras, danza y música además de performances y expe-
riencias sensoriales. El humor será además uno de los
grandes protagonistas de esta edición en la que tendrá
lugar el estreno absoluto de siete espectáculos –otros
tantos se verán por vez primera en el Estado– y que
vuelve a agrupar su basta programación en tres apar-
tados: la Sección Oficial –con 34 montajes–, Estación
Norte, espacio dedicado a las compañías deValladolid, y
la Sección Off en la que predominan las artes circenses
entre las propuestas de 15 compañías. El festival acoge-
rá además el II Foro Internacional de las Artes de Calle
y esta edición homenajeará a Mario Pérez Tápanes, di-
rector de programación de la Fundación Municipal de
Cultura del Ayuntamiento de Valladolid entre 1989 y
2014 y hombre clave en la historia delTAC.
Raphaëlle Boitel de L´oublié(e)

15mayo
junio
27
15mayo
junio
das del alma y la locura”. De sala es también
Lebensraum inspirada en la obra de Buster
Keaton en la que el sueco Jakop Ahlbom,
acompañado de los actores Reiner Schimmel
y Silke Hundertmark y de la banda Alamo
Race Track ofrecen un espectáculo lleno de
ingenio, dinamismo y humor.
Julia Varley, actriz y fundadora del Odin
Teatret dirige Anónimas de Nordisk Tea-
terlaboratorium & Jeito Producciones,
en la que una actriz y una guitarrista,
acompañadas de una muñeca dan vida a
tres personajes que repasan la vida de las
mujeres que han marcado su existencia. De
interior son también Hombres bisagra, de
Matarile Teatro, una propuesta escénica
híbrida en la que el espacio sonoro, las
atmósferas de luz y las imágenes son su-
gieren, evocan y producen situaciones po-
tenciadas por la plasticidad de los cuerpos
y País de la ausencia un espectáculo que
combina un concierto de música contempo-
HOMENAJE A MARIO PÉREZ
TÁPANES
Este año el TAC rinde homenaje a Ma-
rio Pérez Tápanes, (La Habana 1949)
director de programación de la Fun-
dación Municipal de Cultura del Ayun-
tamiento de Valladolid entre 1989 y
2014, labor que ha compaginado con
la de profesor de Pantomima y de Es-
pacio Escénico en la Escuela de Arte
Dramático de Valladolid entre 1984 y
2006. Pérez Tápanes, “figura clave en
el desarrollo del festival durante toda
su historia”, ha sido además miembro
del equipo de colaboradores de la Se-
minci en 24 ediciones, ha participado
como jurado en diversos concursos
literarios y certámenes teatrales ade-
más de ser presidente del jurado del
TAC durante 10 ediciones. Destacan
también sus trabajos como escenó-
grafo y diseñador de vestuario para
más de 70 montajes y ha sido recono-
cido con diversos galardones como el
Premio TeVeo a la trayectoria en 2014.
Pérez Tápanes se suma a la lista de
profesionales reconocidos por el TAC
como Tortell Poltrona o Eugenio Barba
y entidades como Circo Price o Cirque
du Soleil.
El hombre que perdía los botones de Circ Panic

28
15 mayo
junio
ránea con la proyección de obras de varios
artistas plásticos de Esfera Ensemble.
La calle será el escenario del resto de
espectáculos de esta sección dos de ellos
de artistas conocidos ya en el TAC Animal
Religion con Indomador, pieza de circo con-
temporáneo ganador de la sección Off del
año pasado y La cabra de El Espejo Negro,
montaje galardonado con el premio al Mejor
Espectáculo en la edición de 2001.
También se podrá disfrutar con espec-
táculos que llegan por vez primera al Es-
tado como The Black Blues Brothers de
la compañía homónima keniata en la que
cinco bailarines reviven el espíritu e la pelí-
cula del mismo título a través del circo; las
artes circenses en Flaque de Compagnie
Defracto; la fusión del hip-hop y las artes
de calle en Magic box de Compagnie E.go;
el show de circo-cabaret en clave cómica
En éventail de Five Foot Fingers; Kori kori
de Compagnie Oposito y L´Homme V del
bailarín Vincent Warin.
Más calle
Como en ediciones anteriores, el Go-
bierno Vasco colabora con el TAC con la
presentación de varios espectáculos. Para
esta edición han sido seleccionadas dos
propuestas de danza, Hooked pieza de
danza contemporánea de LaSala y And
that´s why I´m here today de la bailarina
Victoria P. Miranda y dos espectáculos de
calle de dos compañías veteranas La conga
de Trapu Zaharra, humor a flor de piel de
la mano de un cura convertido en coach
y Andante, espectáculo itinerante de Mar-
keliñe sobre la guerra y otras situaciones
similares en las que no se respetan los de-
rechos humanos.
Al igual que estos dos últimos espectácu-
los se podrá disfrutar con montajes “del más
puro teatro de calle” como las tres piezas
que presenta el clown Adrián Schvarzstein
Dans, La cama y El hombre verde. También
en clave de clown Cuentos, risas y rock & roll
de Concedeclown, la particular versión de
una de las obras más emblemáticas de Lope
de Vega Fuenteovejuna. Breve tratado so-
bre las ovejas domésticas a cargo de Com-
pañía Obskené o el itinerante tragicómico
L´enterrement de maman de los franceses
Compagnie Cacahuète.
Las artes circenses tendrán un gran pro-
tagonismo también en la Sección Oficial con
espectáculos como Racines de Les Krilati,
Moves, de Battle Beast, El hombre que
perdía los botones de Circ Panic o The lo-
ser de Matteo Galbusera. Además el show
músico-circense Disparate de Cacophonic
Pictures Orkestar, Body rhapsody, del
mimo peruano Hugo o el particular dúo de
danza formado por un bailarín y un caballo
en Ma bête noire de Eclats de Rock junto
con varias propuestas musicales conforman
la basta programación de esta sección.
De Valladolid y Off
El TAC vuelve a ofrecer un espacio a las
compañías de Valladolid en la denominada
sección Estación Norte que además de los
estrenos de las tres compañías antes seña-
ladas incluye dos espectáculos más ambos
en clave de clown. Sofá de escai de Mercu-
cho Producciones es un montaje de “humor
tierno” en el que tres personajes recuerdan
el pasado, analizan el presente, imaginan un
futuro incierto mientras que Welcome. En el
cielo no hay fronteras de Immaginario Teatro
es un montaje de teatro gestual y circo que
pone ante el público una historia de amor
entre un barrendero y una vagabunda.
Las artes circenses son las grandes
protagonistas de la Sección OFF de esta
edición con la participación de 15 compa-
ñías entre las que cabe destacar A & D y
Les Dessous de Barbara que estrenan es-
pectáculos tal y como ya se ha informado
o el “work in progress” que ofrecerán los
alumnos de la Escuela de Circo Carampa
con el que presentan ante el público los re-
sultados de su formación. Nadine O´Garra
pondrá en escena Amor en tiempos de
Ikea, un montaje que combina teatro, circo
y audiovisuales, mientras que el francés Yi
Fan ofrece un espectáculo de danza, circo
y teatro en Gritando sin hacer mucho rui-
do. Y las artes circenses en sus diversas
manifestaciones son las grandes protago-
nistas de Spazi O de Dikothomia, No es la
boca la que va a la cuchara sino la cuchara
la que va a la boca de Cía CAí, Sidecar de
Pessic de Circ, Las expertas de Cía Alba-
dulake, El viaje de miércoles de Circobaya
o Built de Circ.Do. La pieza de danza ¿Hay
alguien ahí? de Lucio Baglivo, el espectá-
culo de danza inclusiva Sendas de Danza
Mobile o el teatro de máscaras Hotel la rue
de Tontoco Teatro junto con la música de
la banda barcelonesa orquesta Gadjo com-
pletan esta sección y la programación del
festival junto con el II Foro Internacional de
las Artes de Calle, que reunirá entre los
días 28 y 30 a profesionales del sector del
panorama internacional.
And that´s why I´m here today de Victoria P. Miranda

30
15 mayo
junio15 mayo
junio
L
as artes de calle se adueñan de las
calles y plazas de Vitoria-Gasteiz
con la celebración del 14 al 16 de
junio de la décima edición de KAL-
DeARTE, Muestra Internacional de Artes de
Calle que organiza el Departamento de Cul-
tura del Ayuntamiento, una muestra en la
que “han participado en esta década 275
compañías que han representado un total
de 511 actuaciones” y destacan que esta
edición mantiene sus señas de identidad
“incorporando nuevos espacios de actua-
ción y nuevo formatos” además de apoyar
la creación con varios montajes coproduci-
dos por KALDeARTE.
Espectáculos de teatro, danza, clown y
circo se “cuelan” en una programación que
será inaugurada por Danbor talka / Le choc
des tambours de las compañías Les Com-
mandos Percu y Deabru Beltzak, pro-
puesta itinerante y nocturna, música, tam-
bores, percusión, diablos ocres y negros y
fuego, mucho fuego con un claro objetivo:
retomar la calle.
Otro de los espectáculos especiales
que festeja esta décima edición es Atera
doa de Kukai y Logela Multimedia, es-
pectáculo multimedia hecho a medida
para la fachada del Ayuntamiento y que
aúna la danza vasca contemporánea y el
mapping que tuvo que ser suspendido
hace dos años por la lluvia. Dos pro-
puestas más de gran formato, el emo-
tivo homenaje a través del lenguaje de
la danza contemporánea al universo del
cantautor Mikel Laboa, Txoriak, de Dant-
zaz Konpainia y Shake, shake, shake,
espectáculo burlesco de cuadro aéreo y
mástil chino a ritmo de música Disco de
Cia. PakiPaya.
Circo a todas horas
El circo tendrá toma la calle y convertirá
la Plaza de los Fueros en una pista con las
propuestas Ekilibuá acrobacias, equilibrios,
manipulación de objetos... de Maintomano,
Despistados de Circortito, los malabares,
las acrobacias y los verticales de los dos
miembros de Dikothomia en Spazi…O,
Humanus comunicus, un “varieté” de hu-
mor y circo fresco y descarado donde se
recopilan las personalidades más bufones-
cas de Niño Costrini y Dancing graffiti de
Bandart Productions o Iter de la italiana
Serena Vione, espectáculo de circo y dan-
za dirigido por Claire Ducrueux.
La danza toma un importante protago-
nismo en esta décima edición en la que
se ha organizado un monográfico de dan-
za urbana para la tarde del sábado en la
Plaza de la Provincia denominada ‘Haut-
si ta Break’ en la que se podrá disfrutar
con cuatro espectáculos que unen danza
contemporánea, breakdance, acrobacia
y b-noying: Kemen de Soul Flavas, Entre
copas de Oreka, LABarte de Bioshock
y Motus de Circle of Trust. En la misma
plaza se podrá disfrutar también con dos
espectáculos de danza más, Hands down
duo de la británica Company Chameleon
y Hooked (still), una pieza de danza con-
temporánea inspirada en los vínculos y de-
pendencias emocionales que se crean en
las relaciones afectivas entre personas de
Lasala. Y danza es también Gelauziak co-
reografía creada por Cesc Gelabert con la
que Kukai ha conseguido varios premios.
La también premiada Indomador en el que
un personaje transforma el espacio a tra-
vés de cuerpos transgénicos, verticales,
acrobacias con tacones, bailes rituales.. y
mucho más en un montaje de nuevísimo
circo Animal Religion.
Markeliñe presenta en KALDeARTE su
último espectáculo de calle, Andante, tea-
Diez años transformando las
calles con las artes escénicas
Se presentarán treinta y una compañías que realizarán cuarenta y
seis representaciones entre ellas varias coproducciones del Festival
Andante de Markeliñe
X KALDeARTE - Muestra Internacional de Artes de Calle de Gasteiz

15mayo
junio
31
15mayo
junio
tro de máscara que narra, de forma
poética, sin palabras y con un cuidado
sentido del humor, historias que no
deberíamos olvidar. Historias de zapa-
tos anónimos en época de guerra. Za-
patos que podrían ser los nuestros. Un
delicado trabajo itinerante con el que
disfrutarán grandes y pequeños.
La producción local vuelve a tomar
protagonismo en esta nueva edición
con el estreno de Zanguango, Flujos,
la presentación de la recién estrenada
Almacenes La Parisienne de Pez Limbo
además de las ya citadas Circortito,
Oreka y Soul Flamas o el espectáculo
para público infantil y familiar Skratx de
Ameztu Produkzioak. Junto a este últi-
mo los más pequeños podrán disfrutar
de varias propuestas en los jardines de l os
Palacios Echanove y Zulueta y en el Parque
de la Florida. Malgosia Szkandera presenta
The Bag Lady Theater espectáculo lleno de
poesía y gran sensibilidad, delicioso y delica-
do teatro de objetos y marionetas.
Delicadeza poética
Delicado es también El Nïu de Dudu &
Cia, propuesta de clown con música de pia-
no en la que sin reglas y a través del juego
con el público se van dibujando nuevos ca-
minos hacia la imaginación, un lugar donde
la sorpresa y la risa cobran vida. Gaueko
entziklopedia koxkorra de 2princeses-
barbudes es un espectáculo musical con
toques de clown, teatro de objetos y unas
gotitas de poesía.
Esta décima edición propone al público
experiencias escénicas o intervencio-
nes en lugares no convencionales o
‘insospechados’. Cie Aquacoustique
presenta en la fuente de la plaza San-
ta Bárbara Concert´eau en do Nageur,
una experiencia musical atípica en la
que los tubos de bucear son flautas,
las regaderas saxofones y el agua, un
instrumento de percusión sorprenden-
te. Clown, circo, música y agua. Estos
son los elementos principales de Île O
de Barolosolo que convertirá el quiosco
del parque de la Florida en un singular
estanque. Juan Cantizzani, artista de
origen andaluz afincado en Holanda,
ofrecerá las mañanas de las tres jorna-
das de la muestra, muy temprano y en
el parque de Salburua tres espectácu-
los sonoros muy especiales que es necesario
vivirlos para poder... contarlos.
La clausura del décimo KALDeARTE lle-
gará el domingo al anochecer con el espec-
táculo circense de los belgas Colectif Ma-
lunes que pondrán en escena en la Plaza
de Los Fueros, Sens dessus dessous, en el
que cuatro artistas seducirán al público con
números imposibles de trampolín, trapecio,
rueda cyr y más.
Île O de Barolosolo

32
15 mayo
junio
O
rganizado por la sala La FuN-
dicIOn, el Festival Internacio-
nal de danza en paisajes
urbanos y muestra de Video-
danza, Lekuz Leku, celebra los días 26
y 27 de junio su XI edición. El Paseo de
Abandoibarra de Bilbao será el punto
de encuentro entre la danza contem-
poránea y el público paseante, que po-
drá disfrutar de trabajos coreográficos
en diferentes espacios urbanos.
La Cía Matxalen Bilbao será la que
dé comienzo al festival, mostrando su
coreografía Gear, donde la línea dra-
matúrgica de la pieza estará marcada
por los tipos de relación que se establez-
can dentro del grupo. Begoña Quiñones &
Mar Rodríguez interpretará PruebaTrinity
1.0 en la Pasarela Pedro Arrupe, donde la
idea coreográfica se sustenta a partir del
cuerpo como eje central. También para el
viernes está programada la compañía an-
daluza Seitacate, con los coreógrafos e
intérpretes Laura Morales y David Nóvoa
escenificando Golpes de nada. El entorno
del Museo Guggenheim será testigo de la
pieza Lauesku de Lasala y con coreografía
de Judith Argomaniz. A través de un partido
de pelota, expondrán diferentes situaciones
donde las propias reglas del juego se cues-
tionan y lo establecido no es lo prioritario.
En el mismo escenario pero ya el sábado,
Physical Momentum Project mostrará la
coreografía Postskriptum de Francisco Cór-
dova Azuela, y la barcelonesa Lali Aygua-
dé interpretará Saba.
En cuanto a las compañías internaciona-
les, serán dos las que lleguen desde Co-
rea: Company SIGA con Rest, donde LEE
Jae-young quiere presentar la intensidad
y por otro lado, el vacío de la relajación,
jugando con los movimientos flexibles
y orgánicos del baloncesto; y Goblin
Party con Landing Error, con coreo-
grafía e interpretación de LIM Jinh y
JI Kyung-min. Por otra parte, estará
también programada la Cía ganadora
del Certamen SoloDos en Danza que
se celebra en Costa Rica.
Este año como novedad y en co-
laboración con la Red AcieloAbierto,
se va a montar un #CaminoAcie-
loabierto, proyecto donde se vincula
la memoria de la danza, el territorio
y la comunidad artística. El enfoque
está en la participación y en la bús-
queda de un desarrollo abierto e inclu-
sivo, y el proceso de creación está por
encima del resultado. Este proyecto pone
en relación a compañías y bailarines con
distintas entidades y colectivos artísti-
cos, educativos y sociales.
Los dos días y después de las actuacio-
nes habrá un Punto de Encuentro en La
FuNdicIOn: momento para la conversación,
con una copa en la mano, entre los artistas
y los espectadores, donde se mostrarán ví-
deos de los distintos Festivales asociados a
la Red AcieloAbierto.
Lekuz Leku propone disfrutar
de la danza a orillas de la ría
B
ilboko Kalealdia, el Festival de Tea-
tro y de Artes de la Calle de Bilbao,
presentará 71 funciones a cargo
de 27 compañías entre los días 29
de junio y 4 de julio. Siete serán las compa-
ñías vascas, seis las del resto del estado y
catorce las internacionales.
Como novedad del Bilboko Kalealdia
2015, se presentarán tres espacios de
actuación en el Parque de doña Casilda,
donde se instalará una carpa de circo de
la compañía francesa Bazar Forain para
220 personas. Por otra parte, la compa-
ñía Éclats de Rock interpretará un dúo
de danza entre un hombre y un caballo,
para el que se necesitarán 15.000 kg. de
arena que se esparcirán en el suelo de la
Plaza Arriaga.
Durante las noches del viernes y del
sábado Deabru Beltzak & Commandos
Percu mostrarán un espectáculo de gran
formato de percusión y fuegos artificiales
interpretado por 12 actores, que harán
un pequeño pasacalles entre el puente del
Arenal y el muelle del Arenal, para acabar
después el grueso del espectáculo en un
gran escenario colocado en el muelle.
Entre las compañías internacionales es-
tará también la keniata Afro Jungle Jeegs,
cuyas actuaciones sirven para juntar fon-
dos para la construcción y mejora de su
escuela Juhudi Urban Arts Centre, una es-
cuela de artes y circo para niños y niñas
en Nairobi, que pretende brindar un futuro
mejor que el que ofrecen las calles de Je-
richo, su barrio.
Nuevos espacios para el Kalealdia

34
15 mayo
junio
C
omo “uno de los más reconocidos
festivales de títeres y de mayor
prestigio” se presenta Titirimundi
“tal y como lo aseguran profesio-
nales de diferentes países y público” en
palabras de la organización que ha pre-
parado una nueva edición, la 29 que se
celebra del 13 al 17 de mayo con una
programación que solamente en Segovia
cuenta con más de 200 funciones a las
que se deben sumar las que tendrán lugar
en sus extensiones que este año llegan a
diferentes ciudades de Castilla y León, a
Madrid y la sierra a Toledo y a la localidad
navarra de Barañain.
Un año más Titirimundi se caracteriza
“por ese equilibrio que intenta proteger
entre la muestra de lo más contemporá-
neo y los valores emergentes en el arte
del teatro de títeres, sin perder ni olvidar
la referencia a su origen popular” desta-
can desde la organización, una multipli-
cidad artística añaden, “que convierte a
Titirimundi en una ventana abierta a las
culturas del mundo a través del teatro de
marionetas”. Además y con el objetivo de
difundir este arte más allá del ámbito in-
fantil, esta edición destaca por ofrecer la
mayor programación de teatro de títeres
en interior para adultos de los últimos
años. Entre otros el público adulto podrá
disfrutar con espectáculos como Otelo de
la compañía chilena Viajeinmóvil en la que
se plasma desde un punto de vista criti-
co el abuso de poder en la familia; Opéra
Opaque de los franceses Plexus Polaire,
un cabaret de imágenes con dos actores,
una marioneta de tamaño humano y teatro
de sombras; desde Italia Riserva Canini
Teatro con Talita Kum, una obra hipnótica
nacida de la experimentación. Experimen-
tal es también la propuesta llegada desde
Brasil, O quadro de uma familia de Pigma-
lião Escultura que Mexe con cerdos huma-
nizados de tamaño natural como espejos
de la psicología humana o el renovador
espectáculo de la rusa Polina Borisova
que en Go! introduce al público en un viaje
al interior de la marioneta. Junto a estos
dos montajes que sin ser de títeres “sim-
bolizan titirimundi y todo lo que encierra,
el teatro de la ilusión y la fiesta”, Leo de
los germano canadienses Y2D Produccio-
nes y un concierto-teatro que deconstru-
ye el amor romántico, Abandóname mucho
de Las XL.
Titirimundi 2015 homenajea esta edi-
ción al teatro de objetos que juega con la
literatura con montajes como la personal
visión de El Lazarillo de Tormes de La Cha-
na, El avaro de Molière que tras 15 años
vuelve a los escenarios protagonizado por
los inolvidables grifos y tubos de la mano
de Pelmànec en colaboración con Tábola
Rassa. También estarán en el festival Ro-
camora Teatro con Pequeños suicidios o el
loco espectáculo de papel, cartón, lápices
etc. Paper Cut de la israelí Yael Rasooly
entre otros.
En la calle
Este año los titiriteros más veteranos
regresan a la calle en Titirimundi “el ori-
gen de su oficio y su medio natural”. Es el
caso del peruano Hugo Suárez con Body
Rhapsody, Jordi Bertrán con Strada en el
que hace desfilar a un pequeño circo de
hilos con marionetas y payasos y circo y
marionetas son también lo protagonistas
de Solista de Rocamora Teatro. Desde
XXIX Festival Internacional de Teatro de Títeres Titirimundi - Segovia
Las artes de la marioneta a la
sombra del Acueducto
Más de trescientas funciones de treinta y dos compañías dan idea
de las majestuosas cifras que se manejan enTitirimundi 2015
Paper Cut de Yael Rasooly

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15mayo
junio
Taiwán llega Taiyuan Puppet Theatre con
un espectáculo tradicional de títeres y
desde Reino Unido, Rod Burnett, –uno de
los grandes maestros del títere de guan-
te– con Punch & Judi.
No faltarán montajes que se pondrán en
escena en espacios poco convencionales
como Señorita Lupierre microteatro en la
caravana de Miguelillo o el Conversatorio,
medidas variables performance que Quico
Cadaval presenta con la participación de
los espectadores en los escaparates de
los comercios o el particular Circo de las
pulgas del francés Dominique Kerignard.
Y además de todo esto espectáculos
para los más pequeños como Nidos de la
premiada Teloncillo, Cocorocó de PAI, El
bosque de Grimm de La Maquiné, La cró-
nica del lobo de Elfo Teatro o los vetera-
nos Titiriteros de Binéfar con Maricastaña
y Concierto de canciones titiriteras.
Un año más el festival ofrece la posibi-
lidad de experimentar con títeres a través
de tres talleres dedicados a los niños, dos
clases magistrales para adultos y un curso
de talla de madera para profesionales. Esta
edición ha preparado además tres exposi-
ciones, ‘Hilos de Agua’ de Laura Ortega
dedicada a las marionetas acuáticas de
Vietnam, ‘Muñecos animados’, una muestra
de cien personajes de gomaespuma y látex
y la exposición permanente de casi 40 títe-
res del escultor y marionetista Paco Peral-
ta. Y para completar esta cita anual con los
títeres, el programa ‘El cine de Pigmalión’
con la emisión e tres películas ‘L´ultimo
Pulcinella, ‘Dolls’ y ‘Magic’ presentadas por
los expertos Sonia Zubiaga, Sergio Arter y
Ramón Mayrata.
La 26 edición de la Fira de Titelles de Lleida se celebra del 1 al 3 de mayo con la participación
de 23 compañías que llevarán a cabo 68 funciones y en la que además de la programación de
espectáculos se llevarán a cabo las octavas Jornadas Técnicas que incluyen la master class ‘La
marioneta, el actor total’ impartida por Ángel Calvente de la compañía El Espejo Negro, una con-
ferencia titulada ‘¿Crisis? Una respuesta práctica e innovadora’ de la mano de Daniel Gabarró
y el Taller COFAE ‘Posicionamiento digital para compañías de artes escénicas’ a cargo de Pepe
Zapata, director de comunicación del Mercat de les Flors.
Entre las representaciones destacan varios estrenos de espectáculos como En patufet de los an-
fitriones Centre de Titelles de Lleida, Mr. Brownie musical con títeres de tamaño humano de
Teatre Nu, el carrusel Lo Carrofil de la compañía Efimer o El viatje de Tombs Creatius Cia.
d´arts de carrer. El delicioso Pinocchio de La Baldufa, Giuseppe y Peppina de El Retablo,
Vuela Pluma de Periferia Teatro o las divertidas vacas de La extraordinaria historia de la vaca
Margarita de Títeres Caracartón se unen a los espectáculos de calle como el último trabajo de
teatro de máscaras itinerante de Markeliñe, Andante o Astokillo Circus de Panta Rhei.
Un año más la Fira apuesta por la internacionalización con 7 compañías, la belga Tof Théâtre que
pondrá en escena Dans l’atelier, los canadienses Théâtre Qui Va Là con La Fugue y Magali Choui-
nard con La Femme blanche, la argentina Ines Pasic con Desde el Azul, Blind Summit Theatre de
Reino Unido con The Table, Ma biche et mon lapin de los franceses Collectif aïe aïe aïe y El cuento
del viejo lobo de los checos Teatro Koňmo.
FIRA DE TITELLES DE LLEIDA

36
15 mayo
junio15 mayo
junio
D
el 7 al 10 de mayo se celebra una
nueva edición de Trapezi, Fira del
Circ de Catalunya que se presenta
“con el claro objetivo de continuar
impulsando tanto la autoría catalana como
la creación estatal e internacional” tal y
como apuntan desde la organización, el
Ajuntament de Reus y el Departament de
Cultura de la Generalitat de Catalunya, para
lo que ha preparado una programación va-
riada en estilos, disciplinas y formatos con
42 espectáculos de otras tantas compañías
procedentes de 10 países.
Creación catalana
Desde sus comienzos Trapezi además
de apoyar y promocionar la creación y
exhibición de las propuestas circenses ca-
talanas ha impulsado su internacionaliza-
ción y para dar continuidad a estos fines
la programación de este año cuenta con
28 espectáculos tanto de compañías cata-
lanas, tanto emergentes como las que se
han convertido en un referente en el sector.
Entre estas encontramos las propuestas
Tauromàquina de Animal Religion, The
Meleting Pot Pourri de Los Excéntricos o
F.I.R.A. de Collectiu Tierra –espectáculo
que se pudo ver durante la navidad pasada
en el Ateneu Popular de 9 Barris de Bar-
celona–, y Xarivari Blues de Circo Los y
Otros Aires de Dúo Laos. Las compañías
emergentes también tendrán su espacio, es
el caso de Companyia Pistolet que pre-
senta Incert, Iter de Serena Vione Cia. y
Esquerdes de Hotel iocandi –cuyo work in
progress pudo verse en la pasada edición
de Trapezi–.
EnestaediciónTrapeziaumentaelnúmero
de compañías estatales en la programación
“no sólo para propiciar el intercambio entre
creaciones catalanas y del resto del estado
sino con el fin de crear sinergias con otros
festivales o ferias y ser más visibles como
mercado circense del Estado español” apun-
tan desde la organización. Siguiendo esta
idea se podrá disfrutar en Trapezi de los es-
pectáculos de 9 compañías llegadas desde
Andalucía, Euskadi, Galicia y Madrid, algunas
de ellas de reconocida trayectoria como Vai-
ven Circo que pondrá en escena Des-hábitat,
Minusmal y su Simplemente Clara, Encontros
de Lusco e Fusco, la Cía. Barré o la Escuela
de Circo Carampa junto con los trabajos de
compañías emergentes como Tresperté que
presenta Aquí sobra uno, Mundos de papel
de Vol´e temps, Spazi…O de Dikothomia o
No es la boca la que va a la cuchara sino la
cuchara la que va a la boca de Cía CAí.
Internacionalización
La apuesta por la internacionalización
de Trapezi no es solo a nivel de programa-
ción sino también lo es por el intercambio
ya que la Fira participa en las redes ‘Au-
topistas’, ‘Circusnext’ y ‘Camins Emergents’
que convierten a Trapezi en un lugar donde
conocer espectáculos circenses internacio-
nales y un escaparate para dar a conocer el
trabajo de las compañías catalanas.
Esta edición presenta 5 espectáculos dos
de ellos llegados desde Bélgica Cordes de
Alexis Rouvre, montaje basado en la mani-
pulación de cuerdas y 8 years, 5 months,
4 weeks, 2 days en el que los miembros de
la compañía Bert & Fred utilizan el trapecio
Washington. Cie Du Poivre Rose, compañía
formada por artistas de Canadá, Francia y
Bélgica presenta un espectáculo con el mis-
mo nombre que combina contorsionismo,
telas, acrobacias y teatro mientras que Les
P´tits Bras presentan L´Odeur de la Sciu-
re, una propuesta muy visual con una gran
estructura central y Cacophonic Pictures
Orkestar juega con el clown, la música y di-
versas disciplinas teatrales en Disparate.
Para finalizar, destacar que las activida-
des dedicadas a los profesionales serán los
días, 8 y 9 en las que se presentará la nue-
va Plataforma Arts de Carrer, tendrán lugar
varias work in progress ,etc.
Trapezi, Fira del Circ de Catalunya 2015 - Reus
Reus se convierte en la más
grande carpa de circo
Trapezi 2015 apuesta por la renovación artística y los espectáculos
de calle con la participación de cuarenta y dos compañías
Incert, Iter de Serena Vione Cia.

15mayo
junio
37
15mayo
junio
L
a Corrala Palacio del Caballero se
convierte en la pista central de la
octava edición de la Muestra de
Artes Circenses Circolmedo que
se celebra del 8 al 10 de mayo en la
localidad vallisoletana de Olmedo. Orga-
nizado por el ayuntamiento
La programación dará comienzo
con una animación circense en la Es-
cuela Infantil Alborada que dará paso
al primer espectáculo de esta edición,
Greenkiriki, una propuesta con aire de
cabaret ritmo trepidante en la que los
miembros de la Cía. Greenchichon pon-
drán ante el público todas sus habilida-
des circenses con música en vivo y tal
y como ellos mismos afirman, “mucha
payasada”. Le seguirá Circo Medite-
rráneo, un espectáculo para todos los
públicos que recoge lo mejor de la tra-
dición circense incorporando las carac-
terísticas del denominado nuevo circo
o circo contemporáneo, y por la noche
Cabaret de circo en el que diferentes
artistas exhibirán sus números adere-
zados con mucho humor y bajo la dirección
de un peculiar maestro de ceremonias.
En la segunda jornada de Circolmedo se
podrá disfrutar con Las Expertas, un montaje
de circo y humor gestual de la Cía Albadulake
en el que las cuatro mujeres protagonistas
se enfrentarán a un casting muy particular
en el que demostrarán su valentía, des-
parpajo, fuerza, técnica, humor... y mucho,
mucho circo. La Cía Funes Troup aparcará
su singular caravana en los Patios de San
Pedro de Olmedo para presentar Funes Van,
una divertida propuesta de clown, malaba-
res, acrobacia y... mucho más. Para la noche
del sábado Circolmedo propone una fiesta,
una nueva Gran Gala de Circo en la que
ocho artistas vuelven a descubrir al público
el “más difícil todavía” a través de diversas
técnicas circenses como los equilibrios,
los malabares, el mástil, la báscula, nú-
meros aéreos, acrobacias etc.
El último día de la muestra propo-
ne el espectáculo Que raro, verdad?
Humor, circo y música para cuestio-
nar los límites de lo normal y lo raro,
porque... eso que llamamos raro “¿es
cuestión de percepción o de punto de
vista?” se preguntan los miembros
de la Cía Hermanos Inconfundibles.
Por la tarde los jóvenes de Olmedo
mostrarán todo lo que han aprendido
durante los talleres de circo realzados
desde el Espacio Joven en un Gran Pa-
sacalles “Jóvenes EJ” para continuar
con Cabaret Pistolet, espectáculo
fresco, variado e ilustrativo que se
convierte en un recorrido por la his-
toria del circo desde sus inicios hasta
hoy día. Equilibrios acrobáticos, aro
aéreo, diábolos, verticalismo etc. con
los que Cía. Circ Pistolet sorprenderán
a grandes y pequeños y clausurarán
una nueva edición de Circolmedo.
Además de la exhibición de espectáculos,
el viernes por la tarde se llevará a cabo un
Taller de Manualidades y Pintacaras y du-
rante las mañanas del sábado y del domin-
go una Escuela de Circo en la que vecinos y
aficionados podrán practicar, ayudados de
profesionales, diferentes técnicas circen-
ses como los malabares, equilibrios sobre
objetos, acrobacias...
VIII Muestra de Artes Circenses Circolmedo - Olmedo
En la Villa del Caballero hay
también lugar para el circo
Las Expertas de Cía Albadulake

38
15 mayo
junio
L
a compañía Danza Mobile presenta
la novena edición del Festival Inter-
nacional Escena Mobile, que ofrecerá
sus funciones del 22 al 24 de mayo
en Sevilla. El festival, que propone una unión
entre el arte y la integración social, coinci-
de en la presente edición con el vigésimo
aniversario de la compañía andaluza. La
programación presenta tres
estrenos de cuatro disciplinas
diferentes: danza contem-
poránea, flamenco, magia y
circo. Brasil, Reino Unido y
Argentina son los países invi-
tados en esta edición.
‘Escena Mobile marca la
diferencia’. Ese es el lema es-
cogido para este 2015, que
tiene como objetivo defender
la diversidad como fuente de
enriquecimiento cultural y so-
cial. Artistas con y sin disca-
pacidad conviven a nivel crea-
tivo y de interpretación en los
espectáculos que presenta el
festival, mostrando cómo el
arte integrado es una reali-
dad social y cultural.
El montaje de danza Abrigos inaugurará
el festival en el Teatro Alameda. La obra se
compone de cinco piezas cortas de cinco
coreógrafos relacionados con la danza inclu-
siva, trabajando en colaboración con baila-
rines de Danza Mobile. Alexey Shcherbakov,
Manuel Cañadas , Vanesa Aibar, Patricia Ruz
y Neus Canalias son los coreógrafos invita-
dos. El sábado será el turno de la pieza ...Del
Flamenco, donde se podrá ver a dos artistas
que utilizan el lenguaje flamenco en diferen-
tes disciplinas artísticas: José Galán y Mª Án-
geles Narváez “La Niña de los Cupones”.
El último día estará reservado para la
magia y el circo, con dos representaciones
ofrecidas en el Teatro Alameda: Magia des-
de el silencio, a cargo del madrileño Domin-
go Pisón; y Même pas Malle, de la mano
del belga Martin Gerard, quien mostrará di-
ferentes malabarismos sacando de su ma-
leta todos los elementos del espectáculo:
sonido, objetos de magia..., para mostrar
finalmente la realidad: su realidad.
Escena Mobile quiere poner de manifies-
to que un bailarín de contemporáneo con
Síndrome de Down puede tener un nivel
profesional digno de los mejores escena-
rios, o que una bailaora con discapacidad
auditiva no está en absoluto discapacitada
para sentir y hacer sentir el flamenco. Para
ello, además de los espectáculos, el festival
desarrollará un programa con exposiciones
de artes plásticas y diferentes talleres. El
Centro Cultural Cre-Arte de Bariloche (Ar-
gentina) ofrecerá una pieza corta de dan-
za el día 21 de mayo. Patitos es una pieza
de clown creada por el coreógrafo Denni
Dennis con la colaboración de Danza Mo-
bile para el Festival Escena Mobile 2015.
La representación, interpretada por Mar-
tin Vick, se podrá ver tanto el 22 como el
23 de mayo. Denni Dennis, que en 2012
creó la pieza ‘Ángeles’
en colaboración con
Danza Mobile para el
Festival Escena Mobile
de ese año, ofrecerá
formación en clown en
la presente edición.
El brasileño Lily Pita
impartirá un taller de
percusión, además de
una batucada junto
con los alumnos del
Taller de Música de
Danza Mobile, dirigidos
por Antonio Roldán.
Otros talleres progra-
mados son: Taller de
Musicoterapia y Danza
de Ascensión Gonzá-
lez (Valladolid); Taller
de Escenografía ‘Diseña tu propia obra’
con Antonio Quiles (Sevilla); Taller Teatro y
Audiovisuales con Arturo Parrilla y Joel Lo-
zano (Sevilla); e Improvisation/Movement
Comunication a cargo de Manuela Calle-
ja (Sevilla) y Yali Rivlin (IL/USA). Además,
Esther Román presentará una selección de
cortometrajes de la videoteca Cinemobile
que por su temática encaje dentro del pro-
grama. Tras una pequeña introducción del
mismo, se proyectarán los trabajos dando
pie, tras su visualización, a comentarlos y
debatirlos en un posterior coloquio.
IX Festival Internacional Escena Mobile - Sevilla
Arte escénico y discapacidad
se muestran unidos en Sevilla
ElTeatro Alameda acoge tres estrenos de danza contemporánea,
flamenco, magia y circo
Même pas Malle de Martin Gerard

2
artez
XXXIIJORNADASDETEATRO
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
Este suplemento acompaña a la revista
Artez 204 de Mayo / Junio 2015
Portada:
‘El médico de su honra’ de Calderón de la
Barca por Teatro Corsario tomada por maki
03-04-05 | Entrevista a Carlos
Góngora
06-07 | Antonio Serrano
08 | La Paca
Ron Lalá
09 | Teatro Velador
Mephisto Teatro
10 | José Maya
Siosi
11 | Nao d´amores
La Chana
12 | Teatro Corsario
Teatro de la danza
13 | Teatro Morfeo
14-15 | Resto actividades
Este es un caso atípico. Una Jornadas sur-
gidas desde la base que han llegado hasta
lo más lato y que por todas las razones que
uno pueda imaginar se ha ido deshilachando,
perdiendo sustento, cambiando de equipo de
dirección, sin lograr el apoyo rotundo y sin fi-
suras de las instituciones para consolidar un
proyecto cultural de primera magnitud a par-
tir del Teatro del Siglo de Oro. Nada menos.
Este año se hacen con una dirección nueva
que apunta a cambios de futuro, que deben
afectar como señala Antonio Serrano, uno de
sus inventores y director de las mismas du-
rante décadas, a una estabilidad organizativa,
donde las instituciones se comprometan a su
sustento y se nombre un equipo con dedica-
ción plena durante todo el año además de te-
ner una sede, un lugar adecuado donde fijar
sus oficinas, sus archivos, su historia y pani-
ficar su futuro.
Estas Jornadas, pese a sus cuitas internas,
está aposentada en el imaginario de una par-
te de la ciudadanía almeriense y a ella se di-
rige. Lo importante es que fluya el carácter
docente, su implicación con los institutos, con
la parte académica de sus jornadas más es-
pecializadas y la programación abierta a to-
dos los públicos con su extensión por diferen-
te municipios de la provincia.
Está todo listo para que funcione, solo falta
decisión política, fijar presupuestos adecua-
dos y trabajar con seguridad y perseverancia.
Porque estamos hablando de un oro intangi-
ble pero que reluce mucho más porque anida
en el alma de los ciudadanos y conduce a la
felicidad. Además de proporcionar prestigo
ancional e internacional a la ciudad que lo
produce
Carlos Gil Zamora
Jornadas de oro

3
artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
Carlos Góngora, fundador de Axioma Teatro,
asumió a finales del año 2014 la dirección de
las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Al-
mería. Un compromiso tomado con la “ben-
dición” de las personas que se inventaron las
Jornadas y los responsables políticos de las
instituciones que la patrocinan en estos mo-
mentos.
¿Cómo te propusieron hacerte cargo de las
Jornadas?
Pues fue una llamada del concejal de cultu-
ra de Almería. Estaban preocupados porque
no vieron adecuado el director elegido por la
Asociación de las Jornadas del Siglo de Oro y
me lo propuso directamente, sin rodeos.
¿Cuánto tardaste en decidir que aceptabas?
Yo hablé primero con Antonio Serrano, crea-
dor de las jornadas, con los miembros de la
Asociación y de las tres instituciones que
organizan y patrocinan, ayuntamientos de
Almería y Roquetas y Diputación. Era la pri-
mera vez que se ofrecía la dirección a alguien
que no pertenece a la Asociación, así que tras
mostrarles mi predisposición y algunas ideas
básicas porque estaba convencido de que se
requerían modificaciones, puse en sus manos
la decisión a lo que ellos dijeran. Dijeron que
sí, y aquí estoy.
¿Te contratan a ti o a Axioma?
A mí, a Carlos Góngora, además por la com-
pleja situación jurídica, yo firmo el contrato
con la Asociación, a la que por cierto vuelve
como presidente Antonio Serrano y se remo-
dela todo porque además es la que puede so-
licitar ayudas a las instituciones para hacerlo.
Otra cosa es que después yo me tenga que
apoyar en Axioma porque tiene infraestructu-
ras, experiencia, posibilidades de solucionar
asuntos puntuales.
¿Qué condiciones y de qué índole pusiste para
aceptar?
Libertad de programación. Y no he tenido nin-
guna coacción. Porque lo demás son cuestio-
nes del día a día que se han ido viendo sobre
la marcha, ya que había muchos vacíos y dis-
funciones de todo tipo, en lo administrativo, se
funciona con varios de números de identifica-
ción fiscal, hay un entramado que se debe ir
solucionando sobre la marcha.
¿Cuál fue el objetivo que os propusisteis para
esta edición?
ENTREVISTA A CARLOS GÓNGORA
“El primer
objetivo es
aproximar las
Jornadas a la
ciudad y la ciudad
a las Jornadas”

4
artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
Aproximar las Jornadas a la ciudad y la ciudad
a las Jornadas. Habían perdido presencia en
la vida de los almerienses y hemos diseñado
una serie de acciones que han fructificado en
una actividad constante en las calles, en los
centros de enseñanza, convirtiendo cada rin-
cón de Almería en un punto de acción teatral.
Una larga lista de intervenciones que sirven
para que la ciudadanía reconozca la existencia
de las jornadas, que forman parte de su vida
cotidiana.
Pero mantienes un esquema muy parecido al
de las últimas ediciones.
Pero con otro impulso, con otra perspectiva.
Más participativo todo. Las jornaditas con la
participación de los colegios e institutos, con
secciones de forum pero también prácticas,
como enseñar a los profesores a trabajar el
verso, son parte esencial de esta transforma-
ción. Ha habido una representación con mil
cien alumnos en el Auditorio. Las Jornadas
más académicas, las hemos hecho durar
más días, no concentradas, sino por tramos
y hemos tenido cien inscritos. Es decir que
sin renunciar a las cosas que le habían dado
identidad las hemos dio transformando y aña-
diendo otras, más populares, más abiertas a
todos los ciudadanos que es mi obsesión de
siempre.
¿Como qué?
Pues mira hemos planteado el BarrokoCalle
con pasos, monólogos, conciertos, diariamen-
te, homenaje al Quijote, con doce paneles de
grafiteros inspirados en la obra de Cervantes.
Recordar a la ciudadanía quiénes son los poe-
tas que dan nombre a doce calles, y se han
leído sus poemas. Hemos involucrado incluso
a las monjas de clausura del convento de la
Pura, que cumple 500 años leyendo cartas de
Santa Teresa. Rescatar monumentos que ni
los propios ciudadanos valoran. Y todo dentro
de acciones teatrales.
¿De dónde sacas para tanto cómo destacas?
Puesmirahemosconseguidoinvolucraralaem-
presa privada, a los comercios. Las exposiciones
no se han cerrado en salas, sino que se han he-
cho en escaparates. Ha sido una labor ardua. Yo
nunca había pedido dinero a empresarios para
nada de Axioma, pero para las Jornadas he ido
puerta a puerta a pedir colaboración y hemos
conseguido la participación de veinte empresas
que junto a otras colaboraciones han aporta-
do un sesenta por ciento del presupuesto de la

5
artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
iniciativa privada y eso nos ha permitido hacer
muchas cosas, por la colaboración de muchos,
porque es necesario no manejar solamente pre-
supuestos económicos, sino que hay que utili-
zar los recursos imaginativos, colaborativos. Un
modelo más permeable con la propia ciudadanía
y los movimiento sociales y culturales.
Has comentado la intención es convertir es-
tas Jornadas en el Gran Festival de Almería,
trasladarlo más hacia el verano, darle otra
proyección, ¿puedes adelantar algo sobre este
proyecto de futuro?
La diferencia entre Almagro y Almería es que
Almagro es una apuesta directa del Ministerio,
mientras Almería sale de las ganas de unos
amigos, con su esfuerzo, sin que haya una cla-
ra apuesta de las administraciones. Me gustaría
que la Junta de Andalucia sea el eje vertebrador
de las Jornadas con una aportación económica
importante (Al igual que el ministerio lo hace con
Almagro) porque tenemos lugares emblemáti-
cos como la Alcazaba, que es un marco impor-
tante y le podría dar otra dimensión. Y tenemos
muchas posibilidades e ideas, se pueden hacer
grandesespectáculos, aprovechar esosjardines,
crear una auténtica fiesta teatral, engalanar las
calles, el casco antiguo, traer autobús con gente
de la provincia, como hemos hecho en esta edi-
ción. Muchas posibilidades.
¿Los resultados de las elecciones municipales
puede condicionar este proyecto?
Sí, pueden, pero no creo que ese sea el mayor
problema. Cuando terminemos esta edición
nos reuniremos los coordinadores de cada
área y analizaremos lo hecho. Yo no quiero
que las Jornadas dependan ni de un director
ni de un político. Yo apesto por los equipos.
Hay cosas imprescindibles y urgentes, como
un oficina permanente, una revista digital que
informe, un lugar donde recibir propuestas.
Estoy esperando se constituyan las institucio-
nes que aportan ayudas para tener reuniones
con sus responsables, lo mismo que con la
Junta de Andalucía y ver sus apuestas. Y quie-
ro que salga algo que no sea de palabra, sino
que haya un compromiso serio cuantificado. Y
después de eso decidiré si continúo.
Aprovechando la coyuntura, ¿qué le falta a Al-
mería en el campo de las Artes Escénicas?
Lo primero, porque es una vergüenza, que el
Teatro Cervantes sea de dominio público y se
rehabilite y se haga una programación cohe-
rente.

6
artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
BREVE HISTORIA DE LAS JORNADAS
Casi parte de guerra esperanzado
Las JORNADAS DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO de Almería nacieron en 1984 en un I.E.S. y con unos
motivos puramente pedagógicos. Un grupo de profesores creyeron inadecuado el método de enseñanza
del teatro, y especialmente del teatro clásico, porque lo que en verdad se enseñaba era “literatura dra-
mática”, pendiente siempre de cuestiones puramente literarias y ajena a la “puesta en escena” o el “he-
cho teatral”. Se quería que los alumnos no “leyeran” teatro, sino que “vieran” teatro. Por decirlo de otra
manera: se sabían la métrica del monólogo de Laurencia, su rima, algunas de sus figuras literarias, pero
no habían “visto” nunca “una Laurencia”. No conocían la magia del teatro. La mayoría de los alumnos no
habían visto jamás una obra de teatro, y la totalidad de ellos no habían presenciado una puesta en escena
de nuestros autores clásicos.
A partir de entonces su estructura básica más repetida fue de representaciones, conferencias y mesas
redondas, exposiciones, conciertos, y homenajes, a la que se sumaron a veces, lecturas dramatizadas,
proyecciones cinematográficas, muestra de teatro escolar, cursos e incluso se llegó, con el tiempo, a
logros tan significativos como producciones propias, tanto teatrales como musicales o coproducciones,
con otros festivales, con el Aula de Teatro de la UAL o con Escuelas de Teatro.
Inmediatamente surgió otro de los más obsesivos objetivos de las Jornadas: el acercamiento entre el
mundo de los investigadores (los “académicos”) y los que trabajan en el escenario (los “teatreros”). Que
ambos sintieran la necesidad de colaboración con el de enfrente para abordar con garantías los monta-
jes o las investigaciones teatrales era absolutamente imprescindible. Y esto se consiguió, constituyendo
uno de los mayores logros del festival y probablemente una de sus más apreciadas y evidentes señas
de identidad.
Muy pronto se contó con la colaboración de varias universidades y las de Navarra, La Rioja, Valladolid,
Burgos, Complutense, Castilla-La Mancha, Murcia, Sevilla, Huelva, Granada y Almería becaron a sus
alumnos para asistir a las Jornadas. La propia organización de las Jornadas concedía diez becas, ge-
neralmente destinadas a alumnos de escuelas de teatro o a estudiantes extranjeros. Así, durante los
días de las Jornadas se reunían en nuestra ciudad unas 150 personas, muchas de ellas jóvenes, que
hablaban y discutían en torno al teatro de nuestro Siglo de Oro, formando un foco de afición que, sin
duda, dio sus frutos.
Por Almería han pasado las mejores compañías del país: desde la Compañía Nacional de Teatro Clásico
hasta el Ballet Nacional de España; desde “Zampanó” y “Teatro Corsario” hasta “Micomicón” o “Nao
d’Amores”. Puede que no haya ningún director de prestigio que no haya traído sus obras a Almería: Al-
berto González Vergel, Manuel Canseco, Miguel Narros, José Sanchis Sinisterra, Ernesto Caballero, José
Luis Gómez, Ángel Facio y un larguísimo etcétera. Pero además se cuidó la condición internacional de
las Jornadas, trayendo a las compañías, actores y directores que se enfrentaban a trabajos de clásico
español. No obstante, y a pesar de todo lo que se lleva dicho, las Jornadas no tuvieron nunca la estabilidad
que requerían, y esto era denunciado año a año por sus organizadores. Las razones eran muy variadas,
pero sobre todo habría que centrarlas en:
a) las Jornadas dependían de una Asociación Cultural y no de algún ente público. Este carácter “de abajo
a arriba” ha sido determinante en la gestación, desarrollo y futuro del festival;
b) sin bien la respuesta del público era numerosa, algunas instituciones no vieron en ellas un aconteci-
miento de verdadero interés para la ciudad y no apostaron nunca por fortalecerlas;
c) no tuvieron nunca un equipo organizador profesionalizado, sino que dependían de profesionales, que,
con más o buena voluntad, programaban e incluso llegaban a solicitar créditos personales para pagar
puntualmente a las compañías contratadas;
d) la falta de colaboración entre instituciones de distinto signo político era y es evidente
e) algunos políticos no vieron en el festival un medio de dar a conocer su ciudad; la tan cacareada creación
de un turismo cultural nunca ha sido sincera, y la prueba estaba en que el festival jamás fue presentado
en plataformas tan decisivas como FITUR, mientras que sí lo hacían otros festivales;
f) los apoyos de las instituciones (con excepción de la Diputación Provincial) dependían siempre de la
personalidad del político de turno y no de la institución: a veces se conseguían promesas, que, al llegar
otro político, se desvanecían sin más explicaciones;
g) un ejemplo de la falta sincera de colaboración es que, tras ¡32 años! las Jornadas no tienen aún un
despacho para trabajar o un local donde guardar todo su archivo, que ya es de cierta consideración”.
Es cierto que se mantenía un nivel de programación; que la imaginación daba alas; que los objetivos se

7
artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
Antonio Serrano
iban cumpliendo y que el reconocimiento del festival iba en aumento, y la prueba estaba en la concesión
del Premio Max en el año 2012; pero las Jornadas no daban el salto definitivo que se ansiaba por parte
de los organizadores.
Las subvenciones del Ministerio y de la Junta perdieron su carácter nominativo, y esto significó un
importante golpe para la buena marcha y organización del festival. Los préstamos personales adqui-
rieron entonces una mayor necesidad, y el cansancio y la desmoralización de los organizadores fue en
aumento. Para colmo, la Junta de Andalucía incomprensiblemente retiró su patrocinio: otro ejemplo de
rivalidad política llevada a escenarios ajenos: “batallas de rateros en campos de pluma”, que diría don
Luis de Góngora.
Al día de hoy ha habido un cambio importante en las Jornadas con motivo de la nueva dirección asumida
por Carlos Góngora y que ha aplicado lógicamente unos nuevos criterios, aunque asumiendo la estructu-
ra general mantenida durante años: se han programado muchos más espectáculos, sobre todo de calle;
se ha abierto el abanico a otras actividades incluso no estrictamente relacionadas con el Siglo de Oro; se
han incorporado nuevas secciones; se han ganado espacios y se ha implicado más a la ciudad en “vivir” y
“sentir” las Jornadas. Lo conozco de cerca y sé que el esfuerzo de su actual director y del equipo del que
se ha rodeado está siendo enorme. Sé que se está creciendo ante las dificultades y sé que está derro-
chando voluntad. Sé que tiene capacidad sobrada para esta empresa. Sé que su pasión por la profesión
es a prueba de obstáculos y reveses.
Pero sé también del oportunismo de algunas instituciones (¡estamos en campaña electoral!); de las ve-
leidades de las personas y de la débil infraestructura que siguen ofreciendo las Jornadas después de 32
años. Confío en que Carlos Góngora sepa obtener de las instituciones el apoyo definitivo, conscientes al
fin de que un festival como éste es un bien cultural, económico, propagandístico y de prestigio para una
ciudad emergente como es Almería. Confío, espero y deseo de que con la dirección de Góngora ocurra
el despegue definitivo de las Jornadas. Y ahí van una serie de opiniones, que, siempre bajo mi prisma,
pueden ser importantes para esta revitalización.
En primer lugar, es imprescindible la creación de un ente, llámese como se llame, en el que participen
los Ayuntamientos de Almería y Roquetas, la Diputación Provincial, la Junta de Andalucía, el Ministerio
de Cultura y la Universidad de Almería. Este ente debe tener personalidad jurídica para solicitar subven-
ciones, firmar contratos, etc. Pero para ello es necesario que estas instituciones crean en las Jornadas y
apuesten por ellas.
Una vez creado este ente, y con dinero para programar dignamente, las Jornadas, siempre a mi juicio y
respetando la libertad y la independencia del director de turno, deberían seguir estas líneas:
1.- es muy conveniente profundizar en el acercamiento entre profesores y teatreros. Éste es un carácter
casi exclusivo de las Jornadas de Almería y le da valor;
2.- mantener el carácter internacional;
3.- el presupuesto de las Jornadas no puede ser inferior a los 150 / 200.000 euros, si se quiere un
festival digno;
4.- hay que hacer un estudio serio de los beneficios económicos, turísticos, culturales, etc. de las Jorna-
das. En el año 2010 un 72 % del presupuesto se quedó en Almería, sin contar la circulación de dinero
que aportaron los participantes durante 5 días en nuestra ciudad;
5.- las Jornadas deben tener una sede durante todo el año;
6.- el equipo de apoyo a la dirección de las Jornadas debe trabajar tres meses antes y después de cada
edición, y lo deben formar dos personas;
7.- el director de las Jornadas trabajará durante todo el año;
8.- hay que revitalizar el ciclo de conferencias, mesas redondas y coloquios, aunque probablemente con
un formato nuevo y más dinámico;
9.- hay que reintentar la publicación de actas, que se transforman en un codiciado material para profe-
sionales;
10.- se debería propiciar la colaboración con Escuelas de Teatro, Centros del Profesorado y Departamen-
tos de universidades para conseguir las becas perdidas;
11.- hay que entablar conversaciones con la Universidad de Almería para fijar el marco de colaboración
entre ella y el festival. Los objetivos deben ser los mismos y la confianza, mutua;
12.- se deberían continuar los homenajes a personas (vivas, por favor) que se distingan por sus aportacio-
nes al teatro áureo desde cualquier estamento.
Sea como sea, larga vida a las Jornadas en su nueva y esperanzada etapa.

8
artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
El Lazarillo de
Tormes
los personajes.
Teatro La Paca es una compañía joven pero con una dilatada
trayectoria profesional. Dirigida por Mari Carmen Gámez y To-
más Afán, se centra especialmente en la realización de espec-
táculos y montajes y en la puesta en marcha de programas tea-
trales, así como en el desarrollo de talleres didácticos. Entre
sus producciones propias están ‘Don Juan Tenorio’, ‘Cenicien-
ta’, ‘Cyrano de Bergerac’, ‘El Pequeño Quijote’, ‘El Fantasma de
Canterville’ o ‘El Soldadito de Plomo’.
taje, que cuenta también con la dirección literaria de Álvaro
Tato y la dirección musical de Miguel Magdalena. Juan Cañas,
Íñigo Echevarría, Daniel Rovalher, Álvaro Tato y Miguel Magda-
lena son los intérpretes que forman el elenco del espectáculo.
Fundada en 1996, Ron Lalá es una compañía de teatro y humor
con música en directo. Su propuesta, una combinación de mú-
sica y textos originales con un lenguaje escénico propio, puesto
al servicio del humor crítico y cítrico. Un trabajo de creación
colectiva que da lugar al inconfundible estilo Lalá. La compañía
fue ganadora de los XVI Premios MAX 2013 en la categoría de
Mejor empresa artes escénicas. Ron Lalá ha producido, entre
otros, los siguientes espectáculos: ‘Mi misterio del interior’
(2006), ‘Mundo y final’ (2008), ‘Ron Lalá Directo’ (2010), ‘TIME al
tiempo’ (2011), ‘Siglo de Oro, siglo de ahora (folía)’ (2012), ‘Esos
Locos Barrocos’ (2013).
La compañía de humor, teatro y música Ron
Lalá presenta su visión contemporánea de
uno de los grandes mitos de la literatura uni-
versal: Don Quijote de la Mancha de Miguel de
Cervantes. “Un canto a la imaginación, al libre
albedrío y a la rebeldía necesaria en el marco
de una época que guarda sorprendentes pare-
cidos con nuestra actual crisis de principios de
siglo. Un viaje del XVII al XXI a lomos de Roci-
nante”, expresan desde la compañía.
En un lugar del Quijote es una gran aventura
del teatro, la palabra y la música en directo
para experimentar toda la gracia, la magia, la
rebeldía, la tristeza y la hondura de una obra
inmortal. Yayo Cáceres es el director del mon-
Como actividad concertada con los centros
educativos del municipio, la compañía andalu-
za La Paca presenta su espectáculo El Laza-
rillo de Tormes, donde muestran una recrea-
ción del gran clásico de la literatura española
del siglo XVI. Tomás Afán es el autor de libre y
divertida dramaturgia de la obra. Él mismo se
encarga junto con Mari Carmen Gámez de la
dirección del espectáculo. “Pese a estar escri-
ta hace 500 años, la obra mantiene intacta toda
su frescura, su fuerza y su vigencia”, expresan
desde La Paca. Joaquín Fuente o Antonio Se-
rrano y Manuel Santervás o Sergio Pérez son
los actores que se encargan de interpretar a
15 de abril - teatro auditorio roquetas de mar
17 de abril - auditorio municipal maestro padilla
En un lugar del Quijote

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
18 de abril - auditorio municipal maestro padilla
18 de abril - teatro auditorio de el ejido
El Rey Perico y
la dama tuerta
jos de ser un cuento heroico, estos personajes se muestran,
grotescos, como una burla del orden establecido, de lo espera-
ble, y nos conducen, entre risas, a cuestionarnos el sentido de
nuestras convicciones... en el XVII y en el XXI. Alfonso Naranjo,
Eva Rubio, Manuel Solano, Abel Moral, Eduardo Tovar y Silvana
Navas son los intérpretes de la obra que cuenta con la esceno-
grafía de Israel García.
El Teatro del Velador se ha especializado en la puesta en es-
cena de textos españoles del Siglo de Oro inéditos, como ya
hicieron con ‘La Cárcel de Sevilla’. La Cantera Producciones,
nacida de 2006, presenta un teatro que aúna tanto los aspec-
tos más populares del teatro, como los más innovadores y
vanguardistas. Destaca la nominación a los premios Max, en
una compañía que ha realizado más de 200 representaciones
en los 4 últimos años.
Rey Montesinos, Arístides Naranjo y Justo Salas interpretan a
los personajes masculinos y femeninos de la obra en un juego
de roles que recuerda la ductibilidad interpretativa de aquellos
actores del Siglo de Oro y sobre todo, la visión del universo fe-
menino desde el imaginario masculino. La mirada femenina
es una constante en los acentos dramáticos y cómicos de sus
personajes, reivindicativa y mordaz, poniendo en tela de juicio
el mundo machista asociado a las apariencias y a la falta de
escrúpulos. En su interpretación, aparecen las tensiones explí-
citas entre el clasicismo, que es un arte racional, masculino y
apolíneo, y el barroco; apasionado, femenino y dionisíaco. Estas
criaturas escénicas tensan el eje del relato dramático de la co-
media aflorando desde la esencia misma de sus máscaras.
La compañía es un proyecto internacional que acoge actores y
actrices de Cuba y España con gran experiencia en la escena,
todos bajo la dirección de Liuba Cid.
Con versión y dirección de Liuba Cid, la com-
pañía Mephisto Teatro presenta esta irónica,
irreverente, mordaz y divertida propuesta de
la pieza de Molière en el que los límites de la
comedia son transgredidos tanto en lo visual
como en lo dramatúrgico. Jourdain, su prota-
gonista, representa una máscara específica,
un tipo humano que se ha ido reencarnando
a lo largo de la historia hasta nuestro tiempo
presente: el que prefiere aparentar antes que
ser, aunque para ello caiga en las formas más
ridículas de la impostura. El tema, como se
ve, es de todas las épocas. Los actores Fidel
Betancourt, Gabriel Buenaventura, Guillermo
Dorda, Jorge Ferrera, Juan Antonio Molina,
El rey Perico y la dama tuerta de Diego Veláz-
quez es una comedia burlesca dirigida y adap-
tada por Juan Dolores Caballero que ponen en
escena Teatro del Velador, La Cantera Produc-
ciones y Distrito Teatro. Un ejemplo de cómo la
comedia burlesca proponía un “mundo al re-
vés” donde lo trágico deja espacio a lo cómico,
donde se prescinde de las unidades de tiempo
y lugar, y se construye una gran ficción lúdica
cuyo principal objetivo es la provocación de la
risa. Una propuesta donde lo grotesco reúne
preciosos personajes que se muestran, bajo
la batuta del feísmo y el lirismo visual, en toda
su extraña y disparatada ternura. El texto tiene
todos los ingredientes para ser una aventura
épica: una Princesa casadera y voluble, un Rey
sin sucesor y caprichoso, un galán gallardo y
honorable, un escudero fiel y astuto... pero, le-
El burgués gentilhombre

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
La mujer por
fuerza
Barrocamiento de
Cía Siosi Teatro
se hospeda en casa de Alberto. Finea, hermana de Alberto, que
ha sido ocultada por éste para evitar así un encuentro con el
Conde, se ha enamorado de éste al observarlo a escondidas.
Cuando el Conde se marcha, Finea decide ir tras él y, disfrazán-
dose de hombre, entra a su servicio como criado y comienza la
verdadera historia.
José Maya Cortes es director, actor y fundador de la compañía
de teatro clásico Zampanó Teatro. Ha dirigido en total alrede-
dor de una treintena de textos de Siglo de Oro, con los que ha
recorrido durante 25 años gran parte de los pueblos perdidos
del mundo. Ha completado trilogías sobre Calderón, Lope de
Vega y Tirso de Molina. Es uno de los directores que más ha
hecho porque resuenen las palabras de los clásicos.
amor, los amores no solo a los seres y personas, pero siempre,
eso sí, como llama precisa y eterna. Vivieron su siglo. Alguna
alcanzó más notoriedad que otras. Varias fueron casi olvidadas
pese a su prestigio. Estas tres mujeres representan a otras que
intentaron un camino similar pero está no es una obra de bio-
grafías; la compañía ha intentando acertar, pero hablando más
de un modo de ser y de un modo de vivir, soñar y perdurar.
Taly como explican sus componentes, Siosi Teatro nace de la ne-
cesidad de “contar historias que de otro modo como actrices no
tendríamos la oportunidad de abordar. Queremos recuperar el
valor del lenguaje y rescatar voces que han sido olvidadas por la
historia y cuyo valor artístico es incuestionable. Sin cuestionar
la calidad indiscutible de sus obras, descartamos la posibilidad
de revisitar a los clásicos. Esta decisión nos llevó a investigar
textos menos populares, y nuestra inquietud nos hizo pasar de
los autores... a las autoras (...) y quisimos no sólo recordar sus
poemas y sus pensamientos, si no revivirlos” con la ayuda de un
dramaturgo de la talla de Fernando Sansegundo.
Alicia Lobo, Rocío Marín y Zaloa Zamarreño
dan vida a Sor Juana Inés de la Cruz, María
de Zayas y Feliciana Enriquez de Guzmán, tres
escritoras del siglo XVII y protagonistas de Ba-
rrocamiento, espectáculo con dramaturgia y
dirección de Fernando Sansegundo que pone
en escena la compañía Siosi Teatro. Una his-
toria interminada e interminable de tres mu-
jeres cuya vida no acabó con la muerte porque
siguieron vivas al transmitir por medio de sus
escritos su ansia de libertad, de independencia,
de dignidad por encima de todo. Y su medio, el
La mujer por fuerza de Tirso de Molina es una
de las pocas comedias del Siglo de Oro don-
de las protagonistas femeninas no basan su
comportamiento en salvar su honra o su ho-
nor mancillada por el galán de turno sino que
su protagonista en un personaje transgresor
que se adelanta a su tiempo actuando de una
manera más inteligente y creativa de lo que
se les permitía a las mujeres de su época. La
versión que presenta la Compañía José Maya
parte de una adaptación realizada por José
María Ruano de la Haza y versión escenificada
de Amaya Curieses bajo la dirección del pro-
pio José Maya.
Sobre el escenario siete intérpretes –Alicia
Rodríguez, Alex Tormo, José Bustos, José Ca-
rrasco, Alicia González Chiqui Maya y Ana Alon-
so/Iria Márquez dan vida a la historia que co-
mienza cuando el Conde Federico, enviado por
el Rey de Nápoles a una embajada a Hungría,
19 DE ABRIL - auditorio municipal maestro padilla
20 DE ABRIL - teatro apolo

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
Misterio del Cristo
de los Gascones
Gaudeamus de
La Chana Teatro
directo de piezas musicales que pudieron articular una cere-
monia de este tipo, la compañía desarrolla una puesta en es-
cena que combina el trabajo actoral con el teatro de títeres, y
que supone un acercamiento a los orígenes del teatro moder-
no. Una reivindicación del peculiar Patrimonio vivo, abordada
desde una perspectiva contemporánea.
Gómez Manrique, Alonso del Capo, Diego de San Pedro Fray Iñi-
go de Mendoza son atores de los textos de los que a partido este
espectáculo por el que Ana Zamora y la compañía han sido galar-
donados on el Premio Ojo Crítico de RNE por su “imprescindible
viaje a los orígenes de nuestro teatro, guiados por una mirada res-
petuosa a la vez que imaginativa; culta al tiempo que popular”.
Nao d´amores nace en 2001 de la mano de un colectivo de pro-
fesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la mú-
sica antigua, que bajo la dirección de Ana Zamora, desarrolla
una labor de investigación y formación para la puesta en esce-
na del teatro medieval y renacentista. Su manera de escenifi-
cación articula técnicas escénicas muy primitivas desde una
óptica contemporánea, para reivindicar el hecho teatral en su
carácter específico, único e irrepetible.
Santos– encarna todos los personajes ejerciendo de narrador,
actor, títere y objeto a la vez
La Chana Teatro se funda en 1987 en Salamanca por Aurea Pé-
rez y Jaime Santos. A lo largo de estos años han buscado una
forma propia de contar sus historias, tocando muchos palos,
pero teniendo siempre como protagonistas al objeto, la pala-
bra, el espacio y la interpretación. “Nuestro trabajo está funda-
mentado en la metáfora, y en la persecución de ella ponemos
todo nuestro empeño, en la sencillez escénica, la calidad de
los textos, la inteligencia en la puesta en escena, el minucioso
trabajo con los objetos y la calidad interpretativa” explican los
fundadores de la compañía.
La Chana Teatro presenta Gaudeamus, uni-
personal interpretado por Jaime Santos, en-
cargado a su vez de la dramaturgia y dirección
de esta obra basada en ‘El licenciado Vidriera’
de Miguel de Cervantes.
Los deseos de un joven pobre de hacerse fa-
moso por sus conocimientos para salir de la
miseria centran este divertido espectáculo de
teatro de objetos. La magia del teatro de obje-
tos cargado de metáforas y pequeños milagros
junto a un texto con tono cervantino y vigen-
cia atemporal. La crítica social que ‘El licen-
ciado Vidriera’ ejerce sobre todo estamento y
profesión en Gaudeamus, no es expresada ex-
plícitamente sino encarnada teatralmente en
los personajes-objetos, y se aprovecha así el
verbo cervantino para crear una pieza rica en
registros. El único actor-manipulador –Jaime
La obra que presenta Nao d´amores, con dra-
maturgia y dirección de Ana Zamora es una
recreación libre de la ceremonia litúrgica que
debía representarse en la Iglesia de San Jus-
to, en Segovia, en tiempos medievales, para la
cual se talló el Cristo de los Gascones, una de
las piezas más significativas del patrimonio ro-
mánico español.
A través de una dramaturgia realizada a par-
tir de textos históricos de diversa procedencia,
mediante la investigación e interpretación en
22 DE ABRIL - teatro auditorio

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
El médico de
su honra
El lenguaje de
tus ojos
toria se caracteriza por un especial tratamiento de los clásicos
en lengua castellana. Por otro lado, pone en escena novedosos
espectáculos de títeres para adultos de ámbito internacional.
Actualmente coproduce sus espectáculos con la Junta de Cas-
tilla y León. Fernando Urdiales (Premio Castilla y León de las
Artes) fue hasta su fallecimiento en diciembre de 2010 el direc-
tor de los espectáculos de actores. Jesús Peña es el director
de los nuevos espectáculos de teatro clásico: ‘El médico de su
honra’ de Calderón —incluido en la programación de 2015 de
la Compañía Nacional de Teatro Clásico— y ‘Clásicos Cómicos’
(Entremeses de burlas). La compañía realiza giras por toda Es-
paña, Europa, Sudamérica, Centroamérica y Estados Unidos,
habiendo recibido premios como el Max, Adolfo Marsillach,
Festival Don Quijote, Castillo de Alcañiz o Garnacha.
Por otro lado, el príncipe de Castilla ha pedido la mano de la prin-
cesa para poder unir ambos reinos y así aliviar las tensiones entre
ellos. Este conflicto querrá ser utilizado por Federico (cortesano al
servicio de la Princesa) para trepar en la corte y eliminar a Lelio,
al que considera su rival.
La compañía Teatro de la Danza representa la obra El lenguaje
detusojos de Pierre Marivaux, donde las intrigas, sobornos y pa-
siones de unos y de otros, buscando conseguir sus deseos más
ocultos, se irán desarrollando en un juego escénico donde las
miradas toman la palabra cuando las palabras son insuficientes.
Amelia Ochandiano firma la versión y la dirección del montaje
que cuenta con los actores Cristina Castaño, Iker Lastra, Rebeca
Valls, Jacobo Dicenta, Beatriz Bergamín y Juan Gea.
Teatro de la Danza nació en 1977 con dos retos importantes:
la idea de colectivo de trabajo estable, alrededor de un estilo
propio, y la investigación como principal aliciente creativo, en
permanente contacto con la realidad social, empresarial y eco-
nómica del sector. Ha recibido, entre otros, 12 Premios Max y 6
Premios de la Unión de actores.
La Princesa de Barcelona se ha enamorado
de Lelio, un hombre misterioso, pero teme-
rosa de no cumplir con su deber de casarse
con un príncipe, insta a Hortensia (amiga suya
y confidente) a que investigue los orígenes de
su amado. Pero cuando Hortensia se encuen-
tra con Lelio, reconoce en él al hombre que le
había salvado de unos ladrones y del que no ha
podido olvidarse. El sentimiento es mutuo, pero
Hortensia no querrá traicionar a su amiga.
Con versión y dirección de Jesús Peña, la com-
pañía Teatro Corsario presenta la obra El mé-
dico de su honra, uno de los dramas más cono-
cidos de Calderón de la Barca que se estrenó
en Madrid en 1635. Considerado un drama
de honor, la obra describe los tratos de doña
Mencía, esposa de don Gutierre, y don Enrique
de Trastámara, hermano de Pedro I de Casti-
lla. Aunque doña Mencía no llega a cometer
adulterio, don Gutierre advierte sus amoríos
y, celoso de dichos tratos y de su honor, bus-
ca un cirujano que desangre a su esposa, su-
puestamente enferma. Verónica Ronda, Carlos
Pinedo, Julio Lázaro, Luis Miguel García, Rosa
Manzano, Rubén Pérez, Borja Semprún y Te-
resa Lázaro forman el elenco de actores del
espectáculo, que cuenta con la música original
de Juan Carlos Martín.
Teatro Corsario se forma en 1982. Su trayec-

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
El coloquio de
los perros
La escuela de
los vicios
Cervantes reflexiona sobre las relaciones entre la verosimilitud
y la realidad, sobre la corrupción y egoísmo de la sociedad, y lo
más importante, sobre la fraternidad del ser humano.
En esta propuesta de Francisco Negro se han cambiado los
papeles originales que protagonizaban dos perros (y de una
evidente ambigüedad a la hora de plasmarlos con verismo)
por el de un hidalgo depauperado y un mendigo harapiento,
también “perros” desheredados de la fortuna, que, con el
mismo afán que Cervantes, narran sus experiencias entre lo
amargo y la comedia.
Morfeo Teatro, compañía residente en Burgos, pretende acercar
al espectador a la época en que las obras fueron concebidas y al
disfrute del texto clásico. ‘De burladores y burlados’, ‘La lozana
andaluza’, ‘El médico a palos’, ‘El sombrero de tres picos’ o ‘La
sombre del Tenorio’ son algunos de los espectáculos puestos
en escena por la compañía, que ha actuado en festivales de toda
España y América y ha sido galardonada, entre otros, con pre-
mios como el Teatro de Rojas, Garnacha o El Paso.
un retablo de máscaras, sobre un suelo de charol negro pro-
yectado al infinito por un gigantesco y viejo espejo de fondo.
Para el final del espectáculo baja un gran telón que muestra a
los grotescos personajes de las pinturas negras de Goya, fusio-
nando los recién nombrados y conspicuos Ministro y Magistra-
do con la caricatura mordaz de la España de ese otro gran ge-
nio, y que sirve para resaltar la cáustica crítica de Quevedo a la
corrupción de los gobernantes de su tiempo, evidente reflejo de
nuestra historia reciente. ”El espectáculo es políticamente in-
correcto, tiene una alta dosis de inquina, es hiriente, cáustico, y
por ende provoca risa inteligente, por lo que puede desaconse-
jarse su ingesta a públicos con mentalidad ultraconservadora,
o que vayan al teatro sólo a pasar un buen rato y no pensar”.
Morfeo Teatro presenta esta pieza basada en
las sátiras y discursos políticos de Quevedo. La
obra presenta a un extravagante diablo espe-
rando a dos necios a los que espera cautivar
con su “escuela de los vicios”, la única en que
los alumnos cobran por aprender. Las titula-
ciones serán: bachiller en mentir, licenciado en
engañar, doctor en robar y catedrático en me-
drar. Los dos necios, tras una inicial reticencia
al ver que es el diablo quien imparte las cla-
ses, se meten de lleno en el aprendizaje por
el generoso acuerdo propuesto, consiguiendo
excelentes resultados, y mucho más allá de
sus expectativas, al ser nombrados Ministro y
Magistrado respectivamente. Aunque el diablo
tiene una última enseñanza...
Dirigida por Francisco Negro, la obra muestra
un decorado contemporáneo, en contraste con
un vestuario de época, y presenta al diablo con
El coloquio de los perros escenifica la con-
versación entre dos perros, llamados Cipión
(Mayte Bona) y Berganza (Francisco Negro),
que al comprobar que han adquirido la facul-
tad de hablar deciden contar sus experiencias
con distintos amos, y a esperas de que una
profecía les convierta en hombres, el enigma
se resuelve sorpresivamente tras una fantas-
mal aparición. El relato de Miguel de Cervantes
está construido según los principios de la no-
vela picaresca. Mediante el contrapunto de los
comentarios de los perros, en la adaptación de
Morfeo Teatro ya personas, un viejo y taciturno
26 DE ABRIL - teatro auditorio

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
El Fórum Paraninfo: Historias y Prácticas del
Arte Escénico se inaugura el 9 de abril con
tres ponencias a cargo de Mª José Sánchez,
Lucía Romero y Diana de Paco que hablarán
sobre ‘¿Qué es el teatro?’, ‘El teatro en la Gre-
cia clásica’ y El teatro griego en el teatro es-
pañol respectivamente. para dar paso al día
siguiente a las conferencias de Manuel López
Muñoz –’El teatro en Roma–, Milagro Martín
–Espacios escénicos en la Italia Renacentis-
ta, Juana Escabias –’Escritoras invisibles del Siglo de Oro– y
Antonio Serrano –que presenta el libro ‘Siglo de Oro, siglo de
ahora’–.. El día 17 será el turno de Antonio Orejudo –’El teatro
del Siglo de Oro’– y Gregorio Cabello –’Homenaje a Francisco
Ruiz Ramón’– mientras que el 18 participarán Alfonso Zurro
–’Dirección escénica frente a literatura dramática’–, Julio
Béjar y Pedro D. Yanguas ‘Obrar el misterio: teoría y prác-
tica de la interpretación’– y Eva Moreno –’Poética escénica
de la escenografía y el vestuario en el siglo XX’–. Para el 24
está prevista la conferencia de Concha Fernández –’Sedas y
Fórum, Jornaditas y múltiples
actividades para todos los públicos
Un año más las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro acogen una nueva edición de Fórum Para-
ninfo, nueve días en los que reconocidos académicos de diferentes universidades presentan sus
ponencia, una cita ineludible para alumnos y estudiosos del teatro. Esta edición llevan por título
‘Historias y Prácticas del Arte Escénico’ El Fórum Jornaditas es una jornada literaria dirigida al
profesorado que este año gira en torno al tema ‘Es moderno ser clásico’ mientras que el Fórum
Roquetas es una conferencia con motivo del V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa a cargo
de Asunción Valgañón. Todo esto sin olvidar las extensiones de las jornadas por diversos muni-
cipios de la provincia donde disfrutar con los espectáculos ‘Mucho Shakespeare’ de Malaje Sólo
y ‘Don Quijote y Sancho Panza’ de Los Claveles y varios programas para público adulto y otros
tantos para escolares y público familiar.

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artez
DELSIGLODEORO
Del9al26deabril2015
telones: La invisibilidad de las mujeres dra-
maturgas del siglo XIX–, y el día 25 harán lo
propio Francisco Gutiérrez –’Dramaturgas del
siglo XXI’– y Susana Nicolás –’El teatro inglés
contemporáneo’– para dar paso a la sesión de
clausura a cargo de Mª Elena Jaime, Manuel
López y Lucía Romero. Además el 23 de abril
y en la Escuela Municipal de Música de Ro-
quetas se llevará a cabo el Fórum Roquetas
con una conferencia a cargo de la escritora
Asunción Valgañón titulada ‘V Centenario del
nacimiento de Santa Teresa’.
Varios programas
Denominado como ‘En un lugar de la Man-
cha’, durante las jornadas, y con el objetivo
de homenajear los 400 años de la publicación
de la segunda parte de la universal novela de
Cervantes, el grafitero Makiniko pintará XII
ilustraciones del Quijote en la calle Zaragoza
de la capital. Con el programa ‘Dulces Tardes
Poéticas’ todas las tardes, de lunes a viernes,
se podrá tomar té, café con pastas mientras
se escucha y participa de recitales poéticos,
música flamenca o rap. El programa ‘Fla-
menco’ es un ciclo municipal de Divulgación
del Flamenco mientras que las denominadas
como ‘Jornadas de Vino’ se desarrollarán los
días 9, 10 y 11 en tres bodegas diferentes en
las que se podrá disfrutar de una degustación
de vino acompañada de la música de Diego
Cruz Quartet. Completan estos programas
‘El off del Siglo de Oro’, una programación de
pequeñas representaciones teatrales de 15
minutos de duración y ‘Palante a la Alcazaba’,
elaborado especialmente por voluntarios de
la Fundación Caixa que facilitarán el acceso a
la Alcazaba a personas con movilidad reduci-
da para que asistan a la representación de la
obra Don Quijote una adaptación de Hadi Ku-
rich dirigida por el mismo que pone en escena
Teatro de la Resistencia.
Entre el 12 y el 25 de abril las calles del centro de la ciudad
viajan en el tiempo y se engalanan con banderolas y pendones,
con árboles a lo que les cuelgan poesías que serán recitadas
en el Jardín de las Palabras. En la Calle de Música suena mú-
sica barroca y del renacimiento y en el Palacio de los Cómicos
se representan Pasos y Entremeses además de pasacalles y
espectáculos itinerantes como El paseo de las Meninas de
Axioma Teatro, el Pasacalles Barroco de La Duda o los es-
pectáculos Gangarilla y Gangarilla 2 de Escenalia.
jornaditas
Del 13 al 19 de abril se desarrollan las Jornaditas que tiene
como propósito segur manteniendo la vinculación de los cen-
tros educativo con el Teatro Clásico. En el ciclo o programa
‘Clásicos a escena’ participan ocho centros que pondrán en
escena otros tantos espectáculos protagonizados por su alum-
nado que este año han contado, para su preparación con un
asesor teatral profesional. ‘Rapeando el verso’ está dirigido
a alumnos de secundaria, una propuesta que incluye el es-
pectáculo Una noche blanca con los clásicos de la mano de
la Compañía Blanca Marsillach / Varela Producciones con el
que acercar los autores del Siglo de Oro a los más jóvenes. Y
además Dirigido al mismo público ‘Leer Almería’, donde po-
drán leer los espacios del Barroco, la literatura y la música de
la época en el convento de las Puras y ‘Somos clásicos’ una
concentración y pasacalles de lectura en voz alta para toda la
familia. Además, el Fórum Jornaditas jornada literaria el 18 de
abril dirigida al profesorado bajo el título ‘Es moderno ser clá-
sico’ de la mano de la escritora Rosa Navarro, los profesores
José Cañas y Toni Solano y el escritor Fernando Lalana. Y si
esto fuera poco, talleres cervantinos de improvisación teatral y
visitas tematizadas cervantinas en el Castillo de Santa Ana.
Este año se va a poder disfrutar con tres exposiciones que
salen de los museos y acercan las imágenes de las jornadas
a la ciudad y la ciudad a las jornadas. ‘Ellas también fueron
Clásicas’ conformada por los pósters elaborados por los
alumnos en torno a la infancia de los escritores del Siglo de
Oro que serán expuestos en escaparates del centro de la ciu-
dad; ‘31 Años de Jornadas’ en 7ART y Microteatro y ‘Fotogra-
fías, XXXII Jornadas del Siglo de Oro’ en Sala Makiniko.

56
15 mayo
junio15 mayo
junio
L
a compañía gestora y residente del
Teatro Principal del Ayuntamiento
de Alcoi, La Dependet estrena en
la Mostra Matant el temps un mo-
nólogo de Pasqual Alapont interpretado
por Joan Gadea y dirigido por Pepa Miralles
en el que su protagonista “emprende una
travesía hacia la nostalgia y hacia la espe-
ranza, pero también es una reivindicación
de la comedia y las ganas de compartir con
los amigos la fiesta de la vida”. Estreno
es también Paraules majors obra escrita
y dirigida por Roberto García que pone
en escena L´Horta Teatre y habla sobre
la situación política actual, concretamente
sobre el año 2015, “el año del éxtasis elec-
toral”. Angoixa Teatre presenta por vez
primera ante el público Laura con texto de
Marcos Cantó – quien también se encarga
de su dirección junto a Pep Cortés– una
obra sobre la incomunicación dentro del
núcleo familiar que da continuidad a la línea
de sus propuestas anteriores que versaban
sobre problemas importantes de nuestro
entorno social.
Dos espectáculos especiales, 25 anys de
romanços de Pot de Plom, un unipersonal
de Xavi Castillo que fiel a su estilo desgrana
la actualidad con su personal humor lleno
de crítica política. En esta ocasión y debido
a la vinculación de Castillo con la Mostra
ofrecerá un “remix” de sus espectáculos
en el que no faltarán las referencias a los
25 años de la Mostra. El segundo, En per-
sona guanye llega de la mano de Eugeni
Alemany monologuista “punzante y crítico”
que actuará en la celebración especial que
tendrá lugar con los profesionales acredita-
dos esta edición.
Relaciones humanas
Titzina llega a Alcoi con Distancia 7
minutos, una obra escrita dirigida e inter-
pretada por Diego Lorca y Pako Merino en
la que a través de la relación de un padre
y un hijo se reflexiona sobre temas funda-
mentales como la justicia, la felicidad o el
destino. Producciones Zero-Laiogurt
presentan Pep Talk un monólogo dirigido
por Iban Beltran en Pep Garcia-Pascual da
vida a Pep Guardiola, dispuesto a dar una
conferencia en la que explica a empresa-
rios como aplicar su método. El espectáculo
que presenta La Teta Calva, Penev toma
su nombre del mítico jugador del valencia
Lubo Penev, una obra de Xavo Giménez so-
bre la desidia y la esperanza frustrada, una
obra en la que el fútbol y el teatro se dan la
mano y se ponen la zancadilla. Arden por
XXV Mostra de Teatre d´Alcoi
Un cuarto de siglo trabajando
con y por el teatro valenciano
Del 30 de mayo al 5 de junio tendrá lugar una nueva edi-
ción de la Mostra de Teatre d´Alcoi con la que celebra
su 25 aniversario, motivo por el que se presenta bajo el
lema‘25 companyies x 25 anys de la Mostra’. 25 son por
tanto los años de la Mostra y 25 las compañías que pon-
drán en escena sus montajes parte de ellos, un total de
once, dirigidos al público infantil, escolar y familiar y que
se enmarcan en la denominada como ‘La Mostra més
Jove’. Tres estrenos absolutos, los de las compañías La
Dependent, L´Horta y AngoixaTeatre, dos espectáculos
creados expresamente para celebrar esta efeméride,los
de Pot de Plom y Eugeni Alemany junto con el resto
de programación se mostrarán en los cuatro teatros
habituales, Calderón, Principal, Salesianos y el Centre
Cultural además de diversos espacios calle del centro
de la localidad. Junto con la exhibición de espectáculos,
durante la Mostrase se llevarán a cabo varias actividades
profesionales como un taller organizado por COFAE
denominado‘Posicionamiento digital para compañías de
Artes Escénicas’, los Encuentros COFAE con el Sector
en los que se reflexionará sobre los festivales de pe-
queño formato y el Encuentro de la Xarxa Alcover de
Teatres y la presentación de actividades de la Asociación
de Gestores Culturales del PaísValenciano.
Post-Clàssic de Tortell Poltrona ©Ros Ribas

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su parte pondrá en escena Matar al rey,
un nuevo espectáculo con texto y direc-
ción de Chema Cardeña sobre personajes
y situaciones históricas, en este caso en el
reinado de Enrique IV, también llamado ‘el
Impotente’, “un tiempo tenso y complicado
con unas ansias enormes de prosperar y
abrirse paso hacia un Renacimiento aún le-
jano. Una sociedad convulsa y confusa con
unos gobernantes desesperados por el po-
der…”. Caminando con Antonio Machado
es un espectáculo íntimo con dramaturgia,
dirección e interpretación de José Sacris-
tán en el que, acompañado al violonchelo
Aurora Martínez Piqué Nota e propone un
viaje, verso a verso “de vuelta a la infancia
de, no solo uno de los más grandes poetas,
sino de uno de los más honrados, leales,
sencillos, consecuentes, insobornables y
lúcidos pensadores-testigos de su tiempo.
De todos los tiempos” explica Sacristán.
Completan la programación para adultos
Temptacions “una vídeo-instalación sobre el
éxito y el fracaso. Versión electrónica libre de
la música de la Historia de un soldado de Igor
Stravinsky, con textos de Charles Ferdinand
Ramuz” de La Fura dels Baus y fiel a su es-
tilo Joglars presentan VIP una obra llena de
humor presentada en forma de ceremonial
que reflexiona en palabras de sus autores
sobre “nuestra sociedad que se comporta
de esta manera tan condescendiente con
sus retoños”. El Ballet de la Generalitat pre-
senta Clássics compuesta por las coreogra-
fías Yoshua Cienfuegos, Rafa Darder y Paolo
Mohovich desarrolladas sobre músicas de
Bach, Haendel, Tchaikosky y Hildemint y de
danza pero breakdance es Divenire espec-
táculo dirigido por Jordi Vilaseca de Circle of
Trust & Logela.
Mostra més Jove
Los espectáculos para el público infantil
y familiar se engloban dentro del programa
‘La Mostra més Jove’; montajes de teatro
de calle como Collaje de Bot-Project, In-
Compatibles de Des-Equilibrats o Pop´s
Corn de Maduixa se darán cita en Alcoi junto
a propuestas de danza como ¿Cuál es mi
nombre? que dirige Rosa Díaz ‘La Rous’
para Da.Te Danza o el musical Aladín, un
musical genial de Trencadís. Saga Produc-
ciones también sube al escenario un cuen-
to clásico, Alicia de Lewis Carrol y el arte
del clown toma protagonismo de la mano
de dos grandes, PTV-Clown con Ya está! y
Tortell Poltrona con Post-Clàssic. Los títeres
también estarán presentes en Alcoi con los
espectáculosVuelaPlumadePeriferiaTeatro
y M i les balenes de Lupa Teatre. Completa
la programación Les histories de la senyora
Cullereta una obra llena de humor del grupo
de Alcoi Faula Teatre.
Distancia 7 minutos de Titzina ©Raul Lorenzo
Penev de La Teta Calva

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15 mayo
junio15 mayo
junio
M
ás de 70 funciones de 50 compa-
ñías conforman la programación
de la 38 edición del Festival de
Teatro de El Ejido que organiza
el Área de Cultura del Ayuntamiento de la
localidad y tendrá lugar del 16 de mayo al
13 de junio. Pero antes, del 18 de abril al
15 de mayo se celebra la XXVI Muestra de
Teatro de El Ejido, antesala del festival en
la que 26 grupos de teatro aficionado del
municipio pondrán en escena sus trabajos.
Con la Gala de Presentación del Festival
que tendrá lugar en el Auditorio se inaugura
esta edición en la que se podrá disfrutar con
espectáculos como Sorolla del Ballet Nacio-
nal de España que dirige Antonio Najarro,
montaje inspirado en la colección “Visión de
España” del pintor Joaquín Sorolla, Mother
África, circo contemporáneo con artistas de
diversos lugares de África de Circus der Sin-
ne –Circo de los sentidos– que dirige Wins-
ton Ruddle, o varias representaciones de
The Hole, un show fresco y descarado mez-
cla de cabaret, teatro burlesque, circo, mú-
sica y humor de Yllana, Lets Go y Paco León.
Yllana llega también para poner en escena
The Gagfather con la que realiza un home-
naje al cine negro mediante delirantes situa-
ciones de humor negro y el código gestual
que caracteriza a la compañía y el humor es
también el gran protagonista de la particular
versión de El Eunuco de Pentación o Tamaño
Familiar de Lazona, ambas propuestas pro-
tagonizadas por conocidos intérpretes de la
escena como Anabel Alonso, Pepón Nieto o
Llum Barrera entre otros.
Dos unipersonales protagonizados por
dos reconocios actores, Caminando con
Antonio Machado de Metrópolis Teatro
con dramaturgia, interpretación y dirección
de José Sacristán, un viaje de vuelta a la
infancia del gran escritor verso a verso en
compañía de la música de violonchelo inter-
pretada en directo por Aurora Martínez Pi-
qué y El asno de oro de Rafael Álvarez El
Brujo una obra sobre la vida y la muerte a
partir del relato del mismo nombre escrito
por Lucio Apuleyo, considerado como uno
de los padres de la novela en Roma.
Unipersonal es también Oh Vino! de la Cía.
La Líquida, montaje escrito, dirigido e inter-
pretado por David García-Intriago que pone
en escena la mítica historia de Dionisos, dios
del vino y del teatro, de la risa y de la liber-
tad, un espectáculo lleno de humor en el que
el público puede degustar vino. Y el humor
es también uno de los protagonistas de M
el Maravillador último trabajo de MagoMigue,
Premio Mundial de Magia, una comedia de
“Arte Dramágico” que combina teatro, ca-
baret, ilusionismo, música y mucha magia
dirigida a todos los públicos.
La coproducción de Micomicón y el CDN
El triángulo azul, dirigida por Laila Ripoll na-
rra la historia de los miles de españoles que
estuvieron presos –muchos de ellos fueron
asesinados– por los nazis en el campo de
concentración de Mauthausen. Un recono-
cimiento a todas aquellas personas que
“sesenta años después y todavía, a día de
hoy, ni un triste monolito lor recuerda”.
Como novedad esta edición presenta
‘Apuesta Raíces’ una línea de programa-
ción en la que tienen cabida espectáculos
de personas de El Ejido o vinculadas al fes-
tival entre las que se encuentran el estreno
de Salvajes de Norbac, las obras Luz frágil
de Limbo Teatro, La Morera de G&G, Mi-
croteatro de Antenotario, Pirratas de Cia.
Botavara y dirigida al público familiar o la
Gala Danza del Conservatorio Profesio-
nal de Danza de Almería entre otras.
Además de los montajes de sala mencio-
nados que tendrán lugar en el Auditorio y
en el Teatro Principal el festival incluye es-
pectáculos de calle como Me va gustando
de Marcos Vargas & Chloé Brûle que
vuelven a visitar el festival con un espec-
táculo de danza contemporánea y flamenco
bailado sobre el agua en el parque munici-
pal, Lucha de Rolabola o The puppet circus
de Alauda Teatro.
Y no hay que olvidar las programaciones
Noches golfas y Off con 12 espectáculos
que tendrán lugar ya entrada la noche en
locales de copas de El Ejido además de
actividades paralelas como la exposición
vestuario ‘Andalucía viste su escena’ en el
vestíbulo del Auditorio, la charla con Paqui-
ta Ferragut, una master class de improvi-
sación a cargo de Impropatía y dos cursos
de teatro entre otras.
XXXVIII Festival de Teatro de El Ejido
Un gran festival generalista
de referencia en Almería
El triángulo azul de Micomicón y el CDN ©marcosGpunto

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L
a localidad guipuzcoana de Ei-
bar vuelve a celebrar una nueva
edición de la Muestra de Teatro
Escolar del Bajo Deba, la trigé-
sima primera, que tendrá lugar del 9
al 27 de mayo con la participación de
cinco compañías que pondrán en esce-
na otros tantos espectáculos dirigidos,
todos ellos, al público familiar. Sueños
de arena será el montaje que inaugu-
rará esta nueva edición de la mues-
tra, espectáculo que pondrá en escena la
Cia. Borja Ytuquepintas, en el Coliseo,
una obra de “arte con arena, marionetas
y música”, una bella historia contada con la
arena como medio y en un ambiente íntimo
envuelto por una sugerente música. El res-
to de espectáculos se llevarán a cabo en
el escenario de la Universidad. Por orden
cronológico el primero será Código postal
de Engruna Teatre, una experiencia única
en el mundo de la comunicación. El público
se encontrará con la oficina Código Postal
00, un lugar al que llegan cartas y paque-
tes de todo el mundo llenas de secretos, de
historias de amor, de viajes... un lugar muy
especial en el que sus dos protagonistas
necesitarán de la participación público para
poder llevar a cabo su labor...
LaEnanaNaranja por su parte hará can-
tar al público con Kontukantari, espectáculo
de marionetas en euskera con el que harán
recordar a los mayores y enseñar a los más
pequeños canciones del repertorio popular
como ‘Itxasontzi baten’, ‘Tan Txibiri’, ‘Baga
biga higa’ o ‘Ixil ixilik’ entre otras y títe-
res son también los protagonistas de
Bolaluma de Kixka Antzerki Taldea.
En El sobrino de Méliès Produccio-
nes Cachivache combina teatro, ma-
gia, cine, globoflexia y sombras para
llevar al escenario los comienzos del
Cinematógrafo en una obra que pro-
tagoniza Jean Philippe Atchoum. Se
completa la programación de esta
edición con la obra Entre pícaros
anda el juego de La Quimera de Plástico.
Esta obra de Luis Matilla es un montaje de
teatro de actores protagonizado por una
antigua compañía de cómicos que llegará
en su carromato de viaje, convertido en
escenario para dar noticia al público de
sus múltiples habilidades... unos persona-
jes que son a su vez los pícaros, pillos y
truhanes de una época pasada, famosos
algunos, otros no tanto, pero protagonis-
tas de una parte de la literatura como es
“la picaresca”.
XXXI Muestra de Teatro Escolar del Bajo Deba
Arena, títeres, actores y
música en el teatro familiar
Código postal de Engruna Teatre

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E
l Concurso Internacional de Música
Callejera-Haizetara, organizado por
Ametx, Organismo Autónomo muni-
cipal de cultura de la localidad viz-
caína de Amorebieta-Etxano, cumple este
año su décimo aniversario. Para celebrarlo,
este año no se ha realizado una convocato-
ria al uso, sino que la organización ha invi-
tado a las nueve bandas ganadoras de las
ediciones precedentes. Serán ocho las que
participen en el concurso, mientras que la
ganadora de la cuarta edición realizará una
actuación especial fuera del mismo.
Banda de la María fue el grupo vence-
dor de la primera edición de Haizetara en
2006, y por tanto uno de los que estarán
presentes en esta edición, que se celebrará
los días 19, 20 y 21 de junio. La sevillana
es la única banda española que se ha alza-
do con el primer premio hasta la fecha.
Por otro lado, cuatro bandas serán las que
lleguen desde Francia. La parisina No Water
Please fue la ganadora del segundo concur-
so, una banda que trabaja estilos como el
funk, la salsa o el punk. Funky Style Brass
es una banda creada en 2005 donde 9 mú-
sicos combinan estilos pasando del hip-hop
al rock o del zouk a la música electrónica.
En 2011 ganaron tanto el primer premio del
concurso como el premio otorgado por el
público. Le Bus Rouge, por su parte, es una
fanfarria de Lyon que cuenta con 11 músicos
de diferentes disciplinas (clowns, cómicos...).
La cuarta banda francesa será La Fanfare
en Pétard, que ofrecerá su representación
fuera de concurso.
Dos bandas serán las representantes
del Reino Unido. Los londinenses Perhaps
Contraption fueron los ganadores de la úl-
tima edición, mostrándose “muy honrados
de llevar nuestra música a este precioso lu-
gar, y de tocar junto a increíbles bandas de
todo el mundo. Calles, parques, avenidas,
plazas... Todo el pueblo cobra vida duran-
te 4 días.” Los también ingleses Oompah
Brass consiguieron un premio individual
además del gran premio en el año 2012.
Así, el trompetista de la banda fue nombra-
do el mejor instrumentista del certamen.
Percusión, saxofones, trombones... com-
ponen la banda italiana Magica Boola, que
propone fusiones de jazz, blues, hip hop o
funk. Del otro lado del océano llegarán los
estadounidenses What Cheer? Brigade,
banda que desde 2005 ha tocado, además
de en la calle, en discotecas, bibliotecas o
cementerios incluso con la banda de rock
Blondie, fue la ganadora de Haizetara en
2010.
X Haizetara-Concurso Internacional de Música Callejera
Un torneo de campeones para
celebrar el décimo aniversario
Los ganadores de las ediciones previas de Haizetara serán los
participantes del presente certamen de bandas callejeras
What Cheer? Brigade

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15 mayo
junio
El Festival Salvaje, organi-
zado la compañía La Tristu-
ra, tendrá lugar los días 8,
9 y 10 de mayo en el barrio
de San Cristóbal de Madrid.
Desde la organización han
abierto un blog con una
duración determinada en
el que cada día se contará
un aspecto importante del
festival. Tres montajes forman la programación: Do-
minio público de Roger Bernat; Observen cómo el
cansancio derrota al pensamiento de El Conde de
Torrefiel; y Take a walk on the wild side de Emilio
Rivas, con la participación de La Tristura, entre otros.
La XII edición de ACT, Festi-
val internacional de escena
corta, se realizará del 3 al 6
de junio en diversos espa-
cios de Bilbao y Barakaldo.
El público podrá disfrutar de
14 piezas escénicas de dan-
za, teatro o performance.
Entre los grupos seleccio-
nados están: Jamie Wood
(Reino Unido), Krego-Martin Danza (Bilbao), YS
Dance Project (Corea), J&A (Países Bajos), Coopera-
tiva Maura Morales (Cuba- Alemania), María Ramos
(Portugal), Grumelot (Madrid) o Mokhallad Rasem
(Iran – Bélgica).
ACT
Mai du Théâtre
Salvaje
Un festival reunirá del 24
al 28 de junio en Stuttgart
a las 5 producciones del
TERRORisms project de la
Union of Theatres of Euro-
pe, cerrando así los tres
años de trabajo colaborativo
entre el National Theatre
of Oslo (Noruega), el Sta-
atsschauspiel Stuttgart
(Alemania), el Yugoslav Drama Theatre Belgrade
(Serbia), el Habima - National Theatre of Israel
(Tel Aviv) y el Comédie de Reims (Francia). Todos los
montajes tratan el tema del terrorismo.
La XXXI edición del Mai du
Théâtre, festival organizado
por el Théâtre des Chimères,
se celebrará del 21 al 24 en
Hendaia. 19 compañías rea-
lizarán 30 representaciones
de disciplinas como teatro,
danza, música o circo. Estas
son algunas de las forma-
ciones que estarán presen-
tes en los diferentes espacios: J’adore ce que vous
faites, Léandre, Les Arts Oseurs, Quartet Buccal,
Alchymère, Monkey Style, Mystérieuses Coiffures,
Karl Stets, Ertza Dantza y Teatro Golondrino.
TERRORisms
FICE
El Festival Circ Cric celebra
hasta el 19 de julio su sex-
ta edición en el Bosque del
Montseny. Este año incluye
la naturaleza en dos espec-
táculos: Circo y Natura y
Un Bosque de Narices. Se
podrá ver también el espec-
táculo ganador del Premio
Zirkólika 2014 al Mejor Es-
pectáculo de Circo en Carpa, Bemoll Sostingut. Se
amplía también la variedad de disciplinas con un con-
cierto de Sílvia Pérez Cruz, la Fiesta del Acordeón o la
segunda edición del Festival de Payasas.
El Festival Iberoamericano
de Cabaret España se rea-
lizará del 7 al 10 de mayo
en Madrid. Se trata del
primer festival de ámbito
intercontinental que bus-
ca compartir con el público
una entretenida parrilla de
espectáculos, cuyos comu-
nes denominadores son el
humor, la provocación, la seducción, la música en vivo
y la celebración de la vida. Estarán presentes en el fes-
tival compañías como Pía Tedesco, Cabaret Invisi-
ble, Cabaret Flotante o Cabaret LeCOQ.
Circ Cric

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15 mayo
junio15 mayo
junio
E
l Teatro Arriaga de Bilbao des-
pide la temporada 2014/2015
con varios espectáculos entre los
que cabe destacar el estreno de
su última producción, el musical La viuda
alegre que dirige Emilio Sagi –más infor-
mación en la página 11 de esta revista–, y
la gala que tendrá lugar el 31 de mayo, día
en el que se conmemora el 125 aniversa-
rio de la inauguración del coliseo bilbaíno.
Numerosos artistas, cantantes, actrices y
actores, figuras de la lírica, maestros de la
danza, escritores etc. se reunirán sobre el
escenario –en el que e público encontrará
elementos que recordarán a algunas de
las producciones del Teatro Arriaga– en
un espectáculo muy especial en el que los
artistas participantes ofrecerán actuacio-
nes e interpretaciones en directo. En la
gala, presentada por Emilio Sagi –director
artístico del Teatro Arriaga– y las actrices
Gurutze Beitia y Enriqueta Vega, la histo-
ria del teatro tendrá un peso importante y
se recordará de diversas maneras como
proyecciones de videos con felicitaciones
y mensajes a modo de homenaje de per-
sonalidades de la cultura, estrellas de los
escenarios etc. Una gala en definitiva para
homenajear al Teatro Arriaga y un home-
naje del Teatro al público y a Bilbao.
Sigue el espectáculo
En junio, del 10 al 14 vuelve al Teatro
Arriaga el Ballet Flamenco de Sara Baras
esta vez con Voces, un espectáculo con el
que la coreógrafa, directora e interprete
quiere rendir homenaje a grandes artis-
tas ya fallecidos que han tenido una gran
influencia en ella como Paco de Lucía, Ca-
marón de la Isla, Antonio Gades, Enrique
Morente, Moraíto y Carmen Amaya. Tal y
como explica la creadora gaditana este
espectáculo “se crea desde la libertad de
los corazones flamencos que bailan al son
de su propia música, con el único deseo
de homenajear a las principales voces fla-
mencas que influyeron e influyen de mane-
ra directa a nuestra generación, grandes
genios que siempre estarán con noso-
tros”. Voces es espectáculo flamenco tipo
concierto con un solo hilo argumental en
el que se representan los diferentes palos
flamencos –seguirilla, taranta, farruca,
tiento, solea, tangos, solea por bulería,
romance, bulería …– “salpicados” con
detalles que los conectan con los artistas
homenajeados.
Antes, del 6 al 8 de junio el público infan-
til y familiar podrá disfrutar con El pájaro
prodigioso, coproducción de ABAO-OLBE
y La Maquiné con dirección de escena de
Joaquín Casanova. Una narración musical
basada en el cuento popular ruso ‘El pájaro
de fuego’ escenificada con de títeres, acto-
res y proyecciones de vídeo acompañada al
piano por la música de Igor Stravinsky.
Completan la programación de esta
temporada tres nuevas funciones de Hoy,
última función obra interpretada por Itziar
Lazkano y Ramón Barea que ponen en
escena las vicisitudes de un matrimonio
y pareja de actores entrada ya en años,
producción de Pabellón Nº6 que vuelve
dentro del programa ‘Cuartitos del Arria-
ga’ del 18 al 20 de junio y el concierto en
colaboración entre el Teatro Arriaga y Bil-
bao Orkestra Sinfonikoa Bond & Beyond:
50 años del agente 007, con un programa
que recoge la banda sonora de todas las
películas del célebre agente.
El Teatro Arriaga celebra
su 125 aniversario
El estreno de una producción propia, la gala especial de aniversa-
rio y el Ballet de Sara Baras cierran esta temporada

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Tras la residencia de creación llevada a cabo del 11 al 17
de mayo en la sala La Fundición de Bilbao la compañía
Teatro Xtremos presenta los días 16 y 17 Oblivion o Cisnes
que se reflejan como Elefantes, montaje dirigido por Ricardo
Campelo Parabavides que busca respuestas a preguntas
como “¿Cuánto más podré vivir?, ¿cuánto más podré so-
portar?” y Teatro del Açúcar vuelve a la sala bilbaína para
poner en escena los días 28 de mayo y 18 de junio el
unipersonal Adaptação. La danza llega a La Fundición de la
mano de varias compañías como El punto! Danza Teatro
que presenta la recién estrenada obra El olimpo no es aquí
con coreografía y dirección de Fernando Lima. La coreó-
grafa Carmen Werner interpreta En blanco (30 y 31 de
mayo) con su compañía Provisional Danza, una pieza en la
que “no todo está escrito” y desde Santa Cruz de Tenerife
llega los días 6 y 7 de junio la Cía. Nómada danza-teatro
con Tabula rasa, idea y creación del coreógrafo y bailarín
Daniel Abreu interpretada por Roberto Torres acompaña-
do al piano por Milena Perisic. Por último y antes de dar
paso al festival Lekuz Leku que organiza La Fundición y
que tendrá lugar en los alrededores de Abandoibarra el
26 y el 27 de junio, los días 13 y 14 la bailarina Elena Cór-
doba pondrá en escena Soy una obstinada célula del corazón
y no dejaré de contraerme hasta que me muera.
La Fundición
Carla Móra, Irene Ruiz y Marta Móra, soprano. mezzo
soprano y contralto respectivamente son las intérpre-
tes de Echanté! espectáculo de cabaret que la compañía
Divinas pondrá en escena el 2 de mayo en el Teatro Ba-
rakaldo y los humoristas Leo Harlem y Sr. Corrales también
harán reír al público con tres funciones –los días 16 y
17– de #Trending Tronching y un día antes, Minimal Teatro
presenta Tú eres poesía, El público familiar podrá disfrutar
con varios espectáculos antes de la llegada del periodo
estival. El 3 de mayo La Canica Teatro pondrá en escena
El Elefantito, un delicioso espectáculo de títeres de mesa
protagonizado por un pequeño elefante lleno de una cu-
riosidad insaciable que le llevará a emprender un viaje
de búsqueda. Dentro del ciclo Titerescena los italianos
Girovago e Rondella presentan Quadri, un espectáculo sin
texto contado con los dedos de las manos y marionetas
de hilo (17 de mayo) y la compañía madrileña Titiriguiri
hará lo propio con Hay un gallo en tu tejado (7 de junio)
títeres, teatro de actores y animación en clave de humor
para escenificar los poemas del libro Ciudad Laberinto
de Pedro Mañas. Y además dos espectáculos para los
escolares de Barakaldo, en euskera, Tramankuluak inter-
pretada por José Ramón Soroiz y en ambos idiomas 3 Txe-
rritxoak eta otsoa de Glu Glu.
Teatro Barakaldo
Tabula rasa de Cia. Nómada danza-teatro ©Ricardo Bautista El Elefantito de La Canica Teatro

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15 mayo
junio
C
on el musical La fuerza del destino,
compuesto por más de treinta temas
del grupo Mecano que ha producido
Vértigo Tours comienza la progra-
mación del mes de mayo de Victoria Eugenia
Antzokia de Donostia cuyo escenario tam-
bién acogerá el espectáculo Miguel Molina
al desnudo (31 de mayo) en el que Ángel
Ruiz encarna al autor de coplas tan conoci-
das como ‘Ojos verdes’ y ‘La bien pagá’ en
un dialogo abierto con el público. El teatro
donostiarra será el lugar para disfrutar el
día 10 con Lluvia constante obra del dra-
maturgo norteamericano Keith Huff sobre
la lealtad de dos amigos interpretados por
Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta que
dirige David Serrano en una coproducción
de Producciones Abu, Milonga Produccio-
nes, Zoa PTC, Amantes Venia de Amar y
Barco Pirata mientras que los días 5 y 6
de junio Trasgo Producciones pondrá en
escena El nombre, una versión a cargo de
Jordi Galcerán de la comedia de Matthieu
Delaporte y Alexandre de la Patelliêre y del
23 al 27 de junio, el estreno de Mosu bat de
Tanttaka Teatroa (ver página X).
Espectáculos de diversos estilos de danza
conforman la programación de Victoria Eu-
genia Antzokia. El 16 de mayo Agata, Asocia-
ción Gipuzkoana Amigos del Tango Argentino
presenta Pasiones Tangueras en la que se
relatan historias de amor a través del tan-
go argentino. Blanca Li presenta el día 30
Robot, una coreografía para ocho bailarines
cuyos movimientos activarán los extraños
instrumentos musicales de Maywa Denki
para responder a la cuestión siguiente: “Si
los robots se humanizan adoptando nuestra
apariencia ¿Nos robotizaremos nosotros?”.
El flamenco llega el 27 de junio con Fuego
de la Compañía de Antonio Gades, coreogra-
fía original del propio Gades y Carlos Saura
inspirada en la música de ‘El Amor Brujo” de
Manuel de Falla.
Gazteszena por su parte es el lugar don-
de disfrutar con la danza contemporánea
de Sol Picó que presenta One-hit Wonders
(16 de mayo), montaje construido con pie-
zas emblemáticas de las obras más repre-
sentativas de los 20 años de trayectoria de
la coreógrafa valenciana. Antes, el día 10
el escenario de la casa de cultura de Egia
acogerá Almazuela (bajo las sábanas) pro-
puesta de danza para público familiar de la
Cía Roberto G. Alonso.
Los más pequeños también podrán dis-
frutar con el último trabajo de Markeliñe,
Kixote, una particular versión de la universal
obra de Cervantes que la veterana compañía
pondrá en escena el 9 de mayo en Antzoki
Zaharra, escenario en el que se han pro-
gramado dos obras en euskera para público
adulto. Maskarada presenta Arkimedesen
Printzipioa (16 y 17 de mayo) versión en
euskera realizada por Iñaki Ziarrusta de la
obra de Josep Maria Miro i Coromina que
dirige Carlos Panera y Ados Teatroa Mai-
tasunaren ostean, maitasuna, (19 y 20 de
junio) la historia de una mujer con Alzheimer
dirigida por Garbi Losada que el día 21 se
escenificará en su versión en castellano, El
amor después del amor. En euskera es tam-
bién la propuesta de Borobil Teatroa, Jokoz
kanpo (13 y 14 de junio en Lugaritz K.E.) y
en castellano con entrada sólo con invitación
Barro Rojo, unipersonal de Javier Liñera en
Antzoki Zaharra el 25 de junio organizado
por Gehitu. Además se podrá disfrutar en los
diferente espacios de la ciudad con diversas
propuestas de teatro amateur y del 19 al 22
de mayo en Gaztezena se llevarán a cabo las
representaciones, a puertas abiertas del Ta-
ller de Artes Escénicas de Donostia.
Olatu Talka!!!
Los días 29, 30 y 31 de mayo se cele-
bra la sexta edición de Olatu Talka!!! que
se presenta con novedades como una ma-
yor presencia de los barrios y en la que
se repetirán actividades ya arraigadas en
ediciones anteriores como Musika Parkean,
Sukaldanitzak, Garbibai y distintas activida-
des ligadas al hacktivismo, etc. Al cierre de
este número de ARTEZ aún no se conoce la
programación exacta de esta edición en la
que se prevén varias actividades relaciona-
das con las artes escénicas.
Una gran ola escénica rompe
en Donostia
Además de la variada programación de teatro y danza a finales de
mayo se celebra el festival OlatuTalka!!!
Robot de Blanca Li

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junio
L
a programación del Teatro Circo de
Murcia comienza el primero de mayo
con Lluvia constante de Producciones
TeatralesContemporáneasqueprota-
gonizan Roberto Álamo y Sergio Peris-Men-
cheta dando vida a dos policías, amigos de la
infancia que se verán envueltos en una serie
de acontecimientos que cambiarán sus vidas.
Una obra del norteamericano Keith Huff di-
rigida por David Serrano. Al día siguiente se
podrá disfrutar con dos funciones de Rudo
espectáculo en el que Manolo Alcántara crea
torres y figuras con pesadas cajas de made-
ra, equilibrios imposibles acompañados de
la música de Laia Rius (violín) y María Bou
(violonchelo).
Antonio Saura dirige La casa de Ber-
narda Alba de Federico García Lorca (13
de mayo), una coproducción de Alquibla
Teatro y el Teatro Circo Murcia con una
puesta en escena sobria “acompañada del
tañido de campanas a tempo fúnebre que
seguirá la acción de principio a fin”, una
obra “concebida a través de una visión exis-
tencialista de la tragedia que hace aflorar el
angustioso anhelo de libertad escondido en
lo más profundo de cada uno de nosotros”.
Dos días después llega la versión de Emilio
Hernández de Plauto de Aristófanes, pro-
ducción de Pentación Espectáculos diri-
gida por Magüi Mira y el humor es también
aunque en forma de sketchs protagonista
de Viejóvenes (23 de mayo), espectáculo
con el que los humoristas Joaquín Reyes y
Ernesto Sevilla sus doce años de trayec-
toria artística.
La programación de mayo incluye dos
propuestas escénicas más. A corazón abier-
to de Saorín Danza (16 de mayo), –último
espectáculo de danza de la temporada–,
con coreografía de Juan Antonio Saorín ins-
pirada en Ibn Arabí ( Murcia 1165-1240) y
el estreno del montaje para público infantil
y familiar Los siete cabritillos (20 y 21 de
mayo). El conocido cuento sube a los es-
cenarios en una coproducción del Teatro
Circo Murcia y la Compañía Pupaclown
en la que el final no es el conocido por el
público y en el que sus protagonistas son
unos cabritillos muy especiales cantan, jue-
gan, hacen travesuras y se suben a todos
lados porque... ¡Están como cabras!
Los conciertos de Pasión Vega y Ze-
qui completan las propuestas del mes
junto con The Hole 2 segunda parte del
exitoso espectáculo en el que la música,
los números de circo, el humor y el ca-
baret son los grandes protagonistas. En
esta segunda parte la vida del Maestro
de Ceremonias ha cambiado pero... “la
diversión, la risa y la excitación asegu-
radas”. Del 28 de mayo al 21 de junio,
una treintena de funciones para cerrar la
temporada del Teatro Circo Murcia.
Teatro, danza y ‘The Hole 2’
para finalizar la temporada
La Compañía Pupaclown estrena ‘Los siete cabritillos’ en
coproducción con elTeatro Circo de Murcia
La casa de Bernarda Alba de Alquibla Teatro y el Teatro Circo Murcia

68
15 mayo
junio
D
el 11 de junio al 5 de julio la dra-
maturgia contemporánea tendrá
un lugar preferente en Madrid con
la celebración del ciclo ‘El lugar
sin límites’ un programa comisariado por el
Teatro Pradillo en el que participan el Centro
Dramático Nacional y el Museo Reina Sofía.
El objetivo de este proyecto es “reflexionar
abiertamente sobre la dramaturgia presen-
te, entendida de una manera amplia, sin
constricciones”.
Este ciclo nace por tanto “con el deseo de
cuestionar las formas y el lenguaje de la es-
cena y para ello ofrece la posibilidad de acer-
carse a experiencias escénicas que amplíen
este campo de acción de la dramaturgia”
con un programa compuesto por propues-
tas escénicas de “compañías y autores que
están preguntándose sobre ese lugar sin lí-
mites que entendemos por escena, un lugar
cargado de posibilidades”. Siguiendo estas
ideas los creadores que participan en el ci-
clo ofrecen al público “dramaturgias rotas,
fragmentadas, hiperbólicas, silenciosas, au-
tistas, violentas, irónicas, frágiles, luminosas
o desesperadas” un ciclo en el que además
de una programación escénica –que tendrá
como sede principal el Teatro Valle Inclán del
barrio de Lavapiés–, incluye espacios de
pensamiento, trabajo y encuentro, “lugares
de reflexión y acercamiento entre los artistas
y de éstos con el público”.
Rodrigo García inaugura el programa con
el espectáculo Arrojad mis cenizas sobre
Mickey coproducción de La Carnicería Tea-
tro, Théâtre National de Bretagne/Rennes
y Bonlieu/SN d’Annecy que “invita a pasear
en un territorio futurista devastado, arrasa-
do y desolador” explica García para añadir
que “creemos leer en mi texto pasajes de
ciencia ficción, pero si nos detenemos en las
palabras, reparamos en que sólo habla del
actual estado de las cosas”. Rodrigo García
es también el autor y director de la produc-
ción de Humain trop Humain-CDN Montpellier
Accidens un poema visual y una performance
sobre el que afirma “me hace pensar en la
agonía, en este caso de un bogavante, me-
táfora, para mí, de algunos de lo eres que-
ridos que han muerto y no pude acompañar
hasta la hora final”.
El conde de Torrefiel presenta La posibi-
lidad que desaparece frente al paisaje una
obra de carácter narrativo organizada en
escena como una maqueta, como un juego
inofensivo, bonito y frágil para avanzar por
los terrenos más oscuros, perturbadores y
violentos de la mente de las personas. Las
ideas de Federico León “trabaja los límites
entre realidad y ficción. Pone en escena la
intimidad de un proceso de creación. Se
trata de un proceso similar al que Federico
León (autor y director) podría atravesar en
sus obras junto a Julián Tello (actor y cola-
borador)”.
La pieza El triunfo de la libertad es una
creación de los coreógrafos La Ribot y Juan
Domínguez y el actor Juan Loriente en la que
se cuestionan la idea de que el arte pueda
transformar el mundo, un “manifiesto poéti-
co y reivindicador, los artistas no denuncian,
simplemente proponen”. Dos impromtus,
dos piezas que se crearán a través de dos
talleres de creación con convocatoria pública
son las propuestas de Claudia Faci y Elena
Córdoba, Los trabajos del amor y Bis du
bei mir respectivamente. Hacía un ruido de
María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca
es una investigación, una pieza audiotextual,
una plaquette y un recital heterogéneo en el
que hay de todo. Y además una exposición
denominada ‘Vía Lucis’ de Angélica Liddell,
conferencias y los encuentros denominados
‘Vermú de los domingos’ conversaciones de
los creadores participantes con especialistas
de las artes escénicas y del 29 de junio al 4
de julio, ‘Encuentros sobre dramaturgia’ en
el Teatro Pradillo.
Ciclo para reflexionar sobre la
dramaturgia presente
’El lugar sin límites’ es un programa comisariado porTeatro Pradillo
que tendrá lugar en elTeatroValle Inclán y el Museo Reina Sofía
Arrojad mis cenizas sobre Mickey ©Christin Berthelot

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15 mayo
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Luz negraJosu Montero
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Una tragedia ligera
os interfonos están cruzados, si alguien llama desde abajo
a la casa del protagonista, suena en la casa de la vecina, y
viceversa. Es lo que está contándole Enric a Nuria cuando
comienza la obra. Mientras, Nuria sostiene en su mano un vaso y
Enric se lo está llenando con una jarra; como se lía contándole lo del
interfono, no se da cuenta y sigue llenando el vaso hasta
que desborda y el agua moja los pies de Nuria. Enric
trae un trapo y se lo entrega a Nuria, así que ésta ha
de agacharse mientras sostiene el vaso rebosante para
secarse los zapatos. Además Nuria no tiene sed y cuan-
do, incómoda, intenta desprenderse del vaso dejándolo
sobre la mesa de la sala, Enric salta y le pide que no lo
deje ahí porque a Laura no le gusta nada que queden
marcas. Laura es la esposa de Enric, Enric Massagué,
novelista autor de cinco exitosas novelas, la última de
ellas titulada “Y después métete un tiro en la cabeza”.
Pero Laura no aparece en la obra, no aparece porque
nunca está en casa ya que se apunta entusiasta a todo
tipo de cursos de lo más estrafalario.
Nuria no conoce de nada al hombre que tiene en-
frente, a Enric. Hace unos días Enric recibió un correo
de Nuria: “Estimado Señor Enric Massagué, necesito
hablar con usted de su última novela. Proponga lugar
y hora. Muchas gracias”. Y aunque el novelista está
más que harto de sus molestos seguidores en las redes sociales,
ese necesito del mensaje de Nuria le animó a aceptar la cita; que
alguien necesite hablar de una novela con tanto apremio no puede
sino halagar el ego del autor. Y ego Enric tiene de sobra, ego e
inseguridad: peligrosa combinación.
Así que ese encuentro que abre la obra está resultando un autén-
tico despropósito, pero se vuelve dramático cuando Nuria por fin se
atreve a confesar la verdadera razón de su visita: su marido –profesor
de instituto– está en la cárcel pues acaba de asesinar a raquetazos
a un alumno cabrón. En la novela de Enric –que el asesino acaba de
leer– pasa exactamente lo mismo, así que tan perpleja como furiosa
Nuria pide explicaciones a Enric. Por supuesto éste no digiere bien
el asunto, y a partir de ahí la obra se convierte en un toma y daca,
exigencia de explicaciones y ruego de disculpas entre ambos; una de-
sastrosa partida de ping-pong de la casa de uno a la casa de la otra.
Pero hay más personajes. Está Bruno, el hijo de Enric y de la ausen-
te, y está Ferrán, el hijo de Nuria y del profesor homicida; ambos jóve-
nes han de estar interpretados por el mismo actor. También el mismo
actor debe interpretar a Enric y a Roger –el profesor encarcelado–.
Aunque ninguno de ellos, claro, comparte escenario, sí en algunas
ocasiones el actor ha de encarnar al uno o al otro casi sin tiempo
alguno de transición; y en esta obra no hay oscuros. Este recurso
de identificación adquiere peso específico en el sentido del drama,
que se suma a esa constante comunicación defectuosa e interrumpida
–recuerden el interfono– que se establece entre los cinco personajes.
Algunas escenas se cierran por ejemplo con un personaje incapaz de
verbalizar algo o un personaje que no pone nada fácil que otro, por
fin, hable de lo que quiere hablar.
Es bien patente la soledad de Bruno, entre una madre
siempre ausente, liada con lo suyo, y un padre novelis-
ta que considera sus creaciones como único tema de
conversación. Eso sí, claro, ya no le parece un tema tan
apasionante cuando Nuria le planta delante las conse-
cuencias de su novela. Enric se ríe, que culpa tiene él
de que un loco… Pero la risa se le congela cuando su
hijo, por fin, le confiesa primero que ha pintado de verde
los cristales del coche de un profesor, y más tarde que
ha ido a su casa, le ha golpeado y le ha amenazado
delante de su familia. Exactamente lo mismo que sucede
en la novela de su padre antes de que el profesor cite al
alumno cabrón que le está haciendo la vida imposible y
se lo cargue a raquetazos. La alarma salta.
Por su parte Ferrán, el hijo de Nuria y del profesor
homicida –el real–, secunda a su madre, pero con la
radicalidad de la juventud, así que en algún momento
llega a golpear a Enric. Roger, el profesor, aparece en
tres escenas, flash-backs que explican muchas cosas;
una, antes de salir de casa a la cita con el alumno cabrón, que com-
parte con su esposa Nuria; otra, cuando regresa a casa de su cita y
de su crimen, lleno de sangre, que comparte con su hijo Ferrán; y la
tercera, unos días antes del crimen, en su casa, con su mujer Nuria.
Esta última escena sucede también talmente en la novela de Enric.
Las relaciones entre ficción y realidad, que aquí se presentan, o
la cuestión de la violencia en el sistema educativo, que aquí también
aparece, no son finalmente sino una excusa para plantear cómo las
oscuridades, egoísmos, rivalidades, dependencias e irresponsabi-
lidades en el seno de las felices familias puede arruinar vidas de
puertas adentro y también de puertas afuera. Las relaciones entre
los esposos y las relaciones de éstos con los hijos, paganos casi
siempre, suele cargarlas el diablo.
Carles Mallol (Figueres, 1981), dramaturgo y director experimen-
tado a pesar de su juventud, tiene la habilidad de plantear todo esto
de una forma aparentemente ligera y cuajada con un humor que
funciona como una caricia a contrapelo. No podemos olvidar además
el título de la novela de Enric: “Y después métete un tiro en la cabe-
za”, que es el consejo que en la novela –y en la realidad teatral- le
lanza el hijo al padre, y que a éste tal vez no le quede más remedio
que aceptar. “Mata a tu alumno” recibió el prestigioso Premi Born
de Teatre 2013. Escrita originalmente en catalán cuenta aquí con la
traducción de Nacho de Diego.
L
MATA A TU ALUMNO
CARLES MALLOL
Editorial Artezblai

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Vivir para contarlo Virginia Imaz
Insistir para existir: escuela de
verano de AEDA 2015
oy privilegiada. Pertenezco a AEDA, Asociación de Profesio-
nales de la Narración Oral en España, un espacio ilusionante
de reflexión e investigación sobre el oficio y el arte de narrar
que entre otros objetivos, se plantea favorecer la formación de los y
las profesionales de la narración oral, por lo que el año pasado se
optó por la creación de una Escuela de Verano. La experiencia fue muy
enriquecedora y la semana del domingo 28 de junio al viernes 3 de
julio tendrá lugar, nuevamente en el Albergue de la Real Fábrica de Ez-
caray en la Rioja, la segunda edición “ El cuento a escena, insistiendo.”
Y es que insistir para existir, porque sigue siendo necesario, porque
nos lo creemos y porque estos encuentros nos nutren y nos inspiran.
El objetivo de la asociación no es lucrativo, por lo tanto el coste
de la matriculación en la Escuela de Verano se ajustará para cubrir,
exclusivamente, los gastos previstos.
Respecto a la primera convocatoria hay algunos cambios significati-
vos. Para comenzar hemos ampliado un día más su duración y hemos
abordado mejoras en los menús contratados. También hemos bus-
cado nuevas aulas para la formación y hemos conseguido el uso del
teatro para las sesiones dialogadas y las actividades asamblearias.
En el apartado de formación, los cursos son más largos, han incre-
mentado su tiempo lectivo a 21 horas y los grupos son reducidos, con
un número máximo de 17 alumnos por curso.
Además hemos incrementado el número de espectáculos de narra-
ción, de tres a cuatro sesiones dialogadas y se han añadido nuevas
propuestas: dos conferencias, un conversatorio en el que estarán
presentes todos los profesores de la mañana, y una mesa de debate.
Estamos intentando así mismo organizar unas jornadas sobre “Anima-
ción a la lectura y narración oral” que se llevarían a cabo los días 27
(todo el día) y 28 (por la mañana) de junio en el mismo Ezcaray y cuya
matrícula sería gratis para los asistentes a la escuela.
Los talleres de formación correrán a cargo de un profesorado de
excepción. He aquí la relación: Una historia está hecha de pequeños
momentos con Estrella Ortiz. En la práctica oral es tan importante la
elección del repertorio como las maneras en las que se produce su
comunicación ante el público. En este proceso hay muchas tomas de
conciencia, desde la forma de ver el propio mundo hasta las exigen-
cias físicas que conlleva ponerse ante los otros. Para expresar con
voz propia es necesario observar y observarse: cuidar los pequeños
momentos para que todo cuente a favor de la historia. A lo largo del
curso se pondrá la mirada en la memoria, el ritmo y la imaginación del
cuentista frente a aquello que quiere contar.
El narrador oral y su imaginario con Pepito Mateo. En este taller se
pretende realizar un trabajo de sensibilización y de entrenamiento en
las técnicas de las imágenes mentales. También habrá ocasión para
reflexionar sobre cómo este imaginario se proyecta en el cuerpo, en
los gestos y voz, en el espacio... y da forma al espectáculo. Para ello,
se propondrán muchos ejercicios sobre la palabra y la escritura oral
(entre la sugerencia y el juego de escena). El trabajo estará planteado
en distintos formatos: solos, por parejas y de modo colectivo para
probar, investigar y narrar de varias formas.
Habitar la escena con Merche Ochoa. Este trabajo nos llevará a reco-
rrer diversos y cambiantes escenarios desde los que contar. Debemos
invitar a quien nos ve y nos escucha a nuestro universo desde espacios
que no conocemos, que no nos pertenecen hasta el instante de narrar.
“Ser anfitrión en casa de otro“(Campa). Por eso es importante “Habitar
la escena”. Habitar es la huella de la vida. Constancia de nuestro paso.
La huella del recuerdo de nuestra presencia. Habitar un territorio es re-
conocerlo y recorrerlo, también es viajarlo, moverse, desplazarse, dete-
nerseenél.Estarsinhacernada:lapulsióndelainacción,larespiración.
También es habitable el espacio más allá de nuestros umbrales, habita-
mos un territorio, la escena, cuando lo hacemos nuestro pero también
cuando incorporamos al juego al otro. Habitar también es compartir.
La palabra en movimiento con Alberto García.Un cuento, cuando lo
contamos, está rodeado de gestos, movimientos, ritmos y entonacio-
nes. El narrador no tiene que jugar solamente con las palabras, tiene
que contar con el aire y el espacio que le rodea. Propongo un taller
basado en el análisis del movimiento y del gesto como prolongación y
complemento de la palabra. Durante el curso se insistirá en detectar
aquellos movimientos y gestos que entorpecen la narración, llegando
incluso a contradecir aquello que queremos decir. Y se realizarán ejer-
cicios colectivos sobre las emociones para descifrar qué gestos van a
ayudarnos a ponerlas en evidencia (el amor, la vanidad, el poder, los
celos, el miedo, etc.) Otros ejercicios tendrán como objetivo la gestión
del espacio y la presencia del narrador.
Por las tardes tendremos las conferencias: “Iluminación, sonido y
nuevas tecnologías en escena” a cargo de Julián Sáenz López, y “Cre-
cer entre el sueño y la realidad” con Gigi Bigot.
También habrá una mesa debate sobre el “caché” y conversatorios
sobre el cuento a escena con los cuatro profesores de los cursos de
las mañanas, que además protagonizarán sesiones dialogadas por las
noches a partir de la muestra de sus espectáculos.
El programa se completa con tres las actividades fuera del ámbito
formativo de la escuela: una excursión, sesiones de cuentos en di-
versos puntos de Ezcaray y una cena-fiesta el miércoles por la noche
amenizada con música.
Todo un menú de gourmet. Una ocasión para encontrarnos, para
compartir, para aprender y para gozar una vez más, ahora y siempre
de la palabra.
Si tenéis interés en participar, mi recomendación es que no lo dejéis
para el último minuto, porque las plazas son inevitablemente muy limi-
tadas. Venid y nos contáis. Venid y os contamos, porque nuestro oficio
siempre viene a cuento.
Más información e inscripciones en
http://bit.ly/EscuelaAEDA2015.
S

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junio
Jorge Dubatti
15 mayo
junio
La energía social en el teatro
de Roberto Cossa
oberto “Tito” Cossa, una de las glorias del teatro argen-
tino, demuestra a los ochenta años (nació en Buenos
Aires, en 1934) estar más vigente que nunca. Acaba de
dar el discurso inaugural de la XLI Feria Internacional del Libro de
Buenos Aires y de publicar en tres gruesos tomos su teatro reunido
(Ediciones de la Flor). Por otra parte, tiene dos obras en cartel de
primer novel: La Nona, estrenada originariamente en 1977, y Final
del juicio, su más reciente creación.
Basta con recorrer las más de
1.200 páginas de su teatro reunido
para reconocer uno de los monu-
mentos literarios más descomunales
de la Argentina, equivalente en su
relevancia artística e histórica a los
de Florencio Sánchez o Armando Dis-
cépolo. El tomo I cubre el arco que va
de 1964 a 1979, e incluye clásicos
como Nuestro fin de semana (de la
que el año pasado se presentó una
nueva puesta, con motivo del aniver-
sario a medio siglo de su estreno) y
La Nona. El tomo II abarca el período
1980-1991 y contiene obras maes-
tras: El viejo criado, Gris de ausencia
(estrenada en Teatro Abierto 1981),
Ya nadie recuerda a Frederic Chopin y
Los compadritos. El tomo III toma los
últimos años, hasta 2006, incluye las
piezas más polémicas y discutidas de
Cossa (Viejos conocidos, Años difíciles,
El saludador, Pingüinos, Cuestión de
principios) y tres adaptaciones/rees-
crituras de textos de Molière, Pedro E.
Pico y Friedrich Schiller.
El teatro de Tito Cossa es una vas-
ta red entre cuyos hilos, parafraseando a S. Greenblatt, circula la
energía social de la vida argentina. Identificación, transmisión de
memoria, agitación, estimulación, multiplicación de energía simbóli-
ca. Más allá de su valor artístico, este teatro encierra claves funda-
mentales para comprender la historia de la clase media argentina
y sus imaginarios. También los procesos ideológicos que articulan
la utopía revolucionaria de los sesenta/setenta, el genocidio de la
dictadura, las búsquedas de la postdictadura y la resistencia contra
el neoliberalismo desde los años noventa. Hay un espesor histórico
de la escritura de Cossa en la investigación que ha realizado para
hacer hablar a sus personajes. Un teatro localizado culturalmente en
Buenos Aires, pero a la vez universal, como demuestra la cantidad
de versiones de sus obras en las provincias y en el mundo, donde
su pieza más estrenada –y resignificada– es La Nona. Otro aspecto
destacable es su reelaboración de formas del pasado teatral argen-
tino –el sainete, el grotesco, la comedia blanca, la teatralidad del
tango–, y en particular su dominio de los códigos locales de la risa
que, en términos antropológicos y sociológicos, definen más que
nada el anclaje en una cultura.
La Nona, actualmente en el Multi-
teatro (en pleno centro, a dos cuadras
del Obelisco), es un “grotesco” abso-
lutamente genial. Se presenta en el
circuito del “teatro comercial de arte”,
que combina alta calidad artística con
producción y venta comerciales: un
texto sobresaliente de autor argentino,
sin duda uno de los clásicos del teatro
nacional (que integra además el ca-
non escolar), llevado a escena por un
elenco y un equipo creativo de primer
nivel. El resultado es una máquina de
teatro en la que cada situación, cada
detalle movilizan sin pausa al especta-
dor entre la risa y el horror. Jorge Gra-
ciosi se ha transformado en el director
“elegido” por Cossa para los estrenos
y nuevas versiones de sus obras. Tie-
ne en su trayectoria una decena de
puestas de textos del dramaturgo.
Graciosi comprende en profundidad el
teatro de Cossa en sus más diversas
expresiones. Para esta versión de La
Nona Graciosi cuenta con un elenco
de privilegio, ideal para esta poéti-
ca: Pepe Soriano (que compone una
Nona inolvidable, uno de sus mayores
trabajos, digno de ser visto), Hugo Arana (un Chicho excepcional),
Gino Renni, Mónica Villa (una tía con la esencia de la actuación del
sainete), Patricia Durán, Miguel Jordán (notable trabajo cómico, en
las antípodas de su personaje de La Tierra del Fuego de Mario Dia-
ment), Sabrina Carballo, cada uno en la singularidad del registro
de su personaje con excelencia. Acompaña a Graciosi un equipo de
profesionales: Héctor Calmet (escenografía, vestuario e iluminación)
y Malena Graciosi (música, con producción de Martín Bianchedi).
A casi cuarenta años del estreno (1977, Teatro Lasalle, direc-
ción de Carlos Gorostiza y protagónico de Ulises Dumont), La Nona
preserva toda su fuerza teatral y simbólica. Esta pieza, en la que la
“abuelita” no para de comer y “mata” a toda la familia, se la “devo-
R

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Postales argentinas
ra”, ha sido definida como un “neogrotesco” (es decir, un regreso
al grotesco criollo de Armando y Enrique Santos Discépolo de los
años veinte y treinta: Mateo, Stéfano, El organito, Cremona; dejamos
al margen Relojero). Creemos que a esta altura puede reconocerse
tal productividad, continuidad y variaciones al grotesco discepoliano
en la escena argentina que se puede quitar el “neo”, en tanto hay
expresiones anteriores y posteriores a La Nona que recuperan de
diferentes maneras el grotesco criollo. El juego con el prefijo “neo”
quiere marcar la diferencia de una “nueva” apropiación, pero ¿cómo
llamar a las expresiones siguientes al “neo”? ¿Y las anteriores? La
actual versión de La Nona es una incitación a repensar la presencia
y la potencia del grotesco criollo en la historia del teatro nacional. El
grotesco es, sin duda, una de las grandes contribuciones del teatro
argentino a la cartografía del teatro mundial.
La Nona, también, invita a redefinir el grotesco, a pensar su sin-
gularidad como poética teatral. Luis Ordaz y David Viñas fueron
los primeros en advertir que el llamado grotesco criollo no era
una reescritura local del “grotesco italiano” sino el resultado de
un proceso de transformación e “interiorización” del sainete criollo
de contenido dramático o tragicómico. El grotesco es identificado,
entonces, como un nuevo tipo de sainete. El sainete puede defi-
nirse como una pieza breve (generalmente acto único, dividido en
dos o tres cuadros), de carácter popular, eminentemente cómica,
pero que también incluye componentes melodramáticos, dramá-
ticos o trágicos según diferentes combinaciones, ya presentes en
las prácticas españolas del género. Uno de sus artificios fundantes
son los “tipos”, personajes hipercodificados en su caracterización y
desempeño de acuerdo con una práctica regularizada, en los que se
reelaboran figuras de la realidad inmediata, entre el costumbrismo y
la caricatura cómica (estos dos últimos ingredientes, implementados
también según diferentes combinaciones en cada caso). En el sai-
nete grotesco o grotesco criollo predomina la fusión de lo cómico y
lo trágico, extendida a las principales situaciones de su relato y a los
componentes centrales de su poética, especialmente la composición
del personaje grotesco.
Armando Discépolo afirmó sobre el grotesco en La Nación el 22
de abril de 1934 que “en la vida, lo serio y lo cómico se suceden
o se preceden recíprocamente como la sombra y el cuerpo”, por
ello, “en su aspecto teatral, yo definiría el grotesco como el arte
de llegar a lo cómico a través de lo dramático”. Alguna vez Cossa
reflexionó sobre la singularidad del grotesco poniendo el acento en
el contraste entre la “seriedad” de las situaciones y parlamentos
de los personajes y la “comicidad” que lee el espectador. La Nona
pone en evidencia la matriz trágica del grotesco, en tanto La Nona
“mata” a su familia (según Jan Kott, el tragema o núcleo mínimo,
esencial, de lo trágico, es un relato sobre el crimen dentro del clan
de sangre). La Nona es una metáfora del filicidio argentino en todos
sus ángulos.
¿Qué significa la muerte de La Nona en el presente? Su dimen-
sión simbólica es incalculable, especialmente en el plano existencial.
Pero creemos que hoy La Nona es la Argentina del pasado que
convive trágicamente con el proyecto de una nueva vida nacional. La
Nona es la Argentina desplazada, pero persistente, brutal obstáculo
que regresa y regresa para dificultar las aspiraciones de las nue-
vas generaciones. Una metáfora de la subjetividad de la derecha.
El principal enemigo adentro de la familia. El sentimiento trágico se
expresa de manera desgarradora: ¿cómo asumir lo irreparable?
¿Cómo hacer que la Abuela asesina deje de serlo?
En su nueva pieza Final del juicio (también dirigida por Jorge
Graciosi, en el Teatro del Pueblo, sala del circuito independien-
te también en pleno centro, a media cuadra del Obelisco), Cossa
recupera del pasado teatral nacional la poética de la “farsátira”
(que tuvo grandes cultores en el teatro argentino: Agustín Cuzza-
ni, Aurelio Ferretti) para realizar una crítica a la institución judicial,
crítica brillante por su inteligencia y su actualidad. En el Más Allá,
Jalil (interpretado por Juan Manuel Romero) ha esperado 16 años
(murió a los 56 y ahora tiene 72) para ser juzgado por los com-
portamientos de toda su vida –el Juicio Final– ante el Tribunal
Supremo Divino. Todo lo que ha hecho y dicho ha quedado regis-
trado en un “expediente”, hasta las puteadas del tipo “¡Me cago
en Dios!”. En una secretaría del Juzgado, antesala del juicio, un
“Letrado” (José María López), con la colaboración de un emplea-
do (Federico Alí), instruye al hombre sobre cómo y qué le conviene
contestar cuando sea interpelado por el Tribunal. Se trata de una
nítida metáfora de la justicia terrenal argentina e internacional,
en tiempos de “Partido Judicial”, cautelares, Juez Griesa y Fondos
Buitre, Caso Nisman, gerontocracia versus jueces jóvenes, códi-
gos obsoletos o anacrónicos, privilegios de clase y exención de
impuestos, desprestigio y descrédito. Es evidente que para escri-
bir Final del juicio Cossa ha realizado una profunda investigación
sobre los funcionamientos institucionales de la justicia, su jerga,
sus latinismos, y especialmente sobre la historia de la justicia en la
Argentina. Nunca un espectáculo de Cossa ha sido más oportuno,
y eso que el dramaturgo ha insistido en varias ocasiones sobre
su dificultad para procesar teatralmente lo coyuntural, el presen-
te más inmediato. Final del juicio es sátira –poética ancestral ya
presente en Aristófanes y constante a través de los siglos, muy
potente en la Modernidad– porque, a través de la risa, pone en
evidencia los errores, vicios y deficiencias de la institución judicial
argentina. Incluso su “odio a las metáforas”. Es farsa, porque
pone en suspenso la llamada “justicia poética” del teatro, la dis-
tribución de premios y castigos: nadie castiga a los jueces. La
risa, entonces, como instrumento de conocimiento y reflexión. Risa
amarga, en este caso, sin duda. Metáfora del “mundo al revés”,
como la inversión de Juicio Final en el título de la pieza: “final del
juicio” propone que el juicio se ha perdido, es decir, se ha perdido
la razón. No es la primera vez que Cossa expresa con su teatro un
sentimiento que lo desazona: el mundo se ha vuelto loco.
Como no podía esperarse de otra manera, la potente metáfora
cossiana de Final del juicio excede lo coyuntural y se mete con pers-
pectivas más universales, como una divertida revisión de la vigencia
cultural de los Siete Pecados Capitales y los Diez Mandamientos del
cristianismo. Cossa invita a revisar el legado del cristianismo en la
cultura contemporánea, y en particular se pregunta por su vigen-
cia y adaptación, como Northrop Frye en Poderosas palabras. Pero
además llega a zonas perturbadoras, de raíz kafkiana, al colocar a
los jueces en la extraescena (de la que llega información sólo por los
sonidos o por los mensajes y objetos que trae y lleva el asistente),
inaccesible al espectador, o al dejar esta pregunta sin respuesta:
“JALIL: ¿Y quién condena? LETRADO: (Ríe) ¡Qué pregunta, señor Ja-
lil! ¡Qué pregunta! ¿Nunca se lo dijeron? ¿Ni siquiera se lo imagina?
JALIL: La verdad que no. LETRADO: (Ríe) ¡Hay, señor Jalil…! Ya se
va a enterar. Los ignorantes me producen ternura”. López, Romero
y Alí realizan muy buenos trabajos actorales. Con escenografía de
Héctor Calmet y diseño de luces de Lautaro. Entre lo más valioso de
la cartelera porteña actual.

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15 mayo
junio
El método griegoMaría Chatziemmanouil
15 mayo
junio
El Festival de Atenas-Epidáuro
cumple sesenta años
l Festival de Atenas-Epidáuro cele-
bra este verano sus sesenta años
de vida. Sesenta años creativos de
un organismo cultural vivo que dialoga con
la sociedad y acoge algunos de los espec-
táculos más importantes de teatro, danza,
música y artes plásticas, provenientes tan-
to de Greciacomo del extranjero.
El programa de la 60a edición que fue
presentado por el director del Festival
Yiorgos Lukos, junto con el nuevo vicemi-
nistro de Cultura, Nikos Xydakis, la Prefecta de la Región de Attica,
Rena Duru, y el Alcalde de Atenas Yiorgos Kaminis, levanta el telón
el 31 de mayo, en la Sala Grande del Pireos 260, con la versión
completa de la novela dramatizada La Papisa Juana del gran autor
griego del siglo 19, Emmanuíl Roídis, dirigida por Dimitris Mavríkios.
Una versión de la misma novela se había presentado en la edición
anterior del Festival como trabajo en progreso.
La parte griega del Festival incluye trabajos muy prometedores,
entre los cuales cabe destacar proyectos, fruto de la colaboración
de importantes artistas griegos con artistas de renombre interna-
cional, como por ejemplo la tan esperada cooperación entre el di-
rector griego Mijaíl Marmarinós y la compañía de Teatro japonés No,
en el montaje del Canto XI de la Odisea (Descenso a Hades).
Por primera vez se incluye este año en los espacios del Festival el
Liceo de Aristóteles. Allí, en uno de los tres gimnasios más antiguos de
Atenas (los otros dos son los de la Academia de Platón y de Quinósar-
ges) la joven directora Katerina Evangelátu estrenará una versión am-
bulante de una de las tragedias menos estrenadas, Reso de Eurípides.
La directora acaba de volver de Rusia, donde, en colaboración con
Theodoros Kurentzís, dirigió, Los cuentos de Hoffman, de Offenbach,
en la famosa Opera de Perm, cosechando un éxito enorme.
Este año el Festival está más vinculado con los problemas de
la sociedad griega, tal como indican los cuatro montajes dirigidos
por autores jóvenes: Yolanda Markopúlu, que durante estos últimos
años dedica sus fuerzas al teatro documental, dirige un montaje titu-
lado Somos los Persas. A partir de Los Persas de Esquilo, un grupo
de refugiados de Afganistán, Pakistán y Bangladesh, forman un coro
de guerreros para compartir su historia personal real.
El 5 de febrero de 2015, el tribunal de la isla de Rodas, condenó
a un refugiado sirio de 21 años a 145 años de prisión, imponiéndole
además una multa de € 570.000, al considerarlo único responsa-
ble del trágico naufragio de inmigrantes en Farmakonisi (enero de
2014), en el que murieron 11 personas, la mayoría de ellos niños.
A partir de esta decisión judicial, que transformó a la víctima en
verdugo, y con las Euménides de Esquilo como vehículo (un texto
emblemático para el establecimiento de la justicia en el mundo oc-
cidental), Anestis Asás construye El caso de Farmakonísi o La justi-
cia del agua, una representación documental para las personassin
derechos.
En una caravana, y bajo el título En la calle, Pródromos Tsinikoris,
presenta a un grupo de personas sin techo que cuentan su historia:
la pérdida de sus casas como consecuencia de la crisis económica
de los últimos años y sus vidas en la calle a partir de entonces.
Quiero un país es el título de la obra de Andreas Flurakis que se
estrenó por primera vez en junio de 2013 en el Royal Court Theatre
de Londres como parte del programa PIIGS, dirigida por Richard
Twyman. Es una obra en la que los personajes y las escenas no se
especifican, y además, no hay ni diálogos formales ni trama. Una
obra sobre Grecia, protagonizada por la gente griega. En Quiero un
país, Andreas Flourakis transcribe con humor y desesperación todas
esas frases que oímos, decimos y repetimos cuando hablamos de la
imagen que nos gustaría que tuviera nuestro país. En la obra habla
principalmente la generación joven. Una generación que no sabe
cómo afrontar la crisis general, siente la necesidad de definir cómo
es el país con el qué está soñando. Pero ¿puede haber un país así?
Y lo más importante: ¿ es esta generación capaz de luchar por él?
Mariana Kálbari, la directora del Teatro de Arte de Atenas, dirige
este montaje, en el que participan 65 estudiantes de la Escuela
Dramática de dicho teatro.
Entre los artistas invitados cabe destacar Sylvie Guillem (que em-
pieza la última gira de su carrera por Atenas, celebrando sus 50
años), Romeo Castellucci , Thomas Ostermayer (Schaubühne), Nikita
Milivogevitz, Cesaris Grausínis, Maguie Maren, Baxter Theatre (de
África Sur), Young Jean Lee’s Theater (Nueva York), She She Pop
(Berlin), New Riga Theatre (Letonia). Según el director del Festival,
habrá más invitados, pero todavía su participación no es oficial, al
no haber sido firmados los contratos correspondientes.
Las tragedias y comedias que van a estrenarse este verano en
el Teatro de Epidáuro (3 de julio-31 de agosto), será el tema que
vamos a tratar en el artículo del siguiente número de la revista. Todo
el programa del Festival se puede consultar en inglés, en la página
web del mismo: http://www.greekfestival.gr/en
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Piedra de sacrificio Jaime Chabaud
Políticas públicas sobre teatro
en México: Juan Meliá (2)
uan Meliá ha sido académico en la Escuela de Artes Plás-
ticas de Guanajuato en la licenciatura de Artes Visuales y
de la Universidad de León, en la licenciatura de Historia del
Arte. Ha impartido además, múltiples conferencias sobre Gestión
Cultural. En el ámbito cultural se ha desempeñado en cargos tanto
públicos como privados entre los que destacan: Director de Difusión
Cultural de la Universidad de Guanajuato, Di-
rector General del Instituto Cultural de León,
Guanajuato, en el que participó como uno
de los iniciadores del Festival Internacional
de Arte Contemporáneo (FIAC). Desde 2009
funge como Coordinador Nacional de Teatro
y a partir de 2012 es Presidente del Comité
Intergubernamental del Fondo de Ayudas
para las Artes Escénicas Iberoamericanas,
IBERESCENA. Habla para Artez sobre la
gestión pública y su visión sobre el teatro
mexicano que en este 2015 se las verá ne-
gras por un recorte presupuestal superior
al 50%.
Jaime Chabaud.- Existe una efervescencia en el teatro mexica-
no en muchos de sus rubros: realizadores escénicos (que obtienen
galardones internacionales importantes), dramaturgia, dirección…
¿En dónde vez sus puntos débiles?
Juan Meliá.- Lo veo en la falta de circulación y presencia inter-
nacional, la mal entendida dependencia del recurso público. Y los
espacios escénicos. La lenta lectura desde la institución y la comuni-
dad, en que muchos de los conceptos de subsidio no se han exten-
dido a nivel nacional, lo que aumenta el desbalance entre la capital
y otras regiones. En la falta de espacios que programen específica-
mente temporadas, la franca desatención hacia el teatro de calle y
el circo. Por último, la dificultad desde las propias convocatorias de
comprender los nuevos modelos de creación. Debemos ser capaces
de romper el hábito y posibilitar lo imposible a la fecha, encontrar lo
necesario de manera consensuada.
J.Ch.- Las provincias son siempre un tema complicado. ¿Cómo
has visto el desarrollo del teatro regional en estos 8 años?
J.M.- Es un tema que sigue sin resolverse. En ciertas regiones
se ve claramente cómo han logrado modelos que combinan la aca-
demia y el impulso a la producción, pero la dinámica de contar con
temporadas y espacios solamente dedicados a lo escénico no se ha
logrado extender como se desea. Es claro que sigue existiendo una
movilidad hacia la capital. El proceso de descentralización, iniciado
desde hace más de dos décadas, ha apostado en muchos momen-
tos por extender la toma de decisiones y la circulación del recurso
económico hacia cada región, pero no ha logrado establecer un
esquema en donde cada disciplina escénica construya su red de
necesidades y acciones para articularse. Es el momento que más
recursos se distribuyen, pero la disciplina teatral no siempre en-
cuentra la cobertura o estructura necesaria para ello.
J.Ch.- ¿Qué le falta para despegar?
J.M.- Si la pregunta se enfoca al teatro en los Estados, falta la
correcta comprensión de las necesidades de la disciplina en mu-
chos de ellos, el proceso de concepción,
producción, ensayo, temporada y gira no
ha logrado posicionarse en su totalidad. Si
te refieres a lo nacional, ampliar el modelo,
completar el sistema y ser capaz de recons-
truirse cada vez que sea necesario.
J.Ch.- Llevamos más de un lustro en el que
la escena mexicana ha cobrado una visibilidad
importante en los escenarios del mundo. Ade-
más de a los buenos oficios tuyos, ¿a qué otros
factores lo atribuyes?
J.M.- Mis buenos o malos oficios son lo que
menos importa. Quienes han dado un paso in-
discutible son las propias compañías y especia-
listas, pues han incluido en sus objetivos el tema de la internacionaliza-
ción y lo han dimensionado desde la creación de las obras hasta la vida
de las mismas. Todo ello sin renunciar a las temáticas y a sus discursos
propios. El teatro mexicano actual cuenta con riquezas y potencias que
deben ser conocidas y reconocidas más allá de nuestras fronteras, en
todas las vías posibles, la dramaturgia, las compañías, los directores de
escena y los escenógrafos, hasta los modelos de subsidio, y también
algunos importantes Festivales y proyectos que se realizan en nuestro
país y que poco a poco se van conociendo en el exterior. DramaFest,
Transversales, el Festival Internacional de Teatro de Nuevo León, las
Semanas Nacionales e Internacionales de la Dramaturgia, la FeLiT [Fe-
ria del Libro Teatral], el Festival de Teatro Universitario de la UNAM, la
Muestra Nacional, entre muchos otros, son modelos de operación del
teatro nacional que al ser conocidos por especialistas de alto nivel en el
exterior, adquieren otra dimensión y posibilidades.
J.Ch.- ¿De qué logros te sientes más satisfecho como gestor?
J.M.- Pienso que el teatro mexicano no puede ser analizado desde la
gestión de una u otra persona. Debe ser analizado desde sus progra-
mas y sus creaciones, desde los estímulos con los que cuenta y desde
lo que echa en falta. Me reconozco con una forma de trabajo de puer-
tas abiertas a consultas, consejos y reclamos, con el único afán de
integrar. Me enorgullece poder trabajar en programas como Iberesce-
na y el Estímulo Fiscal a la Producción Teatral Nacional (EFITEATRO).
Este último que en los pasados cuatro años ha apoyado más de 100
temporadas y circuitos, a través de créditos fiscales. Y sin embargo, la
realidad del día a día siempre marcará nuevas necesidades, modelos
a cuestionar y formas de apoyo a redimensionar.
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15 mayo
junio
El lado oscuroJaume Colomer
15 mayo
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Espacios de pequeño formato
os últimos años han entrado en funcionamiento algunos
espacios de pequeño formato de iniciativa privada que
ofrecen experiencias teatrales low-cost y han conseguido hacerse
un lugar en la escena teatral de varias ciudades. ¿Son una alterna-
tiva a las salas de gran formato, de la misma manera que en el cine
las multisalas sustituyeron en su momento a las grandes salas?
El pequeño formato es su carta de presentación. También lo es
su sistema de precios reducidos y, en algún caso, la taquilla inversa
para evitar que el coste de acceso sea una barrera. En general
ofrecen una programación de calidad que se diferencia de los es-
pacios de gran formato sobre todo en unas puestas en escena que
renuncian a todos los elementos prescindibles menos de la calidad
en la que basan su apuesta. Esto es fruto de la necesidad de ajustar
los costes para poder producir y reducir los precios de acceso.
El concepto de calidad es subjetivo: cada espectador tiene sus
cánones de calidad, pero las salas de pequeño formato entienden la
calidad interpretativa como la capacidad de hacer vivir intensamente
la historia que cuentan, activando las emociones y provocando la
reflexión sobre el tema desarrollado.
Esta calidad la buscan en autores emergentes o poco conocidos,
lejos del start system teatral del momento, con la intención de des-
cubrir nuevas propuestas teatrales con talento y darles visibilidad
social. Varios autores e intérpretes que han conseguido notable
reconocimiento en los espacios de gran formato han empezado a
mostrar sus propuestas en salas de pequeño formato. Por esto con-
sideran que prestan un servicio público y reclaman a las o adminis-
traciones que cubran parte de sus gastos para evitar que se vean
obligadas a aumentar la comercialidad y reducir el riesgo.
En general tienen públicos asiduos con los que se comunican a
partir de su base de datos de espectadores, que en varios casos
gestionan con aplicaciones CRM desde que han bajado sus costes
de acceso. Muchas han sido pioneras en la gestión relacional de
públicos de manera intuitiva porque no tenían recursos para invertir
en publicidad.
El low-cost les ha llevado a disponer de espacios reducidos donde
la proximidad entre intérpretes y públicos está garantizada, en algu-
nos casos han configurado espacios con escenario frontal y en otros
espacios flexibles que se pueden configurar en cada caso a medida
de las puestas en escena. A veces, como en el Teatre Akadèmia de
Barcelona, han sido concebidos como salas de ensayo con públicos.
La circunstancia del espacio reducido se ha convertido en uno de
los principales activos ya que permite a los espectadores sentir que
viven la obra “desde la cocina”, una sensación determinante para la
satisfacción de muchos espectadores asiduos.
¿Cuáles son los públicos objetivo de las salas de pequeño forma-
to? Muchas salas no han predefinido sus públicos porqué su punto
de partida ha sido el producto. Pero con el tiempo han ido generan-
do públicos asiduos entre los que encontraremos principalmente los
adultos con alta frecuencia de consumo teatral y los jóvenes.
Los adultos que tienen una alta frecuencia de consumo teatral
buscan propuestas escénicas de calidad, la innovación y el riesgo
para descubrir nuevas propuestas más allá del patrimonio teatral
conocido. Los jóvenes son públicos complejos, pero una garantía
de futuro. Según un estudio reciente, los jóvenes interesados por el
teatro prefieren más las propuestas emergentes de autores y, sobre
todo, de actores de su generación que las de creadores reconoci-
dos que forman parte del start system local. Prefieren compartir la
experiencia escénica con amigos que solos o en pareja. Buscan, más
allá de la experiencia teatral, una experiencia relacional compartida
con personas que tienen valores y estéticas similares, por lo que se
sienten incómodos en funciones donde predominan los adultos de
edades avanzadas. Buscan espacios informales, se informan prefe-
rentemente a través de las redes sociales y hacen bastante caso de
las prescripciones de los que interactúan en ellas. Tienden a com-
prar las entradas el mismo día. El precio de las entradas siempre es
para ellos un factor determinante, por lo que excluyen los espacios
que no ofrecen precios reducidos.
Todas estas características hacen que a los jóvenes no les atrai-
gan demasiado las ofertas de muchos espacios de gran formato
y que se muestren más interesados por los espacios de pequeño
formato que ofrecen programaciones más alternativas. Las progra-
maciones de los dos modelos de espacios no compiten por el mismo
nicho de mercado, más bien son complementarias. Tampoco puede
suceder que las de pequeño formato sustituyan progresivamente a
las de gran formato, como pasó en el cine con las multisalas, por-
que los teatros pequeños no pueden cubrir la función económica y
de acceso del gran público al patrimonio escénico que realizan las
de gran formato, y no pueden generar economías de escala como
los multicines porque son experiencias en vivo. Su función es más
estratégica: ser la puerta de entrada al mercado escénico de las
propuestas emergentes de calidad..
Entre los dos tipos de salas se pueden establecer lazos de co-
operación que beneficien a ambas porque los teatros lowcost de
pequeño formato lanzan al mercado propuestas escénicas que una
vez validadas por sus públicos pueden ser de interés para incorpo-
rar en la programación de los espacios de gran formato. El consumo
teatral no es un pastel fijo que hay que repartir, es un embrión que
se puede desarrollar a través de redes de cooperación.
También es posible que los espacios de gran formato, con progra-
maciones de autores, directores e intérpretes reconocidos tengan
interés en crear sus espacios de pequeño formato destinados a pú-
blicos que buscan la innovación y el riesgo.
A veces se plantea la duda de si hay que financiar con fondos
públicos las salas de pequeño formato, ya que la mayoría son de
iniciativa privada. Creo que si está clara la función que desarrollan
en el sistema escénico en los términos que hemos indicado (ser
la puerta de entrada al sistema teatral de propuestas emergentes
de calidad) no debe haber dudas sobre la necesidad de garantizar
su viabilidad desde lo público, ya que el riesgo empresarial de sus
propuestas puede hacer insostenible su actividad o transformar su
función. Lo que hay que establecer es unos parámetros de calidad y
un modelo de financiación que garantice dos objetivos que están en
dialéctica permanente: la independencia artística y la rentabilidad de
los recursos públicos.
L

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15mayo
junio
Noticias desde los fiordos Víctor Criado
Måns y las palabras
åns. Hace apenas tres semanas una llamada de telé-
fono nos comunicó que Måns (de quien desconozco
el apellido) había muerto, tras una breve enferme-
dad que su frágil y enjuto cuerpo de mas de 80 años no había po-
dido superar. Apenas me había cruzado con él en media docena de
ocasiones, nuestras charlas habían sido breves e intrascendentes.
Me hizo saber que Måns, aunque jubilado hace ya unos años, había
sido actor, seguía siendo actor (¿se jubila un actor?). Muchos años
de experiencia a sus espaldas, varios centros de producción habían
formado parte de su CV. ¿Cuántos protagonistas y secundarios?
Hace unos cuantos meses pude verle sobre un escenario. In-
terpretaba un pequeño pero importante papel en una puesta en
escena de una obra de August Strindberg. Påsken (Pascua). Se re-
presentaba en un pequeño y hermoso teatro situado en un sótano,
Alias Teatern. Era una coproducción entre instituciones suecas y ar-
gentinas, ya que el texto iba a ser representado por el mismo elenco
en sueco y castellano, tanto en Stockholm como en Buenos Aires.
Acudí a verlo porque conocía al actor principal y porque ese papel
que interpretaba Måns, me fue ofrecido al comienzo del proyecto.
El día que acudí al teatro lo interpretaban en castellano, lo cual
hacía todo un poco más sencillo para mí. Un texto denso y frío, como
el invierno que describe, una escenografía útil y sugestiva y unos
actores de origen sueco luchando con las palabras, en una batalla
que conozco, aunque desde la perspectiva opuesta.
Måns entra a escena cuando apenas faltan quince minutos para
finalizar la representación. Desde la primera réplica, desde el primer
gesto, retirándose el sombrero en una presentación tensa y expec-
tante, me doy cuenta de que estoy ante un gran actor. Su dicción es
muy buena, superior a la mía en sueco, a pesar de que Måns apenas
chapurrea el castellano, lo cual me llena de sana envidia y admira-
ción. Manejando los tiempos, sabiendo qué está haciendo en cada
momento, tanto consigo mismo a nivel emocional, como con aquello
que provoca en el espectador. Con esa compleja virtud, tan difícil
de alcanzar, de verse a sí mismo tanto desde dentro como desde
fuera, esa cámara subjetiva en constante movimiento tan compleja
de enfocar. El resto de actores palidece a su lado, y eso que no son
actores malos, pero es difícil estar a la altura de este gran actor que
con cada movimiento, preciso y directo, concentra toda la atención
de los espectadores.
Al finalizar la representación no puedo evitar, en un gesto que
suelo ejercer muy poco, acercarme a él y felicitarle como lo que es,
un gran actor, del que quisiera aprender, al que ha sido un disfrute
ver trabajar. Su sonrisa agradece mi sincero cumplido. Todo esto lo
hacemos en castellano, unos días antes de que viajen rumbo a Buenos
Aires para presentarlo allí, y de paso asistir a unas milongas para
practicar su otra pasión. Buen viaje y suerte, me despido. Eso mismo
siento cuando me comunican su muerte. Buen viaje y suerte. Un cierto
pinchazo en el alma me hacen permanecer en silencio algunos minu-
tos, pensando en este gran actor que, parafraseando a Shakespeare,
deja el escenario sin mucho ruido, después de una representación
que nada significa. Quizás para mí, quizás para alguno de los lectores
de este artículo. Un respeto para Måns.
Si hubiese algún monumento al actor desconocido sin duda me
acercaría a ese lugar para rendir pleitesía a Måns, y a todos esos
actores desconocidos que han sido grandes sobre la escena, sin
que sus nombres permanezcan en la memoria. Y que han hecho de
está profesión un sueño, del que a veces apenas queda rastro al
despertar, pero que aún así merece la pena intentar.
Las palabras. El Dramaten era, cuando Måns actuaba también,
una especie de lata de conserva del idioma sueco. Digo era, por-
que afortunadamente las cosas están cambiando. Hasta hace 3 o
4 décadas un actor que perteneciese al elenco del teatro ”debía”
declamar sus textos en un sueco ”limpio”, con su entonación y dic-
ción correctas. Un museo del idioma hablado en vivo. Algo hoy día
más que cuestionado. No solo por la procedencia de algunos de sus
actores, hijos de emigrantes o pertenecientes a algunas regiones
suecas con un marcado y distintivo acento, sino también porque la
profundización del término democracia cuestiona algunos de estos
supuestos, basados en una norma, impuesta desde un determinado
centro de poder, en este caso idiomático. Y no me estoy refiriendo
a la gramática, que viene a ser una especie de norma de tráfico de
obligado cumplimiento para todo aquel que quiera conducir, sino del
”modelo” del coche en cuestión.
En Madrid también hay, o por lo menos había hace unos años, un
centro de producción en el cual se ”vela” por la correcta declama-
ción del castellano. E imagino que algunos otros centros de produc-
ción pública mantienen una cierta ”vigilancia” ante el lenguaje que
se habla en sus escenarios. ¿Calderón hablado con acento gallego,
o catalán? Pues parece que no está, (o estaba) bien visto. La pre-
gunta que me hago, y que imagino algunos suecos se han hecho
hace ya bastantes años, es ¿quién decide cuál es la ”correcta forma
de ”decir” en castellano, o en sueco, o en swahili?
La ”r” esa hay que limpiarla, me dijeron en un montaje en el
que participé. Algún compañero andaluz pasó horas ”mejorando”
su acento. ¿Es acaso el castellano con acento andaluz, o gallego,
o vasco, o… defectuoso? ¿Hay que corregir esos defectos, pulir
esos tonos y consonantes ”mal colocadas” para poder subirse a
un escenario? Si el teatro se subvenciona con dinero público de
andaluces, gallegos o vascos (entre otros), ¿no tienen derecho sus
habitantes a escuchar lo que se dice como ellos lo hablan? Y ¿no es
más enriquecedor escuchar los diversos matices que estos ”defec-
tos” añaden a las palabras escritas, limpias de acento e inocentes?
En Estocolmo, entre las personas con las que me relaciono y los
espectadores para los que actúo, el hecho de tener un marcado
acento, como el que yo inevitablemente tengo, es considerado un
plus, nunca un minus. A pesar de que alguna vez he escuchado el
”habla en sueco” que algún espectador, con problemas de oído, o
de odio, ha soltado. Realmente solo ha sucedido en un par de oca-
siones. El resto es respeto y curiosidad.
Hace ya algún tiempo que no trabajo en Madrid, pero confío en
que poco a poco las cosas vayan cambiando, y los espectadores
puedan asistir a una representación con actores de diversa proce-
dencia, con sus diversos matices y acentos, disfrutando de la rique-
za en los modos de decir y hacer.. Como en la vida misma.
M

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15 mayo
junio
Cronicón de Villán... y corteJavier Villán
15 mayo
junio
La política del Teatro
l recibir de Antonio Garrigues Walker el cheque de
50.000 euros que apoquina Coca Cola, y que la acredita
como ganadora del IX premio Valle Inclán, Concha Ve-
lasco preguntó al Ministro Wert que lo tenía al lado; ¿tengo que da-
ros el 21%? Pregunta simple, aunque cargada de dinamita. Concha
Velasco es una trágica, Hécuba, con injertos de Aristófanes. Este
ministro, del que nadie en el teatro se acuerda sino para denigrarlo,
se encogió de hombros sonriente y agitó las manos como diciendo
a mí que me registren. No son bien venidos los ministros del PP al
Premio Valle Inclán, acaso porque los teatreros no se sienten bien
recibidos en los palacios ministeriales del PP; no son bienvenidos a
la cena del Valle Inclán, quiero decir, en la que manda la farándula
proletaria y cimarrona; el Premio como tal es muy cortesano y Coca
Cola, la que paga, no admite desaires ni descortesías. Siempre les
invitan y no solo por protocolo.
Siempre, en los grandes salones del Teatro Real esa noche se
levanta alguna voz preguntándoles a los ministros qué pasa con el
IVA o cómo se invierten los dineros oficiales en el teatro institucional.
Un año, una de las mejores actrices del panorama español, una de
las mejorcísimas, Vicky Peña, alzó la voz: ¿qué pasa con el IVA? Y
ni siquiera José María Lasalle, secretario de Estado, sector ilustrado
y progre de un gobierno ignaro y de derechas acertó a decir nada.
Callado como un muerto. Muchos nos hemos preguntado qué hace
José María Lasalle en un gobierno como este. No hace nada; algunos
como Pilar del Río o Juan Cruz decían que era el caballo de Troya en
el Ministerio Wert. De ser así ha sido un caballo de madera sin nada
dentro. Hasta el extremo que yo, y otros como yo, no sabemos si
continúa en el gobierno o no. Wert, que no es una lumbrera, no le ha
dejado ni respirar. De todas formas, gane quien gane las elecciones,
a los dos les queda poco tiempo en el poder.
Cuando un ministro de Cultura o de lo que sea oye la pregunta
acusadora sobre el IVA teatricida no sabe qué decir. Nos sentimos
europeos y europeizantes en todo, menos en cultura brutalmente
penalizada por el gobierno. Así que la presencia de Wert el otro día
en el Teatro Real sorprendió pues era como si le hubieran echado
a los leones. No pasó nada. Entregó el premio y no dijo ni mú, ni
siquiera cuando Concha Velasco con candor vallisoletano de una
chica de la Cruz Roja, le preguntó si tenía que soltar el 21% del
suculento premio. Entregó escultura de Víctor Moro y talón de Coca
Cola convenientemente conformado, supongo, y no echó discurso.
Fue una sabia decisión.
Yo interpreté su presencia como una despedida.
El Iva en el menú electoral
Que habrá cambio de gobierno parece algo más que una profecía
o que una encuesta, que es la degeneración estadística de la profe-
cía. Pasaremos del centro derecha de la derechona rapaz del PP, a
un centro derecha matizado por injertos de Ciudadanos; o a un cen-
tro izquierda, socialdemocracia Psoe, fustigado por Podemos, que
empezó extremoso y radical y se ha metamorfoseado en socialde-
mócrata cauto. Ninguna de estas perspectivas augura nada bueno
para el teatro. La única vez que Pablo Iglesias se pronunció sobre
el teatro, que yo sepa, fue para decir que era una “mariconada de
mierda”, aunque luego ha matizado. No se le ocurriría decir eso en
la cena del Valle Inclán; estaría bien que el protocolo de Luis María
Anson y el de Coca Cola le invitara al Teatro Real. A pesar del nom-
bre, puede que encuentre allí más republicanos de los que cree.
Me parece que Rajoy y algún partido más lleva o piensa llevar lo
del IVA en el programa electoral. Que la diosa Talía les premie. Si así
lo hicieran que sean coronados con el mirto y el acanto; si no que
sean paseados con sambenito y mofa en el Carro de Tespis por los
caminos de España.
Dos semidiosas en la final
La finalísima del Valle Inclán, como ya es sabido, se dilucidó
entre dos mujeres: Concha Velasco y Blanca Portillo. Hécuba, la
perra, versus María la madre de Cristo. No era un conflicto de
religiones, eran dos personajes frente a frente y si me apuran dos
formas de interpretar, dos grandes trabajos: la técnica del monó-
logo con matices y voces, frente al protagonismo de un personaje
eje; un personaje en un universo bélico, confrontado con un coro
de personajes a cada cual mejor representado, Juan Gea, José
Pedro Carrión, Pilar Bayona, Alberto Iglesias, María Isasi, Perdiki-
dis… Quizá fuera esto lo que, a la postre, decidió las discusiones
a favor de Hécuba-Concha Velasco. No desvelo nada de los secre-
tos del Jurado de Valle Inclán, mejor guardados que las delibera-
ciones de los Consejos de Ministros. Un jurado no solo ha de ser
honrado, que éste lo es; sino parecerlo, que también lo parece.
Esta circunstancia me vale para definir la vida de Concha Velasco
identificando su peripecia con la peripecia de Hécuba. La heroína
de Eurípides tiene un tono trágico que la derrota, pero nunca la
doblega. Una perdedora con grandeza. Esto marca la interpre-
tación de una mujer en la plenitud de su arte; una especie de
desgarrada Ana Magnani a la española. Y lejos de aquella alegría
de una chica de Valladolid, hija de militar, que rompió el orden de
una ciudad levítica para venir a la farándula de Madrid sin orden ni
concierto. Concha Velasco, fue los ojos, la sonrisa, las piernas, la
voz y el ritmo frenético del cine de aquellos años lastrados todavía
por la dictadura. Conchita Velasco era la luz.
Concha Velasco pasó del falangismo doctrinal de Sáenz de He-
redia, que la trató como una reina, al comunismo selvático de Juan
Diego, que no sé cómo la trató. En cualquier caso ambos la amaron,
el primero con desesperación y generosidad; sobre ellos edificó
Concha Velasco los fundamentos de su cine y su teatro. Luego vino
Paco Marsó, un guaperas, golfo y ludópata que arruinó su vida en
todos los sentidos.
En cualquier caso, Concha Velasco ha sobrevivido a todo; a triun-
fos, a fracasos, a amores y a desamores, a enfermedades y conta-
gios. Podíamos haberle dado el premio Valle por Olivia y Eugenio,
madre de un hijo con síndrome de Down. Pero fue Hécuba, la perra
aullándole a la luna, la que con su aullido alzó a Concha Velasco
hasta las estrellas.
A

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junio
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15mayo
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Las Lejanías Carlos Be
El fatum teatral
legamos a tocar a los actores. Es su domicilio, una amplia
sala –esta función se monta en el vestíbulo del Teatro
Tis– en la que nos sentamos una veintena de amigos,
unos en butacas y otros sobre cojines. Nos recuerda el nacimiento,
en Nueva York, del teatro de casa, inventado a comienzo de los
años ochenta, donde se hacían representaciones. Nos recibieron
afectuosamente, casi uno a uno, los cuatro intérpretes. También lo
relacionamos con el inicio de la ya prestigiosa Sala Cuarta Pared:
era el año 1987, efectivamente como una casa, donde muy poquitos
podíamos ver los montajes sobre autores naturalistas –sobre todo
Chéjov–. Y así se denominó el proyecto de aquella compañía. Re-
cordemos que fue André Antoine (siglos XIX-XX) quien determinó la
‘cuarta pared’, una supuesta interioridad que permitiera a los acto-
res llegar hasta el olvido del público. Fue también el mito religioso de
Stanislavski. La Sala Cuarta Pared pudo salir de esas iglesias. Todo
lo que comentamos tiene mucha relación con este estreno de Steak
tartare del interesante autor Carlos Be. Se interpretan al principio
a los propios actores; crean después personajes fantásticos, con
ruptura entre las varias escenas, entre argumentos y descansos.
Nadie lo había utilizado antes de Brecht. No deberían pensar que
esta llamativa función teatral no la pueden bautizar con el apellido
de transformación, como se escribe en sus notas”.
Estas palabras las escribía el periodista Enrique Centeno un 11 de
julio de 2009. La crítica aún puede leerse en el blog que lleva por título
su propio nombre, blog parado en seco un 9 de agosto de 2012. Seis
días después se anunciaría su fallecimiento. La dirección de Steak tar-
tare –publicado como El niño herido por la editorial Artezblai– corrió a
cargo de Adolfo Simón, un activista inquieto y visionario de los nuevos
lenguajes como pocos en la escénica española. Él me encargó escribir
este texto nada agradable que proponía un desafío terrible: mostrar el
dolor en la infancia desde todas las heridas posibles.
El montaje se representó durante sólo cinco días, si no recuerdo
mal, en la Sala Tis y fue un absoluto fiasco, si nos ceñimos a los re-
sultados de la taquilla. El público que vino no recomendó la obra,
tampoco quiso repetir, tal era la dureza que se mostraba en aquel
vestíbulo. Perdón por mi mala memoria, tampoco recuerdo si vi la fun-
ción dos o tres veces, lo que no olvidaré jamás fue aquella pareja del
público, él llorando y ella abrazándole sin entender qué le pasaba a la
persona que quería. Luego se fueron como se va el público, pero en
esta ocasión no se iba ella con tan sólo su novio: se iba con un niño
herido de la mano.
Y aquí es cuando voy a saltarme el resto del artículo y voy a llegar
a la frase final: cuando el teatro llega es teatro, independientemente
de cualquier clasificación. Ser o no ser. El resto, debería ser silencio.
Debería, porque no lo es. Hay tanto ruido en el teatro... esta vez en-
tendiéndolo como el compendio del teatro que es y del que no lo es,
el que transmite y el que no transmite.
A más de nueve mil kilómetros de distancia y en el preciso instante
en que escribo estas líneas, está estrenándose el último montaje de
El niño herido. Bajo la dirección de Alfredo Durán, el grupo de tercer
año de la licenciatura de Teatro de la Facultad Popular de Bellas Ar-
tes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo (More-
lia, México) presenta esta obra con una clara restricción de edades:
sólo público adolescente y adulto. Leo la sinopsis que han redactado
acerca del espectáculo y me recorre un ligero estremecimiento, ¿será
que el teatro está vivo?, porque siento que el Reto –y lo escribo con
mayúscula como si de un arquetipo se tratara, un arquetipo teatral–
vuelve a ocupar el centro del escenario en esta propuesta. Dice así:
“¿Qué pasa cuando descubres que todo lo aprendido junto a quienes
tenían toda tu confianza no era amor? ¿Sabes entonces qué es amar?
¿Puedes volver a confiar? El niño herido nos habla de los mal amados
desde el interior de ese infierno. Personas desgarradas, rotas por el
maltrato sufrido en su infancia. Pero decir esto, leer aquello, enunciar
un tema, no significa nada. La tarea es contarlo, presentarlo, pero
¿cómo hacerlo?”. El Reto.
También sintieron el vértigo del Reto en la Escuela Superior de Arte
Dramático de Málaga en 2012. En esta ocasión, dirigía Blanca Vega.
¿Qué convierte un texto teatral en objeto de estudio académico? ¿Qué
relación guarda este interés con su comercialidad? El primer montaje
en un circuito comercial –y el último que tenga constancia– fue un
fiasco económico. No obstante, ya son dos las universidades que han
apostado por poner en escena esta obra con sus alumnos.
“Entrar en un extraño territorio, un país donde todo lo que roza
rasguña y hace daño. Entrar donde la ternura se oculta, a veces para
aparecer más tarde, cuando menos te lo esperas (y más lo necesitas).
Tennessee Williams lo llamaba El país del dragón. Lo solemos llamar
infierno. Y de eso se trata. De asomarse al infierno. ¿Dónde está?
¿Quiénes son los condenados? ¿Cómo se vive la condena? ¿A qué
tortura están sometidos? Iniciamos el descenso”, escribió Madga La-
barga en la extinta revista La Ratonera. Ahora mismo los alumnos de
tercer curso de la universidad de Morelia deben estar a medio camino
en su descenso.
Mi encomiable y queridísimo Santiago Martín Bermúdez se refirió a
El niño herido como “metaliteratura”, como “relato-drama” y también
“de una originalidad ‘que grita’, como decía Pirandello”. Postdramáti-
co, ¿quizás? Nunca he entendido bien de qué trata un texto postdra-
mático y vuelvo a la necesidad de las etiquetas. ¿Acaso la Urgencia,
el Reto y la Transmisión en un texto teatral no son suficientes coor-
denadas para definirlo? Como si fuera tan fácil alcanzar esta tríada,
qué Parcas éstas, personificaciones del fatum teatral. Su destino no
lo escribimos nosotros, todo lo contrario: él escribe nuestro destino
a través de sus Parcas y su quehacer a través del tiempo. Nosotros
podemos mudar de género, extensión, moda: la criba seguirá siendo
terriblemente exigente y muchos se quedarán en el camino.
Leo a Josu Montero que Heiner Müller escribía “contra el teatro,
pues sus textos plantean todo un reto a la escena, una estupenda ma-
nera de que ésta crezca y se sacuda su acomodamiento. El texto como
palanca para sacar al teatro de sus casillas”. Qué bonitas palabras.
Por mi parte, contaros un pequeño secreto inconfesable, un guilty
pleasure particular: me entusiasma ver cómo evolucionan, a veces
unidas, otras por separado, la escritura y la dirección escénicas, por-
que mientras el teatro siga descubriendo y sorprendiéndonos, podre-
mos seguir siendo espectadores de su magia, porque tan maravilloso
es soñar como hacer soñar.
L

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15mayo
junio
D
el 27 al 30 de mayo, el bilbaíno
Azkuna Zentroa (antigua Alhón-
diga) acogerá la tercera y última
edición del 3, 2, 1 Encuentro In-
ternacional de Nuevas Formas Escénicas,
donde participarán artistas contemporá-
neos en sus diferentes manifestaciones.
Creadores, emergentes y consolidados,
presentarán una concepción revisada de
la performance, la danza y el teatro ac-
tual. Esta edición, en la que participarán
artistas de países como Reino Unido, Paí-
ses Bajos, Suiza, Francia, Italia, Portugal
o Alemania, prestará especial atención al
sonido y a las propuestas expandidas de
participación social. Azkuna Zentroa será
el escenario de espectáculos colectivos,
obras de texto, planteamientos artísticos
nuevos… Conceptos como performance,
teatro, danza, instalaciones, intervención
en espacios públicos o arquitectura efímera
tendrán su espacio en este encuentro. Ade-
más, se ofrecerán tres talleres dirigidos a
distintos públicos. Marc Rees impartirá con
Guillermo Weickert Molina el workshop ‘Ar-
chitectonicA’, abierto a artistas de todas las
disciplinas interesados en la creación ‘site
specific’. Keith Jarrett, por su parte, traba-
jará con alumnos de bachillerato artístico
que escribirán e interpretarán poemas de
forma colectiva. Por último, la portuguesa
Tânia Carvalho dará a los bailarines partici-
pantes la oportunidad de experimentar en
su propio cuerpo movimientos creados por
ella misma.
Holstebro y Barcelona
La sede del Odin Teatret en Dinamarca
será otro de los lugares de reunión para
diferentes artistas en este mes de mayo.
Allí se ofrecerá, entre los días 19 y 27, el
seminario internacional Cohabitation on
the Theatrical Structure, que se presenta
como un taller para analizar y trabajar una
estructura teatral con Eugenio Barba y los
actores del Odin Teatret. Entre los parti-
cipantes que se reúnan en Holstebro, los
actores mostrarán una escena creada para
la ocasión. Los directores, por su parte,
deberán presentar un problema o solución
concreta relativa a uno de sus espectá-
culos, mostrada mediante un discurso, un
vídeo o diferentes fotografías. Eugenio Bar-
ba y los actores del Odin Teatret guiarán a
cada participante hacia el descubrimiento
de las distintas posibilidades de su pro-
puesta. Además, durante el seminario, el
Odin Teatret ofrecerá varias funciones de
los siguientes espectáculos: ‘The Chronic
Life’, ‘Ave Maria’ y ‘Inside the Skeleton of
the Whale’.
La ciudad de Barcelona albergará otro
de los eventos que, a modo de jornada
profesional, debatirá sobre la organiza-
ción de los espectáculos. Organització
d’espectacles: Llei d’espectacles Públics i
Plans d’Autoprotecció se celebrará el 14 de
mayo en el Teatre de Sarrià, siendo parte
del Cicle de Jornades sobre Cultura Popular
i Associacionisme que organiza el Depar-
tament de Cultura de la Generalitat de Ca-
talunya. En la jornada intervendrán Joana
Ibáñez, subdirectora general d’Espectacles
Públics i Activitats Recreatives de la Gene-
ralitat, y Jordi Aurich, director general de
Protecció Civil de la Generalitat. Por otro
lado, se planteará un debate en el que
participarán diferentes expertos como Jo-
sep Reig (MUSICAT), Jordi Fosas (Esdansa),
Jaume Antich (Plataforma Arts de Carrer),
Josep Miquel Gámez (Associació Profes-
sional de Representants, Promotors i Mà-
nagers de Catalunya-ARC), Lali Pujol (cap
tècnic de Fira Mediterrània de Manresa) y
un representante de l’Associació Tècnics de
Protecció Civil.
Puntos de encuentro para
artistas de diversas disciplinas

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15mayo
junio
E
stán abiertas las convocatorias de
tres premios con los que esta re-
vista colabora. Hasta el 15 de junio
está abierto el plazo de admisión de
textos teatrales del XL Premi Born de Teatre
2015 que convoca el Cercle Artístic de Ciuta-
della de Menorca dotado con 14.0000 euros
y la edición en las cuatro lenguas oficiales
del Estado español. Como novedad esta
año, y en el marco del premio se convocan
también las I Residencias de Creación Teatral
Premi Born dirigidas a compañías teatrales
y a proyectos y montajes teatrales de todo
el Estado español. La residencia se realizará
en Ciutadella del 6 al 20 de octubre y tras su
finalización tendrá lugar su representación
ante el público. La fecha de admisión finaliza
también el 15 de junio.
El Premio internacional de Ensayo Teatral
2015 que convoca el Instituto Nacional de Be-
llas Artes a través del CITRU –Centro Nacional
de Investigación, Documentación e Informa-
ción Teatral Rodolfo Usigli– y la Coordinación
Nacional de Teatro de México –en colabora-
ción con la revista mexicana de Teatro Paso
de Gato y Artez–. Dirigido a escritores de
cualquier parte del mundo los ensayos pre-
sentados –hasta el 31 de julio–, deben ser in-
éditos y relacionados con el acontecer teatral
contemporáneo. El premio consiste en el pago
de cuarenta mil pesos mexicanos y la publica-
ción del ensayo ganador en coedición con las
instancias convocantes. El ensayo ganador se
anunciará en la Feria del Libro Teatral 2015
en Ciudad de México y su entrega en la Mues-
tra Nacional de Teatro de México 2015.
Por último, la Asociación Cultural Artez Blai
Kultur Elkartea acaba de convocar el VIII Pre-
mio Internacional Artez Blai de Investigación
sobre las Artes Escénicas abierto a autores
de cualquier nacionalidad con trabajos que
investiguen, analicen, teoricen o propongan
una práctica, en forma ensayística o crítica,
fruto de una experiencia o de una tesis doc-
toral sobre cualquier disciplina de las Artes
Escénicas –teatro, danza, circo, magia o
cualquier otra arte performativa–. Los tra-
bajos deberán ser originales, inéditos y no
publicados en ningún soporte y podrán ser
escritos en euskera o castellano. El premio
consiste en la publicación del trabajo ganador
en la colección ‘Teoría y Práctica’ de la edito-
rial Artezblai. La fecha límite de recepción de
los trabajos es el 28 de septiembre.
Se buscan autores de obras y
pensamiento para premiar

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15 mayo
junio
L
a gala de entrega de la XVIII
edición de los Premios Max
de las Artes Escénicas que
organiza la Fundación SGAE
tendrá lugar el 18 de mayo en la sala
BARTS (Barcelona Artson Stage) de
Barcelona. EL Jurado de Finalistas de
esta edición presidido por Carlos Gil,
y compuesto por Salvador Enríquez,
Mar Gómez, Guillermo Heras, Susana
Herreras, Joan Muñoz y Liz Perales dió
a conocer el 22 de abril los finalistas
de estos premios, que tienen como
propósito reconocer el talento de los
profesionales del Teatro y la Danza de
nuestro país y la promoción de los es-
pectáculos de la temporada. La lista
de candidatos s la siguiente:
Mejor espectáculo de teatro
Cuando deje de llover: Madrid Destino
Cultura Turismo y Negocio
El President: Bitò Produccions, y
Teatre Nacional de Catalunya
El triángulo azul: Centro Dramático
Nacional - Valle Inclán
Mejor espectáculo de danza
Bosque Ardora:
Compañía Rocío Molina
Cenizas o dame una razón para no desin-
tegrarme: Losdedae Compañía de Danza
Free fall (Caída libre):
Compañía Sharon Fridman
Mejor espectáculo musical
L’Eclipsi: Grec 2014 Festival de Barcelona
y Teatre Nacional de Catalunya
El eunuco: Festival Internacional de Teatro
Clásico de Mérida, Mixtolobo,
Labaska 64 y Ciclán
La ópera del Malandro: Teatro Defondo
Mejor espectáculo infantil o familiar
DOT: Maduixa Teatre
El señor de las moscas: Acción Sur / La
joven compañía
Nidos: Máquina Teatral Teloncillo
Mejor espectáculo revelación
Llibert (Liberto): Cia. Llibertàries
Fuenteovejuna, breve tratado sobre las
ovejas domésticas: Compañía Obskené
Los nadadores nocturnos: Draft.inn
Mejor producción privada
de artes escénicas
Carne de gallina: Arteatro, P.T, Teatro del
Cuervo y La Estampa Teatro
Duet for one: Guindalera T.C.
Regreso al hogar: Tribueñe
Mejor autoría teatral
Francisco Nieva: El rayo colgado y peste
del loco amor
Antonio Tabares: La punta del iceberg
Laila Ripoll y Mariano Llorente:
El triángulo azul
Mejor autoría revelación
Gemma Brió: Llibert (Liberto)
Iñigo Guardamino: Vacaciones en la inopia
Miguel Ángel Sánchez:
Ejecución hipotecaria
Mejor adaptación o versión teatral
Pau Miró y Lluís Homar:
Terra baixa i Lluís Homar
Ignacio del Moral: El viaje a ninguna parte.
Anna Maria Ricart: Fuenteovejuna, breve
tratado sobre las ovejas domésticas
Mejor composición musical para es-
pectáculo escénico
Sabino Bikandi: Gelajauziak
Alberto García Demestres: L’Eclipsi
Iñaki Salvador: Zazpi aldiz elur, Mikel
Laboa Elurretan
Mejor coreografía
Sharon Fridman: Free fall (Caída libre)
Thomas Noone: Brutal love poems
Rocío Molina: Bosque Ardora
Mejor dirección de escena
Oriol Broggi: Adiós a la infancia
Carme Portaceli: El President
Julián Reta: Cuando deje de llover
Mejor diseño de espacio escénico
Llorenç Corbella: L’Eclipsi.
Arturo Martín Burgos:El triángulo azul
Baltasar Patiño: Bobas & Gallegas
Mejor diseño de vestuario
Míriam Compte: Doña Rosita la soltera
o el lenguaje de las flores
Felype de Lima: Fausto
Eva del Palacio y Fernando Aguado:
El rayo colgado y peste de loco amor
Mejor diseño de iluminación
Xavier Albertí:
Terra Baixa i Lluís Homar
Carlos Marqueríe: Bosque Ardora
Juan Gómez-Cornejo: Fausto
Mejor actriz protagonista
Gema Matarranz: Juana, la reina que
no quiso reinar
Rebeca Valls: Casa de muñecas
Blanca Portillo:
El testamento de María
Mejor actor protagonista
Lluís Homar: Terra baixa i Lluís Homar
Sergi López: 30/40 Livingstone
Francesc Orella: El President
Mejor actriz de reparto
Rosa Novell: L’Ultima trobada
Marta Poveda:
Donde hay agravios no hay celos
Susi Sánchez: Cuando deje de llover
Mejor actor de reparto
Pau Durà: La punta del iceberg
Pepón Nieto: El eunuco
Fernando Sansegundo: Donde hay agra-
vios no hay celos
Mejor bailarina principal
Alba Barral: Brutal love poems
Rocío Molina: Bosque Ardora
Olga Pericet: Pisadas
Mejor bailarín principal
Israel Galván: Fla.co.men
Manuel Liñán: Nómada
Chevi Muraday: Cenizas
Mejor elenco o intérprete
solista de danza
Pau Cólera, Jonathan Foussadier, Maite
Larrañeta, Alejandro Moya, Melania Olcina
y Léonore Zurflüsh: Free fall (Caída libre)
Kukai Dantza (Alain Maya, Eneko Gil,
Ibon Huarte, Jon Maya y Urko Mitxelena):
Gelajauziak
Jonatan Miró, Adrián Santana, Inmaculada
Aranda, Anabel Moreno y Águeda Saave-
dra: Nómada
Candidatos a los Premios Max

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15 mayo
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Estantería
Kiosko
Texto TeatralTexto TeatralTexto TeatralTexto Teatral
Ediciones de la Discreta ha
publicado ‘Cruzar la raya’ de
Carlos García Ruiz. Esta obra
puede ser definida como
“una comedia dramática con
algún toque absurdo, con
situaciones muy tensas, y
sobre todo con mucho humor
negro”. Estructurada en
nueve secuencias, habla de lo
que leemos en los periódicos,
del miedo, de lo cotidiano
transformado en pesadilla.
Yoska Lázaro, director teatral,
dramaturgo y actor argentino
es el autor de ‘La escena de
los nadies’ volumen publi-
cado por la editorial Nueva
Generación que reúne tres
obras, ‘Los errores de Noé’, ‘
Una pieza menor (o se seca
las lágrimas y continúa)’
y ‘Vago’. En todas ellas
la teatralidad se impone
sobre cualquier otro recurso
retórico.
‘Barealdi magikoa’ es la tra-
ducción en euskera de la úl-
tima obra de Alfredo Sanzol,
‘La calma mágica’. Traducida
por el escritor Harkaitz Cano,
acaba de ser publicada por la
editorial Artezblai dentro de
su colección Textos Teatrales.
Esta obra ha sido llevada a
escena en una coproducción
del CDN y Tanttaka Teatroa
bajo la dirección del propio
Sanzol.
El CENDEAC y el Centro
Párraga de Murcia han
publicado, dentro de
la renovada colección
Infraleves ‘Esto es así y
a mí no me jodáis’ del
reconocido dramaturgo
y director Rodrigo Gar-
cía. El texto es una obra
profunda e irreverente
concebida para un actor
ciego, en la que Rodrigo
García despliega su amor por las palabras pero también
su recelo. Es un texto intenso y perturbador, una pieza de
poesía que interroga la mirada y cuestiona los sentidos
que dan acceso a lo real, pero que también lo deforman
y nos engañan sobre su naturaleza profunda. El libro
incluye como epílogo un texto crítico de Fernando Castro
Flórez. Nacido en Buenos Aires, Rodrigo García residen
en España desde 1986. Tras fundar en 1989 La Carnice-
ría Teatro son muchas las obras que ha escrito y dirigido
para su compañía con la que ha recorrido grandes
festivales de todo el mundo. Galardonado con el Premio
Europa Nueva Realidad Teatral 2009, en la actualidad
dirige el Teatro Nacional de Montpellier.
Ediciones Irreverentes ha
publicado ‘Antología de
Comedia y humor’ en la
que se recogen monólogos,
diálogos, teatro breve y
cuentacuentos de todos los
estilos de autores como: José
Luis Alonso de Santos, Carlos
Álvarez, Jacinto Bobo, Mariam
Budia, Jesús Campos, Gerard
Clúa, Manuel Contés Blanco,
Secun de la Rosa, Diana de
Paco entre otros.
Texto TeatralTexto Teatral
Francisco Nieva resume
‘Salvator Rosa o el artista’
“como sátira sobre el poder,
que sofoca al pueblo con
nuevos impuestos, y es el
motivo que levanta la memo-
rable revolución de Nápoles
en 1640; cuando el Virrey de
España aplica un impuesto
sobre la fruta”. Obra estrena-
da recientemente por el CDN
quien también se ha encarga-
do de su publicación.
En ‘El sunset limited’ su autor,
Cormac McCarthy, presenta a
dos personajes, un hombre
blanco, que a pesar de disfru-
tar de una amplia cultura y de
una posición acomodada, vive
sumido en la desesperación y
un hombre negro que aunque
ha llevado una vida marcada
por la violencia, mantiene
una férrea esperanza gracias
a su fe. Publicación de la
editorial Mandadori.
Texto Teatral
Dentro de la colección
Pliegos de Teatro
y Danza Aflera ha
publicado ‘Soy una
obstinada célula del
corazón y no dejaré de
contraerme hasta que
me muera’ de Elena
Córdoba, un volumen
que recoge dos textos
que escritor por la
creadora para acom-
pañar su trabajo en torno al latido y su ausencia. Los
citados textos son ‘Pensamientos de una bailarina que
comprendió el ritmo cuando miró un cadáver’ y ‘Pensa-
mientos de una bailarina que comprendió el movimiento
después de mirar un cadáver’. La obra de Córdoba,
artista residente en el Teatro Pradillo de Madrid es “una
aproximación al latido y a su ausencia, a lo vivo y a lo
muerto, que forma parte del ciclo [Anatomía Poética]
iniciado en 2008, un proyecto de creación y estudio
sobre el interior del cuerpo, la historia de la anatomía
y sus posibles desarrollos poéticos y coreográficos”. El
espectáculo fue estrenado por la propia Elena Córdoba
en el Teatro Pradillo en octubre de 2014.
Texto Teatral

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Kiosko
Estantería
15mayo
junio
Con ‘101 ejercicios de danza
contemporánea para niños
y jóvenes’ su autora, Ainhoa
Sarmiento ofrece una guía
completa de enseñanza para
cualquier nivel. Esta publica-
ción de Ediciones Tutor in-
cluye también además de los
ejercicios, una introducción
aclaratoria de conceptos, los
beneficios de la práctica de
la danza y la explicación de
cómo utilizar el libro.
Houston Stewart Chamberlain
es el autor de ‘El drama
wagneriano’, un trabajo en el
que se analiza, profundiza,
teoriza y debate sobre los
pros y contras entre Drama y
Ópera, entre Teatro y Drama.
En palabras del Dr. Javier
Nicolás Cintas “el trabajo
definitivo sobre este tema,
no superado en los miles de
estudios que se han hecho
sobre el wagnerismo”
El servicio de Publicaciones
de la Diputación de Castellón
ha publicado ‘Xarxa Teatre
2008...2014’. Este bello
volumen, coordinado por
Sixto Barberá ofrece un
repaso cronológico por
las creaciones, giras etc.
llevadas a cabo durante
los citados años por la
veterana compañía. Todo ello
acompañado por magnificas
ilustraciones.
‘¿Qué es el performan-
ce? Entre la teatralidad
y la performatividad’
es el número 30 de los
Cuadernos de Teoría
Teatral de la editorial
Paso de Gato. Con la
pregunta que da título
a esta publicación su
autor, Fernando de
Toro, catedrático en
la Universidad de
Manitoba, en Canadá, esgrime una serie de argumentos
contra los estudios del performance de Schechner que,
en sus palabras “nos han llevado a un impasse episté-
mico, a una especie de moda diletante, mal informada
e imperialista”. Con la intención de dotar al campo de
la investigación teatral de una base conceptual sólida,
De Toro va hacia los orígenes de las nociones de
performance y performatividad, cuestiona la ligereza
con que algunos actores, como Lehmann, han hablado
de “paradigmas” en la práctica teatral e identifica las
funciones centrales del performance teatral posmoderno
en la obra de creadores como Tom Stoppard, Griselda
Gambaro, Alberto Kurapel o Luis de Tavira.
TeoríaTeoríaTeoríaTeoría
Belén Maya es portada
del número 106 de la
revista ‘Por la Danza’
que comienza tras la
consabida editorial con
una entrevista con la
mencionada bailaora
en la que aborda,
entre otros temas,
cómo se adentró en el
mundo de la danza y
de su momento actual.
El presente número incluye más entrevistas como las
llevadas a cabo con Víctor Ullate, Nazareth Panadero
–bailarina que lleva más de treinta años en la compañía
de Pina Bausch y último Premio Nacional de Danza de
Interpretación–, Alberto Estébanez –director del Ballet
Contemporáneo de Burgos y del Certamen Internacio-
nal de Danza Burgos-Nueva York–, Antonio Najarro,
director artístico del Ballet Nacional de España y con
Kevin McKenzie, actual director artístico del American
Ballet Theater. Además reportajes sobre el consumo
de sustancias y sus efectos en el bailarín y su danza, y
las crónicas de eventos como el quinto Festival de La
Habana conforman esta nueva publicación.
Por la danza
El número 154 de ‘ADE
Teatro’ publica el texto
teatral ‘Palabras malditas’ de
Eduardo Alonso, Accésit del
Premio Lope de Vega 2014.
Además la publicación de la
Asociación de Directores de
escena incluye como tema
‘44 propuestas para la go-
bernación de los teatros en
España’ y sendos reportajes
y artículos sobre B. Britten y
Sammuel Beckett.
ADE
Las crónicas de festivales
como Santiago a Mil o el
Festival Internacional de
Artes de Calle Spoffin en
Holanda, el reportaje sobre
el teatro de calle en Corea y
sobre el FIT de Vila-real que
incluye una entrevista con los
creadores del proyecto Crudo
Ingente a estrenarse en el ci-
tado festival son solo algunas
de las propuestas del número
62 de ‘Fiestacultura’.
FiestaculturaZirkolika
Los payasos catalanes
Oriol Boixader, Sergi Buka y
Fulgenci Mestres son portada
del número 43 de ‘Zirkolika’
que comienza con un repor-
taje sobre los mencionados
payasos actualmente traba-
jando en el Circus Roncalli de
Alemania. El presente número
incluye además de reportajes
y crónicas, una entrevista
con Merche Ochoa, Premio
Nacional de Circo 2014.

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junio15 mayo
junio
C
abe la tentación de pensar que la
inspiración programática es un sim-
ple soplo referencial que se acom-
paña con un texto bien estructurado
repleto de palabras mágicas que nos lleven
a imaginar una coyuntura ideal para el de-
sarrollo de cualquier actividad. Y uno en-
tiende justo lo contrario: enunciar el obje-
tivo es un compromiso solemne. Colocar la
palabra “Identitatea” en el frontispicio de la
cartelería, y el sustrato de las motivaciones
para la selección de los espectáculos es
una manera de pensar un evento de estas
características y una obligación programá-
tica que debe empoderarse de todo canto
se proponga.
Claro que las identidades se conforman
en diferentes modulaciones, no es una idea
monolítica y se trata de ir descubriendo los
rasgos propios y definitorios de cada cual,
y en cada uno de los términos o rubros
donde se puede diseccionar una acción
dramática que tiene voluntad de incidencia
más allá de los netamente profesional. Lo
artístico considerado como un elemento
que prefigura una concepción del mundo,
que a través de una estética nos fija una
visión política del ser humano relacionado
con los otros. Es lo identitario algo que
escapa a una simple definición previa, sino
que debe corroborarse con su auténtica
realidad frente a los espectadores que cie-
rran el circuito de comunicación y de en-
samblaje de los elementos artísticos y se
sustancia en mensajes definitorios.
Antes de repasar las obras vistas con-
firmar que existe, si se quiere descubrir,
otro teatro, ora danza, otra actitud para
programar, y que, además, tiene un valor
extra por lo diferente para los profesiona-
les de la contratación, pero como estamos
ante una acción cultural que cuenta con
una estupenda presencia de público local
-hasta el cincuenta por ciento- lo que nos
congratula.
Asistimos al estreno de la nueva obra
de Kulunka Teatro, Solitudes, que remar-
ca un estilo, una concepción, un lenguaje.
Diría que una indagación en continuidad,
una fidelidad que se amplía y fija su mane-
ra de hacer a partir de sus hallazgos, sus
logros. Sin texto, con temas reconocibles,
socialmente importantes, y con esa profu-
sión de personajes que se logran con unas
máscaras que dotan de una estética que
se aposenta en la atención del especta-
dor hasta lograr una humanidad absoluta,
una expresión variable pese a ser eso, un
objeto inanimado, un rostro perpetuo que
transmite de una manera volcánica emocio-
nes. Y seguiremos pensando en cómo son
capaces de hacernos reír ante la tragedia
que estamos contemplando, esa soledad
mineral que atraviesa la bella historia. Y en
su maestría para sentirnos mejores al ver
su trabajo. Quedamos purificados por su
arte y su dulce denuncia mostrada con la
poética del vuelo del moscardón.
Contar grandes historias con elementos
pequeños parece ser la máxima inspiradora
de La máquina de la soledad, de Micros-
copia y Oligor, donde Shaday Larios y Jomi
Oligor han juntado experiencias, vivencias,
técnicas y teóricas y han conseguido un
lenguaje propio, un instante de ensoña-
ción, unos momentos de aprehensión del
recuerdo de aquellas cartas que decía el
poeta que algunas tienen sabor amargo. Un
bello mini-espectáculo pero maxi en cuanto
a intenciones, significaciones y logros de
poética y narrativa escénica.
En La Fiera escrita y dirigida por Ma-
riano Tenconi Blanco, asistimos a una
venganza que contiene los componentes
de una leyenda; una mujer tigre que va
cortando el cuello a aquellos hombres
que previamente han ejercido violencia
contra otras mujeres indefensas. La ti-
gresa que decide tomarse la justicia por
XXI dFERIA-Donostia
Formando la identidad desde
la acción dramática
Solitudes de Kulunka Teatro

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su cuchillo, que limpia un barrio o una ciudad de violentos y
violadores, de abusadores, de quienes ejercen la violencia
de género. Es ella, “yaguareté” que en guaraní significa la
verdadera fiera, la que se nos muestra con toda su fuerza so-
bre el escenario, en una propuesta realmente impresionante
debido a la fuerza del texto, a la composición del personaje
que hace Iride Mockert, a toda la verdad que trasmite y a
sus matices y registros, acompañada por un espacio sonoro
auténticamente sugestivo creado en directo, para conducir-
nos a través de las canciones perfectamente escalonadas en
el discurso por esos momentos de reflexión elíptica tras la
tormenta constante que es la narración.
Dan ganas de intentar hacer una teoría del teatro de Wadji
Mouawad, o de este monólogo en concreto, Un obús en el cora-
zón, presentado por L’Om imprebís con dirección de Santiago
Sánchez, pero solamente somos capaces de atrapar esa ver-
balización de situaciones, emociones y discursos que nos dejan
suspendidos ante un relato que comienza con una duda meto-
dológica y termina con una confesión metateatral, pero que en
el camino nos ha dibujado la vida de ese ser, Wahab, quizás el
alter ego del autor, que aquí en una vuelta de tuerca, se unen
lo circunstancial y lo fundamental, ya que el propio actor, un es-
pléndido, rotundo Hovik Keuchkerian puede sentir como propio
por tener las mismas ascendencias de origen libanés, pero de
asentar su vida el autor en Canadá y el actor en España.
Una excelente muestra de un teatro político actual, que revisa
la propia historia de la sociedad chilena donde nace y a la que le
espeta sobre su actitud durante los años oscuros es Yo maté a
Pinochet presentado por Teatro Errante. Que un revolucionario
se encuentre casualmente en los lavabos de un restaurante con
Pinochet y no cumpla con su misión más alta, aunque sea de
manera espontánea y casual, sería un pecado. Pero que lo haga
y no le crean sus compañeros de militancia es una situación tra-
gicómica que da para mucho si se utiliza con la soltura que lo
hacen estos jóvenes teatristas chilenos, que lejos de entrar por
la vía del desahucio intelectual y político, lo llevan, con sabiduría
por colocar el espejo justamente en las circunstancias que pro-
piciaron que Pinochet llegara a longevo y muriera en una cama
limpia y habiendo robado esperanza, vidas, años de democracia
y mucho dinero al pueblo chileno.
Carmelo Segura Companhia ofreció Walkin City, una coreo-
grafía urbana, con lenguajes mixtos para realizar un muestrario
d situaciones cotidianas que coloca la espectador ante una rea-
lidad conocida expresada de manera estilizada. El reportaje es
una entrevista a un ex general condenado por su implicación
en la dictadura argentina, especialmente en actos de censura
cultural, llegando a provocar un incendio en un teatro donde se
hacían obras de resistencia. Documento bien armado, con un
Federico Luppi imponente y crepuscular.
Ver tantos años después un nuevo montaje de Equus, de Peter
Shaffer presentado por la Compañía Ferroviaria con dirección
de Paco Macías nos abre un campo para la reflexión sobre el
paso del tiempo, sobre la validez de ciertos temas en otros con-
textos a su escritura y su confrontación con la evolución de la so-
ciedad en asuntos como la soledad, la violencia, el psicoanálisis,
la homosexualidad.
Maldito sea el Traidor a su patria!, estrofa del himno yugos-
lavo da título a un espectacular trabajo de Theate Mladinsko,
sobre el odio, la guerra, la devastación del pensamiento ultra
nacionalista, frente a las libertades civiles y artísticas.
Carlos Gil Zamora

90
15 mayo
junio
L
a rutina nos simplifica. Los hábitos
se enquistan y se convierten en im-
prescindibles. Un circunstancia per-
sonal adversa nos desequilibra, nos
angustia. Es mi caso. Llevo todo el este año
2015 entretenido entre cirugías, análisis y
escaneos. Eso me ha impedido cumplir con
muchas de mis rutinas, saludables general-
mente; me ha dejado sin acudir a algunas
de las citas que más me interesan de todo
el calendario de ferias y festivales. Es una
incomodidad, una especie de vacío que no
tiene más sentido que el emocional, porque
esos eventos siguieron celebrándose nor-
malmente, los ciclos se repiten, y la ausen-
cia de alguien no tiene mayor importancia
que la de las leves variaciones que se van
produciendo en el devenir del tiempo.
Cuando coincidimos la inmensa mayoría
reconocemos inmediatamente a los vete-
ranos, a los eternos, a los de siempre, y
nos cuesta ir aceptando a los recién lle-
gados, o a quienes llevando tiempo no se
han manifestado de manera rotunda para
ser visualizados a la primera. De todos es-
tos cambios, traspasos generacionales de
responsabilidades se va tejiendo nuestra
memoria profesional en ocasiones con de-
masiadas capas sentimentales, aunque es
momento de propiciar la renovación, pero
teniendo mucho cuidado en reconocer la
labor realizada, no sea que empecemos
todo desde una memoria perdida o pues-
ta a cero, por negligencia o falta de rigor,
entre otras cosas porque es una cuestión
imposible y, sobre todo, injusta.
Como injusto se debe considerar que en
ocasiones pasemos por salas recién estre-
nadas, eventos que nacen sin apoyo institu-
cional, que veamos propuestas incipientes,
proyectos que apuntan buenas maneras y
no tengamos un rato para hablar de ello,
para señalarlos, incluso para informar, por-
que estamos todos limitados por unas leyes
del mercado que deberíamos romper para
que se inunde todo de las nuevas energías
que vienen con fuerza y talento.
Nuestra rutina ha sido en los últimos
años acudir a grandes festivales interna-
cionales, a todas o casi todas las ferias
del Estado español, informar previamente
y hacer crónicas posteriores. El deterioro
estructural nos impide cumplir esta misión
de manera eficaz. Seleccionamos, decidi-
mos inspirados por criterios que tienen que
ver con la supervivencia. Nos gustaría po-
der dar cabida a todos, acudir a los lugares
más recónditos donde intuimos se están
produciendo signos de futuro para nues-
tros escenarios.
Nos gusta hablar de teatro, vemos
como se mantienen pese a tener todo en
contra ferias como la de Albacete por la
que pasamos fugazmente invitados a un
Encuentro con Cofae para hablar de la
función de los medios de comunicación.
Vamos con intención de aprender, pero
sentimos desazón porque parece que se
esté empezando constantemente y no es
así. No queremos contribuir más al des-
ánimo, en nuestro peregrinaje queremos
dejar constancia de que existimos, pero
que para seguir es importante no olvidar
el pasado, pero no repetir fórmulas sin
hacerles una profunda inspección técnica
y cultural de utilidad y eficacia.
Los medios de comunicación especializa-
dos, cada vez menos influyentes y tenden-
tes a la alabanza tasada, y los generalistas
con sus particularidades también, debemos
formar parte de la regeneración general de
las Artes Escénicas. Atendiendo a lo nuevo,
reconociendo lo hecho.
Crónica emocional imaginaria
Carlos Gil

Artez204

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