Artez212

Carlos Gil Zamora
Número: 212 - año 20 · Septiembre / Octubre 2016 | Depósito Legal: SS-1154/97
Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com
Portada | Fotografía del espectáculo ‘Inês’ de Volmir Cordeiro tomada por Fernanda Tafner
16 septiembre
octubre
De Olimpiada en Olimpiada
con el desprecio olímpico
institucional persistente
A
dvertencia: escribo estas líneas
el día que finalizan los JJ.OO. de
Río de Janeiro, mientras tengo
delante de mí el magnífico pro-
grama de la séptima edición de la Olim-
piada Teatral que organiza el Instituto
Jerzy Grotowski y se va a celebrar en
octubre-noviembre en Wroclaw (Polo-
nia). Debo elegir qué días acudir y qué
espectáculos de primer orden interna-
cional presenciar. Decisiones difíciles
de tomar porque se deben combinar
con otros compromisos de especial
relevancia y de compromiso adquirido
desde hace tiempo que suceden en las
mismas fechas en diferentes lugares.
Si miro lo hecho en los dos meses
anteriores, tanto en lo personal, como en lo referido a esta publicación
y todo su entorno, solamente puedo que sentir satisfacción, vamos
cumpliendo con nuestro modestos objetivos, conseguimos permane-
cer en todos los ámbitos donde deseamos estar, es decir, no se trata
de poner sobre el papel los problemas propios, que son muchos, en
ocasiones estructurales, graves, irremediables, sino de hacernos ecos
de una sensación que flota en el ambiente.
Miren ustedes, escribir sobre las Artes Escénicas en el Estado
español, cuando pesa una posibilidad de unas terceras elecciones
que se celebrarían el día de Navidad, es la peor situación posible. Es
comprender que de nuevo pasan los días, las semanas, los meses y
los años y la situación sigue sin moverse un milímetro.
Si se quiere ver la botella medio llena se puede decir que siguen exis-
tiendo los festivales, que la temporada se va a inaugurar con las progra-
maciones más previsibles, que se siguen convocando ayudas y subven-
ciones, que se van nombrando directores en las instituciones públicas,
hasta puedo admitir que haya un repunte de asistencia, especialmente
en las actividades de verano, pero con todo, es casi imposible encon-
trar la tranquilidad a no ser que se entre en un estado de alienación
sobrevenida o de conformismo cobarde
o miedoso, según se quiera interpretar
este silencio o anuencia.
No vamos a quejarnos más allá de
lo que tenga de efecto el señalar las
cosas como a uno le parece entender.
Una confesión, me parece que esta edi-
torial ya está escrita, no una, sino de-
cenas de veces. Y me temo que no sea
un simple síntoma de incapacidad del
escribano por encontrar nuevos temas,
sino porque la reiteración en los mis-
mos lugares comunes, en las progra-
maciones tan similares, los festivales de
franquicia, ese tufo a corruptela de baja
intensidad que se vive en ciertos luga-
res, contamina bastante lo general.
No hay manera de establecer unos debates que ayuden a cam-
biar el actual sistema productivo, el paradigma agotado en el que
nos movemos, hacer propuestas que escapen de lo primario, de lo
coyuntural y urgente, para entrar en lo necesario, en aquello que
puede abrir nuevas vías para el desarrollo de los lenguajes, de los
nuevos públicos, de la salida de los nuevos creadores en compañía
de los consolidados. Alguna fórmula que procure aliviar las desigual-
dades existentes actualmente. Unos reglamentos que comprometan
a los espacios públicos a tener políticas públicas, democráticas y
no ser simples instrumentos del mercado. Un mercado copado en
un porcentaje poco saludable por lo institucional y lo comercial, sin
apenas territorio para la indagación, la experimentación y el riesgo.
Sí, esto es lo obvio, pero lo es para algunos, porque la inmensa
mayoría considera que en esta vorágine, en esta lucha entre todos
por miserias y residuos de las grandes inversiones, si le ha tocado
caer en la parte buena, todo está solucionado. De acuerdo, puede
ser una profesión poco solidaria o dicho de otro modo muy compe-
titiva porque parece ser que lo que le dan al otro te lo quitan a ti,
pero hay que empezar a levantar la cabeza del ombligo o de los pies

Editorial
índice41.65(41º38’)|-4.73(-4º43’)
16septiembre
octubre
Opinión
4 - 5 Editorial
6 Rondas Escénicas - María-José Ragué-Arias
7 Desde la Caverna – David Ladra
64 Luz Negra – Josu Montero
65 Vivir para contarlo – Virginia Imaz
66 - 67 Postales argentinas – Jorge Dubatti
68 El método griego - María Chatziemmanoui
69 El lado oscuro – Jaume Colomer
70 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud
71 Cronicón de Villán y Corte - Javier Villán
72 Las lejanías – Carlos Be
73 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado
Estrenos
10 - 11 La mentira / Invencible / Catalin
12 - 13 Último tren a Treblinka por Vaivén
Producciones y DSS2016 / Tratos por
DSS2016 y CDN
14 Escuadra hacia la muerte de Alfonso Sastre
por CDN y Metaproducciones
15 Incendios de Wajdi Mouawad por Teatro de
La Abadía e Ysarca
16 Miscelánea de estrenos
Festivales
18 - 20 XXXVI FiraTàrrega
22 - 23 XLI Festival Int. de Teatro de Vitoria-Gasteiz
24 - 25 XXX Feria Int. de Teatro y Danza de Huesca
26 - 27 XXVII Mostra Internacional de Mim de Sueca
28 - 29 XVIII BAD - Festival de Teatro y Danza
Contemporánea de Bilbao
30 - 31 XXXIV Jornadas de Teatro de Getxo
32 - 33 XVI Danza Xixón
34 - 35 XXV FIOT - festival Int. Outono de Teatro
36 - 37 XVII Dantzaldia
38 - 39 XXXV Festival Int. de Títeres de Bilbao
40 -41 Festivales de Teatro en Latinoamérica
42 XIX Fira Mediterrània de Manresa
44 XVII Festival EnClave de Calle de Burgos
46 XIII Muestra Int. de Títeres para adultos de
Bergara
48 IX MITIN - Muestra Int. de Teatro de
Investigación
50 VII Olimpiadas teatrales en Wroclaw
52 Miscelánea de festivales
Suplemento
FIT 2016 - Festival Iberoamericano de Cádiz
Teatro amateur
54 - 56 Programaciones varias
En gira
58 - 62 Programaciones varias
Zona abierta
76 - 77 Escaparate
78 - 81 Crónicas de: New York y Experimenta 2016
o del césped del chalet y mirar hacia adelante, en lo que somos
y en comparación con lo que quisimos ser. En todo proceso hay
pérdidas y ganancias, pero cuando el discurso es de protección
del gremio, del sueldito, de la subvención y no de engrandecer con
ambición artística su oficio, su arte y su relación con la ciudadanía,
la situación puede llegar a convertirse en irreversible.
Y voy a pedirles que comparen, que se fijen de manera superficial
en las informaciones que siguen en las próximas páginas, para que
vean que no es por casualidad que sucedan las cosas, que los
festivales son parte del mismo sistema, del mismo ideario, de la
misma angustia. Que los estrenos se suceden, no paran de apa-
recer nuevos textos, directoras, actores pero escarbando parece
que estamos siempre en el mismo sitio, que la dependencia con
los clásicos para revisarlos es un mal endémico, que apostar por
la autoría contemporánea y lo incierto no es lo habitual. Y que las
estructuras institucionales, desde la formación a las unidades de
producción, tanto estatales como de las comunidades autónomas,
deberían ser propiciatorias de nuevas vías, de nuevos caminos, de
nuevas fórmulas. Cambiar el eje, poner en la creación todo el monto
presupuestario, no sólo en lo funcionarial, buscar maneras de in-
cendiar teatralmente nuevas capas de ciudadanos que conforman
las nuevas generaciones. Todo está por hacer.
Todo se puede hacer, pero hace falta voluntad política y eso sí
que no existe, no hay forma de escuchar un programa político, un
discurso que nos despeje alguna duda o nos oriente. O nos aliente.
Todo es chato, viejo, agotado, clientelar, populista, basado en lo
mismo de siempre, en lo que sirvió hace treinta y cinco años, que
hoy debería, cuando menos, reformarse, reinventarse, si no es lo
más útil su disolución definitiva, como es la función del INAEM, por
poner aquello que más colapsa, domina y parece más colonizado
por intereses particulares por encima de su función pública.
El desprecio olímpico de la clase política, la sumisión en los me-
jores casos al poder de la oligarquía teatral, la confusión interesada
entre lo público y lo privado que nos lleva a una descalificación ob-
jetiva de la calidad y del contenido cultural de las programaciones
de algunas instituciones y festivales, es lo que quisiera señalar. En
funciones o no, se pueden tomar decisiones para empezar ya el
camino. En los ayuntamientos del cambio de las grandes ciudades,
el fracaso, el desengaño parece aumentar con nombramientos en
ocasiones incomprensibles.
Pero lo que más duele es la falta de tensión, de ambición ar-
tística, una suerte de conformismo suicida de quienes dicen amar
las Artes Escénicas y parecen cada vez más unos funcionarios de
tercera. Por eso aplaudimos el paso dado por Kamikaze Produccio-
nes, tomando en alquiler el madrileño Teatro Pavón para convertir-
lo en su principal instrumento de trabajo.
Apostaremos siempre por la totalidad de quienes hacen, sue-
ñan, practican, viven para (no de) las Artes Escénicas. A ellos nos
dirigimos, con ellas queremos seguir caminando. De Olimpiada en
Olimpiada.

6
w w w . a r t e z b l a i . c o m
16 septiembre
octubre
Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias
16 septiembre
octubre
GREC, un festival con tradición
l Teatre Grec de Montjuic cuya construcción había empe-
zado en 1919 se inauguró en 1929, año de la Exposi-
ción Internacional de Barcelona pero tuvo una existencia
irregular hasta 1976. Margarita Xirgu y Enric Borrás actuaron a
principio de los 30, la Xirgu estrenó la Medea de Unamuno… en
1952 Mercedes de la Aldea y Juan German Schröder quisieron re-
novar el repertorio clásico… en 1973 María Luisa Oliveda lo dirigió
hasta que en 1976 el festival acogió textos de Espriu y de muchos
autores que habrían sido censurados por el franquismo; la gestión
fue de La Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalun-
ya (AADPC) que promovió obras prohibidas o rechazadas por los
teatros comerciales. Más tarde vale la pena recordar que en 1979,
Joan Anton Benach trajo al Grec, espectáculos internacionales. Lue-
go hubo varios directores… Este verano ha sido, en principio, el
último que ha gestionado Ramón Simó a quien desde mi perspectiva
de espectadora tengo que aplaudir por la cantidad, pluralidad, va-
riedad y calidad de la gran mayoría de espectáculos.
Limitándome al teatro y empezando por el comienzo, me pareció
muy interesante “Daurrodó”, en la Sala Petita del TNC, concebido por
el artista brasileño Cildo Meireles y el director Joan Baixas -cofundador
de Claca- con vestuario de Toni Miró, una especie de circo destruido
con cinco actores extrañamente vestidos articulado en cinco piezas
e instalados en un espacio teatral a dos bandas, rodeado de obras
artísticas de Meireles que trata de ser una aportación sensorial. Fue
una de las experiencias más interesantes de este último Grec.
En otro ámbito fueron interesantísimas las experiencias teatrales
de la Sociedad Dr. Alonso y la Agrupación Sr. Serrano. La Sociedad
Dr. Alonso reivindica la atención sobre los cuerpos enterrados en las
cunetas. “Y los huesos hablaron” se presentó en el Museo de Arqueo-
logía. Se centra en la reivindicación de la dignidad de las personas
enterradas en las cunetas , ya sean víctimas de la guerra o asesinadas
por las mafias.
Profunda y virtuosa es la reflexión de “Birdie” de la Agrupación
Sr. Serrano, un teatro con técnicas de performance que nos habla
del movimiento, con el espejismo de los pájaros, para mostrarnos
las guerras, la explotación de los seres y de los recursos humanos,
con los espejismos de las pésimas condiciones de nuestro plane-
ta… miles de pájaros en constante migración en contraste con las
materias primas, la quimera del reposo donde todo es movimiento
desde el espejismo de la sociedad opulenta a las catástrofes de la
humanidad… una inteligente reflexión teatral sobre nuestro mundo
donde el reposo es imposible.
Ramón Simó se había propuesto no hacer Shakespearre en el Grec
pero uno de los pequeños espectáculos de mayor interés se basa en
“La Tempestad”, una “creación” de Jordi Oriol y Xavier Albertí, basada
en los personajes de Ariel y Caliban aderezada con algo de Camus,
una “tormenta” real junto a un piano que toca Carles Pedragosa y al
que el agua –muy desbordada– no quita el sonido a la famosa sonata
de Beethoven. Es un trabajo del colectivo Indi Gest que arranca en el
momento en que Pròspero y Miranda abandonan la isla donde fueron
a parar tras naufragar. Ariel y Caliban recuperarán la libertad y este
volverá a ser el amo y señor de su pequeño reino. Pero nada ya será
lo mismo… Caliban habrá aprendido la palabra para poder expresar
la traición en la que se ha visto envuelto; un espectáculo inteligente,
sorprendente e innovador.
Me vienen a la memoria espectáculos muy diversos. Pluriforme fue
la programación de este festival que cada día ofrecía varios espectá-
culos de interés, además de lo que ya supone una fiesta teatral que es
la plaza Margarita Xirgu que , en Montjuic, une el Mercat de les Flors,
el Lliure y el Institut del Teatre, vecino todo al Teatre Grec.
Los mejores espectáculos fueron para mí “Lehman Trilogy” y
especialmente el del TonelGroup de Amsterdam, que dirige Ivo van
Hove a quien seguimos desde que presentó sus “Tragedias roma-
nas” hace cuatro años y que nos trajo “La fuerza oculta” de Louis
Couperus (1863-1923) sobre el enfrentamiento de culturas situado
en Java durante los monzones cuando el gobernador, convencido
de su superioridad como europeo, controla la cultura de los nativos.
Un enfrentamiento que bajo el monzón y el protagonismo del agua,
desencadenará fuerzas sobrenaturales y ocultas. Gran tema, grandes
actores, gran movimiento escénico, gran ritmo, belleza en todo mo-
mento: espléndido todo.
En otro nivel, tuvo también gran interés “Lehman Trilogy”, la his-
toria que en 2008 sacudió al mundo con la caída de un banco ame-
ricano que se declaró insolvente, la vida de tres generaciones de
banqueros. Son las vivencias de una familia judía que llegó a Nueva
York a mediados del siglo XIX; de hecho es la historia del capitalismo
y de su degradación. Es obra de Massini, director del Piccolo de
Milan y que se represento con actores locales y una funcional y
brillante escenografía de modulaciones geométricas, con gran éxito,
en la Villarroel.
Hubo cosas “pequeñitas” que el Grec valoró y que tuvieron inte-
rés en diferentes aspectos. Una de ellas fue “Claudia”, otra “Joana”.
Con “Joana2015.Batalla Campal” se estrena la participación de la
Escuela de Teatro “Eolia” con dirección de Pablo Ley. Es la historia
de Juana de Arco (Raquel Ferry) que dejando su aspecto histórico
recupera la inocencia y lucha contra los males de nuestra contem-
poraneidad. Delicioso. Más duro pero entrañable es “Claudia”, poe-
ma fragmentado sobre la memoria y la identidad de una joven mujer
argentina hija de desaparecidos, criada por una familia del entorno
militar, una experiencia presentada por La conquesta del Pol Sud
que indaga sobre lo individual y lo colectivo, sobre revolución, me-
moria y educación.
No vamos a obviar, por supuesto, el espectáculo inaugural dirigido
por Andrés Lima en el Teatre Grec y que en otoño irá a Madrid, “Las
brujas de Salem”, en traducción de Eduardo Mendoza, es un home-
naje al centenario de Arthur Miller. La obra es reflejo del macartismo
de la época que escenifica el sangriento episodio de 1692, sobre el
rumor de que una de las chicas del pueblo es sacudida por un malefi-
cio y que acabará con la condena a muerte de más de veinte mujeres.
El espectáculo que protagoniza Lluís Homar, pese a cierto exceso de
grandilocuencia en todos los sentidos, tuvo interés. En otro nivel, en
el Teatro Goya, otra obra del mismo autor, “El precio” dirigido por
Silvia Munt con sólo cuatro excelentes actores, tuvo un enorme éxito
de publico y crítica.
¿Qué más puedo contarles de lo mucho que hubo? Muchísima dan-
za, bastante circo, eventos y charlas…
E

16septiembre
octubre
7
16septiembre
octubre
Desde la caverna David Ladra
Crítica teatral y deontología
recedidas por un perspicaz llamamiento de Ernesto Ca-
ballero, director artístico del Centro Dramático Nacional,
se programaron para el mes de junio de este año unas
Jornadas de Crítica Teatral en el teatro Valle-Inclán a las que, des-
graciadamente y a pesar de estar abiertas al público, no tuve la
oportunidad de asistir. En nuestros tiempos, la cuestión de la crítica
teatral no es baladí, reducida a un suelto en el diario como está o
confundida con cientos de reseñas cuyo único objetivo es venderse
como publicidad. El crítico ve limitada su influencia a la más mínima
expresión y ha perdido aquel papel privilegiado que le otorgaba la
sociedad, el de ser el guía designado para calificar la obra escénica,
auparla al éxito o hundirla en el fracaso, y establecer de esta mane-
ra tanto el gusto del público como su canon teatral. Jibarizada pues
en los periódicos y reducida a las pocas revistas teatrales que aún
subsisten, la crítica teatral o se refugia hoy en el inmenso campo
del discernimiento que aporta la filología (con el grave peligro de
quedarse en el texto marginando la representación y no ver más
allá de ese abstruso y contradictorio concepto que es la “literatura
dramática”) o se diluye en el ciberespacio a través de decenas de
“blogs” en los que espectadores que se consideran cualificados dan
a conocer su opinión. Los primeros publican y son poco leídos por
el público en general. Y los segundos invierten sus esfuerzos en
competir los unos con los otros por ver quién es el más original,
rasposo o analítico a la hora de abrirse un hueco en la parroquia,
adquirir cierto nombre y ocupar un lugar. Por una u otra causa, el
espectador se queda “in albis” y se ve forzado a recurrir a las viejas
usanzas a la hora de escoger un espectáculo: si algún o alguna in-
térprete le encandila o le hace tilín, por ser un éxito notable avalado
por la propaganda y, sobre todo, por ese soplo que va de boca a
oreja y, desde los corrales de comedias, es el mejor canal de comu-
nicación. Así, quien se queda compuesto y sin novia no es otro que
el crítico profesional: fue guía iluminado en sus tiempos, después
intermediario comercial y ahora, prácticamente residual.
Supongo que temas como éstos o similares –eso sí, con una mayor
circunspección– se tratarían en la mesa redonda celebrada en la pri-
mera sesión de las Jornadas dedicada al “Presente y futuro de la críti-
ca teatral”. Objetivo de ésta era también la presentación del tomo I del
necesario y excelente libro titulado “Historia y antología de la crítica
teatral española (1763-1936)” del profesor e investigador Fernando
Doménech. Pero lo que me dejó descolocado al leer el propósito de la
sesión final fue encontrarme de buenas a primeras con un vocablo –el
de “deontología”– que nunca hubiera podido sospechar que tuviese
su sitio en una discusión sobre la actividad teatral. Por su repercusión
e intenciones, lo cito casi entero a continuación:
“(…) Tal vez sea útil preguntarse por la razón de ser de una crítica
profesional y especializada en un mundo en el que, desde la posibili-
dad de la inmediatez que proporcionan los nuevos medios tecnológi-
cos, se abre camino la opinión de quien quiera expresarla y difundirla.
Esta circunstancia podría permitir una democratización de la crítica, a
la que despojaría de sus últimos vestigios de jerarquía o aristocracia
intelectual, pero también, y con alguna frecuencia, prescinde de la
reflexión crítica propiamente dicha y la sustituye por la expresión del
entusiasmo o el desagrado. En este contexto queremos plantear si es
posible y si es conveniente, que los críticos propongan y asuman un
código deontológico desde el que llevar a cabo su tarea, cuya aplica-
ción permita distinguir una crítica profesional, analítica y reflexiva, de
una opinión espontánea que rechaza un espectáculo sin la necesidad
de justificar las razones del gusto o disgusto”.
Párrafo semejante, por muy ecuánime y afablemente redactado que
se nos aparezca dentro de su confusión y promiscuidad, no logra tan
siquiera ocultar el corporativismo que lo instiga. Por un lado los pro-
fesionales, la “jerarquía o aristocracia intelectual”, que defienden de-
nodadamente sus intereses y los puestos que ocupan. Y por otro, los
eternos aficionados, a quienes se relega a esa entidad inaprensible y
remota que es el ciberespacio por carecer de la suficiente capacidad
para razonar sus comentarios o ponerle freno a sus pasiones. De
modo que, por muy desagradable y hasta traumático que sea (pero
guardando siempre las formas), procedamos a la segregación utili-
zando los numerosos medios que las instituciones manejan sin pu-
dor en el frondoso campo de la jurisprudencia: estatutos, preceptos,
reglamentos, normas, disposiciones… Claro que, tratándose el arte
dramático de una creación del espíritu, el dichoso párrafo rehúye
cualquier medida coercitiva para centrarse en un sistema de control
fundado en la ética personal y consagrado ya en unas profesiones
tan selectas como lo son la medicina o, en menor grado, el propio
periodismo: un código deontológico cuya aplicación distinguiese a
la churras de las merinas y viniese naturalmente redactado por los
ejemplares de estas últimas, apriscados para lo ocasión al abrigo de
un ilustre organismo como podría ser la propia Academia de las Ar-
tes Escénicas de España. Si esta entelequia se llevase a cabo (que,
sinceramente, no lo creo) surgirían las preguntas a raudales: ¿Qué
estudios habrían de seguir quienes aspirasen a ser profesionales?
¿Quién les acreditaría como tales? ¿Habrían de empezar como apren-
dices o sufrir un examen psicotécnico? Y lo más importante, ¿se les
retribuiría su trabajo o lo seguirían haciendo, como hasta ahora, tan
sólo por el amor al arte?
No nos dejemos engatusar, las cosas seguirán como están: un
buen crítico se reconoce por sus escritos, se editen éstos en la uni-
versidad, una revista teatral, un diario o un “blog”. En una socie-
dad innominada como en la que vivimos, globalizada en lo que se
refiere a la geopolítica, la economía y el comercio, profundamente
fragmentada a nivel individual y carente del todo de sentido social
no hay orden ni concierto, tan sólo un ardiente deseo personal de
que no ocurra nada que nos impida llegar indemnes al final. Nues-
tro nihilismo es total. No es de extrañar entonces que, en estas
condiciones, la sociedad no piense en el futuro y se desentienda
del presente. Cautivada por la nostalgia, no hace más que mirar
hacia atrás: ¡aquellos años de la Transición, recién recuperada la
libertad! Pero no hay que pasarse en el retroceder no vaya a ser
que terminemos otra vez en el lodazal del franquismo. Entonces sí
que había un verdadero “bunker” de la crítica profesional que no
sólo se oponía en la prensa a toda novedad sino formaba parte –
oficial u oficiosamente – de la censura teatral. Y es que más vale
mirar hacia adelante respetando la plena libertad y personalidad de
quien escribe que volver al pasado restringiendo la expresión de la
mayoría a una reducida casta de “profesionales”.
P

10
16 septiembre
octubre16 septiembre
octubre
E
lTeatroArriagadeBilbaoacogerátres
estrenos durante los próximos meses.
Elprimerollegarádel15al18desep-
tiembre, La mentira de Florian Zeller,
con dirección de Claudio Tolcachir. Después
será el turno de Invencible de Torben Betss
dirigida por Daniel Veronese, que se podrá ver
del 22 al 25 de septiembre. Y por último, Ca-
talin de Erre Produkzioak-Arteka-Maskarada
con dirección de Gorka Mínguez, que estará
en cartel los días 21 y 22 de octubre.
La mentira
La mentira se presenta como un auténti-
co tratado sobre la vida conyugal. “¿Dónde
nos lleva la verdad y la mentira dentro del
matrimonio? Cada mentira que se cuenta
tiene una consecuencia dentro de la rela-
ción que no tendrá vuelta atrás y solo se
podrán arreglar con otra nueva o, lo que
puede ser peor, con una verdad que resulte
más convincente…”.
En la obra, Alicia sorprende al marido de
su mejor amiga con otra mujer. Esa misma
noche van a cenar con la pareja. ¿Debe
contarlo? Su propio marido insiste con vehe-
mencia en que no lo haga. ¿Por qué? ¿Tiene
él algo que ocultar?. “Un juego de mentiras y
verdades que, con una perfecta maquinaria,
nos dirige a un sorprendente final”.
El texto de Florian Zeller, traducido por
Alberto Castrillo Ferrer, estará esta vez diri-
gido por Claudio Tolcachir, quien también se
Estrenos de La mentira, Invencible y Catalin
Tolcachir y Veronese estrenan
sus obras en el Teatro Arriaga
Además de ‘La mentira’ e ‘Invencible’, se presentará el montaje
‘Catalin’ de Rita de Barrenechea
La mentira

16septiembre
octubre
11
16septiembre
octubre
ha encargado de la dramaturgia. El elenco
lo forman los intérpretes Carlos Hipólito,
Natalia Millán, Armando del Río y Mapi Sa-
gaseta. La iluminación ha sido creada por
Juan Gómez Cornejo y la escenografía y el
vestuario por Elisa Sanz.
Invencible
Sátira social de Torben Betss, Invencible
es una obra que, contada desde la come-
dia, muestra la crudeza de las relaciones
entre personas de diferente estatus social
y cultural, así como el daño que se pue-
den hacer entre ellas. La versión de Jordi
Galceran ha trasladado la acción a nuestra
propia sociedad. “Todos nos podremos ver
identificados en ella, como víctimas o ver-
dugos, en algún momento”, afirman desde
la producción.
La historia presenta a una pareja con
un estatus social y cultural elevado que
se ve obligada, por la crisis económica, a
trasladarse a un barrio más humilde de la
periferia. Deciden entonces relacionarse
con sus vecinos para adaptarse a su nuevo
entorno. Lo que en un principio parece una
declaración de buenas intenciones acaba
convirtiéndose en una pesadilla para las
dos partes, causando un daño irreparable
en la pareja más débil.
Daniel Veronese se ha encargado tan-
to de la dramaturgia como de la dirección
del montaje, con un reparto compuesto
por Maribel Verdú, Jorge Bosch, Natalia
Verbeke y Jorge Calvo. Elisa Sanz realiza
las labores de escenografía y vestuario,
y Juan Gómez Cornejo e Ion Anibal las de
iluminación.
Catalin
Catalin es una obra de Rita de Barrene-
chea, primera dramaturga del Estado es-
pañol en tener su pieza teatral editada. Se
trata de una pieza silenciada durante dos
siglos que vuelve a salir a la luz ahora.
María Rita de Barrenechea, marquesa
de la Solana y condesa del Carpio, (1757-
1795) es un nombre olvidado del teatro
español y de la literatura vasca. Nacida en
Bilbao, emigró pronto a Valladolid, donde se
casó, y más tarde a Madrid donde falleció
a los 37 años. En la capital española formó
parte de los mejores círculos literarios, en-
tabló amistad con Jovellanos y fue retratada
por Goya. Se conservan sólo tres de sus
obras: ‘La aya’, otra sin título y ‘Catalin’.
De Barrenechea da una fiesta en su casa
para sus amigos ilustrados: Goya, La Du-
quesa de Alba, Jovellanos… y aprovechará
la ocasión para presentar la obra de teatro
que acaba de escribir y que tiene por título
‘Catalin’, una obra que se desarrolla en un
caserío y cuya temática son los matrimo-
nios desiguales. Es una comedia de corte
neoclásico y sentimental ambientada en el
Portugalete de finales del siglo XVIII.
Pero Rita no ha organizado la fiesta sólo
para mostrar su obra, sino también para
proponer a Jovellanos que favorezca la in-
corporación de las mujeres en la Sociedad
Económica Maritrense.
Teresa Calo se encarga de la dramaturgia
en esta producción de Erre Produkzioak,
Arteka, Maskarada. Gorka Mínguez dirige a
Begoña Maestre, Alfonso Torregrosa, Ales
Furundarena, Iñaki Urrutia, Maria Goirice-
laya, Gergori Ayarzaguena y Aitor Borobia
en esta pieza que cuenta con la música de
Ismael Merino.
Invencible Catalin

12
16 septiembre
octubre
D
onostia / San Sebastián 2016
Capital Europea de la Cultura pre-
senta dos nuevos montajes: Últi-
mo tren a Treblinka y Tratos. El
primero pretende rendir homenaje a la figu-
ra del pediatra, pedagogo y escritor Janusz
Korczak; y el segundo recordará la obra del
dramaturgo Miguel de Cervantes con moti-
vo del 4º centenario de su muerte, dentro
del programa oficial del Año Cervantino.
Último tren a Treblinka
El judío polaco Janusz Korczak fue un in-
novador pedagogo, autor de publicaciones
sobre la teoría y la práctica de la educación.
Precursor de la lucha en favor de los dere-
chos y la igualdad de los niños, fue director,
con la ayuda de Stefania Wilczynska, de un
orfanato de Varsovia donde vivieron 200
niños judíos. Allí formó “una verdadera re-
pública infantil”, con una Constitución y un
Código Penal. Creó un tribunal compuesto
por los pupilos del centro donde los pro-
pios niños examinaban los casos llevados
por ellos mismos al juicio y podían juzgar
incluso a sus educadores. Además, fundó
una revista redactada a partir del material
enviado por los niños y dedicada principal-
mente al lector infantil. Así, buscaba fomen-
tar el respeto, la democracia y la partici-
pación. “Compartió con los niños todas las
horas del día y de la noche. Fue el médico,
el limpiabotas, el contador de cuentos, el
compañero de juegos, el bibliotecario, el
tutor sentimental, el levantador de mesas,
el fiscal de la Asamblea de Justicia, el edito-
rialista de la Gaceta, el flautista, el actor, el
payaso, el pelador de patatas, el luchador
que conseguía el dinero para la subsisten-
cia. Conocía sus secretos, sus vergüenzas,
sus ilusiones, y cuando era posible oír el
silencio del orfelinato, cumplía su última
tarea: controlar la respiración de los niños
dormidos.”
Korczak, que desempeñó este cargo
durante 30 años, fue también uno de los
primeros en promover la investigación en
el campo del desarrollo, la psicología y el
diagnóstico educativo del niño. Pese a que
pudo salvar su vida, decidió no abandonar
a sus pupilos y murió junto a ellos el 5 de
agosto de 1942 en el campo de exterminio
alemán de Treblinka. En 1972 se le conce-
dió, a título póstumo, el Premio de la Paz de
los libreros alemanes. Se sabe también que
en base a sus planteamientos se elaboró la
Convención de los Derechos de los Niños
(Ginebra 1959). En palabras de Korczak:
“No se puede dejar el mundo tal y como
está”.
En la propuesta de Vaivén Produccio-
nes, el público, aposentado en las camas-
literas, será testigo de ese último día en el
orfanato, y de cómo funciona el mismo. De
esta manera quieren dar a conocer algo
del legado pedagógico, humano y social de
Korczak, tal y como lo han hecho las co-
rrientes pedagógicas más modernas que
han estudiado a fondo sus prácticas auto-
gestionarias y las han aplicado.
El espectáculo se estrenará el 1 de
Donostia 2016 estrena Último tren a Treblinka y Tratos
Donostia 2016 homenajea a
Cervantes y Janusz Korczak
Último tren a Treblinka

16septiembre
octubre
13
16septiembre
octubre
octubre en el donostiarra Centro Cultural
de Larratxo, que, transformado en un or-
fanato surgido en el ghetto de Varsovia,
ofrecerá funciones a lo largo de todo el
mes. Los centros escolares acudirán los
días de diario, mientras que las repre-
sentaciones abiertas a todos los públicos
tendrán lugar los fines de semana: los
días 1, 8, 9 y 15 (castellano), y 2 y 16
(euskera). Según afirman, se trata de un
espectáculo para público familiar, pero no
al uso, ya que además de espectadores
adultos, podrán acudir también niños a
partir de 10 años, buscando así una pro-
puesta con carácter intergeneracional. La
pieza, interpretada por 9 actores, es una
idea original de Ana Pimenta que cuenta
con el texto Patxo Telleria, la dirección
de Mireia Gabilondo, la escenografía de
Fernando Bernúes y la música de Iñaki
Salvador. “Nuestro espectáculo es un
homenaje a estas víctimas y un recuer-
do a Janusz Korczak, ese ser excepcional
que luchó hasta la muerte por dignificar
la vida de los niños; pero también una
denuncia que señale con dedo acusador
cómo todavía hoy, la mayor parte de los
pobres del mundo son niños, y la mayor
parte de los niños son pobres”, afirman
desde la producción.
Tratos
Junto con el Centro Dramático Nacio-
nal se presenta esta obra creada a partir
de ‘El trato de Argel’ de Miguel de Cervan-
tes y que forma parte del programa oficial
del Año Cervantino. Con dramaturgia y di-
rección de Ernesto Caballero, ofrecerá sus
funciones del 14 al 24 de septiembre en el
Centro Cultural Conde Duque de Madrid, y
del 6 al 9 de octubre en el Centro Interna-
cional de Cultura Contemporánea Tabakale-
ra de Donostia. El texto será llevado a los
escenarios gracias a la producción teatral
de la compañía Traspasos. Los personajes
estarán interpretados por Chema Adeva,
Carmen Gutiérrez, Ione Irazabal, Astrid Jo-
nes, Primo José Meñán y Elton Prince.
En palabras de Caballero, «Cervantes
escribió la obra en 1580, inmediatamente
después de ser liberado de su cautiverio
en Argel. Se trata de un ejemplo de litera-
tura testimonial basada en la propia expe-
riencia autobiográfica del autor. Como se-
ñala el profesor Enrique Fernández: “Trato
de Argel tiene el claro compromiso político
de las obras testimoniales de quienes han
sobrevivido a cautiverios colectivos. Primo
Levi, Jorge Semprún o las víctimas de la
represión en Latinoamérica mostraron su
compromiso no sólo con su militancia po-
lítica tras su liberación sino con sus obras
testimoniales que reivindicaban a los com-
pañeros muertos o aún cautivos”. De la
misma manera que el autor de El Quijote
en su comedia se sirve de una estructura
episódica propia del martirologio cristiano,
Tratos toma como punto de partida el tex-
to clásico para desarrollar una narración
autónoma en sintonía con esta nueva rea-
lidad de confinamiento y deslocalización
que tiene lugar en los centros de interna-
miento para extranjeros. Tratos desarrolla
la experiencia vital de una pareja confina-
da en un CIE que, tras abandonar su país
de origen, pretende vivir dignamente en el
continente europeo».
Tratos del Centro Dramático Nacional ©marcosgpunto

14
16 septiembre
octubre
E
l 18 de marzo de 1953, la Compañía
del Teatro Popular Universitario es-
trenó Escuadra hacia la muerte en
el Teatro María Guerrero de Madrid,
bajo la dirección de Gustavo Pérez Puig. El
mismo escenario volverá ahora a ser testi-
go de una nueva propuesta de este texto
de Alfonso Sastre, esta vez con versión, di-
rección y escenografía de Paco Azorín. Esta
coproducción del Centro Dramático Nacional
y Metaproducciones que toma a Stanley Ku-
brick y George Orwell como referentes para
el montaje, ofrecerá sus funciones del 7 de
octubre al 27 de noviembre.
“Sastre -afirma Azorín-, somete a seis in-
dividuos al miedo más común de todo ser
humano: lo desconocido, lo contrario a lo
que hoy llamamos espacio de confort”. Jan
Cornet, Iván Hermes, Carlos Martos, Agus
Ruiz, Unax Ugalde y Julián Villagrán serán los
encargados de dar vida a esos individuos.
“Alfonso Sastre nos plantea su particular
‘huis clos’, situado en la Tercera Guerra Mun-
dial, un conflicto futuro pero inminente para
nuestro autor. Lo cierto es que nadie duda
que ese tercer gran conflicto llegará, si no
es que ya está entre nosotros en un formato
distinto al hasta ahora conocido. Me interesa
especialmente ese aspecto futurista a la vez
que universal de la pieza de Sastre: futuris-
ta por su localización temporal, y universal
por la presencia del hombre como medida y
símbolo de toda una civilización. El tono rea-
lista y existencialista de las escenas nos sitúa
cara a cara con los temas fundamentales de
la literatura de todos los tiempos: el sentido
de la existencia, el determinismo de nuestra
conducta, el peso de la culpa, la jerarquía, la
existencia o no de Dios, y así sucesivamente
hasta recorrer todo el ideario de un convulso
siglo XX, que todavía está dando sus últimos
coletazos”, explica el director.
En cuanto a la puesta en escena, según
relata Azorín, requerirá de una mínima dra-
maturgia para llevar todas las escenas a
un interior, “en donde se intensifiquen las
relaciones humanas y en donde tomen otra
dimensión las tensiones propias de un gru-
po de soldados que no pueden esperar más
que la muerte. Como si del mito de la caver-
na se tratara, sólo nos llegarán ecos y refle-
jos del exterior, cual sombras deformadas de
una realidad hostil que habrá que asimilar y,
quién sabe, quizá también trascender con la
propia experiencia humana”.
En relación a la propuesta de vestuario,
que firmará Juan Sebastián Domínguez, con-
sistirá en recrear un uniforme militar de un
ejército desconocido pero cercano en nues-
tro imaginario. Del mismo modo, la acción
ambientada en un futuro próximo deberá
tener su reflejo en el vestuario: formas y cor-
tes muy estructurados, típicos de la moda
militar, pero llevados hacia materiales más
tecnológicos y hacia tejidos desconocidos.
En cuanto al espacio sonoro de la obra,
tendrá como base el “Cuarteto para el fin de
los tiempos” del compositor francés Olivier
Messiaen. Es una pieza para música de cá-
mara compuesta durante la Segunda Guerra
Mundial, concretamente en 1940, durante
la entrada del ejército alemán en Francia,
cuando Messiaen fue hecho prisionero de
guerra y encarcelado. Durante su estancia
en la prisión compuso la obra, estrenada el
15 de enero de 1941 ante cinco mil reclu-
sos, con el propio compositor al piano. Está
esta escrita para clarinete, violín, chelo, y
piano, ya que fueron estos los instrumentos
y músicos de los que pudo disponer de entre
los prisioneros del campo.
“Escuadra hacia la muerte es, bajo mi
punto de vista, una pieza luminosa, que bien
podría llamarse Escuadra hacia la vida. Si
toda tragedia necesita un rayo de esperan-
za final, en esta obra la esperanza lo inunda
todo”, expresa Paco Azorín.
El CDN y Metaproducciones estrenan Escuadra hacia la muerte
Alfonso Sastre vuelve a los
escenarios madrileños
©John Humble

16septiembre
octubre
15
16septiembre
octubre
M
ario Gas dirige la obra Incendios
del dramaturgo canadiense de
origen libanés Wajdi Mouawad.
Se trata de una producción de
Ysarca S.L. en coproducción con el Tea-
tro de La Abadía que estará programada
en la Sala Juan de la Cruz del mencionado
espacio madrileño del 14 de septiembre al
30 de octubre.
Tras permanecer en un silencio hermé-
tico durante cinco años, fallece una madre,
Nawal Marwan (interpretada por Núria Es-
pert). Hoy, en la lectura del testamento, ella
abre la puerta a su silencio y a sus secretos,
a los misterios dolorosos de una familia. Ha
dejado a sus gemelos, Jeanne y Simon, un
cuaderno rojo, una chaqueta de tela verde y
dos sobres que comportan una petición llena
de consecuencias, como otras tantas cajas
de Pandora, orígenes de males y maravillas,
cuyo contenido arrastrará a los gemelos ha-
cia un pasado desconocido, hacia un conti-
nente lejano, hacia un segundo nacimiento.
El público, así, será testigo de la búsqueda
de las huellas de una vida marcada por la
guerra y el desamparo, en que la tragedia
política y la humana se entrelazan en un es-
tremecedor relato. “La infancia es un cuchillo
clavado en la garganta. No se lo arranca uno
fácilmente”, escribe Wajdi Mouawad. “Sola-
mente las palabras tienen el poder de arran-
carlo y calmar así la quemadura.”
Además de Núria Espert, completan el
elenco del montaje los intérpretes Ramón
Barea, Álex García, Carlota Olcina, Alberto
Iglesias, Laia Marull, Edu Soto y Lucía Ba-
rrado. Forman parte también del equipo
artístico Eladio de Pablo (traductor), Carl
Fillion (escenografía), Antonio Belart (ves-
tuario), Álvaro Luna (videoescena), Orestes
Gas (espacio sonoro) y Felipe Ramos (ilumi-
nación), entre otros. “Producir en castellano
Incendios, una obra que se ha traducido a
más de 15 idiomas, supone la posibilidad de
exponer con fuerza los valores con que nos
hemos educado y con los que hemos cons-
truido nuestro sistema de vida y conseguir
una importante difusión en España y en los
países de habla hispana”, expresa Pilar de
Yzaguirre, de Ysarca S.L.
Teatro de La Abadía e Ysarca S.L.
Mario Gas dirige
a Nuria Espert en
‘Incendios’

16
16 septiembre
octubre
m i s c e l á n e a
La compañía Ertza estre-
na la pieza Hariak el día
17 de septiembre (caste-
llano) y 18 (euskera) en la
sala Gazteszena (C.C. Egia)
de Donostia-San Sebas-
tián. Se trata de una obra
multidisciplinar dirigida por
Asier Zabaleta, con textos
de Harkaitz Cano y Joseba
Sarrionaindia. La creación, interpretada por Natalia de
Miguel, Thiago Luiz Almeida, Caio Henrique de Souza,
María Andrés y Claudio Rojas, se podrá ver más ade-
lante en el Festival BAD de Bilbao y en el Topic de
Tolosa, coproductores de la misma.
El Teatre Lliure ofrecerá el
12 de septiembre un espec-
táculo solidario con la ONG
Proactiva Open Arms, con
la participación de 60 gran-
des nombres de la escena
catalana. Se realizarán dos
funciones en un mismo día
con el objetivo de mantener
el barco de salvamento ma-
rítimo Astral en activo durante un mínimo de 15 días.
Así, 20 dramaturgos, 20 directores y 20 intérpretes tra-
bajarán en un proyecto solidario con expertos en emi-
gración y representantes de ONGs que hayan vivido
personalmente la crisis de los refugiados.
De Damasc a Idomeni
Valladolid
Hariak
La rebel·lia possible de
Javier G. Yagüe y Luis Gar-
cia Araus presenta la histo-
ria de un hombre que decide
reclamar a una teleopera-
dora la devolución de una
cantidad de dinero por no
estar de acuerdo con el cri-
terio aplicado en las tarifas.
El montaje está dirigido por
José Sánchez Orosa e interpretado por Toni González,
Blanca Solé, Joan Sureda, Júlia Bonjoch, Xavi Casan
y Núria Valls. Este espectáculo en catalán estará en
cartel en La Seca Espai Brossa (Barcelona) del 7 de
septiembre al 9 de octubre.
Jordi Rebellón y Alberto Ji-
ménez interpretan El pin-
tor de batallas, basada en
la novela de Pérez-Reverte,
con versión y dirección de
Antonio Álamo. Se represen-
tará en el Teatro Calderón
del 7 al 9 de octubre.
También en Valladolid se
estrena Comedia multi-
media de Álvaro Tato, con dirección de Yayo Cáceres e
interpretación de Inma Cuevas,
Jacinto Bobo, Francesco Carril y Fran García. Ofrecerá
sus representaciones en el Teatro Lava del 1 al 11 de
septiembre.
La rebel·lia possible
TNC
Hika Teatroa presenta,
por primera vez en caste-
llano, esta obra basada en
‘La casa de Bernarda Alba’
de Lorca, que definen como
“una mezcla sugerente de
conflicto, emoción, humor
y poesía”. La pieza cuenta
la historia de dos hermanas
que se encuentran después
de 20 años y tras la muerte de su madre. Forman parte
del equipo artístico Arantxa Iturbe (autora) Agurtzane
Intxaurraga (autora, actriz, directora), Itziar Ituño y
Miren Gojenola (actrices). El montaje se podrá ver en
Kultur Leioa el 21 de octubre.
El Teatre Nacional de Ca-
talunya presenta dos estre-
nos en estos meses. L’aplec
del remei es un espectáculo
de Josep Maria Miró y Wanda
Pitrowska a partir de la pri-
mera obra de teatro musical
en lengua catalana. Estará
en cartel del 29 de septiem-
bre al 2 de octubre.
El coratge per matar, por su parte, cuenta con los
textos del sueco Lars Norén, la dirección de Magda
Puyo y un elenco formado por Nao Albet, Manel Bar-
celó y María Rodríguez. Se podrá ver del 6 al 30 de
octubre.
Cuaderno en blanco
©Eduardo Pelach
©Gorka Bravo

18
16 septiembre
octubre
L
a interculturalidad “como cualidad
de las artes de calle que hace que
sean capaces de dirigirse a per-
sonas y contextos muy diferentes”
es el eje conductor de esta nueva edición
de FiraTàrrega motivo por el que se van a
ofrecer una selección de producciones que
buscan superar contextos culturales con-
cretos y dirigirse a públicos muy diversos,
además la programación incluye una serie
de espectáculos centrados en la temática
de la justicia social y la construcción de la
ciudadanía en Europa hoy día.
Siguiendo esta línea la compañía en-
cargada de inaugurar esta edición será la
francesa Artonik que con The Colour of
Time ofrece un ritual efímero que hace des-
aparecer las diferencias entre las personas
y celebra colectivamente la amistad, la in-
terculturalidad y el mestizaje. En esta mis-
ma dirección y para celebrar el potencial
intercultural de FiraTàrrega tendrá lugar el
estreno en el Estado español de Misa Fron-
teriza, una reflexión sobre la hibridación
cultural de los mexicanos Universiteatro
Gorguz Teatro, el estreno Mulïer de
Maduixa Teatre, un homenaje a todas las
mujeres que, durante siglos de opresión,
han luchado y luchas por sus derechos o
Cafe Europa, una alegoría que retrata la hi-
pocresía y los vicios de nuestra sociedad a
cargo de los italianos Ondadurto Teatro.
Sección Oficial
Además de las mencionadas, la Sección
Oficial, que este año quiere ofrecer una
mirada transversal a la actualidad de la
creación escénica, incluye un total de 30
XXXVI FiraTàrrega
El potencial intercultural
de las Artes de Calle
La interculturalidad es el eje vertebrador de la 36ª edi-
ción de FiraTàrrega. 60 espectáculos de 57 compañías
conforman la programación de este año que se desa-
rrollará del 8 al 11 de septiembre en diversos espacios
públicos y en varias salas de la ciudad deTàrrega. El pro-
grama de la Fira se estructura en 5 secciones: ‘Sección
Oficial’, con una selección de éxitos de la temporada y
estrenos de ámbito internacional;‘Plataforma’ compues-
ta por propuestas del Programa de Apoyo a la Creación
y diversos proyectos de coproducción; ‘Ondara Park’,
con proyectos centrados en la programación más festi-
va;‘Programa Abierto’ espacio de colaboración entre el
sector privado y FiraTàrrega y ‘Bonus tracks’ que incluye
propuestas que complementan la programación de esta
edición. Cabe destacar que este año Chile es el país
invitado por lo que contará con el Focus Chile, donde
se podrá ver el trabajo de cuatro compañías invitadas y
se desarrollarán diversas actividades profesionales para
conocer las artes escénicas de este país. Como en edi-
ciones precedentes, FiraTàrrega va más allá de la exhi-
bición de espectáculos y continúa trabajando la parte
profesional del sector y al pabellón ferial de la Llotja,
con stands y puntos de encuentro para profesionales, se
une el Club Pro, espacio de encuentro de tarde-noche
más lúdico e informal. Caben destacar a su vez nuevos
acuerdos nacionales e internacionales con otras entida-
des o el proyecto CASA - Circus and Street Arts Circuit,
dentro del cual profesionales de todo Europa visitarán
Cataluña para explorar las artes de calle y el circo de
primera mano y participar activamente en la Fira.
Oskara de Kukai Dantza Unraveled Led Heroes de Fattoria Vittadini

19
16septiembre
octubre
espectáculos entre los que se encuentran
varias propuestas de danza como Oskara,
un trabajo instalativo que recorre algu-
nos pasajes de la cultura vasca de Kukai
Dantza, Asuelto de HURyCAN, Unraveled
Led Heroes de Fattoria Vittadini, Menar de
Joan Català o la fusión de danza y teatro
de Claire Ducreaux en Silencis.
También habrá lugar para el circo con
obras como Garbuix, 20è Circ D’hivern
de Ateneu Popular 9 Barris V de Vavel,
Intarsi de Companyia de Circ ‘Eia’ o All
genius all idiot de los suecos Svalbard
además del teatro de texto de la mano de
El Pont Flotant y su El fill que vull tindre
o Conservas-Xnet / 15mparato-Minoria
Absoluta de Hazte banquero. Tarjetas
Black: Todo lo que quisieron ocultarte
con sus propias palabras obra que no
necesita más presentación de Simona
Levi y Sergio Salgado o propuestas de
nuevas dramaturgias como Si sabes lo
que hay de Fundación Collado-Van Hoes-
tenberghe entre otras.
Además, dentro de esta sección este
año se incluyen también los proyectos
‘#EspaiZebra’ y ‘#UrbanNation’. En el
primero las compañías Baal y Les Impuxi-
bles ofrecen con los montajes Crotch
(entrecuix) y Limbo respectivamente dos
miradas sobre los lugares de paso en-
tre sexualidades y reflexionan sobre la
identidad de género, la aceptación de la
sexualidad y la desaparición de la dico-
tomía hombre-mujer. El segundo de los
proyectos está dedicado a la cultura ur-
bana con una programación compuesta
por los espectáculos de compañías como
la norteamericana Ephrat Asherie Dance,
Massager de CCOT

20
16 septiembre
octubre
Iron Skulls Co, la instalación Celodrak de
Montana Colors o el taller de danza urba-
na impartido por Getbak entre otros.
Plataforma
Esta sección de FiraTàrrega muestra
los espectáculos gestados dentro del
Programa de Apoyo a la Creación 2016
que tiene como objetivo fomentar la
creatividad escénica y la producción de
espectáculos de calle y en espacios no
convencionales propuestas todas ellas
que comparten valores como creativi-
dad, laboratorio, territorio, investigación,
riesgo, red, innovación, servicio público
y comunidad. Un total de 12 trabajos
conforman esta sección 5 de ellos en-
marcados en el programa ‘Laboratorios
de Creación’ como Terra Condere de
la leridana Silere, A mí no me escribió
Tennessee Williams danza, teatro ges-
tual, texto clásico, canciones en directo
y performance de la mano de Roberto
G. Alonso, o El diván de la peluquera de
Sienta la Cabeza. Junto con El Graner,
FiraTàrrega incluye los ‘Laboratorios de
Movimiento’ para acompañar a artistas
emergentes que apuestan por las pie-
zas de movimiento en el espacio público
como Handle with care de Diana Gadish o
Molar de Quim Bigas.
Las ‘Residencias Artísticas’ presenta
laso obras de tres compañías catalanas,
Escarlata Circus con CorroC, una visita
guiada por las intrigas del corazón hu-
mano, Náufragos de la Industrial Teatre-
ra y Apocalypse Uploaded, la transhuma-
nització de las Abelles, última parte de la
trilogía de LAminimAL en la que a través
de teatro, música y nuevos lenguajes
modifica las acciones apocalípticas de los
personajes.
FiraTàrrega también ha participado
en la producción de Barcelona (contra
la paret) realizado dentro del Proyecto
IT emergents en colaboración con los
festivales Grec 2016 y Temporada Alta.
Una pieza de teatro documental en la que
cuatro personajes relatan los hechos re-
cientes que han marcado a la ciudad des-
de el 4F o el asesinato de Juan Andrés
Benítez de LaPública.
Una vez más, el Programa de Apoyo
a la Creación acoge tres producciones
transnacionales. De Chile llega Teatro
Niño Proletario para estrenar Fulgor,
obra en la que aborda la realidad de la
inmigración en un mundo con un sistema
económico de crecimiento sin límite que
perpetúa la injusticia social. Dentro del
proyecto ‘#Mirades” y por encargo de
FiraTàrrega la compañía CCOT de Corea
del Sur presentará Massager, donde un
masajista asiático realiza su actividad
en una parada en la calle y Carretera
45 Teatro de México ofrecerá Algo de
mí, algo de ti, del dramaturgo y director
Antonio Zúñiga. Ambas propuestas son
dos visiones particulares sobre nuestra
forma de entender la ciudad como punto
de encuentro, todo ello con el objetivo
de generar espacios de coproducción
transcontinental y hacer una apuesta por
miradas no eurocentristas.
Resto de secciones
La programación de FiraTàrrega se
articula en tres secciones más. ‘Ondara
Park’ es la más lúdica y festiva y ofrece
una programación de ocho espectáculos
dirigidos a todos los públicos. Manifesta
es una coproducción de gran formato de
la Fira con la compañía Obskené que rei-
vindica el espacio público, la comunidad
y el ritual colectivo a través de una pro-
puesta visual, lúdica y crítica desde una
simbiosis de circo, texto y música. La Cia.
Toti Toronell propone Libélu·la, una pie-
za/instalación que se resiste a perder la
esencia del circo de las maravillas y otra
instalación #ciutatvisible de Colordellop.
La propuesta musical Entropia, Entalpia,
Utopia de Diga´ls-hi inquiets, los títeres
holográficos de L´oníric món de Dins de
Holoque o Tank, el espectáculo partici-
pativo de los polacos Muzikanty harán
disfrutar a grandes y pequeños.
Diez compañías conforman la sección
‘Programa Obert’, el espacio abierto a la
participación del sector privado que orga-
nizan 23 Arts y La Maleta dels Espectacles
en sus respectivos espacios. En ellos se
podrá disfrutar con las propuestas de cir-
co Au pied du mur y Furieuse tendresse de
los franceses 100 Racines y Cirque exalté
respectivamente, Spazi...o de los vascos
Dikothomia, Split del colectivo Circo 9.8
o The Audition de Xa! Teatre. También se
podrá conocer los espectáculos Huellas en
la arena de Didi Rodán, Quixote de Grupo
Puja, The special rocket de Cia. Peus de
Porc, Périples immobiles de los belgas
MéliMélo Compagnie o la instalación Van
de bòlit de El Pájaro Carpintero.
La programación de FiraTàrrega 2016
se completa con ka sección ‘Bonus Tracks’
en la que se incluyen las propuestas de las
noches musicales a cargo de D. WattsRiot,
Dj Filasine y BATBatuka y el espectáculo
del concurso de grupos amateurs de tea-
tro Ciutat de Tàrrega L´home amb qui so-
mien les dones quan somien amb homes
del Grup Centre Cultural i Recreatiu. Ade-
más en el Museo Comercal se expondrá el
Premio Bellas Artes Sant Jordi 2016 y en
la Sala Marsà la exposición ‘Una mica de
poc’ de Marcel Gros.
Silencis de Claire Ducreaux ©Nerea Coll©Ben Hopper

22
16 septiembre
octubre
E
l Festival Internacional de Teatro
de Vitoria-Gasteiz ofrecerá 35 es-
pectáculos en su 41ª edición, que
tendrá lugar del 6 de octubre al 29
de noviembre y contará con la presencia de
10 compañías internacionales, 10 de Gas-
teiz y 6 creaciones en euskera. Entre las
nacionalidades están Reino Unido, Estados
Unidos, Argentina, Francia, Italia, Alemania,
Japón y Holanda. Algunos creadores locales
son Oreka Tx, Kulunka Teatro, Pikor, Pez
Limbo, Slep Walk Collective y Teatro Paraíso.
Este año el festival contará con directores
emblemáticos tanto de nivel internacional
(Nelly Hunter, Mauricio Kartun, Claudio Tol-
cachir o Moses Pendelton), como estatal
(Andrés Lima, Alfredo Santol, Àlex Rigola o
Mario Gas), y acogerá a intérpretes como
Núria Espert, Verónica Forqué, Irene Escolar,
Bárbara Lennie o Israel Elejalde, entre otros.
Como en otras ocasiones, la programación
incluye la sección del festival de Teatro
Abierto con talleres, encuentros con el públi-
co o visitas guiadas. Además, contará con el
pionero Proyecto Bebés, que alcanza su 11ª
edición en el Teatro Federico García Lorca.
Continúan también los ciclos en los centros
cívicos y el Jim Aktual en el Teatro Jesús Ibá-
ñez Matauco.
La compañía británica Flute Theatre
inaugurará la programación con el espec-
táculo minimalista Hamlet, who’s there?
de Shakespeare, dirigido por Kelly Hunter.
También desde Gran Bretaña llega Lindsay
Kemp con Kemp Dances, inventos y reen-
carnaciones. Otras creaciones internacio-
nes estarán a cargo de la Compañía Junior
del Dutch National Ballet o de la bailarina
y coreógrafa japonesa Mokoto Hirayama,
que presentará junto a Oreka TX y la can-
tante de la etnia Ainu, Emi Toko, el proyecto
Hybrid. Además se podrá ver Terrenal, Pe-
queño Misterio Ácrata de Mauricio Kartun,
obra estrenada en 2014 que lleva ya más
de 300 funciones en el Teatro del Pueblo
de Buenos Aires y ha recibido más de 15
premios. Desde Estados Unidos, W Momix
Forever es la culminación de 35 años de
existencia de MOMIX, una de las compañías
de danza más innovadoras y prestigiosas
del mundo. Se trata de un espectáculo con
el que Moses Pendleton, su fundador, cele-
bra una historia llena de éxitos.
Otras propuestas incluyen La clausura
del amor (Buxman Producciones/Kamikaze
Producciones) del autor y director francés
Pascal Rambert, que dirige por primera vez
en castellano su pieza más representada.
Bárbara Lennie e Israel Elejalde son los
protagonistas de esta dura obra. También
se podrá ver Tierra del Fuego de Mario
Diament y dirigida por Claudio Tolcachir. La
compañía Avanti Teatro presentará El Jurado
XLI Festival Internacional de Teatro de Vitoria - Gasteiz
Nueva edición del veterano
festival de la capital alavesa
El público ©Ros Ribas

16septiembre
octubre
23
16septiembre
octubre
de Luis Felipe Blasco Vilches bajo la direc-
ción de Andrés Lima e inspirado libremente
en “Doce hombres sin piedad” de Reginald
Rose. Además estará Iván Off de Antón Ché-
jov con versión y dirección de José Martret
por La Casa de la Portera; La respiración de
Alfredo Sanzol; El público de Lorca con di-
rección de Àlex Rigola; e Incendios de Wadji
Mouawad con dirección de Mario Gas e in-
terpretación de Núria Espert. En cuanto a la
danza, Foot-ball de Cesc Gelabert presenta
la unión entre el fútbol y la danza en una
descodificación coreográfica de algunas de
las mejores jugadas del FC Barcelona. Entre
los montajes en euskera se encuentran la
pieza poética y sensorial Hautsa de Parasite
Kolektiboa y Francoren bilobari gutuna de
Artedrama, Le Petit Théâtre de Pain y Deja-
bu Panpin Laborategia.
MUCHO MÁS TEATRO
Además de los mencionados espectácu-
los, que serán representados en el Teatro
Principal, otra parte de la programación
tendrá lugar en diferentes centros cívicos
de la ciudad. Así, el Teatro Jesús Ibáñez de
Matauco acogerá El minuto del payaso de
Teatro El Zurdo con Luis Bermejo, y lo mejor
del Be Festival de Birmingham, con Situación
con brazo en alto de Oliver Zahn (Alemania),
Overload de Teatro Sotterraneo (Italia) y
Quintetto de TIDA (Italia). En el Teatro Félix
Petite se podrán ver Taxidermia de un go-
rrión de Kulunka Teatro, el espectáculo de
circo contemporáneo vasco con música en
directo Lurrak y Azken trena Treblinkara/Últi-
mo tren a Treblinka de Vaivén Producciones.
Seis son los espectáculos propuestos
para disfrutar en compañía de toda la fa-
milia. La compañía Ananda Dansa llevará
a Gasteiz una pieza contemporánea y per-
sonal inspirada en el inmortal cuento de
Collodi: Pinoxxio. El montaje cosechó 7 Pre-
mios Max en la edición de 2016, incluido
el de mejor espectáculo familiar. También
cuenta con diversos galardones Dot de Ma-
duixa Teatre (Premio Feten 2014 y Premio
Max 2015 al mejor espectáculo infantil).
Es un espectáculo de danza, teatro, músi-
ca y nuevas tecnologías cuya combinación
ofrece un rompecabezas mágico. Así como
Luppo de Baobab Teatro, Premio al Mejor
Espectáculo Infantil en la Feria de Teatro de
Ciudad Rodrigo 2015. Danza, autómatas y
vídeos serán los protagonistas de Vuelos
de Aracaladanza. Lunaticus Circus, obra
en euskera de Teatro Paraíso, será un cir-
co para soñar, reír y jugar a transformar la
realidad. Además, se buscará la participa-
ción del público con la instalación interacti-
va Micro Shakespeare.
Para bebés de entre 1 y 3 años están
dirigidas Sin Palabras de Lasal Teatro,
¡Ooooo! (Boucle d’O) de Cie du Porte-
Voix y Cie a Tous Vents, y la instalación
Secretos en el bosque de Teatro Paraíso,
que tendrán lugar en el Teatro Federico
García Lorca.
Un año más el festival propone la inicia-
tiva Teatro Abierto, que busca exhibir pro-
puestas de creadores escénicos locales en
espacios diferentes al escenario de los tea-
tros, donde la cercanía y complicidad con el
espectador son claves. Así, se presentarán
La cuestión de Pikor Teatro; Where are your
friends tonight de Sleep Walk Collective; Ma-
dame B de Pez Limbo Creaciones; y Usteak
Ustel de Parasite Kolektiboa.
Visitas guiadas, tertulias y talleres com-
pletan las actividades de esta 41ª edición
del Festival de Gasteiz, que acogerá tam-
bién los días 14, 21, 28 y 29 de noviembre
las 8 Jornadas de Artes Escénicas.
El Jurado de Avanti Teatro ©Luis Castilla

24
16 septiembre
octubre
L
a Feria Internacional de Tea-
tro y Danza de Huesca cumple
treinta años y los asume “con
ilusión, con una programación
que trae algunos de los “imperdibles”
del teatro y la danza no solo de este
año, quizá de esta última década”,
afirma su director, Jesús Arbués, una
de las pocas personas que puede ha-
blar de las 29 ediciones ya celebradas.
“Recuerdo esa Feria como un diverti-
do caos. Los horarios se superponían,
había que salirse de una obra para
llegar a la siguiente. Huesca no tenía
ni espacios teatrales, ni establecimien-
tos hoteleros, ni equipo de gestión y,
misteriosamente, la Feria arraigó en
la ciudad”, explica Arbués para añadir
que “si hay algo que marcó esos pri-
meros años de Feria ha sido su “mala
salud de hierro”.
Arbués es claro: “es obvio que siempre
ha habido un equilibrio difícil. La ecuación
entre apostar por el teatro de la comuni-
dad sin desvirtuar su carácter de referente
del mercado nacional, ser capaz de llegar al
público como si se tratara de un festival y,
al mismo tiempo, realizar un evento comer-
cial absolutamente profesional ha sido una
operación difícil de resolver”, y recuerda a
las personas que durante estas tres déca-
das han estado al frente de la feria: Juancho
Graell, Jose Maria Pons, Javier Brun, José
Luis Melendo, Luis Calvo, Benito de Ramón
y Francisco Ortega sin olvidar a Anabel Sal-
cedo, “figura esencial en la producción de
la mayoría de ediciones de este certamen y
parte esencial en la configuración actual”.
Sobre la situación actual, Arbués hace
hincapié en que “sigue habiendo una cier-
ta inestabilidad en la organización (...) y el
presupuesto ha quedado anclado tras la
crisis” pero con todo la Feria goza la última
década de una mayor estabilidad, con unos
criterios que le han dado una inusitada con-
sistencia (...) La feria de teatro sin teatros
se ha convertido en la Feria con mejores
infraestructuras de todo el estado”.
Sobre la programación de la feria, su di-
rector afirma que destaca el “apoyo a los
coreógrafos y dramaturgos que asumen
riesgos (...) Pasar de “lo internacional”
a “lo internacional posible (y necesario)”
buscando sinergias mayoritariamente con
el sur de Francia”, para concluir que “el
éxito de la Feria de hoy es su continuidad.
La capacidad para dejar de dar bandazos.
Poder trabajar manteniendo unos criterios
de programación, manteniendo un 30% de
participación aragonesa sin que eso
cause ningún trauma. Trabajar con
perspectiva, equipos y espacios”.
Programación
Al cierre de la edición de esta re-
vista, aún no se ha cerrado la pro-
gramación de esta edición de la feria,
por lo que quedarán sin nombrar
algunas compañías participantes en
una programación en la que vuelve
a ser relevante el peso de la danza
contemporánea y en la que cabe des-
tacar el estreno del nuevo trabajo de
Compañía Sharon Fridman, All Ways
proyecto con el que cumplen diez
años de creación sintiendo que fina-
liza un ciclo que comenzó años atrás
con unas primeras intuiciones, unas
primeras pasiones. Una pieza sobre
la libertad de percibir siempre todos lo ca-
minos, la libertad de seguir el camino que
se es llamado a recorrer. Estrena también
en la feria Cía. Marta Carrasco que como
ya lo hiciera con las obras ‘Aiguardent’ y
‘Blanc d´Ombra’ vuelve a los escenarios
con el unipersonal Perra de nadie. Sobre
las tablas Carrasco da vida a Lili, una perra,
porque perra se nace, no se hace.
Gelabert Azzopardi Companyia de Dan-
sa propone en Escrito en el aire un ritual
creado tras el encuentro de Gelabert con
el escritor, pintor y director de escena fran-
cés Valère Novarina y la fusión de la danza
contemporánea y la danza tradicional vas-
ca desde la visión de Carles Morau de La
Veronal se convierte en Oskara de Kukai
Dantza, mientras un solo es Dis-Connect
proyecto que surgió a raíz del proyecto
XXX Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca
Tres décadas trabajando
para el teatro y la danza
Del 26 al 29 de septiembre Huesca celebra el treinta aniversario
de su Feria Internacional deTeatro y Danza
Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa ©Ros Ribas

16septiembre
octubre
25
16septiembre
octubre
SABA de la coreógrafa y bailarina Lali
Ayguadé que pone en esena Diego
Sinnige. La danza multimedia toma
la escena con Nagore, de Circle of
Trust Logela y la danza es también
el lenguaje escénico de dos montajes
de las aragonesas Lamov Compañía
de Danza 7 pecados capitales para
el que han contado con las visiones
de 7 coreógrafos y Manos pegajosas
de Dos en paralaje presenta el último
trabajo de la coreógrafa Ingrid Ma-
grinyà.
El teatro de texto llega de la mano
de compañías como Wichita Co. y la
obra A España no la va a conocer ni
la madre que la parió, texto de Lucía
Carballal, Víctor Sánchez Rodríguez en
torno a dos generaciones de jóvenes
en una familia española de izquierdas.
Acorar es una obra escrita e interpre-
tada por Toni Gomila que reflexiona so-
bre la identidad colectiva de los pue-
blos a cargo de Producciones de Ferro y
Borobil Teatroa convierte el escenario en
terreno de juego para mostrar en tono de
comedia, el mundo del fútbol en Fuera de
juego. Con Ragazzo, Teatre Tot Terreny
propone un grito a la vida, a la dignificación
de las historias personales, a la reivindica-
ción de la memoria colectiva y de la Historia
a partir de los hechos acaecidos durante la
reunión del G8 en Génova en 2001.
Kubik Fabrik presenta Historias de Use-
ra basada en esas historias que narran los
acontecimientos histórico/populares ocurri-
dos en el barrio madrileño de Usera y para
la que han contado con dramaturgos como
Miguel del Arco, Alfredo Sanzol, Denisse
Despeyrus o el novelista Alberto Olmos.
Después de ‘Edipo’, la Companhia do
Chapitô hinca el diente a otra tragedia
griega, Electra desde su particular estilo
propio e inconfundible y en clave de ab-
soluta comedia. La producción aragonesa
estará representada por la shakesperiana
Mucho ruido y pocas nueces sound party
de Esencia Producciones, Lagartola-
garto y Tornabis, el nuevo espectáculo
de improvisación de Teatro Indigesto,
Podemos conseguirlo ARAGÓN y El año de
Ricardo de Angélica Liddel de la mano de
Alasarmas Teatro. Aragonesa es también
la compañía Teatro Arbolé que pondrá en
escena el único espectáculo de esta edición
dirigido al público infantil, Veoleo para
acerca los cuentos de siempre, los
que siempre están, los que no solo se
leen, sino que las más de las veces se
trasmiten de forma oral.
Las artes circenses tienen una no-
toria presencia. Maria Cavagnero
presenta Me and Wheel, un proceso
de conocimiento, de esfuerzo, dasa-
fío y unión en el que se ve reflejado
el duro camino con el que a diario se
encuentran los acróbatas. La Fem Fa-
tal lleva al circo una metáfora sobre la
intensidad de las relaciones en la vida
en Anton i Polina.
Biel Jordà es el autor y director de
Fuga de Res de Res una invitación a
reflexionar sobre aquellas limitaciones
impuestas o que nosotros mismos he-
mos creado y desde Francia llegan Cie.
Daraomai y Nacho Flores. Los primeros
presentan TiraVol una acrobacia inédi-
ta, desafiando la frontera entre pértiga
china, funambulismo y acro-danza. Con Tes-
seract F y tras diez años de trabajo sobre la
cuerda floja Flores cambia hacia el equilibrio
sobre cubos de madera. Los holandeses
Voices of the city llegan con Circ/Us un pro-
yecto de arte comunitario internacional, una
plataforma para descubrir artistas y crear un
teatro poético e interdisciplinar.
Pero habrá más porque junto con la
zona de mercado, tendrán lugar dos talle-
res y la presentación del proyecto ‘De mar
a mar- Pyrénées de Cirque-DMAM’, iniciati-
va de cooperación transfronteriza del que
es parte la feria además de las Jornadas
sobre acompañamiento de proyectos de
nuevo circo.
Diego Sinnige
Electra de Companhia do Chapitô

26
16 septiembre
octubre
L
a Mostra Internacional de Mim a
Sueca alcanza su 27ª edición, que
se celebrará del 14 al 18 de sep-
tiembre bajo el lema “Emocionario
del gesto”. El MIM es un festival dedicado
específicamente a exhibir espectáculos de
teatro de sala y de teatro de calle en los
cuales el gesto, la gestualidad, el mimo,
el cuerpo y el movimiento de los intérpre-
tes son el principal elemento artístico del
espectáculo y el más importante canal co-
municativo con el público.
La presente edición presenta un pro-
grama en el que participan 20 compañías:
6 de la Comunidad Valenciana, 7 del resto
del Estado (Catalunya, Islas Baleares, País
Vasco, Madrid y Andalucía), 6 de Francia y
una de Portugal. Nueve serán los espec-
táculos de sala y once los de calle, de los
que trece serán gratuitos. En su vertiente
formativa y pedagógica, el MIM de este
año ofrecerá la clase magistral “La teatra-
lidad del movimiento”, impartida por Cla-
rie Heggen, eminencia del teatro gestual
y teatro de objetos; y el curso “El cuerpo
expresivo”, impartido por Pau Bachero,
actor, creador, director teatral e integran-
te de la compañía francesa Théâtre du
mouvement.
Entre los montajes destacan cuatro es-
trenos. Metamorfosi es la propuesta de La
Panda de Yolanda, compañía valenciana
que se caracteriza por mezclar diferentes
disciplinas artísticas en sus creaciones. La
nueva pieza es un montaje artesanal de
investigación escénica, basado en la no-
vela de Kafka y producido en colaboración
con los Forman Brothers Theatre (Repú-
blica Checa), La Protectora y el MIM.
Biblioteca de ruidos es el nuevo proyec-
to de dos personalidades creativas singu-
lares: el escenógrafo y maestro de escue-
la José Antonio Portillo y el músico Enric
Monfort. Siguiendo la serie de Bibliotecas
del primero (Archivo de gestos emociona-
les, Biblioteca de cuerdas y nudos, etc.),
aúnan por primera vez sus dos mundos
artísticos para ofrecer al espectador un
viaje emocional al mundo de los sonidos.
También se podrá disfrutar de Ylanna
25 de la compañía madrileña Yllana, que
cuenta con 25 espectáculos que han viaja-
do por todo el mundo. Entre su larga lista
de reconocimientos destacan dos Premios
Max, uno al Mejor Espectáculo Musical
por ‘Avenue’ y otro al Mejor Espectáculo
Infantil por ‘Zoo’. La compañía vuelve al
MIM para celebrar su 25 aniversario con
el estreno de este montaje que recoge los
mejores momentos de su historia.
Por último entre las primicias, El silen-
ci de l’estima es una pieza realizada ex
profeso para esta edición producida por el
XXVII Mostra Internacional de Mim de Sueca
El MIM propone un viaje
emocional a través del gesto
Mulïer de Maduixa Teatre

16septiembre
octubre
27
16septiembre
octubre
MIM y el Taller Municipal de Teatre Sueca. Los alumnos del taller
han preparado un espectáculo expresamente para el festival:
una acción itinerante que jugará con la intimidad y emociones
de los espectadores de una manera directa. “Si te encuentras
con ellos, sólo tienes que dejarte llevar y, sobre todo, dejarte
querer”, afirman.
MÁS NOVEDADES
Siete son los montajes que se podrán ver por vez primera en
la Comunidad Valenciana. Maduixa Teatre apuesta por la crea-
ción de espectáculos singulares con la aplicación de las nuevas
tecnologías. Ha realizado una extensa gira por Europa, Asia y
América y cuenta, entre otros, con el premio MAX 2015 al Mejor
Espectáculo de Teatro Infantil por ‘Dot’. Su nueva producción,
Mulïer, investiga las posibilidades de la danza con zancos para
poner voz a las mujeres de todo el mundo y a su lucha en todos
los ámbitos de la vida.
Solitudes es el segundo montaje de los vascos Kulunka Tea-
tro, compañía de teatro especializada en máscara expresiva.
Después de ‘André y Dorine’, presentan una historia que, a
través del humor, ahonda en la soledad y la incomunicación
de los miembros de una familia. El mismo equipo creativo ha
puesto en pie un nuevo trabajo de teatro de máscaras que,
sin una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo.
También desde el País Vasco llegará Amour, producción del
bilbaíno Teatro Arriaga y Marie de Jongh, compañía referen-
te dentro del panorama teatral dirigido a toda la familia. Con
un sello basado en la creatividad de su director Jokin Oregi,
quien escribe y dirige todos los espectáculos hasta la fecha,
ha ganado numerosos premios, entre ellos el FETEN al Mejor
Espectáculo Infantil con Amour, un espectáculo que muestra el
verdadero significado de amar a través de la historia de dos
niñas que se enamoran.
El clown gestual y la manipulación de objetos articulan las
creaciones de la catalana Cia ES, que estará por primera vez
en la Comunidad Valenciana con In, tras realizar su gira por
Europa con más de 400 representaciones. Se trata de un es-
pectáculo de malabares creado en colaboración con el Centro
de Artes Circenses Lido de Tolouse e impregnado de un humor
muy personal. La formación cuenta con otros espectáculos
como ‘Igloo’ y ‘Iceberg’.
La compañía portuguesa Cão à Chuva, que plantea en cada
espectáculo una sacudida, un revuelo, un caos donde todo está
bajo control, estará en el MIM con Lullaby. El excéntrico clown
Rui Paixão propone un espectáculo interactivo (ganador del
Premio OFF Circada) donde el clown, el nuevo circo, el teatro
físico y el mimo se funden para reivindicar el poder de las artes
de calle en la creación de emociones y risas en el público.
Procedente de Normandía, la compañía de danza contem-
poránea Cie Beau Geste es fiel a la tradición artística que
antepone siempre la personalidad del bailarín y los movimien-
tos que le son propios. Con Transports Exceptionnels recala
por primera vez en la Comunidad Valenciana para ofrecer un
impactante dúo entre un bailarín y una pala excavadora que
se funden en un espectacular juego poético. Es un montaje
con diez años de recorrido por las calles de los cinco conti-
nentes. Por último, la también francesa 1Watt llegará a Sueca
con Parfait Etat de Marche, un espectáculo de calle fuera de
cualquier norma que se nutre de la improvisación, la experi-
mentación, la inspiración artística del momento y la explora-
ción del espacio público.

28
16 septiembre
octubre
O
rganizado por el Ayuntamiento
de Bilbao, la 18ª edición del BAD
- Festival de Teatro y Danza Con-
temporánea tendrá lugar del 20 al
29 de octubre en los escenarios habituales
como BilbaoArte, La Fundición o Bilborock,
además de nuevos espacios que se suman
este año, como el auditorio del Guggenhe-
im, el Teatro Campos Elíseos o Pabellón 6.
Una veintena de compañías componen la
programación en la que destacan 1 estreno
absoluto, 3 en el Estado y 10 montajes que
podrán verse por primera vez en Euskadi,
además de varias colaboraciones con otros
festivales e iniciativas de apoyo a la crea-
ción escénica. El BAD mostrará también el
preestreno de la versión para sala del es-
pectáculo de circo contemporáneo Lurrak,
coproducido por los festivales Kalealdia y
Kaldearte.
Una programación equilibrada entre la
nueva creación vasca y una destacada pre-
sencia de compañías internacionales ca-
racteriza la presente edición del BAD. De la
veintena de compañías programadas, casi
la mitad son artistas que pueden enmar-
carse dentro de la escena contemporánea
vasca. Así, el BAD ha coproducido junto
con el TOPIC de Tolosa el espectáculo de
danza y teatro Hariak de la compañía Ert-
za. Dirigida por Asier Zabaleta y con textos
de Harkaitz Cano y Joseba Sarrionaindia,
es una obra multidisciplinar creada a partir
de las experiencias de gente que ha visto
cómo los hilos que sostenían sus vidas se
han quebrado repentinamente y ha tenido
que comenzar una nueva vida desde cero.
El BAD está también presente en las úl-
timas creaciones de MAuMA, Mugmus La-
borategia, Parasite Kolektiboa y Olatz
Gorrotxategi, ya que sus proyectos resulta-
ron seleccionados en la última convocatoria
del programa de BilbaoEszena de apoyo a
la creación escénica “Artistas en Residen-
cia”, aunque sólo dos de ellas se estrena-
rán en el festival. La primera es la pieza
de danza Esku harriak: Oteizaren (h)aria,
primer trabajo de la compañía MugMus La-
borategia. Este montaje hace una relectura
del imaginario creado por el artista Jorge
Oteiza a lo largo de su trayectoria ofrecien-
do una puesta en escena multidisciplinar
a través de la danza contemporánea y la
música original en directo, pero combinan-
do e hilando también con la escultura, el
tratamiento del espacio y texto. De esta
manera, se pretende recordar y reconstruir
el amplio y particular universo de Oteiza. Y
la segunda es KT83 de MAuMA, una pieza
de danza site specific. En ella se presenta
un hombre con un megáfono, un foco, una
mujer con un micrófono, sonidos del cuer-
po, música de otro tiempo, un baile de la
mano de Marta Álvarez, Jon Koldo Vázquez
y Atxarte López de Munain.
Otras creaciones de artistas vascos son
la instalación coreográfica Lur Away de Sra.
Polaroiska y el film escénico Malmö de
Khea Ziater. Como preestreno se ofrecerá
la versión para sala de Lurrak, pieza de cir-
co contemporáneo enraizada en la cultura
vasca en la que Adrian Schvarzstein dirige a
cinco actores y actrices y cuatro músicos.
Entreelrestodepropuestasprogramadas
sobresalen algunos artistas como el coreó-
grafo y bailarín catalán Alber Quesada, que
llevará a escena su último dúo inspirado en
el flamenco UnDosTresUnDos que interpreta
con el bailarín húngaro Zoltan Vakulya. Otros
destacados artistas de la escena contempo-
ránea estatal son la madrileña Janet Novas
(en coproducción con el BAD y en colabora-
ción con el Festival Escenas do Cambio); la
compañía gallega Noente Paradise; los artis-
XVIII BAD - Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao
Equilibrio entre la creación
vasca y la internacional
A Room For All Our Tomorrows de Igor Moreno ©Alicia Clarke

16septiembre
octubre
29
16septiembre
octubre
tas escénicos y audiovisuales Germán de la
Riva e Itsaso Iribarren; y el chileno afincado
en Barcelona Txalo Toloza, que presentará
su tercer trabajo Extraños mares arden junto
con la coreógrafa navarra Laida Azkona, en
otra apuesta del BAD en colaboración con
el Antic Teatre y el Festival Terrassa Nuevas
Tendencias - TNT. Roger Bernat estará tam-
bién en Bilbao con dos piezas teatrales que
se podrán ver por primera vez en Euskadi. El
creador catalán, para muchos uno de los in-
vestigadores y creadores más estimulantes
del momento, es conocido por crear espec-
táculos en los que el público ocupa el esce-
nario y se convierte en protagonista.
Oferta internacional
Volmir Cordeiro, joven bailarín y coreó-
grafo brasileño afincado en Francia, repre-
sentará por primera vez en Euskadi su solo
de danza Inês. Esta propuesta cuenta con la
colaboración del Instituto Francés en París
y también en Bilbao, ya que está conside-
rado como uno de los artistas emergentes
en el mundo de la danza contemporánea
francesa. Igor Moreno, dos jóvenes
artistas con base en Londres que fueron
nominados por los National Dance Awards
de Reino Unido, presentarán en primicia en
el Estado su última creación A Room For All
Our Tomorrows.
Los otros dos estrenos estatales llega-
rán de la mano de Matija Ferlin y Taoufiq
Izzeddiou. El coreógrafo croata Matija Ferlin
presentará su solo de danza-performance
SadSamLucky,unhomenajemuyfísico,emo-
cional y turbulento al singular poeta esloveno
Kosovel. En cuanto a Taoufiq Izeddiou, lleva-
rá a cabo En Alerte, un montaje coproducido
por el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas,
donde se estrenó el pasado mes de mayo.
El coreógrafo, bailarín, profesor y director
artístico de la compañía Anania y del festi-
val de danza contemporánea On Marche,
dibujará con su cuerpo a partir de la poesía
contemporánea del célebre poeta palestino
Mafmoud Darwish.
La programación internacional se com-
pleta con dos propuestas llegadas de
México y Corea. Por un lado, la compañía
Lagartijas Tiradas al Sol ofrecerá dos
espectáculos relacionados entre sí: Tijuana,
una pieza de teatro documental de Gabino
Rodríguez que indaga en las posibilidades
de la representación para reflexionar sobre
la política, la democracia y la influencia de
la economía en la percepción que tenemos
de ambas; y Veracruz, un relato performa-
tivo sobre las situación política de México y
los vínculos con el narcotráfico, interpreta-
do por Luisa Pardo. Y por otro lado y desde
Corea, JBK Company ofrecerá Gynn, que
fue premiado en la última edición del ACT
Festival de nuevos creadores.
La oferta del festival se completa con
diversas actividades para profesionales de
las artes escénicas. Albert Quesada ofre-
cerá el taller “Moverse para escuchar” e
Igor Moreno harán lo propio con “Daily
Dances”. Además, se ha organizado un
encuentro en colaboración con ADDE
–Asociación de profesionales de la danza
de Euskadi– que tendrá como invitada a la
Asociación de profesionales de la danza de
Cataluña. La parte formativa se completará
con un encuentro monográfico sobre “Nue-
vas tecnologías: herramientas emergentes
en las artes escénicas” organizado por
Asociación de Técnicos de las Artes Escéni-
cas - ATAE, y en colaboración con la iniciati-
va “Bilbao-Santander Tan Cerca” habrá un
taller sobre el papel del vídeo en la escena
contemporánea.
Malmö de Khea Ziater

30
16 septiembre
octubre
L
as trigésimo cuartas Jornadas de Tea-
tro de Getxo se celebrarán los días 7,
8, 9, 14, 15 y 16 de octubre con un
programa que incluye once espec-
táculos. Las representaciones se realizarán
en tres espacios: la Plaza San Nicolás de Al-
gorta, la Escuela de Música Andrés Isasi de
Las Arenas y la Avenida Basagoiti de Algorta.
Además, se podrá disfrutar de once piezas
dentro de la III edición de Teatro Breve, que
tendrá lugar los días 9 y 16 de octubre en el
Aula de Cultura.
Tres serán los montajes dirigidos al pú-
blico adulto que se podrán ver en Getxo.
Tras la frontera de Plataforma Tirante es un
espectáculo multidisciplinar, “un viaje desde
nuestro terrible pasado ligado a las gue-
rras y al exilio forzoso de nuestro pueblo
hacia Francia y otros destinos. Un emotivo
viaje que continúa por nuestra vergonzosa
actualidad en la que repetimos los errores
del pasado, pero desde el lado del opresor,
sin recordar el dolor vivido. Un viaje que
acaba en un futuro inventado donde pa-
sar una frontera se convierte en un reality
show que hace espectáculo de la injusticia
y la miseria, mostrándonos en qué nos po-
demos convertir”.
Heroiak de Txalo Producciones cuenta la
historia de tres veteranos de guerra que se
encuentran en una residencia para ex-sol-
dados, viendo pasar la vida. Enrique cojea,
Gustavo padece de agorafobia y Felipe tiene
mareos frecuentes, a causa de un fragmento
de metralla que tiene incrustado en el crá-
neo. Consecuencias de la guerra. “Nuestros
tres héroes (cuatro, si contamos una peque-
ña estatua de un perro de piedra) deciden
fugarse de la residencia. Pero, ¿adónde? ¿A
Indochina? ¿A un pueblo cercano? ¿O a la
cima de un monte azotada por el viento?”.
En La flaqueza del bolchevique de K Pro-
ducciones, el protagonista y narrador de esta
historia se empotra contra el descapotable
de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se
distrajo un poco, pero ella no tenía por qué
frenar en seco ni escupirle todos los insultos
del diccionario. Por ello, y para hacer soporta-
bles las tardes de aquel bochornoso verano,
decide dedicarse “al acecho y aniquilación
moral de Sonsoles”. Gracias al parte del se-
guro, consigue su teléfono, y así conoce a su
hermana Rosana, una turbadora adolescen-
te. Aunque no tiene ninguna fijación con las
jovencitas, conserva un retrato de las hijas
del zar Nicolás II. Le atrae especialmente la
duquesa Olga y a menudo se pregunta qué
debió sentir el bolchevique encargado de
matarla. “Sería ésta una obra absolutamente
cómica si no fuera por el carácter inquietante
que adquiere a medida que se complican las
argucias del protagonista”.
Otras tres obras serán representadas
para el público infantil. En Herriko jaiak,
Potxin eta Patxin mostrarán sus habilidades
con los malabares, el mimo y harán a todos
los asistentes partícipes de sus juegos. Ro-
bando magia de Txalo Produkzioak presen-
tará a Dorleta, que acude al teatro a hacer
un casting para ayudante de mago; Txomin
que también va al teatro, pero no al casting,
sino a llevarse unas cuantas cosas “presta-
das”, ya que es un ladrón; y Vladimir, que
irá a presentar su increíble espectáculo de
magia. Y Glu Glu Producciones llevará a cabo
el cuento clásico del siglo XIX, Marikixkur eta
hiru hartzak (Ricitos de oro y los tres osi-
tos), con música, danza, comedia y mucho
juego teatral para el disfrute del público.
Otras cinco obras para todos los públi-
cos completan la oferta de las Jornadas.
En cuanto a la danza, seis bailarines de la
compañía de Matxalen Bilbao se buscarán,
se seguirán, se reunirán, se separarán y via-
jarán a través de diferentes situaciones con
sus cuerpos sobre música de W.A. Mozart y
J.S. Bach, en la pieza Gear. Sus movimien-
tos se basan en procesos de organización,
migración, ligereza y singularidad para crear
paisajes humanos, físicos y emocionales,
dentro de un plano poético. Y la compañía
Ertza llevará a escena 4X4 (Premio Umore
XXXIV Jornadas de Teatro de Getxo
Llega a Getxo una rica oferta
teatral para todos los gustos
Heroiak de Txalo Producciones
La flaqueza del bolchevique ©Sergio Parra
4X4 de Ertza
Gear de Matxalen Bilbao

16septiembre
octubre
31
16septiembre
octubre
Azoka 2013 al Mejor espectáculo vasco),
una propuesta de danza urbana que mezcla
con humor el virtuosismo singular de sus in-
térpretes y una pequeña gran reivindicación:
“el derecho a ser diferente”. Tomando como
punto de partida la rivalidad de las batallas
de baile, se crea una danza frenética en la
que diferentes estilos se hacen uno en pos
de una sola energía que no para de subir.
Dos espectáculos sin texto son Su à feu
de Deabru Beltzak y Funes van de The Fu-
nes Troup. El primero, basado en la danza
urbana, el fuego y el ritmo, explora desde un
ángulo nuevo y fantástico el espacio urbano.
Así, curiosos personajes que recuerdan a fi-
gurasdelfuturoinvadenlacalletransformán-
dola en un espacio en el que los rituales mo-
dernos integran gestos de la vida cotidiana
mezclados con los ritmos de diversas partes
del mundo y el fuego primitivo. El segundo,
por su parte, presentará a tres personajes
que están en una caravana sin ninguna pre-
ocupación más que divertirse, ser felices y
compartirlo con los demás. Por último, en
Ongi etorri Findemundo, Amaia Erauskin,
alias “lluvia”, tendrá una visión: quedan 15
días para que llegue el fin del mundo.
TEATRO BREVE
Las piezas seleccionadas para la presente
edición de Teatro Breve, con una duración de
entre 15 y 20 minutos, ofrecerán tres funcio-
nes al día. Así, el día 9 de octubre se podrán
ver Alineada, Manar, I’m a Real Artist, El diablo
del teatro y Boxers. Y para el día 16 están
previstas Prohibido soñar despierto, El falso
paraguayo, Berriz Topatzean, Un hombre
apuntaaotrohombreconunapistola, Elárbol
de Hiroshima y El primer tren que salga.
Funes van de The Funes Troup

32
16 septiembre
octubre
L
a Muestra Internacional de Artes
del Movimiento Danza Xixón es un
proyecto coordinado por la Funda-
ción Municipal de Cultura, Educa-
ción y Universidad Popular que a través
de los espectáculos, talleres y seminarios
que conforman su programación fomenta
la creación, la producción y la difusión de
la danza contemporánea y el espectáculo
gestual en Gijón.
Del 12 de octubre al 1 de noviembre
se celebra una nueva edición con un pro-
grama compuesto por diecisiete compañías
que llevarán a cabo veinticinco funciones,
dos de ellas en la calle y el resto en los di-
versos escenarios de la ciudad. Los talleres
de esta edición serán impartidos por Marco
Vargas y Choé Brûlé -’Tarantos’, taller de
iniciación y ‘Bulerías’ de nivel avanzado- y
el taller de danza contemporánea será a
cargo de Dana Raz mientras que Estrella
García y Miguel Quiroga se encargarán del
seminario ‘Danzando en familia’, un taller
que acerca la danza al entorno familiar des-
de una perspectiva lúdica y participativa.
Sobre los escenarios
La programación de esta edición se in-
augura con El amor brujo de Manuel de
Falla en una coreografía de Víctor Ullate,
una propuesta que ahonda en el misticismo
gitano a través de “una historia de amor y
pasión, de lágrimas y desconsuelo, de bru-
jería y seducción, de muerte y de danza”.
El Teatro Jovellanos será también el es-
cenario donde conocer Carmen vs Carmen,
“un viaje fascinante al universo de la mujer
y su libertad” en palabras del coreógrafo
Manuel Segovia. Con este espectáculo ins-
pirado en la música de Bizet y la novela de
Merimée, Ibérica de Danza refleja a través
de la danza española y su dramaturgia el
grave problema del maltrato y la violencia
de género. En el mismo enclave, una de
las compañías de danza más conocidas del
mundo, Momix Dance Company presenta W
Momix Forever, espectáculo que reúne las
señas de identidad de la compañía capita-
neada por Moses Pendleton y con la que
celebran su 35 aniversario. Sobre el es-
cenario un collage de piezas de sus siete
creaciones más reconocidas junto con 4
XVI Danza Xixón - Muestra Internacional de Artes del Movimiento
Todos los cuerpos se ponen
en movimiento con ritmo
Una muestra de importantes espectáculos de dieciséis compañías
para la edición número dieciséis
W Momix Forever de Momix Dance Company

16septiembre
octubre
33
16septiembre
octubre
nuevas piezas creadas para esta efeméride. También el Teatro
Jovellanos, la obra de teatro Sin pan de Kamante, un proyecto
que indaga en las razones del hambre tomando como punto de
partida el relato ‘Un artista del hambre’ de Franz Kafka.
En el Centro de Cultura Antiguo Instituto se podrá disfrutar con
Oskara, fruto del trabajo de Kukai Dantza Konpainia con Marcos
Morau de La Veronal que recorre algunos pasajes de la cultura
vasca desde su origen hasta la época contemporánea dibujando
un recorrido plástico y emocional de símbolos e iconografía de
fuerza ambigua y desconcertante que contiene, dentro de sí, la
historia de la experiencia humana.
Con Tormenta la compañía que dirige Igor Calonge Cia. Cielo
Raso ofrece “una mirada pura a la capacidad de transcender
a la palabra desde el cuerpo”. Welcome to the Montogomery
Experience es una experiencia dancística y musical inspirada en
la estética de los años cincuenta y sesenta ideada por el músico
Miguel Marín en colaboración con las coreógrafas Teresa Nava-
rrete y María M. Cabeza de Vaca todos ellos presentados como
Montgomery. Las acrobacias por su parte vertebran Todo encaja
una combinación de potencia, técnica y plasticidad de la mano de
Cia. Up Arte mientras que a través de lenguajes urbanos como el
break dance o el hip hop Fernando Lima ha creado la coreografía
El Olimpo no es aquí que presenta El Punto: Danza. Y con Liberti-
no de Marco Vargas y Chloé Brûlé llega “un ritual vertebrado por
un profundo latido flamenco, de estética depurada y esencial; un
poema sensorial escrito con voces, sonidos, silencios, cuerpos,
miradas y respiraciones”.
La Cia. Fernando Hurtado por su parte presenta Confesiones
de un primate en el km 50, obra creada a partir de la colabora-
ción entre el coreógrafo Francisco Centeno y el propio Hurtado,
encargado de interpretar la pieza. Hurtado es también el direc-
tor de De flor en flor, una obra sobre el esfuerzo y el trabajo
que la compañía presenta en el CMI Ateneo de La Calzada y el
CMI Pumarín Gijón Sur. En este espacio Zig Zag Danza presenta
Disculpe caballero, una coreografía de Ramón Ollér que parte
de una idea de desdoblamiento de los personajes, abordándo-
los desde el cuerpo y desde la voz. En el Espacio Escénico El
Huerto se pondrán en escena las obras Para regalo, pieza de
Compañía Nómada en la que el bailarín y coreógrafo Roberto
Torres presenta el afán de un hombre por encontrar el regalo
perfecto y Mi casa infinita, una pieza para la primera infancia
de Larumbe Danza. Completan la programación los espectáculos
de calle Estudio 3: Miradas de Hojarasca y Circus-Stancia de
Factoría Norte/Alice Archini y la pieza Babaol que la compañía
Enambardanza subirá el primero de noviembre al escenario de
Laboral Ciudad de la Cultura y con la que se clausura esta nueva
edición de Danza Xixón.
Oskara de Kukai Dantza Konpainia

34
16 septiembre
octubre
E
l Festival Internacional Outono de
Teatro llega este año a su 25ª edi-
ción con una programación que in-
cluye, además de representaciones
teatrales, otras propuestas que favorecen el
encuentro y la convivencia entre todos los
amantes del teatro. Todo ello tendrá lugar
del 23 de septiembre al 30 de octubre en
Carballo (A Coruña).
FIOT presentará más de 25 espectáculos,
con tres estrenos absolutos y ocho propues-
tas que se podrán ver por primera vez en
Galicia. Las compañías provienen de 7 comu-
nidades autónomas y 2 países, tratándose
tanto de agrupaciones consolidadas como
de emergentes. El hilo conductor de la pro-
gramación estará este año condicionado por
la propia trayectoria del festival, por esa idea
de celebración de un aniversario, de evoca-
ción del recorrido y conmemoración. Una de
las novedades será precisamente un peque-
ño prólogo del festival con la realización de
un espectáculo de celebración del aniver-
sario y la apertura del festival en la calle.
Asimismo, no faltará a esta especial cita una
representación de las compañías que mar-
can la trayectoria del festival, entre las que
se encuentran algunas de las galardonadas
con el Premio do Público.
La madrileña Yllana, que cumple también
25 años, lo celebra con una selección de los
mejores 25 sketches de sus espectáculos:
Yllana 25. Desde su primera visita en 1997,
han pasado por Carballo ya en nueve oca-
siones, ganando tres veces el Premio do Pú-
blico. Kulunka Teatro, que estuvo en Carballo
con su primer trabajo ‘André y Dorine’, ofre-
cerá esta vez Solitudes, espectáculo que sin
una sola palabra, resulta todo lo contrario a
inexpresivo.
Tendrán también su espacio los home-
najes a Cervantes y Shakespeare en el IV
centenario de su fallecimiento. Así, Ron Lalá
y la Compañía Nacional de Teatro Clásico lle-
varán a cabo Cervantina, una manera fresca,
musical y divertida de acercarse a los clá-
sicos que constituye una señal de identidad
de estos creadores. Y Sueño de una noche
de verano, la popular comedia del dramatur-
go inglés, será la propuesta de Metatarso
Producciones, compañía dirigida por Darío
Facal. El montaje enfatiza el espíritu diver-
tido y cómico de la obra y acerca esta pieza
universal a todo tipo de público.
Además de la celebración, la comedia será
también uno de los principales ingredientes
de la presente edición del festival. Así, se po-
drá disfrutar de La estupidez de Feelgood.
Se trata de un hilarante montaje en formato
de road-movie teatral en el que cinco acto-
res interpretan a 25 personajes.
Entre las compañías gallegas, Contra-
produccións es una de las referentes de
FIOT, con la que coproducen y estrenan O
tolleito de Inishmaan, un texto del irlandés
Martin McDonagh en versión y dirección
de Cándido Pazó. Un espectáculo de gran
formato en el que el público se sentirá
atrapado por el humor y la ternura. Y otro
espectáculo gallego que forma parte de la
programación es la última propuesta de
una de las grandes compañías de Galicia,
Chévere, Premio Nacional de Teatro. Ya
participaron en la primera edición de FIOT
con Río Bravo, y vuelven ahora con Eroski
Paraíso, un resultado de un proceso de
investigación que recuerda, precisamente,
la vida gallega de los años 90, vista desde
los ojos de una estudiante de cine en la
actualidad.
También estuvo presente en FIOT en más
de una ocasión L`Om-Imprebís, que pre-
sentará en Galicia su última creación, La
Crazy Class. En ella se podrá participar de
su homenaje al teatro, donde el público verá
desde dentro lo que nunca puede presenciar
como espectador, en un divertido y trepidan-
te espectáculo. Otra de las propuestas es el
primer trabajo de La casa de la portera, Ivan
Off. Carballo acogerá el prestreno de un nue-
vo formato en gran escenario de este espec-
táculo que tuvo un gran éxito en formato de
proximidad.
La programación de sala está, al cierre de
esta edición de ARTEZ, aún por completarse
con algún espectáculo más, además de una
propuesta internacional que está también
pendiente de confirmación.
XXV FIOT de Carballo
40 actividades para festejar la
trayectoria del festival gallego
La Crazy Class de L`Om-Imprebís

35
16septiembre
octubre
Más actividades
La oferta de FIOT se completa con el Ciclo OTNI, un formato
creado para dar cabida a proyectos de carácter contemporáneo
y con una dimensión más experimental, arriesgada o alterna-
tiva, que emplean nuevas dramaturgias y códigos y lenguajes
menos convencionales. Esta edición presentará tres propues-
tas que utilizan técnicas y lenguajes muy diferentes y que están
también pendientes de cerrar. El teatro estará también pre-
sente en las calles, con animaciones teatrales participativas en
diferentes espacios de la ciudad. Rudo es un montaje de cir-
co contemporáneo de la compañía catalana Manolo Alcántara
que se encargará de la apertura de FIOT. La narración oral de
pequeño formato estará representada con el ciclo pionero en
Galicia, Rúa dos contos, que llega a la mayoría de edad y que
presentará, entre otros, a Rafael Maza y Riki López.
Se podrá disfrutar también de un amplio y diversos programa de
actividades de intermediación cultural y dinamización. Con motivo
de la 25ª edición del festival está prevista una exposición espe-
cial, de producción propia, en la que harán un recorrido por la
trayectoria y la evolución de FIOT. Se incluyen también el Proyecto
fotográfico Zoom FIOT, encuentros entre las compañías y el público,
y la escuela del espectador. Dentro de Fiotiño y dirigida al público
infantil estará de nuevo la ‘Noite branca no teatro’, una oportu-
nidad de conocer los secretos del teatro durante a noche. Los
niños y niñas son los protagonistas de un divertido recorrido por la
historia del teatro protagonizada por un cuentacuentos y un actor.
Los participantes inician la actividad por la tarde, cenan y duermen
en el interior del teatro y, a la mañana siguiente, crean y escenifican
una obra. Además, se ofrecerán talleres como ‘Locutores de radio’
o ‘Como facer un conto?’. La oferta teatral infantil incluye también
el espectáculo familiar Tripula de Farrés Brothers, una aventura
escénica para espacios no convencionales.
Solitudes de Kulunka Teatro

36
16 septiembre
octubre
T
ras la inauguración de Dantzaldia
el 22 se septiembre con un frag-
mento de Cul de sac, la Compañía
KOR´SIA estrena al día siguiente
la versión completa de esta pieza creada
como homenaje al artista plástico Juan
Muñoz por los coreógrafos italianos Mattia
Russo y Antonio de Rosa, ambos bailarines
de la Compañía Nacional de Danza. La pie-
za, se ha desarrollado como un proyecto
de investigación sobre “los límites físicos
y mentales que se oponen a los deseos
de realización de todo ser humano” en el
marco de la convocatoria de Residencias
de Creación CND. Una obra que “exporta el
imaginario del escultor, imprimiendo vida a
sus figuras monocromáticas –gris plomo–,
e imbuyendo de movimiento a las tensiones
entre individualidad y sociedad que sugie-
ren sus instalaciones”.
La austríaca Cie. Laroque presenta
Democrazy una pieza con coreografía y
dirección de Helene Weinzierl “sobre la
autonomía para decidir, en todas sus fa-
cetas: en el contexto de la democracia, de
la libertad y de una sociedad hedonista,
combinado con la publicidad y con muchas
preguntas y observaciones sobre las es-
tructuras de poder”.
Claudia Dias por su parte presenta
la primera pieza de su proyecto a siete
años denominado ‘Sete anos sete peças’
y que lleva por título Monday - Watch Out
For The Right. En formato de un combate
de boxeo, la coreógrafa y bailarina de Lis-
boa reflexiona sobre los golpes y es que
“antes de que alguien nos agreda inespe-
radamente, es una buena idea prever en
nuestra mente las posibles consecuencias
del hecho. No saber ni la motivación ni la
finalidad del acto es estar en desventaja…
Pero si evaluamos el hecho, el antes y el
después del impacto, podemos construir
el tiempo, la historia y nuestra memoria
del futuro” explica Dias para añadir que
“No teniendo miedo. No teniendo miedo de
nada. No dejando al miedo que lo acapare
todo. No construyendo el Portugal del futu-
ro sobre las bases del miedo”.
Con Russia Marcos Morau y La Vero-
nal parten de la road movie y la convier-
ten en el relato de un viaje hacia el lago
Baikal, el lago más profundo del planeta.
Mediante imágenes que se desprenden
XVII Festival Internacional de Danza Dantzaldia - Bilbao
Caleidoscopio de novedosas
liturgias dancísticas
El Festival Internacional de Danza Dantzaldia de Bil-
bao celebra su décima séptima edición entre el 22 de
septiembre y el 7 de diciembre con una programación
compuesta por siete espectáculos y cuya inauguración
tendrá lugar en la Sala Rekalde con la presentación
de un fragmento de la pieza Cul de sac de KOR´SIA-
Compañía Nacional de Danza. Esta nueva cita anual con
la danza contemporánea que organiza La Fundición in-
cluye el estreno absoluto de la citada pieza de KOR´SIA
en el Teatro Barakaldo a la que le seguirán las propues-
tas de la compañía austríaca Cie Laroque en la propia La
Fundición, el nuevo trabajo de Claudia Dias en Azkuna
Zentroa, Russia de los catalanes La Veronal y la nueva
creación de Rocio Molina, ambas en la Sala BBK y la
obra de Cia. B- Dance deTaiwán en el Museo Guggen-
heim.También habrá talleres realizados en colaboración
con Dantzabiz y clases impartidas por los coreógrafos
Mattia Russo y Antonio de Rosa; una oportunidad para
disfrutar con el cine con una selección del Festival Cho-
reoscope, además de conversaciones, encuentros pro-
fesionales y trabajo de mediación en torno al cuerpo y
la evolución de la danza.
Cul de sac la Compañía KOR´SIA

16septiembre
octubre
37
16septiembre
octubre
de la idea de Rusia y su descontextualiza-
ción, la pieza se pierde en el camino en-
tre la abstracción y la narración haciendo
que la obra sea la representación geo-
gráfica del miedo; “el fuerte lenguaje de
movimiento que La Veronal viene generan-
do utiliza la estimulación y recreaciones de
patrones y formas para tejer el movimiento
en torno al intérprete”.
La compañía B. Dance creada por el
coreógrafo taiwanés Po-Cheng Tsai pre-
senta cuatro piezas, todas ellas dúos
creados por el propio Tsai. La pieza
Floating flowers se inspira en la tradición
religiosa del sudeste asiático mientras
que Huginn / Muninn parte de la mitología
nórdica. Silence Scream es un vuelo sobre
los momentos de impavidez e Innermost
busca en la armonía interior del ser hu-
mano para evitar el sufrimiento.
Rocío Molina, artista asociada a Chai-
llot – Théâtre National de la Danse de
París será la encargada de clausurar
esta edición de Dantzaldia su Nueva
creación recién estrenada en dicho tea-
tro. Un recital con su cuerpo como ins-
trumento espléndido que acompaña a
todos los demás en esta pieza de plan-
teamiento díptico para la que ha con-
tado con Carlos Marquerie, encargado
de la puesta en escena y el diseño de
iluminación. Una obra “relacionada con
el silencio y la sonoridad siempre poten-
te del flamenco; la fragilidad al lado de
la fuerza del flamenco; la luz dialogando
con la oscuridad; la inmensidad que tien-
de al infinito y el espacio fragmentado
que en su caos se vuelve también eter-
no; ‘La divina comedia’ de Dante Alighieri
o ‘El jardín de la delicias’ de Hieronymus
Bosch”.
Democrazy de Cie. Laroque

38
16 septiembre
octubre
E
l Festival Internacional de Títeres de
Bilbao cumple su 35 edición y llega-
dos a este punto sus organizado-
res quieren que la de este año sea
un “encuentro” de personas y grupos que
desde un inicio han estado y apoyado este
proyecto. Tanto es así que Erramun Landa
se ha encargado del diseño del Cartel de
la presente edición tal y como lo hiciera los
primeros años del festival.
La programación se desarrollará del 18 al
25 de octubre en tres espacios principales
como son Pabellón 6, donde se concentra-
rán las propuestas y actividades para ado-
lescentes y adultos, en el Salón El Carmen de
Indautxu donde se podrán ver los montajes
para público familiar y en la Casa de Cultura
de Barrainkua donde básicamente se dará
cabida a las actividades paralelas.
Dentro de estas actividades cabe des-
tacar tres exposiciones que se podrán ver
del 17 de octubre al 15 de noviembre. La
titulada ‘La minuciosidad del teatro de lo
oculto’ recoge más de 400 sellos y posta-
les de 95 países de los cinco continentes
que reproducen imágenes de máscaras y
marionetas, de las singularidades cultura-
les de cada país.
Por otro lado, ‘Titereando: marionetas del
mundo’ contempla 12 paneles donde se re-
coge la historia de los títeres por continentes,
y por último se podrá disfrutar del ‘Homenaje
exposición a Alberto Urdiales’ director en los
años 80 del Teatro de la A y realizador del
personaje del festival, ‘Txirlora’.
Puestas en escena
Ligado al carácter internacional del
festival la programación incluye actua-
ciones de compañías venidas de distintos
países como Brasil, Perú y diversos pun-
tos del Estado español. Los burgaleses
Alauda Teatro se encargarán de la ac-
tuación de la jornada inaugural el 18 de
octubre con Macbeth, ya somos el olvido
que seremos en Pabellón 6. La propues-
ta creativa parte de una premisa implícita
en el texto; el misterio de lo que es “ser
hombre” donde Alauda hace uso de una
gran variedad de técnicas: marionetas
de hilos, bunraku, miniaturas, fantoches,
títere de guante y máscaras, todo ello
presidido por la máquina de la guerra
y el poder, un artilugio - instalación con
elementos móviles.
En este mismo espacio se podrá dis-
frutar de varias piezas más entre el 20 al
23 de octubre. Teatro La Tartana esceni-
ficará Don Juan en la sombra de la noche
una versión contemporánea del texto de
Zorrilla en una función especial dedica-
do a público adolescente. Teatro Arbolé
por su parte mostrará la pieza Tragedias
de amor y cuernos, una propuesta que
recoge dos textos inmortales en la tra-
dición titiritera de Don Ramón del Valle
Inclán ‘Los cuernos de Don Friolera’ y
de Federico García Lorca ‘El retablillo de
Don Cristobal’. El autor y titiritero Antton
Bastero de la Compañía Toni La Sal re-
presentará la versión en euskera de Al-
fonsina y el mar de las golondrinas donde
traza una visión intimista sobre el poema
‘Golondrinas’ de la poeta Alfonsina Storni
y los peruanos Proyecto mariposa darán
XXV Festival Internacional de Títeres de Bilbao
Revivir los comienzos
a través del encuentro
Espectáculos para todos los públicos y tres exposiciones
vertebran una nueva edición del veterano festival
El niño que soñaba de La Mar de Marionetas

16septiembre
octubre
39
16septiembre
octubre
a conocer Lucía del espejo testimo-
nios de una piel en el que se trata
temática de género.
En la Sala El Carmen de Indautxu se
llevarán a cabo el resto de propues-
tas en horario escolar por la mañana
y abierto por las tardes desde el 19 al
25 de octubre. Desde Brasil Trapus-
teros Teatro escenificará Los cuentos
de Otro donde nos presentan al niño
Pancho que ama leer y vive con su
madre, asimismo los colombianos Ar-
lequín y los juglares llevarán a escena
El cedro y la efímera obra que mues-
tra la serie de relaciones juguetonas,
alegres, nostálgicas, divertidas y
asombrosas que se establecen entre
la vida efímera del insecto y la vida
milenaria del cedro.
Por su parte la compañía de
Baiona Azika Txotxongiloak viene a
presentar Barne iluna en el que su
protagonista anda detrás de un viejo
sueño y camino se va encontrando
con diversos personajes como el
músico Kokin el cabezota, el conejo
de un admirador, un osito y un mago.
Tampoco faltarán a su cita el actor
y juglar titiritero cubano Adalett que
en esta ocasión representará una
versión contemporánea de la La
cucarachita Martina o los peruanos
Tárbol Teatro de Títeres que esce-
nificarán Juancha y Mariacha donde
dan vida a una pareja de campesinos
andinos que viven cultivando sus
tierras sembrando y cosechando.
Cierto día la tranquilidad de la pa-
reja se ve perturbada y su relación
vivirá un cambio radical. La compa-
ñía madrileña La Mar de Marionetas
dará por terminadas las actuaciones
previstas para el público familiar con
El niño que soñaba interpretada en
euskera. Esta pieza es el fruto de
un proyecto de cooperación cultural
con artistas y entidades de Guinea
Bissau. En ella se cuenta la historia
de Moni, un niño que vive en Guinea-
Bissau y sueña con ser músico. Esta
escenificación de mitos y leyendas
africanos pone de relieve la impor-
tancia de la amistad, la diversidad, la
generosidad y la empatía con música
en directo de Simao Félix D’Acunha y
Toni Dalmau.Tragedias de amor y cuernos de Teatro Arbolé

40
16 septiembre
octubre
L
a trigésima octava edi-
ción de l Festival Inter-
nacional de Teatro de
Manizales, se celebrará
del 2 al 11 de septiembre y ten-
drá como foco principal diver-
sas obras como Labio de Liebre
de Teatro Petra y Los Malditos
una coproducción de Galicia,
Canarias, Colombia, Uruguay,
Aquitania y País Vasco dirigida
por Mario Vega.
Este año habrá dos ejes te-
máticos. El primero, transversal
a la muestra artística y a los
eventos académicos, como el
Congreso Mundial de Teatro
Universitario en el que partici-
parán instituciones de Corea, Li-
tuania, México, Estados Unidos
y Colombia, pretende aportar a
la construcción de escenarios
para el postacuerdo en el mar-
co de los diálogos de paz que
vive el territorio colombiano.
El segundo eje corresponde
a la celebración de la obra de
Miguel de Cervantes Saavedra y de William
Shakespeare, en la conmemoración de los
400 años de muerte de los dramaturgos.
A partir del teatro y las artes escénicas,
ambas temáticas se ven reflejadas en una
programación que proyecta sus vestigios
literarios a través de producciones como El
Quijote de Bambalina Teatro y La Vengan-
za de Ricardo de Viajeinmóvil.
La historia de Colombia, también, forma
parte de la estructura artística y cultural
del Festival de la mano de Teatro La Can-
delaria con su obra Camilo, que alberga la
historia de una de los personajes emble-
máticos que definió la religión y la política,
y Casa Grande de Teatro Matacandelas,
que nos presenta una adaptación escéni-
ca de la novela de Álvaro Cepeda Zamudio,
con la finalidad de traer a la memoria actual
los sucesos que dieron lugar a uno de los
acontecimientos más dolorosos de la histo-
ria de Colombia en el siglo XX.
Frente a la temática que se abordará en
el marco del evento en el 2016, Octavio
Arbeláez Tobón, Director del Festival Inter-
nacional de Teatro de Manizales asegura
que, “en esta edición del Festi-
val, veremos espectáculos que
se construyen desde la historia
de nuestro país y del mundo,
sus víctimas, sus carceleros, sus
memorias y olvidos que se re-
viven para darle una mirada al
conflicto desde otros ámbitos y
otras voces, además de reflexio-
nar acerca del futuro y cómo nos
encaminaremos hacia la paz”.
MIRADA
La cuarta edición de MIRADA
Festival iberoamericano de ar-
tes escénicas se celebrará en
Santos del 8 al 18 de setiembre
y ofrecerá 43 espectáculos de
10 países iberomericanos, sien-
do España el país homenajeado
presentará ocho montajes entre
los que destacan Figura 1- Es-
pectáculo 4, con la dirección
de Rodrigo García, del colectivo
español La Carnicería Teatro,
que abrirá el evento y el último
trabajo de Angélica Liddell, ¿Qué Haré yo
con esta Espada?.
Desde Barcelona, los directores Roger
Bernat y Yan Duyvendak llevan al príncipe
shakesperiano al banco de los imputados
en Please Continue, Hamlet. En l Fugit, la
Compañía Kamchàtka, de Cataluña pro-
pone un recorrido itinerante. Agrupación
Señor Serrano presentará dos obras:
Birdie, que discute el fenómeno de la mira-
da, y Brickman Brando Bubble Boom, una
reflexión a partir de la especulación inmo-
biliaria en el país. Andante de Markeliñe y
Festivales Iberoamericanos
Muestrario de excelencia del
teatro iberoamericano actual
Manizales, Santos, Guanajuato y Quito concurren con excelentes
festivales donde tomar el pulso al teatro iberoamericano actual
Labio de Liebre de Teatro Petra
Dínamo de Timbre 4 ©Sebastian Arpesella

16septiembre
octubre
41
16septiembre
octubre
Libertino, de Marcos Vargas Chloé Brûlé,
completan la oferta.
Portugal participa con tres trabajos y
el colectivo Kiknteatr ofrece Trilogía Bo-
liviana del director y dramaturgo Diego
Aramburo, Ecuador (Barrio Caleidoscopio,
del Teatro de la Vuelta) y Perú (Cruzar la
Calle, de Daniel Amaru Silva). De Cuba,
Antigonón, un Contingente Épico, una pro-
funda reflexión sobre el país y su gente
en la perspectiva del Teatro El Público. De
Chile, Teatrocinema, de Santiago, con La
Contadora de Películas, desde Montevi-
deo, Complot, ofrecerá La Ira de Narciso,
texto y dirección de Sergio Blanco, y desde
Buenos Aires, Timbre 4, presenta Dínamo.
Desde México llega Psico/Embutidos, Car-
nicería Escénica, de la Compañía Titular
de Teatro de la Universidad Veracruzana.
y Cuando todos Pensaban que habíamos
Desaparecido - Gastronomiaescénica, de
Vaca 35 Teatro en Grupo.
La selección de los 15 espectáculos brasi-
leños involucra ocho unidades federativas e
incluye dos de las más esperadas obras de
este semestre: Leite Derramado, adaptación
escénica del romance homónimo de Chico
Buarque, y A Comédia Latino-Americana,
segunda parte del díptico idealizado y guio-
nado por Felipe Hirsch junto con el colectivo
Ultralíricos (SP - RJ), así como también A
Tragédia Latino-Americana, el nuevo trabajo
estructurado por algunos trechos de obras
de la literatura de la región.
cervantino
El XLIV Festival Internacional Cervantino
en recuerdo y homenaje al creador de ‘El
Quijote’ se desarrollarán del 2 al 23 de
octubre en Guanajuato (México). Concier-
tos, obras de teatro, óperas, funciones
de danza, conferencias, actividades para
niños, exposiciones y presentaciones de
libros, son algunas de las actividades que
se enmarcan dentro del programa ‘Cer-
vantes 400. De la locura al idealismo’ y
con más de mil actividades durante 21
días, es el festival más grande de todo el
continente americano.
Participarán artistas de 12 países con
más de 20 obras de música y teatro. Des-
tacan las actuaciones de la Orquesta Na-
cional de España o La Grande Chapelle,
que ofrecerá Requiem para Cervantes de
Mateo Romero, bajo la dirección de Albert
Recasens.
En danza se presenta la oportunidad
única de apreciar tres versiones diferen-
tes del clásico Don Quijote, con música
de Ludwig Minkus a cargo de la Compañía
Nacional de Danza de España, el presti-
gioso Dutch National Ballet y el Ballet de
Jalisco.
Destacan las óperas inspiradas en la
obra del autor de las Novelas Ejemplares,
que serán interpretadas por destacadas
agrupaciones como el Dunedin Consort
(Gran Bretaña), Le Concert Spirituel
(Francia), Teatro Comunale di Bologna
(Italia), la Ópera de Cámara del Teatro
Colón (Argentina) y Les Nouveaux Carac-
tères (Francia).
Con el objeto de fomentar la creación,
el FIC encargó a ocho compañías mexica-
nas la producción de ocho comedias de
Cervantes. Teatro gestual, físico, clown,
cabaret, farsa y títeres son algunas de
las técnicas que usarán los directores que
forman parte del proyecto Cervantes Off,
que también incluye la representación de
cuatro Entremeses.
El proyecto de llevar a escena la obra
dramática completa de Cervantes se com-
pletará con dos selecciones de Entreme-
ses cervantinos, una ya tradicional, a car-
go del Grupo de Teatro de la Universidad
de Guanajuato, y otra representada por la
compañía española Teatro de La Abadía.
La Compañía Nacional de Teatro presenta-
rá Numancia y se estrenarán dos montajes
teatrales que fueron también comisiona-
dos por el Festival.
Quito
Del 21 al 30 de octubre, Quito vivirá la
segunda Fiesta Escénica en Quito–FIEQ,
con once obras nacionales e internacio-
nales entre las que destacan Amarillo de
Teatro Línea de Sombra (México); No daré
hijos, daré versos de Teatro La Morena
(Uruguay); una delirante versión de Edipo
a cargo de la Companhia do Chapitô (Por-
tugal); Ifigenia Peep Show de The Winged
Cranes (España); Mañana es Mañana de
Cridacompany (Francia); Intérpretis por
la Humanum Company (Ecuador / Francia);
Tazas rosas de té del Colectivo Mitómana
(Ecuador), obra ganadora de convocatoria
a Dramaturgia Inédita 2016; Hamlet, un
viaje de ida y vuelta por Antrópolis Colecti-
vo Teatral (Ecuador) y División de gozo de
Xona Bastarda (Ecuador), obras ganadoras
de la convocatoria de Grupos Nacionales
2016; Un dolor infinito de la Compañía El
Tiatro/ Montse Serra (Ecuador), ganadora
del Pitch 2015; Ñucanchik antisuyu riman
de la Compañía La Mestiza (Ecuador), ga-
nadora del Showcase 2015.

42
16 septiembre
octubre
L
a Fira Mediterrània de Manre-
sa llega a su 19ª edición con una
programación que reúne a más de
100 compañías y alrededor de 300
actividades. Del 6 al 9 de octubre, se
podrá disfrutar de 38 estrenos y 12
coproducciones. La creación colectiva
será el leitmotiv de esta edición en la
que comunidades, público, entidades,
artistas y profesionales formarán par-
te de procesos creativos basados en
metodologías colaborativas y promo-
vidas por la propia Fira.
La propuesta que mejor recoge este
espíritu es el nuevo proyecto singular
de la Fira, Cadàver Exquisit, que com-
bina videomapping, creación colectiva
y danza comunitaria. En él participan
de forma colaborativa David Carabén
(líder de Mishima), la actriz Mercè
Sampietro, el colectivo de creación sonora
Cabo San Roque y el artista Toni Mira. Ade-
más, inaugurarán la Fira otros dos estre-
nos: los noruegos Frikar Dance Company,
especialistas en el diálogo entre la danza
contemporánea y la cultura tradicional, bai-
larán sobre la fachada del ayuntamiento a
30 metros de altura con la música en direc-
to del trompetista franco-catalán Raynald
Colom en Vertical dance; y Mar de Fuelles,
un proyecto que une a los acordeonistas
Kepa Junkera (a la trikitixa de Euskadi) y
Chango Spasiuk (tocando el chamamé del
norte de Argentina). Los tres espectáculos,
que han sido coproducidos por la Fira Me-
diterrània, forman un programa inaugural
triple que potencia la tradición, innovación
y participación.
Otra de las apuestas importantes de este
año será la danza. Además de Leahkit de
Frikar Dance Company, se podrá disfrutar
de Tata Mala (Fira Mediterrània y Festi-
val Grec) y Esvorell (Laboratorio de crea-
ción de la Fira Mediterrània 2015). Tam-
bién en el ámbito dancístico, la Fira se hace
eco del trabajo de una nueva generación
de creadores que están llevando la danza
flamenca al espacio público, con la partici-
pación de Leonor Leal y Daniel Doña.
Los nuevos formatos escénicos tendrán
también su protagonismo. Es el caso de
Pluja, con el actor Guillem Albà y la pia-
nista y compositora Clara Peya, que ten-
drá lugar en una antigua central eléctrica.
También estará en Manresa la ópera me-
cánica para marionetas automatizadas, El
Somni de Gulliver, que estrenará formato
de calle. O La Corde et On de los france-
ses Hydragon y la nueva creación de Toni
Gomila, Peccatum, basada en cuentos po-
pulares mallorquines.
MÚSICA
En el apartado musical,Manresa estrena-
rá propuestas impulsadas por la Fira y en-
marcadas en la creación musical vinculada
a la raíz tradicional. En cuanto a la escena
musical catalana, se presentarán las pro-
puestas de Mayte Martín, Sanjosex Carles
Belda, Chicuelo Mezquida, Aspencat y
Coetus con Carles Dénia. En lo relativo al
panorama estatal e internacional, se inclu-
ye una selección de bandas que combina
artistas de referencia contrastada, nuevas
tendencias y valores emergentes. Destacan
el concierto de Rozalén, la banda balcánica
Fanfare Ciocarlia, el congoleño Baloji, el
joven prodigio libanés Bachar Mar-Khalifé,
el dúo belga de violonchelo y acordeón Be-
lem, los argelinos Djmawi Africa, Ma-
zagan desde Marruecos, Kalàscima
de Italia, los castellanos Fetén Fetén,
los gallegos Uxía y Narf, el grupo de
folk de vanguardia bretón Spontus y
el graller catalán Manu Sabaté, copro-
ducción de la Fira.
Por otra parte, la Fira explora-
rá las potencialidades de la cultura
popular y tradicional como elemento
participativo, de trabajo comunitario
y también de arraigo al territorio.
Estará también presente la conexión
entre las artes y la transformación
social, con piezas como el proyecto
Dance Generation de los valencianos
Taiat Dansa, la propuesta de danza de los
vasco-catalanes Colectivo el Brote, o el
proyecto de gran formato Orquestra Inte-
grada, espectáculo para orquesta sinfóni-
ca, con más de 70 personas, incluyendo
músicos profesionales, estudiantes y per-
sonas con diversidad funcional.
En cuanto a la programación paralela,
cinco ciclos formarán este año parte del
OFF. Los ya habituales Circuit Estepa Me-
diterrània, Concurso Sons y Humus Medite-
rrani; a los que se les suman la Xarxa Alco-
ver y la Federación de Grupos Amateurs de
Teatro de la Catalunya Central.
Clausurará el programa de la 19ª Fira
una pieza del patrimonio musical catalán,
Tempesta esvaïda. Se trata de una comedia
lírica en tres actos de Joaquim Serra con
texto de Carme Montoriol. Contará con la
Orquesta Camera Musicae, el coro Lieder
Cámara y voces solistas destacadas, como
Helena Copons, Anna Alàs y Toni Marsol,
entre otros. La actividad profesional, por
su parte, se reestructura en cuatro ejes:
conocimiento, nuevos proyectos escénicos,
internacionalización e innovación.
XIX Fira Mediterrània de Manresa
La creación colectiva como
leitmotiv en Manresa
Frikar Dance Company ©Cathrine Dokken

44
16 septiembre
octubre
E
l Festival de las Artes Enclave de
Calle prevé en su 17ª edición una
programación muy variada donde
reinarán las propuestas de circo-
teatro y teatro de feria. Del 16 al 18 de
septiembre, más de una quincena de
compañías de diversas procedencias ac-
tuarán en Burgos, centralizando la oferta
en el entorno del Paseo del Espolón y la
Plaza Mayor.
No podrán faltar los artilugios que ya se
han hecho tan familiares en el festival, inge-
nios que destacan por su extravagancia y
la curiosidad que generan en el público. En
la presente edición, la compañía Antigua y
Barbuda se encargará en gran medida de
que el teatro de feria siga siendo uno de los
ejes de esta cita con Arquitectura de feria y
la instalación de las Tumbonas. La primera
estará ubicada en la conocida como Plaza
de los ingenios (Plaza de la Libertad), don-
de también se podrá disfrutar de la noria
Tingalya, el carrusel de caballitos, el árbol
de hierro o la caseta de tiro. Esta propuesta
está concebida como un fenómeno de emo-
ciones. Y la segunda, ubicada en el Paseo
de Marceliano Santa María, será el lugar
donde el público encontrará el remanso de
paz gracias a sus hamacas, tras mover las
atracciones de la Plaza de los ingenios, y
donde un narrador contará historias.
También se enmarcan dentro de teatro
de feria tres propuestas de tres compa-
ñías francesas. Collectif la Mèandre y su
Avión de papel tiene lugar dentro de una
pequeña caravana que contiene un espec-
táculo a medio camino entre una función
de cine y un concierto. Escargópolis de
Cie. 2 Rien Mercí es una instalación-espec-
táculo donde el tiempo discurre despacio
y los protagonistas indiscutibles son unos
caracoles. Por último, Chimerarium de Cie
Six Faux Nez también se desarrolla en el
interior de una caravana, donde el público
está invitado a disfrutar de un viaje extra-
ño y extravagante.
En el espacio del Parral estará la com-
pañía francesa Bazar Forain con Delirium
saga circus. Cabe destacar también la
exposición circense-teatral Cor roC de la
compañía catalana Escarlata Circus, que
se podrá ver el Monasterio de San Juan.
Se trata de una experiencia concebida
como una visita guiada a una colección
de piedras con forma de corazón que co-
bran vida, explican historias y son el eje,
como dicen sus creadores, de un ejercicio
“geocardioteatralcircense”. Asimismo, en
la iglesia del citado emplazamiento ten-
drá lugar la propuesta especial dirigida
a bebés: Bu, de la burgalesa Margarito
y Cía.
En la Plaza Mayor actuará Gaudini Ju-
ggling, destacados malabaristas que re-
gresan al festival con su nuevo montaje, 8
songs, compuesto por una serie de viñetas
coreografiadas en lenguaje malabar sobre
8 clásicos del rock roll. Circ Bover, por
su parte, representará Vincles, una produc-
ción especial creada para la celebración de
su 10º aniversario, cuya escenografía está
construida en gran medida con cañas de
bambú, con el objetivo de transmitir la ele-
gancia y la técnica de las artes circenses.
Compañías veteranas como Trapu Za-
harra o Leandre no faltarán a su cita en
Burgos. Los primeros mostrarán su último
trabajo de carácter itinerante impregnado
de su humor característico, A cal y canto,
protagonizado por un matrimonio al borde
de los 60 que malvive con su hijo Koldo de
31 años, que no ha trabajado jamás. En el
mismo paseo a la altura de Cuatro Reyes,
el artista catalán presentará Iceberg, una
oda a la felicidad, al optimismo y a la be-
lleza. La compañía burgalesa Tiritirantes
también actuará en este emplazamiento
con una propuesta de carácter itinerante,
Ulterior. El viaje, un viaje al futuro de la
mano del científico loco Copérnico. En un
viaje también se centra el espectáculo de
Farrés Brothers, Tripula, que estará en el
Teatro Principal. Inspirado en el universo
visual y el imaginario fantástico de Verne,
en las aventuras del explorador Roald
Amundsen y sobre todo, en la película Life
Aquatic, propone al espectador convertir-
se en un explorador más viajando nada
menos que en un globo aerostático.
En cuanto a la danza, la compañía
francesa Les Mobilettes escenificará Café
frappé, una pieza que retrocede al año
1959, donde sus dos protagonistas se
encuentran al azar en la terraza de un
café donde se dejan seducir por el sonido
de una radio.
XVII Festival Enclave de Calle
Circo, feria, teatro y danza,
apuestas seguras en Burgos
Delirium saga circus de Bazar Forain
A cal y canto de Trapu Zaharra

46
16 septiembre
octubre
D
el 20 al 23 de octubre en Berga-
ra tendrá lugar la Muestra Inter-
nacional de Títeres para adultos
que en esta ocasión celebra su
XIII edición. La programación incluye tanto
propuestas de sala como de calle que se
llevarán a cabo en el Zabalotegi Aretoa, en
el Gaztetxe y en la Plaza San Martín; ade-
más se ha previsto un curso de Stop Motion
y la proyección de una selección de cortos
de animación de creadores vascos.
La programación comenzará el 20 de
octubre con la propuesta itinerante de calle
de Deabru Beltzak, que este año está ce-
lebrando su 20 aniversario, Su à feu, donde
no faltará la percusión y el fuego, cerrando
así la trilogía del fuego iniciada con ‘Les
tambours de feu’ y ‘Bande deplacée’
El 21 será el turno de otra veterana
compañía, hablamos de los franceses Vol-
pinex que actuarán en Zabalotegi con su
propuesta cómica Bang en la que mezclan
teatro de objetos y cine. La propuesta
traslada al público al lejano Oeste, repre-
sentando todos sus elementos: cow-boys,
pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y
balas bajo un fondo de montañas rocosas.
La jornada del viernes se concluirá con la
citada proyección de cortos de animación
en el Gaztetxe.
La jornada del 22 concentrará el mayor
número de actuaciones. Por la mañana ten-
drá lugar el curso de Stop Motion y hacia
el mediodía en la Plaza San Martín se ce-
lebrará la primera de las actuaciones de la
compañía burgalesa Cal y Canto Teatro.
Lost dog… Pero perdido es un montaje
con materiales reciclados que abundan en
cualquier suburbio. Un espectáculo de títe-
res y objetos en el que los pies y zapatos
de los actores operan como los sugeren-
tes conductores del espectáculo. En este
mismo emplazamiento pero a partir de las
22:30, la compañía La Industrial Teatrera
escenificará Náufragos un montaje en clave
de clown de dos náufragos que llegan, que
se encuentran, que juegan, que buscan…
que comparten… con otros náufragos.
También el sábado pero en Zabalotegi ten-
drá lugar Fauno de la compañía In-Pulso en
que a través de la manipulación de una ma-
rioneta y la danza el espectador viajará ha-
cia la belleza, la mostruosidad, el amor, el
odio, el apego y desapego, la necesidad de
amar y ser amado. En la jornada de clausu-
ra, el día 23, Cal y Canto volverá a ofrecer
‘Lost dog… perro perdido’ y El patio Tea-
tro presentará A mano, una historia conta-
da con barro, con un pequeño personaje
con un enorme deseo de escapar.
XIII Muestra Internacional de Títeres para adultos - Bergara
Compañías veteranas para
el público de Bergara
Fauno de In-Pulso

48
16 septiembre
octubre
D
oce propuestas de Italia, Colombia,
México y el Estado español partici-
pan en la novena edición de MITIN
– Muestra Internacional de Teatro
de Investigación, que homenajea al italiano
Teatro Potlach cofundado por Daniela Reg-
noli y Pino di Buduo, uno de los referentes
del Tercer Teatro que pusiera en marcha
Eugenio Barba. Las representaciones ten-
drán lugar en el sevillano Centro TNT del 21
de octubre al 1 de noviembre.
La actual edición de MITIN presenta una
programaciónmarcadaporelprotagonismo
de la mujer: la mayoría de los espectáculos
están creados y protagonizados por ellas.
Las dos compañías llegadas de Latino-
américa ofrecerán montajes interpretados
al completo por mujeres. Suponen sendas
visiones poéticas y de denuncia, desde el
punto de vista de la mujer, de la realidad
de México y Colombia. Del manantial del co-
razón de Teatro de la Memoria habla del
ritual del parto y el nacimiento en la ances-
tral cultura Maya. Un teatro antropológico
con una fuerte carga emocional dedicado a
todas las mujeres mexicanas que han per-
dido a sus hijos y no han podido despedirse
de ellos. Antígonas, tribunal de mujeres de
Tramaluna Teatro es una adaptación del
mito clásico creada con mujeres víctimas de
cuatro diferentes casos de violación de los
derechos humanos en Colombia.
En cuanto al homenajeado Teatro Potlach,
llevará a cabo dos de sus creaciones. I primi
cento anni di Edith Piaf (Los primeros cien
años de Edith Piaf) es un viaje musical por
de la Francia del período entre los años 30 y
50, a través de las canciones de Edith Piaf. Y
Uragani (Huracanes) supone un viaje a través
delasdebilidades humanas,enla Alemania de
los años 30, a partir de las canciones de Ber-
tolt Brecht y Kurt Weill interpretadas, como
actriz y cantante, por Daniela Regnoli.
Por primera vez se podrá ver en TNT una
pieza de Angélica Liddell, principal referente
de la vanguardia teatral en el Estado espa-
ñol. Escrito y dirigido por ella, Mi relación con
la comida (Premio del Público al mejor es-
pectáculo de Teatro en la Feria Internacional
de Teatro y Danza de Huesca 2015), está
interpretado por Esperanza Pedreño. El Tea-
tro Laboratorio de Barcelona, creado y diri-
gido por Jessica Walker, llegará a MITIN con
dos montajes: Altazor, un homenaje al poeta
chileno Vicente Huidobro que el pasado año
ganó todos los premios del VII CENIT - Cer-
tamen de Nuevos Investigadores Teatrales; y
Hamletología, inspirado en la humanidad de
Hamlet como punto de partida para entrar
en la propia, y que supone otro homenaje a
Shakespeare y una “vuelta de tuerca” en la
investigación del grupo.
Dentro de la apuesta de MITIN por el
teatro de inclusión social, por segunda vez
se programa al Grupo de Personas Dis-
capacitadas de la Escuela Municipal de
Teatro Ricardo Iniesta de Úbeda, que
llega con un nuevo montaje: El gato man-
chado y la gaviota sin nombre. Se trata de
una metáfora sobre las barreras y el res-
peto a lo diferente, basado en el cuento del
mismo nombre de Luis Sepúlveda. Además,
las mujeres ágrafas de etnia gitana de El
Vacie regresan a TNT con su último espec-
táculo, Fuente Ovejuna de Lope de Vega,
dirigido nuevamente por Pepa Gamboa.
Fue precisamente en MITIN donde se estre-
nó ‘La casa de Bernarda Alba’ hace 7 años,
recorriendo a continuación todo el Estado.
Así, las 8 mujeres de El Vacie se convirtie-
ron en referente del teatro social, ganando
una decena de galardones, incluyendo al-
guno de ámbito europeo. La Comisión de
Justicia Europea las puso como ejemplo de
buenas prácticas en la inclusión social. Por
su parte, Atalaya representa en Sevilla va-
rios años después uno de sus espectáculos
más galardonados, Ricardo III, con el que
MITIN rinde homenaje a Shakespeare en el
IV centenario de su muerte.
La programación se completa con dos
eventos de teatro comunitario: Tiempo del
Vacie, jornada abierta para los habitantes
del asentamiento chabolista; y un espectá-
culo a determinar procedente del Distrito
Norte, en el que se ubica el Centro TNT.
IX MITIN - Muestra Internacional de Teatro de Investigación
Las mujeres
protagonizan la
programación de
MITIN
Mi relación con la comida de Angélica Liddell

50
16 septiembre
octubre
L
a séptima edición de la Olim-
piada Internacional de Teatro
tendrá lugar del 14 de octubre
al 13 de noviembre en Wroclaw
(Polonia), organizada por el Instituto
Grotowski en colaboración con la Ca-
pitalidad Europea de la Cultura 2016.
La cita congregará alrededor de una
docena de los directores más aclama-
dos del mundo.
Serán Tadashi Suzuki y su Suzuky
Company of Toga (Japón) los encar-
gados de dar el pistoletazo de salida
a las representaciones de este gran
evento teatral con The Trojan Women.
Valery Fokin y el Alexandrinsky Theatre
llegarán de Rusia a Wroclaw con Masque-
rade: Recollections of the Future. También
desde allí, Heiner Goebbels y Electrothea-
tre Stanislavsky realizarán funciones de
la obra Max Black, or 62 Different Ways of
Supporting the Head with an Elbow and a
Hand. Eugenio Barba y el Odin Teatret (Di-
namarca) estarán presentes con The Tree.
Desde Italia, Romeo Castellucci y Socìetas
Raffaello Sanzio llevarán a escena Go
down, Moses; y Pippo Delbono y su Com-
pagnia Pippo Delbono harán lo propio
con Vangelo. Los estadounidenses Robert
Wilson y Change Performing Arts esce-
nificarán Krapp’s Last Tape. Desde Bélgi-
ca, Jan Fabre y su Troubleyn/Jan Fabre
interpretarán Attends, attends, attends…
(pour mon père). El griego Theodo-
ros Terzopoulos y su Attis Theatre
participarán con Prometheus Bound
y Amor. El director inglés Peter Bro-
ok y Théâtre des Bouffes du Nord
(Francia) representarán Battlefield. Y
del país anfitrión son Jaroslaw Fret y el
Teatr ZAR, que representarán Medee.
On Getting Across y Armine, Sister;
y Eimuntas Nekrošius y el National
Theatre in Warsaw, que llevarán a
cabo Forefathers’ Eve.
Además de la programación prin-
cipal, que reunirá a producciones
del mejor teatro mundial, diferentes
secciones de las olimpiadas dedicarán su
espacio al teatro polaco; al teatro joven e
independiente del centro y este de Euro-
pa; a montajes realizados por artistas con
discapacidad; a seminarios y conferencias,
al programa educativo (workshops y semi-
narios por y para intérpretes, directores y
críticos); y al programa creado por el Insti-
tuto Grotowski.
VII Olimpiadas Teatrales
Wroclaw reúne a grandes
maestros del teatro mundial
The Tree de Odin Teatret ©Rina Skeel

52
16 septiembre
octubre
El Festival TNT se celebra-
rá del 29 de septiembre al
2 de octubre. La programa-
ción se inaugurará con el úl-
timo trabajo del bonaerense
Rodrigo García: 4. Además,
se podrán ver otras dos
propuestas internacionales.
Veracruz nos estamos
deforestando del colectivo
mexicano Lagartijas tiradas al Sol es una conferen-
cia, una charla, una intervención; es ver de cerca el
problema de un estado de la República Mexicana que
lleva más de 12 años siendo gobernado por una alianza
entre narcotraficantes y políticos: el PRI (Partido Revo-
lucionario Institucional). Y L’Effet de Serge de Philippe
Quesne, retrata con ironía varios aspectos de la vacui-
dad de la vida contemporánea y la repetitividad de los
días sin sustancia. La programación, con una treintena
de espectáculos en total, incluye también 13 coproduc-
ciones con algunas de las compañías más interesantes
de la creación contemporánea del país. Como novedad,
contarán con la sección TNT Kids, que mostrará, entre
otros, Heliceo. Concierto para seis ventiladores y
un piloto solo de La máquina de hacer pájaros.
El Festival de Otoño de Ca-
taluña llega a la 25ª edición
con una programación for-
mada por más de 100 pro-
puestas de teatro, música,
danza, circo, cine, espectá-
culos familiares y creación
contemporánea. El festival
comenzará el 30 de sep-
tiembre con el estreno de
In memoriam. La quinta del biberó de Lluís Pasqual.
Acogerá algunos de los grandes nombres de la escena
internacional y una treintena de estrenos absolutos.
Se podrán ver, entre otros, Arte, con Pere Arquillué,
Francesc Orella y Lluís Villanueva; Un obús al cor, di-
rigida por Oriol Broggi y Ferran Utzet; o Dybbuk de la
Cía Sixto Paz y la Sala Beckett. Peter Brook, Oska-
ras Kursonovas, Guy Cassiers, Alain Platel o Milo Rau
visitarán también Girona-Salt. Además, habrá ciclos
dedicados al teatro de Latinoamérica y de Flandes. El
espectáculo Cirkopolis de los canadienses Eloize o el
mimo escocés Johnny Melville son otras de las propues-
tas, junto con la programación de música y secciones
propias dedicadas al cine o al teatro familiar. Tempora-
da Alta se prolongará hasta el 4 de diciembre.
Temporada Alta
Dantza Hirian
Terrassa Noves Tendències
La Casa Encendida (Ma-
drid)celebra la IV edición
del festival internacional de
artes escénicas, con pro-
puestas realizadas en torno
a/o por colectivos en ries-
go de exclusión social. Del
9 al 25 de septiembre, se
podrá disfrutar de artistas
procedentes de diferentes
lugares del Estado, Austria y Portugal, que presenta-
rán piezas de teatro, danza, música, cine o perfor-
mance. Este año se incorpora una propuesta dirigida
a personas con discapacidad intelectual severa: Bailar
el agua. Desde Madeira llega Bichos de Dançando
com a Diferença. Desde Austria, Cie. Laroque He-
lene Weinzierl representará DEMOC RAZY: how to
peel an onion without crying. También se podrá ver
los estrenos Piano and Dancer, de Muriel Romero y
Pablo Palacio (Instituto Stocos), y el último trabajo
de la compañía Palmyra Teatro: Lucrecia Judith.
A lo largo del festival, el barrio de Lavapiés será testi-
go de un taller intergeneracional sobre la memoria, la
situación actual y las posibilidades futuras del barrio,
reconstruidas a partir la historia íntima de sus habitan-
tes. El taller, coordinado por Mirage Teatro culminará
con el espectáculo Retablo de Lavapiés.
Esta cita con la danza con-
temporánea llega del 17 al
25 de septiembre a su 11ª
edición, que recorrerá 8 lo-
calidades vascas de la Euro-
ciudad Bayonne-San Sebas-
tián. Su programación está
formada por 12 compañías
que ocuparán 17 espacios
públicos, entre las que se
encuentran la reconocida Compañía Mudances de
Angels Margarit, que presentará Capricis Sites. Con
la red Acieloabierto se presentará Bolero de Jesús
Rubio, No Half Measures de Taiat Dansa, Race to
Grace de Alma Libre.Co y Charon de Julia Maria
Koch. En el marco de Aterpean se estrenarán las pìe-
zas Esku Harriak – Oteizaren (h)aria de MugMus
Laborategia y Ocho Deportes Vascos de Helena Li-
zari. Además, en el programa Ibili estarán Natxo Mon-
tero con un extracto de Barbecho, Haatik con 70+1
y Amaia Elizaran con Raw. También participará la jo-
ven bailaora Ana Florido con Porvenir. Completarán la
programación las sesiones escolares, las master class
y BergiraDan, un concurso de fotografía. Como nove-
dad este año, Gorka Bravo, fotógrafo oficial del festival
desde hace más de ocho años, impartirá un taller de
danza y fotografía.
ÍDEM - La Casa Encendida

54
16 septiembre
octubre
I
niciaba en el número anterior
de esta revista este artículo
que ahora termino. Mi pro-
pósito es defender al teatro
amateur de una serie de tópicos,
que esgrimen los que, de una ma-
nera u otra, descalifican al teatro
amateur, y que yo resumía en una
frase: Los amateur son grupos de
amigos, desorganizados, que van
a lo suyo, que adolecen de pre-
paración y de calidad, que hacen
competencia desleal, fomentan la
economía sumergida, practican el
intrusismo, actúan en sitios que
no reúnen las mínimas condicio-
nes y por cuatro “duros”. En los
próximos párrafos sigo en mi em-
peño de aportar esos elementos
de reflexión que ayuden a sacar
conclusiones, sobre cada uno de
los argumentos más usados por
los “menos amigos” del teatro
amateur. Así que…cumplamos lo
prometido.
Los amateur son
grupos… / …que
hacen competencia
desleal…
También se dice que el teatro
amateur hace competencia des-
leal. Pero por mucho que lo inten-
te no consigo ver esas prácticas
contrarias a los usos honestos en materia
de artes escénicas. Es cierto que el teatro
amateur compite porque pugna por la con-
quista de un mercado. Pero lo hacen desde
el respeto al marco legal y el ordenamiento
jurídico que regula esa lucha concurrencial.
El verdadero amateur no es desleal porque
no necesita inducir al público a la confusión,
no se aprovecha del mérito ajeno, no imita,
no engaña, ni denigra para lograr mayores
beneficios materiales. No viola normas o
secretos, ni infringe o quebranta acuerdos
o contratos. Su actividad no entiende de
coerción y fraude.
Por otro lado, solo podríamos calificar al
teatro amateur de desleal cuando aquellos
con los que se relaciona entienden como
lealtad esa gratitud y amor servil que si
muestran algunos animales hacia sus
amos, hacia los que cohabitan con ellos
en el mismo espacio y se ocupan de satis-
facer sus necesidades. Pero en el terreno
de los iguales, de justa reciprocidad, la
lealtad del los amateur es máxima.
…fomentan la economía
sumergida…
Las compañías amateur son, en su
práctica totalidad, como ya dije, asocia-
ciones sin fines lucrativos, salvo
algunos grupos, de una o dos
personas, actúan bajo la cober-
tura de persona física. Es decir,
tienen personalidad jurídica por
lo que adquieren y ejercen de-
rechos, y contraen obligaciones
y responsabilidad legal. Como
asociaciones tienen capacidad
para actuar como sujetos de
derecho, esto es, capacidad
para adquirir y poseer bienes
de todas clases, para contraer
obligaciones y ejercitar acciones
judiciales.
Las asociaciones también es-
tán sometidas al control del fisco
y no pueden evitar el pago de
impuestos salvo en las excep-
ciones contempladas en la Ley y
para las que se requiere solici-
tud expresa de exención de IVA,
por tener concedida la condición
de entidad de utilidad pública,
por ejemplo.
Las asociaciones sin fines lucra-
tivos, como lo son las Organizacio-
nes No Gubernamentales, pueden
ser acreedoras y deudoras. Por
ello también pueden contratar
con entidades o a personas y por
lo tanto pagar salarios, pagar die-
tas, adquirir propiedades, y así un
largo etcétera.
Lo que diferencia a las asocia-
ciones sin ánimo de lucro de las empresas,
fórmula propia de los grupos profesiona-
les, es que, en las primeras, los beneficios
que se obtengan del desarrollo de las
actividades de la asociación se destinarán
a la propia entidad para que ésta pueda
seguir desarrollando sus actividades de
forma que la colectividad obtenga de me-
jor manera los objetivos que la asociación
persigue.
Y esta actividad se hace con luz y ta-
quígrafos. A los grupos aficionados no les
queda más remedio que tener sus papeles
en regla, dado que son fundamentalmen-
te las entidades públicas, ayuntamientos
Amateur o profesional…
¿esa es la cuestión? (y 2)

16septiembre
octubre
55
16septiembre
octubre
sobre todo, los que tramitan las compen-
saciones económicas. Es de ilusos pensar
que los interventores municipales no te
exigirán todo lo necesario, renunciando
así a cubrirse las espaldas ante la fisca-
lización del Tribunal de Cuentas.
Por otro lado son varias las leyes, de-
cretos, reales decretos o normas que
recogen las obligaciones legales de infor-
mación económica y derivadas de la jus-
tificación de subvenciones, que afectan y
obligan a las asociaciones.
…practican el
intrusismo…
Se entiende por intrusismo el ejercicio
de una actividad profesional regulada,
por persona no autorizada o habilitada
para ello. Si no se requiere para ejercer
la actividad un título oficial (diplomatura,
licenciatura, doctorado) y, por lo tanto, no
existe una entidad que lo regule o controle
(colegio oficial) o una ley que lo impida ex-
presamente, cualquiera puede ejercer esa
actividad, si así lo desea y estima reunir
las condiciones necesarias para hacerlo.
Intrusismo, lo comete quien ejerce de mé-
dico, abogado, arquitecto, maestro, etc.
sin tener título habilitador, y puede incluso
constituir delito.
El teatro amateur no ejerce el intru-
sismo. Casi ninguna de las actividades
teatrales ligadas a un espectáculo tea-
tral (actuación, dirección, escenografía,
etc.) están reguladas, ni son exigibles o
imprescindibles los títulos (aunque estos
existan) para ejercerlas. Los espacios es-
cénicos, las salas y los teatros, si deben
cumplir con unas especificaciones técnicas
y de seguridad muy estrictas. En algunos
casos, y en algunos países, es exigible la
concurrencia de profesionales habilitados,
durante el desarrollo del espectáculo y
para evitar riesgos a los actores o perso-
nal técnico y de sala o al público, como por
ejemplo arquitectos o ingenieros para es-
cenografías muy complejas, profesionales
de la seguridad –bomberos- o personal
sanitario. Pero para subir a un escenario
y actuar ante unos espectadores que es-
pera ver tu trabajo objetivamente, no hace
falta más que reunir las condiciones sufi-
cientes (preparación, talento…) para que
ese público no se levante de su butaca an-
tes de que finalice la función, y reconozca
tu trabajo con su aplauso.
Muchos de los profesionales que se su-
ben a la escena no tienen título oficial ni
falta les hace. Tampoco se les exige para
formar parte de una compañía profesional
ser titulado. ¿Son por eso intrusos?
…actúan en sitios que
no reúnen las mínimas
condiciones…
Es verdad que los amateur a veces se
encuentran con espacios a los que los
profesionales no van, bien sea por que
no pueden, no caven o no quieren. Gra-
cias a esta mayor disponibilidad de los
grupos amateur, en las épocas de crisis
sistémica de las artes escénicas, se man-
tiene viva la llama del teatro. Y gracias a
su adaptabilidad, en algunos pueblos, se
pueden ver excelentes espectáculos sin
necesidad de que exista un gran esce-
nario superdotado en medios y recursos.
Pero los mismos amateur que hacen eso
también pueden ocupar grandes teatros
y llenarlos de público, calidad, aplausos y
reconocimiento.
…y por cuatro “duros”?
El dumping, es decir vender debajo del
costo, es quizás el reproche más extendido
de aquellos que solo entienden las artes
escénicas como una fuente de ingresos, y
como competencia desleal a aquellos que
aceptan lo que ellos rechazan. Ambos ten-
drán buenas razones para hacer lo uno y
lo otro. Pero muchos espectadores fueron
bautizados teatralmente por compañías
amateur, aprendieron a amar el teatro
con ellas y luego fueron espectadores
fieles al teatro, incluido el profesional. Y
son también muchos los actores y actrices
que han obtenido un reconocimiento en
sus carreras y que no ocultan, e incluso
manifiestan con orgullo, el haber crecido
y haberse formado al amparo y abrigo del
teatro amateur.
Pero ¿existe realmente esa confronta-
ción, o son solo reproches mutuos entre
mediocres que suelen condenar todo
aquello que está fuera de su alcance?. De
existir alguna atmósfera viciada no es cul-
pa, ni de los amateurs, ni de los profesio-
nales. Si debemos imputar a alguien esta
dosis de desconfianza por mínima que
sea, es a las autoridades y poderes públi-
cos que entienden de materia cultural y de
artes escénicas, por no haber sido capa-
ces de formular un marco más adecuado
de normal convivencia entre ambos.
Papel del tejido
asociativo
Es necesaria una definición clara de las
prácticas amateurs y profesionales, y por
extensión de esa zona intermedia donde los
modelos se cruzan y donde los protagonis-
tas titubean. Unos responsables de la polí-
tica cultural valientes, deberían imponerse
la tarea necesaria de ocupar ese terreno
yermo, ese vacío estatutario y jurídico.
Entre aquellos que responden más fiel-
mente al perfil de “grandes amateurs” y
de “grandes profesionales” o, dicho de
otra forma, al amateur o profesional puro,
existen múltiples formas y formatos de
grupos y compañías que no son ni lo uno
ni lo otro, o todo a la vez, de personas
que buscan, intentan, van y vienen… es
decir que podrían denominarse semipro-
fesionales o semiamateurs. Teniendo cla-
ro el marco jurídico al que debe atenerse
cada uno, y el espacio de desarrollo que le
es propio, resultaría más fácil una coexis-
tencia pacífica y fructífera, una colabora-
ción creativa eficaz. Una definición clara
de los distintos formatos establecería ade-
más una vía sólida de transición entre el
mundo amateur y el mundo profesional en
cualquiera de las direcciones.
Por y para eso están las asociaciones
que deberían recoger en su seno a per-
sonas individuales, a grupos de teatro
amateur y a federaciones de grupos de
gran parte del territorio Español. Para
proponer a los poderes públicos la de-
finición de un marco jurídico del teatro
amateur y para reivindicar ese necesario
espacio natural para la alternativa ama-
teur, para valorizar la práctica del ama-
teurismo consciente y para reivindicar
la coexistencia pacífica y la colaboración
con la alternativa profesional.
A partir de aquí son muchos los retos:
Promover la presencia o representación
del teatro aficionado en las instituciones
o foros locales, autonómicos, nacionales
e internacionales; proponer a los poderes
públicos políticas específicas de ayuda a la
producción y a la distribución; favorecer
la interlocución con los órganos nacio-
nales de coordinación de Ayuntamientos;
promover una relación estrecha entre el
teatro aficionado y las sociedades admi-
nistradoras de los derechos de autor;
proponer y articular canales y circuitos de
distribución del teatro aficionado; estable-
cer de estrategias para la creación y fide-
lización de nuevos públicos; y el fomento
de centros de documentación, recursos,
asesoramiento, orientación y espacios de
encuentro y debate.
La tarea, es ambiciosa y el camino largo
y tortuoso. Y seguramente habrá que su-
perar muchos obstáculos, muchas encru-
cijadas que nos harán reconsiderar nues-
tros fines y objetivos, pero también habrá
puntos de encuentro, y puestas en común
con el mundo profesional para beneficio
de las artes escénicas.

56
16 septiembre
octubre
E
l Ayuntamiento de Santa Elena de Jamuz (León) convoca el XVI
Certamen Nacional de Teatro: “Tierra de Comediantes” en el que
podrán participar los grupos aficionados de teatro del territorio
español,admitiéndosecualquiergéneroydebiéndoserepresentar
las obras en lengua castellana.
El certamen de teatro se celebrará del 5 de Noviembre al 3 de Diciembre
de 2.016, durante los fines de semana, en el Teatro Municipal de Jiménez
de Jamuz (León).
Los grupos interesados en participar deberán inscribirse bien, en las Ofi-
cinas Municipales del Ayuntamiento de Santa Elena de Jamuz (León), o
remitiendo por correo dicha inscripción, acompañando la documentación
indicada en las BASES antes del 9 de septiembre de 2016
La gestión y pago a la SGAE (Sociedad General de Autores de Es-
paña, derechos de autor, si los hubiera) correrán a cargo de cada
grupo seleccionado
Cada grupo seleccionado para participar en el XVI Certamen de Teatro:
“Tierra de Comediantes” recibirá la cantidad de 1.000,00 euros (800,00
euros en concepto de participación, desplazamiento, montaje; y 200,00
euros para el pago de los derechos de autor. Si la obra estuviera exenta
de derechos de autor se sumará a la cantidad estipulada por participar en
el certamen).
Se establecen los siguientes premios:
• Mejor obra-grupo: 1.200,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Accésit: 600,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Mejor escenografía: 300,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Mejor Actor: 200,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Mejor Actriz: 200,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Mejor Actor secundario: 150,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Mejor Actriz secundaria: 150,00 € y obsequio alfarería jiminiega.
• Premio especial del público 250,00 € (Este premio estará supeditado al
patrocinio de una empresa privada)
Las solicitudes se remitirán a la siguiente dirección:
Ayuntamiento de Santa Elena de Jamuz
C/ Real Nº 23
24762 Santa Elena de Jamuz (León)
Teléfono: 987642309 - Fax: 987656678
Correo electrónico: desarrollojamuz@gmail.com (para cualquier consul-
ta)
BASEScompletasen:http://www.aytosantaelenadejamuz.com/teatro2016/
Bases%20teatro2016.pdf
Certamen de Teatro
Tierra de Comediantes

58
16 septiembre
octubre
E
l 10 de septiembre finalizan
las funciones del musical Mam-
ma Mia!, en cartel en el Teatro
Arriaga desde el 15 de agosto,
para dar paso a dos estrenos teatra-
les, La mentira e Invencible dirigidas
por Claudio Tolcachir y Daniel Verone-
se, respectivamente. Ambos estrenos
tendrán lugar en septiembre pero no
son los únicos, ya que en octubre ten-
drá lugar el de la obra Catalin; de todos
ellos se da cumplida información en las
páginas 10 y 11 de este número.
Por orden cronológico, a los dos
estrenos de los espectáculos dirigidos
por los dramaturgos y directores ar-
gentinos arriba citados le seguirá un
clásico, El alcalde de Zalamea (29 de
septiembre al 2 de octubre) de Calde-
rón de la Barca de la mano de la Com-
pañía Nacional de Teatro Clásico.
Helena Pimenta dirige esta versión de
Álvaro Tato interpretada por un elen-
co formado por David Lorente, Nuria
Gallardo, Carmelo Gómez o Clara Sanchis
entre otros.
Pascal Rambert es el autor y director de
La clausura del amor (5 y 6 de octubre),
obra interpretada por Bárbara Lennie e Is-
rael Elejalde que pone en escena la ruptura
sentimental de una pareja. Buxman Pro-
ducciones y Kamikaze Producciones su-
ben al escenario a dos amantes que, pala-
bra a palabra, tratan de cerrar una relación
que les ha construido y destruido durante
varios años.
Los días 11 y 12 es el turno de La Reina
Juana, en la que Concha Velasco da vida
a Juana de Castilla, protagonista de este
unipersonal escrito por Ernesto Caballero.
“Nuestra reina se nos presenta caracteri-
zada por la falta de adecuación a la reali-
dad que hoy define a un buen número de
las patologías mentales, pero también, por
un temperamento indómito y transgresor
obstinado en contravenir las pautas de
comportamiento convencionales” explica
el autor de esta coproducción de Juanjo
Seoane para Grupo Marquina y Siempre
Teatro bajo la dirección de Gerardo Vera.
Completa la programación teatral una
obra de uno de los grandes dramaturgos
del siglo XX, Arthur Miller, Panorama des-
de el Puente (del 27 al 30 de octubre). El
francés Georges Lavaudant dirige esta pro-
ducción de Teatre Romea y LG Théâtre
en la que Eduard Fernández interpreta a
Eddie Carbone, personaje del que Lavau-
dant afirma que “acepta sacrificarlo todo,
incluso la vida, para sentirse satisfecho
consigo mismo”. Junto a Fernández, Jordi
Martínez, Mercé Pons, Marina Salas, Ber-
nat Quintana, Pep Ambrós, Rafa ruz y Sergi
Vallés dan vida a esta historia con la que su
autor obtuvo su segundo Premio Pulitzer.
Asier Etxeandia vuelve a liderar un viaje
musical junto con The Constriktors con
El Intérprete XXL (8 y 9 de octubre) en la
que siguiendo la estela de su anterior pro-
puesta, ‘El Intérprete’, y acompañado por
ocho músicos sobre el escenario, Etxeandia
ofrece un espectáculo con y para el público
desde la desinhibición, el desenfado y el ex-
ceso. Versiones clásicas y temas originales
renovados en un viaje emocional que hará
bailar a los congregados.
Hybrid: Rhythm Dance (26 deoc-
tubre) es un proyecto de la compañía
de la bailarina y coreógrafa japonesa
Makoto Hirayama, Oreka TX y la
cantante de la etnia Ainu Emi Toko.
Estrenado en el New National Theatre
de Tokio, el espectáculo explora y ex-
perimenta la fusión de la danza y los
ritmos de la txalaparta partiendo de
las raíces de dos pueblos de los extre-
mos de Eurasia.
Además los días 3 y 4 de octubre
y dentro del programa ‘Cuartitos’ se
pondrá en escena On/Off. La travesía,
en un instante de Pablo Ibarluzea y
el público familiar podrá disfrutar del
cuento musical de los Hermanos Gri-
mm El sastrecillo valiente en una co-
producciónde ABAO-OLBE, Etcétera,
Teatro Real y Festival Internacional
de Música y Danza de Granada los
días 15, 16 y 17 de octubre.
La Fundición
Además de los espectáculos que confor-
man la programación de los festivales BAD
y Dantzaldia (más información en páginas
precedentes de este número), la sala La
Fundición ha preparado una oferta que
comienza los días 1 y 2 de octubre con
El hombre menguante de Pérez Disla,
obra teatral escrita por Juli Disla y dirigida
por Jaume Pérez “que destila tristeza, ago-
tamiento, rabia, pero que también propone
una reflexión sobre este momento, una de-
nuncia, una esperanza”.
Igor Moreno por su parte presentan
dos piezas de danza. Los días 15 y 16 Idiot
-Sincrasy, con la que Igor Urzelai y More-
no Solinas han creado un mundo íntimo y
a la vez universal en el que a través de una
serie de imágenes en constante cambio ac-
tivan la imaginación del espectador, invitán-
dolo a sentir y a pensar. El 21 será el turno
de A room for all our tomorrows, en la que
ambos coreógrafos e intérpretes llevan al
público a un lugar para imaginar las cosas
de otra manera.
El 29 de octubre, la compañía gallega
Estrenos, obras clásicas y
nuevas creaciones en Bizkaia
La respiración ©Javier Navas
Panorama desde el Puente ©David Ruano

16septiembre
octubre
59
16septiembre
octubre
Acental Folque presenta Os contos de Jo-
selín, en la que tres reconocidos oradores,
Quico Cadaval, Celso F. Sanmartín y José
Luis Gutiérrez ‘Guti’ recrean los cuentos de
José Rodríguez de Vicente, Joselín, protago-
nista de los primeros documentos sonoros
del teatro gallego. Cabe destacar además,
que entre el 12 y el 30 de septiembre Lau-
rentzi Producciones prepara el que será su
nuevo espectáculo, ‘El Hermano de Sancho’
de Pierre Menard con dramaturgia de Al-
berto Iglesias dentro del ‘Programa Resi-
dencias de Creación’ de La Fundición.
Teatro Barakaldo
Comienza la programación del último
cuatrimestre del año con un espectáculo
del Festival Dantzaldia, el estreno de la pie-
za Cul de Sac de la compañía Kor´sia el
23 de septiembre (más información en las
páginas 36 y 37 de esta revista).
El primero de octubre llega al Teatro Ba-
rakaldo la última obra de Alfredo Sanzol, La
respiración. Una coproducción de Teatro
de La Abadía y La Zona dirigida por el
propio Sanzol de la que la prensa especiali-
zada ha escrito que es “una joya brillante y
divertidísima con actuaciones sobresalien-
tes”. El 7 es el turno de la danza urbana de
la mano de Iron Skulls Co que en Sines-
tesia funden el “hip hop”, la acrobacia y la
danza contemporánea para representar un
mundo post-apocalíptico donde se unen lo
humano y lo animal.
¡Enradiados! (día 8) es el particular
homenaje que Mariano Mariano y Javier
Segarra realizan al mundo de la radio a
través de entrevistas, sketches, gags y mo-
nólogos. Ultramarinos de Lucas por su
parte presenta un espectáculo dirigido al
público familiar el día 23, Las aventuras de
Huckleberry Finn, obra basada en la novela
del mismo título de Mark Twain en la que un
niño es escapa de la civilización en busca
de la libertad. Y el día 28 es el turno de
Caperucita feroz, nueva obra de Glu Glu
Producciones escrita y dirigida por Gal-
der Pérez, una comedia musical a modo de
vodevil que le da una vuelta de tuerca al
cuento tradicional.
Kultur Leioa
La respiración de Sanzol también subirá
al escenario de Kultur Leioa, en este caso el
30 de septiembre para dar paso el 2 de oc-
tubre a una pieza de danza dirigida al pú-
blico familiar, Vuelos de Aracaladanza. El
día 15 Doos Colectivo presenta Anotación
nº7, espectáculo de danza contemporánea
que habla sobre el miedo e incluye proyec-
ciones y el contenido de varias entrevistas
creada y dirigida por Eva Guerrero.
Hika Teatroa ha elegido Kultur Leioa
para estrenar el día 21 la versión en cas-
tellano de ‘Kuadernoa zuri’, Cuaderno en
blanco, obra escrita por Arantxa Iturbe y
Agur-tzane Intxaurraga, quien se encar-
ga de la dirección de esta historia de dos
hermanas basada en ‘La casa de Bernarda
Alba’ de Lorca. La programación de estos
meses finaliza con el espectáculo para pú-
blico familiar A la luna de Iraya Produccio-
nes y Voilà Producciones, meses en los
que se podrá disfrutar también con los con-
ciertos Lapsus, desconcierto acústico de
Lapso Producciones (23 de septiembre),
Talabarte (14 de octubre) y Xabi Aburru-
zaga Band (28 de octubre).
El hombre menguante de Pérez Disla

60
16 septiembre
octubre
L
a pastoral Katalina de Erau-
so es la primera propuesta
escénica del Teatro Victo-
ria Eugenia de Donostia en
septiembre, concretamente los días
1 y 2 se podrá disfrutar con el tea-
tro popular zuberotarra escrito por
Maite Berrogain sobre la historia de
la donostiarra Catalina de Erauso,
también conocida como ‘La Monja
Alférez’. Pantxika Urruty y Maitena
Lapeyre son las directoras de esta
pastoral llegada de Baiona y a la que
seguirán dos zarzuelas, Marina (6
y 7 y La alegría de la huerta (10 y
11), ambas a cargo de la Asociación
Lírica Sasibil. En octubre, del 6 al 9,
Opus Lírica presentará la última de
las grandes óperas bufas italianas,
Don Pascuale de Gaetano Donizetti
y Giovanni Ruffini para dar paso, los
días 21, 22 y 23 a Hybrid Rythm
Dance, un espectáculo de Oreka TX,
la coreógrafa japonesa Motoko Hyra-
yama y la cantante de la etnia Ainu,
Emi Toko en el que se exploran las
raíces de la danza y los ritmos crea-
dos a través de la txalaparta.
Días antes, 15 y 16, dentro de las
‘Conversaciones’ de San Sebastián
2016 y su programa ‘Cartas Blancas’
la bailarina y coreógrafa Jone San
Martin presenta el programa doble 7
Dialogs Those Specks of Dust de la
compañía berlinesa Dance On, de la
que San Martín forma parte hoy día.
Completa su carta blanca Huts, una
nueva pieza de la creadora donostia-
rra que combina bertsolarismo y dan-
za y que tendrá lugar en el San Telmo
Museoa; la performance Gold del dúo
S.A.D. –formado por Cyril Baldy y Josh
Johnson– y una instalación de William
Forsythe y Ryoji Ikeda, que se podrá
disfrutar en Tabakalera.
Cabe destacar además que en la
Sala Club del Teatro Ramon Agirre
Inazio Tolosa presentan los días 1
y 2 de septiembre Putinen guardasola
en la que la música y el humor están
servidos y los días 19 y 20 la obra Un
beso a cargo de Tanttaka Teatroa.
El Teatro Principal por su parte co-
mienza septiembre (del 1 al 4) con
No te vistas para cenar, comedia de
Marc Camoleti en la que se narra los
sucesos de lo que iba a ser una velada
romántica, que acaba convirtiéndose
en una noche muy movida en la que
todos fingen ser lo que no son. Y otra
comedia, en este caso romántica, es
la propuesta que se podrá ver del 7 al
11, Amores minúsculos, la adaptación
al teatro del cómic de Alfonso Casas a
cargo de Los Zurdos.
La programación escénica se ex-
tiende por los escenarios de diversos
barrios de Donostia. En Larratxo K.E.
tendrá lugar el estreno del último es-
pectáculo de Vaivén Producciones,
Último tren a Treblinka / Treblinkara
azken trena que estará en cartel del
1 al 15 de octubre (más informa-
ción en la sección ‘Estrenos’ de este
número). Los días 17 y 18 de sep-
tiembre en Gazteszena se podrá ver
Hariak, último espectáculo de Ertza,
una propuesta multidisciplinar dirigi-
da por Asier Zabaleta con textos de
Harkaitz Cano y Joseba Sarrionaindia
creada a partir de las experiencias de
gente que ha visto cómo los hilos que
sostenían sus vidas se han quebrado
repentinamente, y han tenido que co-
menzar una nueva vida desde cero.
También habrá propuestas de tea-
tro amateur como La soirée del Grupo
Oroimenak (22 de septiembre en In-
txaurrondoK.E)ademásdemásdeuna
veintena de espectáculos en las calles
y plazas de la ciudad durante todo el
mes de septiembre. Entre otras, obras
dirigidas al público infantil y familiar
como Astokillo Cirkus de Panta Rhei,
Km0 de La Banda o, Sardina freskue
de Eidabe; las artes circenses en
Morse de Zirkozaurre o Shake Shake
Shake! de Cía. PakiPaya. Y también
en la calle, la danza contemporánea de
Lasala con la pieza Trip.
Raíces y latidos escénicos
en los teatros de Donostia
Hybrid Rythm Dance de Oreka TX y Motoko Hyrayama

16septiembre
octubre
61
16septiembre
octubre
La Guerra de los Mun-
dos 2.0 es una coproduc-
ción de L’Horta Teatre
con CulturArts que mez-
cla el teatro, la música en
vivo y las nuevas tecnolo-
gías audiovisuales. El pun-
to de partida del proyecto
es la versión radiofónica
que Orson Welles hizo de
“La guerra de los mundos” a finales de 1938. Durante
aquel programa, millones de norteamericanos creye-
ron que unos invasores marcianos, que solo estaban
en su imaginación, sobrevolaban la Tierra, destruían
los ejércitos humanos y ocupaban zonas de poder.
Fue la emisión del pánico. El primer fenómeno verda-
deramente viral del mundo moderno.
El espectáculo, escrito y dirigido por Roberto García,
cuenta con la interpretación de Jordi Ballester, Verò-
nica Andrés y Álvaro Báguena. Tres músicos en di-
recto interpretan la música creada por Andrés Valero
Castells. Forman también parte del equipo artístico
Luis Crespo (escenografía), Ximo Rojo (iluminación) y
Pasqual Peris (vestuario). La obra se podrá ver, entre
otros, en Sueca (22/10), Aldaia (18/11), Ontinyent
(25/11), Alcoy (27/11) y Catarroja (10/12).
Gilipollas sin fronteras,
pieza de la compañía ho-
mónima, es una produc-
ción de Morfeo Teatro
que cuenta con la autoría,
la dirección y la interpreta-
ción de Santiago Nogués y
Adolfo Pastor. Basado en
las reflexiones existencia-
les de dos actores, merced
a las cuales recabaron la suficiente información como
para darse cuenta de que, tras casi diez años de profe-
sión (ahora treinta), nunca llegaban a fin de mes (dato
que no ha cambiado). Tal descubrimiento les llevó a
una cruel conclusión, que dejaba claro que, si insistían
en dedicarse a esta profesión sufriendo tales penalida-
des, es que deberían ser, cuando menos, “medio gilipo-
llas” (hoy en día, visto lo visto, “gilipollas enteros”).
El resultado es un show, en formato de dúo cómico,
con un trepidante repertorio de sketchs burlescos,
donde la gilipollez es terapia, y la carcajada, remedio,
a cualquiera que sufra la triste enfermedad de “to-
marse la vida en serio”.
El montaje hará temporada en el Teatro Marquina de
Madrid de martes a sábados del 1 al 30 de septiembre.
La Guerra de los...
gilipollas sin fronteras

62
16 septiembre
octubre
Crudo Ingente de Nacho
Vilar Producciones está
creada a partir de un tex-
to de Juan Montoro Lara.
Dirigida por Sara Serran-
no, está interpretada por
Susi Espín y Blas Sánchez.
Un vehículo aparcado en un
espacio urbano se convierte
en un espacio escénico in-
usual e íntimo donde dos personajes se encuentran y
se enfrentan en una historia de agresión y superviven-
cia. Una experiencia inmersiva donde el transeúnte es
invitado a participar. Se podrá ver el 17 de septiembre
dentro del programa ‘A escena calle’ de Móstoles.
La compañía La Teta Cal-
va representará su espec-
táculo Penev el día 20 de
octubre en Teatro Principal
de Alicante. La obra, escri-
ta por Xavo Giménez y di-
rigida e interpretada por el
propio Giménez junto a Toni
Agustí, es tanto una come-
dia cruda como una trage-
dia entrañable. Se trata de una pieza que nace de la
desidia y la esperanza frustrada. Habla del gol anulado
y del partido amañado. “No hablamos de fútbol, o sí.
Hablamos de teatro. Hablamos del partido de la vida
que perdemos siempre los mismos”, explican.
Penev
Carne de gallina
Crudo Ingente
La danza contemporánea,
el flamenco, el teatro y el
humor absurdo tienen cabi-
da en Latente. La intérpre-
te Paula Quintana pregunta
al público si entre ellos se
encuentra Paula, que tiene
un paquete para ella que
debe entregarle. La pieza
fue premiada como mejor espectáculo de nueva crea-
ción en la Umore Azoka de Leioa 2015. Estará el 25 de
septiembre en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña
y el 15 de octubre en el Teatro Cine Monumental de Los
Santos de Maimona.
Dirigida por Maxi Rodríguez,
Carne de gallina es una
reflexión en clave de humor
negro sobre la situación de
las cuencas mineras de As-
turias, de su falta de futuro
y de la dependencia de las
pensiones de los jubilados
para la subsistencia de fa-
milias completas. Desde Arteatro P. T., Teatro del
Cuervo y La Estampa Teatro han hecho una versión
teatral de la película estrenada hace 14 años. La obra
se podrá ver en el Teatro Filarmónica de Oviedo (19/09)
y en Calahorra (08/10).
Latente
Las Cervantas
Las Expertas de la Cía Al-
badulake es un espectácu-
lo de actrices que dominan
diferentes técnicas de circo.
Ellas son Ilia Miña (Cuerda
aérea, danza), Sandra Ca-
rrasco (Aros y equilibrio ob-
jetos), Olga Calle (Equilibrio
Pulls y acrobacia) y Dolores
Carmona (Clown). Con idea original y dirección de Juan
Antonio Moreno Fernández y Ángeles Vázquez Ortega,
realizarán un ciclo de funciones en Ecuador del 7 al 12
de septiembre. También pasarán por Salamanca, Alba-
cete, Extremadura, Amposta y Granollers.
Matadero Madrid acogerá
del 20 de octubre al 13 de
noviembre las funciones de
la obra Las Cervantas de
Escénate y DDCompany
Producciones. El espec-
táculo está dirigido por
Fernando Soto, escrito por
Inma Chacón y José Ramón
Fernandez, e interpretado por Gracia Olayo, Sole Ola-
yo, Clara Berzosa, Irene Ruiz y Yaël Belicha. El montaje
es un encargo de la Biblioteca Nacional de España con
motivo del IV Centenario de la Muerte de Miguel de
Cervantes.
Las Expertas
©Laura Ortega

64
16 septiembre
octubre
Luz negraJosu Montero
16 septiembre
octubre
La guerra civil en el teatro (y II)
ste verano se han cumplido los 80 años del inicio de nues-
tra guerra civil, una contienda con heridas aún abiertas
debido al al afán de desmemoria de nuestros aún gober-
nantes en funciones y de su hipocresía democrática. El
caso es que como tal vez recuerde alguno de los improbables lectores
de esta página, en el número anterior decidimos dar un somero paseo
por el teatro español que ha llevado a escena la guerra y sus con-
secuencias. En aquella primera entrega revisamos obras de Lorca,
Cervantes, Alberti, Pedro Salinas, Buero, Alberto Miralles, Max Aub,
Sastre, Joaquín Calvo Sotelo, Mihura, Víctor Ruiz Iriarte y Juan José
Alonso Millán. Hablamos también de cómo algunas de las obras de
estos últimos autores, dramaturgos orgánicos o próximos al régimen,
se enmarcaban en la campaña propagandística que el franquismo de-
sarrolló en los 60 sobre las bondades de la “reconciliación nacional” y
que culminó con la promulgación en el 67 de una ley de amnistía para
los delitos de guerra. A esa cara falsamente amable se opusieron las
obras de autores que imprimían a sus dramas el real desgarro del
dolor impuesto por los vencedores.
En 1967 un jovencísimo Antonio Gala escribió “Noviembre y un
poco de yerba”, la única de sus obras cuyo estreno supuso un es-
truendoso fracaso, como no podía suceder de otra manera en aquella
España a obras que planteaban abiertamente y sin paños calientes los
devastadores efectos de la guerra. La de Gala es una visión áspera de
las duraderas, trágicas e insalvables consecuencias de la contienda.
A caballo entre el realismo y el vanguardismo nos muestra las estan-
cadas existencias de unos seres para los que ya no hay salida. En la
bodega de una metafórica y fantasmal estación de tren viven desde
hace 27 años un puñado de seres humanos, bajo tierra, enterrados
en vida. Tomás, el guardabarreras que perdió una pierna en la guerra;
Paula, una inocente y enamorada jovencita antes de estallar el conflic-
to; su Madre, a la que los bombardeos y las ruinas enloquecieron pero
que aún tiene tremendos momentos de lucidez; y Diego, un soldado
republicano oculto en el sótano. Precisamente esa promulgada enton-
ces ley de amnistía, la esperanza de Diego y la última bala de la guerra
son los desencadenantes del drama y de la muerte. Una ley no puede
cambiar la realidad, la grieta que separa a vencedores y vencidos.
Igualmente cruda resulta “La casa de las Chivas”, de Jaime Salón,
estrenada en 1969 y que constituyó un éxito sin precedentes en el
teatro español de la época permaneciendo en cartel 1.300 funciones;
se realizó una versión cinematográfica, y obtuvo unos cuantos pre-
mios a pesar de su audacia al mostrar la humanidad y el drama de los
vencidos. Las protagonistas son las dos hijas de la Chiva -personaje
ausente- ; Petra y Trini fueron encarnadas por dos actrices principian-
tes: Terele Pávez y Amparo Baró. Estamos en el verano del 38 en zona
republicana, entre ruinas y seres humanos reducidos a lo elemental.
Petra, la mayor, es la hermana de carácter y de desgarro, sobrevive de
los favores sexuales a los soldados, lo que agrava su desesperación.
La aparición de Juan, que resultará ser sacerdote, desata la tragedia
del amor y de la muerte. Lo cierto es que esos toques de folletín y esa
pulsión cristiana de fraternidad y redención que subyace en la obra
son los factores que marcaron su inesperado éxito.
Precisamente este año se cumplen cien del nacimiento de Antonio
Buero Vallejo; con 20 años al inicio de la guerra su vida quedó mar-
cada a fuego, máxime cuando su participación como soldado republi-
cano y su posterior activismo en la reorganización del PC hicieron que
fuera condenado a muerte en juicio sumarísimo, pena que fue poste-
riormente conmutada. En una de las cárceles en las que permaneció
entre 1939 y 1947 coincidió con Miguel Hernández, quien le hiciera
el famoso retrato a lapiz. En 1967 Buero estrenó “El tragaluz”, que
mantiene curiosas semejanzas con la obra de Gala –del mismo año–
que hemos visto un poco más arriba: un sótano, un tren metafórico,
la locura -allí de la Madre, aquí del Padre-. Los efectos del conflicto
son más trágicos en tanto que invisibles y latentes. En un audaz efecto
dramático distanciador, dos habitantes del futuro analizan las secuelas
de la guerra civil, para ello observan al microscopio a una familia. Dos
hijos, Vicente y Mario, supondrán dos formas contrarias de enfrentar-
se a la vida, Vicente es el integrado en el sistema –un sistema asesi-
no–, la pérdida de la humanidad en favor de lo material. Aún críos, en
plena guerra, Vicente fue el primero en subirse al tren en marcha que
los demás no lograron coger, se fue además con todo -lo poco- que
tenían, de resultas de lo cual la hermana pequeña, enferma, murió. Ahí
nace la locura del padre, que finalmente, impartirá justicia.
El 23 de enero del 39 una niña de 7 años y su madre llegaban a
la frontera francesa, dos de los casi 300.000 exiliados que llegaron
a Francia esos días y que fueron recluidos masivamente en improvi-
sados campos de refugiados –de concentración– en las playas. Esa
niña y su madre estuvieron en los de Saint-Cyprien y Argèles, y allí
padecieron hambre, frío, enfermedades y desesperación. Uno de los
recuerdos más vivos y presente en su obra son los inmensos e im-
provisados cementerios pegados a los campos: más de 14.000 seres
humanos murieron en esos campos durante las primeras semanas
del éxodo. Y otro recuerdo indeleble, las primeras palabras oídas en
francés: la omnipresente e imperiosa exclamación de los gendarmes:
“Allez, allez!”, acompañada a veces de culetazos. Así que esa niña se
refugió en su idioma: “Defender los restos de mi lengua, y para ello
debía estar muy cerca de cierta desgracia humana. El exilio consistió
en recorrer las fronteras de mi idioma para devolverle la vida que le
faltaba. Logré vivir en el mismo centro de mi patria ( mi lengua). Tuve
que limitarme a la lengua que no varía, la de la poesía, cuya virtud
consiste precisamente en deshacer todas las frases hechas para que
el lenguaje de mis personajes pareciera indestructible y único. En la
poesía toda palabra ha de ser justificada y mantiene viva su relación
con la verdad y la belleza so pena de servir sólo a la insustancial fan-
tasía. En la poesía dramática además cada palabra parece llevar una
especie de valentía interna para transmutarse en hecho vivo”. Teresa
Gracia, que así se llamaba aquella niña, vivió luego en Toulouse, París,
Venezuela, París de nuevo –donde se licenció en Filosofía y Periodis-
mo–, Roma, y regresó a España en 1981. Poeta y dramaturga, secre-
ta escritora de culto, en 1972 en Roma terminó “Las Republicanas”,
cruce de tragedia griega, vanguardia poética y absurdo –el tiempo
y el espacio se han detenido–, en la que plasma su vivencia de los
campos franceses, y que quiere que sean todos los campos de con-
centración de la historia. En la tremenda primera escena las mujeres
y los niños contrastan su hambre con el hartazgo de pulgas y piojos.
“No tengo voz propia, soy un simple recinto de voces”, afirmó Teresa
Gracia, una autora y una obra a redescubrir.
E

16septiembre
octubre
65
16septiembre
octubre
Vivir para contarlo Virginia Imaz
Los finales de los cuentos (III)
a gente que narramos, profesionalmente, en la actuali-
dad, estamos creando la tradición del futuro y como los
narradores y las cuenteras que nos precedieron tenemos
la obligación de revisar, del legado que nos ha llegado, especialmente,
los finales de los cuentos.
No se trata de cambiar cualquier cosa porque sí y entrar en un
cuento lleno de tesoros que quizás desconocemos, como un elefante
en el taller de un alfarero. Se trata de probar y de testar otras restitu-
ciones, primero en nuestra propia psique y después en la respuesta
del auditorio. Con humildad pero con coraje. Intentarlo al menos. Tam-
poco se trata de proteger a quien escucha de los conflictos o de viajes
iniciáticos de dureza y crueldad extraordinarias. Todo lo contrario. Hay
que entrarle a lo que nos desgarra, pero ofreciendo un final repa-
rador. Cuando el héroe o la heroína mueren sin poder regresar con
lo aprendido, con aquello que restablecería el equilibrio o la paz, lo
que estamos transmitiendo a quien escucha, es la desesperanza y la
creencia limitante, de que en la vida no hay segundas oportunidades.
Hay finales truncados en versiones de cuentos tradicionales que son
ejemplos de verdadero terrorismo emocional. Ofrezcamos a la tribu, y
de forma inexcusable a los seres en construcción, viajes con regreso.
Cuando hablo de finales reparadores, no incluyo a aquellos cuentos
que no siguen el esquema del viaje. Que los hay. Existen, por ejemplo,
los denominados cuentos de fórmula, que tienen su manera parti-
cular de concluir un relato o de no hacerlo. O los cuentos circulares,
que acaban igual que como han comenzado, en una especie de bucle
literario, porque el espíritu profundo de estos cuentos es mostrar el
equilibrio de un ecosistema, donde lo que un personaje hace afecta a
toda la comunidad y este flujo de interrelaciones no necesariamente
precisa de un desenlace.
También existen los finales abiertos, donde se consulta a quien es-
cucha, sobre cómo debiera terminar una historia, y quien narra no
cierra el relato, sino que arbitra en la exposición de diferentes finales
posibles por parte de la comunidad. También existen los cuentos poe-
ma o relatos parábola donde prácticamente todo el viaje se ha elidido
y todo está al servicio de un estremecimiento estético, de un efecto
humorístico o de un despertar.
Pero los cuentos que siguen el esquema de la metáfora de un viaje,
precisan de un desenlace. Y no es lo mismo acabar un cuento que
ofrecer un final. Mientras que a un cuento no le encontramos un final
y mientras que este final no es reparador, yo al menos, vivo cierta sen-
sación interna de no realización. Y padezco la condena de ir acabando
el cuento, poniéndole un punto y final, y añadiendo alguna fórmula
ritualizada, como el conocido “y colorín colorado este cuento se ha
acabado”, que es la manera que el imaginario colectivo ha encontra-
do, para ir contando lo que nos preocupa, aunque aún no sepamos
cómo resolverlo.
Estas fórmulas ritualizadas tienen como función, traer al público
de regreso a lo cotidiano del lugar al que les hemos llevado de viaje
en lo simbólico. Y también, claro, de avisarle que hemos acabado la
narración, y que, por el momento, no sabemos finalizarla de otra ma-
nera. A veces cumplen cierta función de verosimilitud, poniendo a la
persona que narra como testiga de los sucedido: “y este cuento se
ha acabado, tal como me lo contaron te lo he contado”. “…y ahora
se acaba el cuento y como me lo contaron te lo cuento”. O como una
invitación a contar a las personas del auditorio: “Cuento corto, cuento
largo, yo ya le he contado, cuéntate tú algo”. También hay fórmulas
llenas de comicidad y o de surrealismo, magníficas para amortiguar
el aterrizaje en el aquí y en el ahora: “…y se acaba mi cuento con
pan y rábano tuerto”. “…y colorín colorado, por la chimenea sale un
cohete, y tú que lo viste, ¿por qué no lo cogiste? “y viruento viruento
, este cuento se lo llevó el viento”.
Y es que encontrar un final reparador, en primera instancia para
una misma, puede llevarme años y de repente un día, ocurre. A mí,
a menudo, contando. Y el alivio es tan rotundo que me deslumbra.
Hasta entonces, y en el mejor de los casos, seguimos contando el
cuento, seguimos buscando. Y en nuestra búsqueda creativa vamos
dando palos de ciego y sorteando todo tipo de trampas. Como re-
emplazar con una moraleja un final reparador, o sacrificarlo por un
chiste. O dar gato por liebre, esto es, provocación por reparación,
que sólo muestra más claramente la profundidad de nuestra herida.
O dejarnos seducir por un golpe de efecto trágico o melodramático.
Porque si conseguimos emocionar al público, la catarsis debe estar
a un paso. Incluso podemos llegar a cerrar con un “happy end” tan
vilipendiado y minusvalorado, más que nada por previsible, espe-
cialmente en los relatos para público adulto, como si las personas
adultas no necesitáramos de la esperanza, de la conciliación o la
reparación en cualquier etapa vital.
Yo adoro y defiendo los finales “y fueron felices para siempre”. Mi
único reparo, es que no creo que un final feliz, sea en todos los casos,
además, un final sanador o reparador. De hecho, esta es precisamente
y tal y como nos ha acostumbrado Hollywood, en las historias filma-
das, una de las trampas más recurrentes: un “happy end” puede ser
una manera perversa, de no completar la reparación. Además, un
final sanador no necesariamente nos hace felices. Su objetivo no es
proporcionar la felicidad sino traer la paz, disolver la pelea interna.
Un cuento donde la crisis es por ejemplo, un problema de celos entre
hermanos, donde uno quiere matar al otro, malamente se va a repa-
rar encontrando un tesoro o acabándolo en boda. Un cuento que no
repara la situación que ha motivado la crisis, perpetúa el conflicto y la
violencia, y pide a gritos otra versión.
Como narradora oral yo ya me he rendido hace rato, y he acep-
tado mi responsabilidad para rescatar, actualizar o inventar finales
reparadores, a los cuentos que cuento. A veces duele hurgar en la
herida, pero el coraje y la toma de conciencia siempre tienen premio.
Más allá de las trampas del ego o de la búsqueda del aplauso, el re-
conocimiento o una remuneración digna, por nuestro trabajo, contar
cuentos es ante todo para mí, un camino de realización personal y
consecuentemente, de sanación. Una forma de mirarme y de mirar lo
que me rodea, al servicio de la vida y de la conciliación. Una manera
de estar en el mundo, a la que no sabría renunciar.
L

66
16 septiembre
octubre
Jorge Dubatti
Para redescubrir a
Goethe y Beckett
uchas veces el libro es un aliado del teatro. En Buenos
Aires se ha generado un doble acontecimiento en la bi-
blioteca teatral. Por un lado, las 600 páginas de Fausto
de J. W. von Goethe, texto completo de la primera y segunda parte, con
traducción en verso, introducción y notas de Miguel Vedda. Por otro,
la edición bilingüe de Asunción, el primer cuento de Samuel Beckett,
por el flamante sello EUFyL (Editorial Universitaria de la Facultad de
Filosofía y Letras), de la Universidad de Buenos Aires.
En los últimos tiempos la Colección Colihue Clásica, que coordina
Mariano Sverdloff, ha venido realizando sustanciales aportes a una
biblioteca teatral esencial: piezas de Eurípides, Anton Chéjov, Iván S.
Turguéniev, Alexander Pushkin, en valiosas traducciones directas de
las lenguas originales y con estudios, notas y apéndices críticos a car-
go de prestigiosos especialistas universitarios.
Acaba de sumarse a ese fecundo catálogo Fausto de J. W. von
Goethe, al cuidado de Vedda, profesor titular de Literatura Alemana
en la Universidad de Buenos Aires e investigador del CONICET. Estas
600 páginas de texto de Goethe, con 1204 notas al pie, un apéndice
de esquemas y esbozos, junto a otras condensadas 150 páginas de
estudio preliminar, constituyen un verdadero hito en la cultura, por al
menos tres razones que queremos detallar.
Primera: la vigencia del texto de Goethe y del mito de Fausto en la
contemporaneidad. Fausto es un clásico “histórico” de las primeras
décadas del siglo XIX, tanto la primera parte como la segunda, com-
puestas entre 1772 y 1831. Llamamos “histórico” al clásico insosla-
yable para comprender los procesos del teatro mundial, al clásico que
configura una época y como tal no puede ser ignorado. Pero Fausto
trasciende su época y proyecta su productividad hacia el futuro, es
también un clásico en otro sentido, acaso el más relevante: clásico “vi-
viente”, por su llamado a ser leído desde cualquier presente y en parti-
cular a ser reinterpretado en el siglo XXI, “viviente” por su significación
radiante para la vida mientras es vivida, hoy o en cualquier momento.
Su permanente disponibilidad estimulante. Recientemente presencia-
mos en el Festival Cervantino de Guanajuato, México, la maravillosa
versión del Fausto de Goethe del director esloveno Tomaz Pandur, en
clave política local, que transcurre en un escenario transformado en
una pileta llena de agua de unos diez centímetros de profundidad. Los
actores caminan en el agua, caen al agua, sus vestidos se empapan,
el chapoteo y las salpicaduras proponen una música, los movimientos
escenográficos generan corrientes y olas, las luces se reflejan en las
ondas y alcanzan con fantasmagorías el espacio de los espectadores
y el techo de la sala. Todos somos Fausto en la Eslovenia, en México y
en la Argentina contemporánea, por distintas razones y de diferentes
maneras. Por amor o por espanto, el mito fáustico está omnipresente
en la cultura argentina, de las páginas de Esteban Echeverría y Esta-
nislao del Campo a las piezas teatrales de Javier Villafañe, Pedro Or-
gambide, Alberto Adellach, Emeterio Cerro, Sixto Pondal Ríos y Carlos
Olivari, Guillermo Yanícola, Patricia Suárez y María Rosa Pfeiffer, entre
muchos textos más. Daniel Veronese planea actualmente emprender
una reescritura del Fausto goetheano. ¿Por qué tanta seducción y
horror en la cultura mundial por el pacto con el Mal?
Segunda: la magnífica traducción de Vedda, que supera las versio-
M
Fausto

67
16septiembre
octubre
Postales argentinas
nes anteriores en criterios de vertido
y en precisión semántica. A diferencia
de las ediciones de circulación reciente,
que prefirieron la prosa, Vedda traduce
en verso lo que fue escrito en verso por
Goethe, es decir, casi todo el texto de
Fausto salvo los pasajes finales de la
primera parte. Vedda enumera las difi-
cultades con las que se enfrentó y que
–celebramos- logró resolver exitosa-
mente: “la variedad métrica, el espectro
de registros –que van desde la lengua
vulgar y cotidiana hasta el estilo subli-
me-, la complejidad del contenido y, en
sí, las comprensibles divergencias entre
el alemán de la época de Goethe y el
castellano de comienzos del siglo XXI”.
Vedda prefiere no valerse de la rima
para la traducción de los pasajes rimados, lo justifica con inteligencia:
“Creemos que la determinación contraria no sólo violenta el sentido
del original sino que además –salvo honrosas y raras excepciones-
termina produciendo un texto estéticamente deficiente, cuando no
directamente caricaturesco”.
Tercera: la nueva traducción en verso no rimado, y muy especial-
mente el estudio preliminar y las notas de Vedda, permiten el hallazgo
de un Fausto de Goethe nunca antes leído. Las reflexiones de Vedda
sobre el proceso de composición de la obra, los vínculos entre li-
teratura y vitalismo, la tradición hermética, la dimensión de Fausto
en tanto tipo, o sobre la potencia universal del amor (que articula la
salvación final de Fausto), enriquecen las perspectivas del lector. Lo
mismo puede decirse de las abundantes notas, en las que conecta el
texto de Fausto con el resto de la obra de Goethe, con su pensamiento
y su circunstancia. Estudio preliminar y notas son de lectura ineludible,
proveen herramientas de auténtica multiplicación.
En suma, tres razones que invitan a descubrir o redescubrir esta
obra monumental de un autor viviente.
Hay en la Argentina auténtica pasión teatral por Samuel Beckett, de
cuyo nacimiento se cumplen en 2016 110 años. Ya en 1954 se publica
en Buenos Aires la primera traducción al castellano de Esperando a
Godot, en versión de Pablo Palant, revisada por Beckett. En 1956
Jorge Petraglia monta la primera puesta de la misma pieza, también
en Buenos Aires. Desde entonces, las obras de Beckett se llevan a es-
cena una y otra vez, y cada vez con mayor frecuencia, sea en las salas
abiertas al público o en la intimidad de los talleres y clases de teatro.
En Buenos Aires se están presentando la versión de Esperando a
Godot del director Rubén Pires y otros tres espectáculos sobre textos
beckettianos. El autor de Final de partida es una clave insoslayable
para analizar Terrenal de Mauricio Kartun. Los textos de Beckett apa-
recen reelaborados en la dramaturgia nacional de muy diversas ma-
neras, baste recordar La espera trágica de Eduardo Pavlovsky, El viejo
criado de Roberto Cossa o La China de Sergio Bizzio y Daniel Guebel.
Beckett y sus creaciones han dado nombre a revistas, salas teatrales
y bares. Desde hace diez años se realiza el Festival Beckett Buenos
Aires, con dirección de Patricio Orozco, autor de una biografía del es-
critor irlandés. Pero el interés por la producción de Beckett excede el
teatro, es integral: abarca la narrativa, los ensayos, la poesía, el cine.
Así lo demuestran las páginas de la Revista Beckettiana, creada por
Laura Cerrato en la Universidad de Buenos Aires, de la que acaba de
salir un nuevo número. También la re-
ciente publicación bilingüe de Asunción,
el primer cuento de Beckett.
“Assumption” se publicó en 1929 en
transition, revista de literatura experi-
mental editada y distribuida en París por
Shakespeare Company, entre 1927 y
1938. El hermoso libro impreso por la
Facultad de Filosofía y Letras de la UBA
rescata el texto original en inglés y lo
acompaña con la traducción al caste-
llano de José Francisco Fernández (co-
nocido por su traducción de las novelas
de Beckett Mercier y Camier y, junto con
MiguelMartínez-Lage,de Sueñoconmu-
jeres que ni fu ni fa), una introducción de
Lucas Margarit (profesor de Literatura
Inglesa en la UBA) y un revelador epí-
logo de James Donald O’Hara –traducido por María Inés Castagnino–.
Profesor de la Universidad de Connecticut, O’Hara relaciona el texto de
Beckett con “dos fuentes insospechadas”: el novelista Honoré de Balzac
y el filósofo Swedenborg.
Asunción es un relato fascinante, en el que ya están inscriptas imá-
genes y preocupaciones de la producción posterior de Beckett. La
voz narrativa refiere a un artista encerrado en su habitación, que
apartado del mundo –como en una epojé cartesiana, tan frecuente
en obras beckettianas de años siguientes–, reflexiona con angustia
sobre la creación artística, la auto-percepción y las relaciones entre
el mundo y la conciencia. De pronto su soledad es interrumpida por la
presencia de una mujer, en cuyos brazos acaba muriendo.
Asunción es, por un lado, un cuento meta-literario, una elíptica y pro-
funda reflexión sobre el proceso creador, la escritura y el asumir –de
allí el título– la existencia del artista. “El arte más excelso” –piensa el
personaje– no es el que busca estrategias para conseguir determina-
dos efectos en el público lector, sino el que “reduce su significado hasta
alcanzar esa perfección inexplicable que nos hace estallar”. El personaje
opone “el placer de lo Bonito” a “el dolor de lo Bello” y persigue la
conexión entre micro y macrocosmos, percibe “su deseo de ser liberado
en un soberbio grito ebrio que se fundiera con el desorden cósmico”.
Dejar entrar el caos, construir ausencia, despalabrarse, convertir en
poética la experiencia del fracaso de “ese proceso absurdo, extrava-
gantemente absurdo, como cocer un huevo en una hoguera”.
Por otro, Asunción parece un texto alegórico, que opone corteza y
meollo, que hay que leer en clave interpretativa, en el que hombre y
mujer asumen la conexión con moldes míticos, arquetípicos, o la re-
presentación de contenidos filosóficos. La muerte final no es real sino
simbólica, implica asumir una transfiguración y renacimiento espiritual.
En esta dirección escribe O’Hara: “Asunción tiene que ver con asuntos
espirituales, cuya presentación Beckett basa en Les Proscrits (1831),
Louis Lambert (1832) y Séraphita (1834-1835), de Balzac. Estos
asuntos espirituales son evocados en Les Proscrits por medio de lo
que se llama ‘la Mística’, que incluye ‘la gran secta de los Extáticos’,
y de su personaje principal. En las otras novelas los personajes y
acontecimientos ponen en práctica y disertan sobre ideas tomadas de
los voluminosos escritos de Swedenborg. Las tres novelas de Balzac
fueron a menudo publicadas como Estudios filosóficos”. En suma, una
edición que contribuye a multiplicar la pasión argentina por Beckett, en
esta ocasión en busca de los orígenes del escritor.
Terrenal

68
16 septiembre
octubre
El método griegoMaría Chatziemmanouil
16 septiembre
octubre
Teatro Nacional de Grecia:
visión y renovación
a temporada 2016-17 será
prácticamente la primera que
Stacis Livacinós pondrá en
marcha su programa como di-
rector artístico de la primera escena del
país, dado que en la temporada 2015-16,
estando él al frente de la institución, fue
obligado a aplicar el programa elaborado
por la dirección artística anterior. Livaci-
nós, el director de la grandiosa “Ilíada” que el público español co-
noció en Mérida y en el CDN en verano de 2014, estará al timón del
TNG durante los tres próximos años. Su filosofía y su visión consiste
en que “el papel de un Teatro Nacional, no es sólo estrenar buenos
montajes; eso lo pueden hacer otras organizaciones o instituciones
culturales privadas. El TN debe fomentar la cooperación entre las
instituciones culturales del país y crear las condiciones susceptibles
de producir cultura.” Su política cultural se implementa esencialmen-
te en tres direcciones:
1. Educación
El objetivo es la mejora del nivel educativo de la Escuela Dramática
del TNG y el establecimiento en su seno (por primera vez en Grecia) de
departamentos de Dirección y de Escenografía.
2. Colaboraciones a nivel nacional
Colaboraciones con otros organismos culturales griegos, públicos
o privados, en el marco de la producción de espectáculos y la orga-
nización de otras actividades, e.g. el Teatro Municipal del Pireo, el
Museo Benaki, la Ópera Nacional, el Instituto Francés, etc.
En este contexto, cabe mencionar especialmente la colaboración
con el Teatro de Arte de Atenas. Los dos pilares históricos de la vida
teatral de la capital van a colaborar en la producción de una trilo-
gía emblemática de la literatura neogriega: “Ciudades a la deriva” de
Stratís Tsircas (que consiste en tres novelas, “El club”, “Ariagni” y “El
murciélago”, publicadas entre 1961 y 1965). Tres ciudades, Jerusa-
lén, El Cairo y Alejandría, constituyen el escenario en el que se entre-
mezclan —en una compleja red de relaciones de poder— militares
y civiles, nativos y refugiados, políticos y espías, comunistas, liberales
y fascistas, europeos, árabes y judíos, idealistas y cínicos, víctimas y
verdugos. Espacio de encuentro entre historia y ficción, novela-río de
múltiples dimensiones, la trilogía (traducida al castellano y publicada
por Ediciones Cátedra en 2011) está regida por la pregunta si «éste»
era el mundo por el que se llevó a cabo la guerra contra el fascismo.
3. Colaboraciones a nivel internacional
Con su mirada fijada siempre en Europa y el mundo, el TNG inau-
guró en junio pasado en Delfos un taller
internacional sobre la actuación en la
tragedia y la comedia. Ese taller, para ac-
tores hasta 30 años, tendrá lugar cada
verano en la misma ciudad, dirigido por
la gran actriz griega Lydía Coniórdu, con-
tando con la participación de los mejores
especialistas de todo el mundo.
En septiembre está invitado al TNG el
teatro de San Petersburgo con 3 montajes: “El casamiento de Gógol”
con dirección de Yury Butusov, “Macbeth” de Shakespeare con direc-
ción de Luk Perceval y “Los hermanos Karamázov” de Dostoyevski con
dirección de Evgeniya Safonova.
Asimismo, la co-producción del TNG con el Teatro Vajtangkov de
Moscú que se estrenó en Epidáuro en julio dirigido por Rimas Túminas
(un espléndido montaje), se estrenará en Moscú en noviembre.
Las producciones
De las cuatro escenas del TNG, una permanecerá cerrada este año
para que se realice la restauración necesaria que le permitirá acoger
montajes para jóvenes y niños en la temporada 2017-18. De las otras
tres (aparte de las producciones ya mencionadas), en la Escena Princi-
pal se estrenarán: “Noche de Reyes” de Shakespeare, “Deseos bajo los
olmos” de O´Neil, “Nuestra clase” de Slobotzianek y “El príncipe feliz”
de Oscar Wilde (para niños).
La Nueva Escena se transforma este año en el “hogar” de la
dramaturgia griega, con 3 versiones de obras emblemáticas de
nuestra historia teatral y con 4 estrenos de obras de autores vivos
(“el autor del mes”).
En la escena “Rex” las producciones van a combinar el teatro con la
música o/y la danza. Entre sus 4 producciones cabe destacar una ex-
perimentación musical de Ceódoros Abazis sobre “Los endemoniados”
de Dostoyevski.
“El contenedor”, una escena teatral móvil en los distintos barrios de
Atenas, será una nueva iniciativa de un interés particular, dirigida por Efi
Ceodóru. Una historia, un mito, un cuento, fragmentos de la literatura y
de la poesía griega; un pequeño grupo de actores a poca distancia de
un pequeño grupo de espectadores: una actividad que conecta direc-
tamente el TNG con la ciudad, en búsqueda de un público que quizás no
tenga el dinero o las ganas de ir al teatro.
El programa de la refundada Escena Experimental se espera con
máximo interés a principios de septiembre.
En la rueda de prensa-presentación del programa, el director
artístico del TNG recordó las palabras de Arian Mnushkin: “”La
utopía no es lo que no se puede realizar, sino lo que todavía no se
ha realizado”. Creo que en un país en el que todo parece ir de mal
en peor, es bueno que haya gente en posiciones clave que siga
persiguiendo cualquier utopía.”
L

16septiembre
octubre
69
16septiembre
octubre
El lado oscuro Jaume Colomer
Segmentación de públicos para
una gestión personalizada
ué beneficios comporta la segmentación de públicos?
Si la gestión personalizada de los públicos, de acuerdo
con el marketing relacional, es la mejor manera de con-
seguir la satisfacción de sus expectativas y, en consecuencia, el incre-
mento y la continuidad de su consumo, una segmentación adecuada
es el primer paso.
Morris Hargreaves Mcintyre, autor del modelo Culture Segments, con-
sidera que “nuestros mercados se componen de individuos que son
infinitamente diferentes, los motivos por los que están interesados en
lo que les podamos ofrecer son muy variados y, además, les impul-
san necesidades diferentes. En un mundo ideal, confeccionaríamos a
la medida de cada uno de los individuos, nuestras comunicaciones y
todo lo que ofrecemos. Pero esto no es práctico. La segmentación, sin
embargo, es una solución pragmática. Es una manera de agrupar, a
los miembros de una audiencia particular, en grupos de tamaño ma-
nejable, a los que puede dirigirse uno según sus necesidades especí-
ficas, sus deseos y motivaciones”. Estas agrupaciones las podemos
realizar a partir de variables de segmentación.
¿Cuáles son las principales variables de segmentación?
A partir de varios estudios podemos considerar que, entre otras, son
importantes las siguientes variables:
• La edad/generación/estilo de vida y valores: niños, adolescentes,
jóvenes (de la generación Y1
, adultos (de la generación X2
o de la
generación Baby Boomer3
) y personas mayores4
. Cada generación
adopta y mantiene a lo largo de los años un estilo de vida, unos
valores y una estética que determinan sus intereses y hábitos de
consumo cultural.
• El resultado que buscan: diversión, juego intelectual, emotividad,
impacto estético, conocimiento de la dramaturgia local o universal,
creación o refuerzo de relaciones sociales, etc. Estos beneficios
buscados son susceptibles de ser combinados entre ellos.
• Las preferencias artísticas: el lenguaje y el género (teatro de come-
dia o musical, danza clásica o contemporánea, ópera, circo, música
clásica o contemporánea, etc...) o el estilo (convencional, mediático,
tradicional, alternativo o experimental). La preferencia por propues-
tas más convencionales o alternativas la argumentó Bernard Lahire
con su teoría de la disonancia cultural.
• El estadio de la demanda: demanda inexistente o latente, activa
ocasional o regular (de baja o alta frecuencia5
). Esta variable está
altamente correlacionada con el nivel de estudios (a mayor nivel ma-
yor frecuencia de consumo) y condicionada por el entorno social en
el que se ha desarrollado la primera socialización (según la teoría
del clasismo de Bourdieu).
También podríamos apuntar ciertas circunstancias personales, como
la situación laboral (asalariado, autónomo, jubilado, en paro) o la
situación familiar (single, pareja sin cargas familiares, miembro de
núcleo familiar con cargas de ascendientes o descendientes) que con-
dicionan no sólo el tiempo disponible sino también la motivación para
el consumo cultural. También podríamos distinguir entre distintos re-
gímenes de consumo: omnívoros, monívoros y paucívoros, de acuerdo
con la lógica explicativa de Richard Peterson.
Para definir segmentos se pueden cruzar variables:
A.Adultos de la generación X, espectadores habituales, con respon-
sabilidades familiares, que buscan diversión y les gusta el teatro de
comedia de estilo convencional.
B. Jóvenes de la generación del Milenio, espectadores ocasionales
omnívoros que buscan emotividad y les gusta el teatro de texto
alternativo de autores contemporáneos comprometidos con el
cambio social.
C. Adultos de la generación Baby Boomer a quiénes gusta la música
clásica por su impacto estético.
¿Cuál es el modelo de segmentación más adecuado para las artes
escénicas?
Hay varios modelos de segmentación en el mercado. Los tradiciona-
les se basan en variables sociodemográficas o en la frecuencia de
consumo. Pero hay nuevas propuestas que se basan más en aspec-
tos subjetivos, como los valores, creencias, estilos de vida, etc. que
son más difíciles de conocer. Uno de los modelos más innovadores y
utilizados es el que propone Morris Hargraves McIntyre llamado Cul-
ture Segments (http://mhminsight.com/static/pdfs/culture-segments/
es.pdf) que propone 8 perfiles de consumo basados “tanto en lo que
las personas creen sobre el papel que la cultura juega en sus vidas,
como en sus arraigados valores culturales” para “llegar al fondo de
lo que les motiva”.
¿Q
1.- Generación Y o del Milenio (nacidos entre los años 1980 y 2000, ahora tienen entre 16 y 35 años).
2.- Generación X (nacidos entre los años 1965 y 1980), ahora tienen entre 36 y 50 años.
3.- Generación Baby Boomer (nacidos entre los años 1945 y 1965, ahora tienen entre 50 y 70 años).
4.- Podemos considerar personas mayores a los que tienen más de 70 años.
5.- Una variante de la frecuencia es el histórico acumulado: los que han venido una sola vez, los que han repetido dos o tres veces o los
que han venido muchas veces.
6.- En algunos proyectos se definen los siguientes segmentos estratégicos: niños, adolescentes, jóvenes i adultos ocasionales, asiduos,
abonados, personas mayores.
7.- Por ejemplo: espectadores que han asistido una sola vez y no han repetido, espectadores que habitualmente leen los emails que les
enviamos, espectadores que han asistido más de cinco veces a obras de teatro musical, etc.

70
16 septiembre
octubre
Piedra de sacrificioJaime Chabaud
16 septiembre
octubre
Sistema de teatros CDMX
asbuenasgestiones siempre seránnotorias sila imaginación
intermedia. De 2013 a 1016, los espacios del Sistema de
Teatros (ST) de la Ciudad de México (CDMX) han recibido
a 643.385 espectadores, según numeralia oficial. Ciertamente inclu-
ye espacios alternativos y plazas públicas que multiplican la labor que
se realiza en los Teatros Sergio Magaña, Benito Juárez y de la Ciudad
“Esperanza Iris”. Las 4.747 funciones que se han dado en el mismo
periodo, desde que el poeta Eduardo Vázquez tomara a su cargo la
Secretaría de Cultura local y ratificara a Ángel Ancona como Coordinador
del ST, han dado un nuevo ímpetu a la cultura escénica de la capital. Si
bien no es nuevo y desde la administración anterior, con Nina Serratos al
frente del ST, hubo una intensificación muy importante, ahora pareciera
perfilarse la política en difusión de las ar-
tes escénicas hacia nuevos rumbos con
ideas con empuje y garra.
En esta administración se ha busca-
do una mayor interacción entre artistas
y sociedad y es por ello que tanto los
Asaltos Artísticos implementados en el
Sistema de Transporte Colectivo METRO
(intervenciones en estaciones del subte-
rráneo de música, teatro, ópera y danza
que quien esto escribe inventó cuando
era funcionario de la Universidad Autó-
nomaMetropolitanadelamanodeAnco-
na y el hoy diputado Alfonso Suárez del
Real) y el Teatro en Plazas Públicas han
sido herramientas para sacar de los recintos de prestigio cultural pro-
puestas artísticas que van a la caza de nuevos espectadores. Esto de
ninguna manera ha impedido que nuevos discursos escénicos convivan
tanto en esos programas como en los escenarios formales. De hecho
la diversidad de estéticas y procedimientos artísticos ha sido la norma.
Desde música cardenche del norte de México o danza folklórica hasta
las más vanguardistas expresiones en un amplio diapasón, han sido
parte del proyecto cultural del ST. Tampoco han sido pocas las gestiones
para apoyar grupos independientes como la iniciativa para que se reca-
tegoricen los espacios culturales en la infame Ley de Establecimientos
Mercantiles de la CDMX que sólo propicia la extorsión permanente de las
autoridades delegacionales.
Jaime Chabaud: ¿Qué significa para las comunidades de artes escéni-
cas las políticas públicas del ST de la SC?
Ángel Ancona: Como Sistema de Teatros no podemos hablar en nom-
bre de la Comunidad Artística para decir qué significan para ellos nues-
tras políticas públicas, pero podemos decir qué significa la Comunidad
Artística para nuestras políticas públicas. El ST ha impuesto como una de
las políticas principales el empleo de una convocatoria de programación
que tiene como objetivo abrir a las diferentes comunidades artísticas de
cada disciplina la posibilidad de participar en conjunto para la población
de la Ciudad de México. Para el ST la Comunidad Artística es el principal
cómplice para lograr, como objetivo final, que el discurso que elabore-
mos en conjunto encuentre un eco en la sociedad y pueda transformar
la cotidianidad fortaleciendo la identidad que nos conecta.
Jaime Chabaud: En la ciudad más grande del mundo y una de las más
pobladas, ¿cuáles pueden ser los alcances de ST?
Ángel Ancona: Uno de las virtudes de ser parte de una de las ciuda-
des más grandes del mundo es que la producción escénica y los dis-
cursos artísticos se multiplican de la misma forma. El ST tiene como
objetivo hacer visibles esos discursos a través de la consolidación de
las compañías locales de artes escénicas a través de su programación
en los recintos que opera así como a través de los diferentes proyectos
que comparte con otras instituciones para sacar las expresiones escé-
nicas de los foros cerrados y confrontarlos directamente al público en
su espacio más inmediato, cotidiano incluso. De esta manera se busca
que el alcance real de la labor de esta Coordinación se lleve a cabo con
una programación constante, variada y
profesional en teatros, calles, estaciones
de metro, espacios alternativos y demás
formas de divulgación que se tiene.
Jaime Chabaud: ¿Cuáles son los retos,
más allá de los burocráticos, presupues-
ta les y espaciales del ST?
Ángel Ancona: Se puede ubicar en dos
campos los retos que tiene esta institu-
ción, aquellos que se relacionan con su
interacción interna y aquellos que se co-
nectan con la comunidad directamente.
En lo interno es necesario lograr que la
reglamentación que rige a los espacios
tanto públicos como privados se actuali-
ce y permita mayor competitividad de todos los actores que participan
en las empresas culturales consolidadas y recién establecidas. El reto
correspondiente a la relación entre el ST y su entorno es instalarse en
el imaginario social como una institución que ofrece productos artísti-
cos de calidad que al mismo tiempo son accesibles. El objetivo es ser
un punto de referencia tanto para la comunidad artística como para la
población en general.
Jaime Chabaud: ¿Qué crees que requiere CDMX para un verdadero
acceso ciudadano a las artes escénicas?
Ángel Ancona: La CDMX tiene una de las ofertas culturales más rica
y accesible del mundo, sin embargo necesita descentralizarse para
generar múltiples células culturales que funcionen de forma autosus-
tentable y ayuden a reforzar el bienestar social dentro de la comuni-
dad en donde se sitúen.
Las dificultades que Ancona enfrenta no son pocas: una buro-
cracia aterradora que hace que los pagos a artistas salgan has-
ta con un año de retraso, pocos espacios teatrales formales qué
programar (urgiría plantear un programa de rescate de espacios
teatrales de la CDMX), escases de personal, un aparato de difusión
con estrecheces y falta de recursos para extender la tarea. Y no
obstante, en el breve lapso que lleva al frente de su cargo podemos
decir, al igual que en la administración anterior de la Secretaría de
Cultura, el Sistema de Teatros es la joya de la corona. No son fáciles
los retos. Urge crecer su infraestructura y presupuesto. Los logros
hablan solos. Honor a quien honor merece.
L

16septiembre
octubre
71
16septiembre
octubre
Cronicón de Villán... y corte Javier Villán
El mapa teatral de España
unca afronté, ni siquiera cuando era joven, una
aventura teatral de la envergadura del reciente
mes de julio. Recorrer durante un mes los cua-
tro festivales más importantes de Iberia: Almagro, Mérida, Almada
(Lisboa) y Olmedo. Naturalmente, incompletos. O sea, cubrir casi
todo el mapa teatral de esta reseca piel de toro que, aparte de su
barbarie taurina como dicen sensibilísimos animalistas, es también la
patria de Cervantes y de Lope de Vega. Abundantes muestras cer-
vantescas o cervantinas se han visto estos días en los escenarios
españoles. Y shakesperianas, pues si parejos fueron en cronología
e historia (IV Centenario), puntos de contacto tuvieron también sus
vidas teatrales; magna la vida de Shakespeare y más modesta y
precaria la del manco de Lepanto. Con todo, sigo defendiendo lo
que muchos consideran herejía: que al teatro español sería otro, yo
creo que mejor, de haber seguido el camino de Cervantes y no el de
Lope, preludio y pauta de la comercialidad y la evasión. Releo los
entremeses de Cervantes y sigo admirándome de la genialidad de
casi todos; de su humor y su ironía. Pasatiempo con el transfondo
humano de los personajes y la infinita compasión de don Miguel.
Cervantes o la libertad. El virus de la cervantina que dicen los de
Ron LaLá y que debiera recorrer España del uno al otro confín.
Naturalmente, mi paso por los festivales ha sido fugaz, lo estricta-
mente necesario para tomarles el pulso y ver lo más señalado de los
mismos que no vendrá a Madrid. A mi entender, los festivales tienen
un doble misión: escaparate de producciones con vocación de con-
tinuidad, y misión investigadora de esa parte del campo escénico
que no puede afrontar el circuito comercial.
La estancia en Almagro coincide necesariamente con las Jornadas
de críticos e informadores teatrales que organiza la Unir. Suelen ser
debates intensos, calientes y sin que llegue a debatirse en profundi-
dad la posible diferencia entre críticos e informadores. Respecto a
la posible formación teatral y los conocimientos de ambos colectivos,
mi convicción es que pueden ser parecidos, -depende del crítico, del
aristarco, y del informador- pero con distintos fines. Con frecuencia
la información invade el campo de la crítica y, a menudo, la crítica
utiliza abundante información histórica. Si el informador ha tenido
acceso a algún ensayo, está en condiciones de emitir un juicio en las
llamadas previas. Si no, es la correa de transmisión de los gabinetes
de prensa de las compañías. Estos y los productores prefieren que
los periodistas no vean ensayos y se atengan al material oficial.
Hace tiempo le escuché a un poderoso empresario que una pre-
via en un periódico, le beneficia más que una crítica de cuatro es-
trellas al dia siguiente del estreno. Como parte interesada que soy,
dejémoslo ahí. Por parte del sector crítico estábamos Javier Vallejo,
de El País; Ignacio García Garzón, de ABC, y el que suscribe; o sea
Javier Villán, de El Mundo. Por parte de la información Esther Alva-
rado, Catalán Deus, Raúl Losánez, Julio Bravo, Daniel Galindo……y
alguno/a más. De invitado de honor, el autor Borja Ortiz de Gondra a
punto de estrenar en el CDN su última obra, Los Gondrá. Una familia
vasca. Borja se implicó enseguida en las discusiones, obviando con
evidente generosidad, su obra por la que, como periodistas, todos
queríamos saber algo Como conozco el texto hace dos o tres años,
hago una síntesis brevísima; cuenta la obsesión que tenemos los
españoles a matarnos cada treinta o cuarenta años. Y es la historia
de una familia vasca, desde las guerras carlistas del XIX hasta la
guerra de Eta. Borja pudo comprobar la diversidad y la divergencia
de opiniones entre la tropa periodística lo que, probablemente, le
trazó el mapa de lo que le espera a su intenso, polémico y áspe-
ro texto; probablemente Los Gondra no contentará a nadie; ni a la
rama más híspida del nacionalismo de las pistolas y las bombas, ni
a la más suave del diálogo político, ni probablemente a los nacio-
nalistas españoles. Profundo desgarramiento en Euzkadi, profunda
curiosidad y recelo en Madrid.
La triunfadora del Festival, Concha Velasco; por el premio y por
su papel en Reina Juana. Almagro, además, tiene para mí un recibi-
miento fastuoso. Hace tres años descubrí los Apartamentos Arroyo
que tienen una profunda raíz clásica a tono con el ambiente de
todo el festival, cuatro nada más: Calderón de la Barca, Lope de
Vega, Tirso de Molina y Cervantes. Antonio me reserva siempre el
Calderón.
Mérida fue un accidente en el camino a Almada. Había dos es-
pectáculos estrella dentro de la atractiva programación de Cimarro:
Alejandro Magno y Lisístrata, la guerra de las mujeres. Alejandro
Magno me pareció deplorable, no por la historia en sí, ni por la
versión de Eduardo Galán y Luque, sino por todo lo demás, en es-
pecial por la interpretación. Un reparto televisivo para adictos a la
caja tonta. Y, en líneas generales, los actores y actrices de televisión
desconocen el arte de interpretar en escena. Lisístrata ya no tuve
oportunidad de verla. Ejercer la crítica de teatro empieza ser un
deporte de alto riesgo en algunos sectores y entre algunas perso-
nas que no nombro. ¡!Y yo que me quejaba de la intolerancia de los
apoderados de toreros!!.
Almada era otra historia. Iba de “estrella invitada” por haberme
otorgado el premio Carlos Porto, cuyo nombre sigue siendo un refe-
rente inexcusable en el teatro portugués. Rodrigo Francisco, direc-
tor del Festival me hizo el honor de la presentación. Y cuando dije
que consideraba el premio justo y merecido y no podía cometer la
descortesía de negarle autoridad al jurado que me lo dio, el teatro
de vino abajo de aplausos y carcajadas. No pude sustraerme al en-
canto, a la belleza plástica y al ingenio de El Feo, la única función que
pude ver, por exigencias de tiempo. Me impongo el deber de asistir
el próximo año a la mayor parte del Festival; ir a Almada para una
función y para recibir un premio, es un despilfarro. Tampoco puedo
sustraerme a la multiforme vivacidad de cuatro intérpretes en es-
tado de gracia: María Joao Falcao, Andre Pardal, Joao Ferrán, Joao
Tempera. El feo es un texto de Marius von Mayemburg, en versión
de Elena Probst y Rodrigo Francisco, dirigido por Toni Cafiero, que
hace un verdadero alarde de sensibilidad y de autoridad. Es de una
comicidad patética, un ejercicio de belleza plástica; un ritmo vertigi-
noso de vodevil con injertos de alta comedia. Y con una fibra fuerte
y estilizada del absurdo puro. Cuatro intérpretes, para más de una
veintena de personajes. Y no me resisto a destacar, en una línea
común de escuela actoral, el poliformismo, la proteica flexibilidad,
de María Joao Falcao.
N

72
16 septiembre
octubre
Las LejaníasCarlos Be
16 septiembre
octubre
Mes de la Lectura de Autor
ntes de entrar a Kouzelný cirkus –será la segunda vez
que veo este espectáculo inclasificable cuyos artífices, Jan
Švankmajer y Josef Svoboda entre otros, lograron que,
habiéndose estrenado en 1977, siga representándose en la actua-
lidad. Cuentan en su haber con más de 6.300 representaciones, a
saber cuántos elencos habrán pasado por sus filas– me cruzo en la
cafetería del Teatro Nacional con David Llorente, autor español afinca-
do en Praga. Él, como yo, también participó en el Mes de la Lectura
de Autor que se celebró entre julio y
agosto en Chequia, Polonia, Eslovaquia
y Ucrania. Recordamos entre risas la
conducción del chófer ucraniano, ahora
nos hace gracia pero en su momento
los tuvimos por corbata, el chófer si-
tuándose a más de cien kilómetros por
hora en el carril contrario para adelan-
tar durante centenares de metros a la
hilera de automóviles que nos precedía,
nosotros confiándonos a saber quién
por tal que no apareciera un solo vehí-
culo en contradirección, y es que había
que llegar a la hora prevista a Leópolis
a cualquier precio.
Ésta y más anécdotas, algunas
compartidas entre varios autores y
otras individuales, colmaron un viaje
de cinco días que permitió divulgar las
creaciones de treinta y un escritores
españoles y otros tantos procedentes de los países anfitriones en
teatros, bibliotecas nacionales, antros undergrounds y centros cul-
turales de Brno, Breslavia, Ostrava, Košice y Leópolis. El próximo
año invitarán a treinta y un autores de Georgia, y por las ediciones
anteriores ya han pasado Alemania, Bielorrusia, Austria, Francia,
Luxemburgo, Suiza y Escocia: una iniciativa fabulosa para dar a co-
nocer la obra de un amplio crisol de autores (en el caso de los espa-
ñoles, procedíamos de diversas comunidades autónomas y también
combinábamos diferentes géneros literarios), una muestra suficien-
temente representativa en gira por países abiertos al conocimiento
y otras culturas, como se comprobaba nada más llegar a cada sede,
donde un despliegue de intérpretes, traductores, periodistas y vo-
luntarios nos acogían con los brazos abiertos y un interés real en la
mirada, algo que honra y se agradece, porque llegar a una ciudad
desconocida siempre implica cierto desarraigo que hiela un poco
la piel a pesar de los días soleados que lucían por fechas fechas el
centro de Europa.
¿Quién puede estar detrás de semejante disparate: sesenta y dos
escritores dando vueltas casi simultáneamente durante un mes por
cuatro países? Nada más y nada menos que a una pequeña, peque-
ña en tamaño pero enorme en vocación, editorial checa que en un
alarde de energía, entusiasmo y gracias a tan maravillosa idea han
conseguido los apoyos necesarios para configurar una organización
excelente al tiempo que enormemente humana y generosa. Y además
te publican un libro. Y te graban un cortometraje documental sobre
el texto que se presenta en las lecturas, en mi caso el monólogo in-
édito A Margarita, que se publicará antes en checo que en castellano
o catalán, no me extrañaría nada. Allí estábamos Carme Riera, Rosa
Montero, Lluís Anton-Baulenas, Adolfo García Ortega, David Llorente,
Jesús Ruiz Mantilla, Lorenzo Silva, Ignacio Vidal-Folch, y muchos más.
Fernando Arrabal debía venir pero no pudo en el último momento.
La primera parada es en Brno, en el teatro alternativo Husa na prova-
zku, “El ganso amarrado” en castellano,
un teatro que para empezar se ubica en
la plaza mayor de la capital de Moravia
–seguid tomando nota o bien citadme
cuántos teatros alternativos así cono-
cemos en nuestro país, por favor–, casi
puerta con puerta con el Teatro Nacio-
nal de esta región de tres millones de
habitantes. Al día siguiente volvíamos a
leer media hora de nuestra obra ante
un público entregado en la Mediateka,
complejo cultural perteneciente a la Bi-
blioteca Nacional de Breslavia, Polonia,
y además descubrimos que estamos
incluidos dentro de la programación de
Breslavia 2016, Capital Cultural Europea
este año en curso. Una nueva entrevista,
un nuevo coloquio con los espectadores
y al hotel, que al día siguiente tocaba re-
gresar a Chequia, al Absintový klub Les,
un bar underground en la capital de Silesia donde después de la lectura,
talcomopuedededucirseporsunombre,laabsentacorríasinpararpor
la barra. El cuarto día nos sitúa en la Biblioteca de Košice, segunda ciu-
dad en importancia de Eslovaquia, con su paseo lleno de colores y mira-
das. Por error, cómo si no, me planto en la puerta de la casa de Sándor
Márai. Y al día siguiente cruzamos la aduana para entrar en Ucrania, un
país dividido por la guerra, de maravillas ocultas y otras expuestas casi
a la fuerza, desgarradas por la miseria humana, y conocemos Leópolis,
una ciudad con un castillo que no existe, pero con unas vistas preciosas
y un alma que pide y conseguirá volar, y lo hará y muy lejos. En Dzyga
leo en un salón repleto de espectadores y al final nos tienen que echar a
todos de la tarima porque había programado un concierto y nos hemos
pasado de la hora, y en la terraza situada al final de un callejón del casco
antiguo seguimos hablando y me piden el manuscrito de A Margarita,
realmente destrozado tras cinco días de lecturas, anotaciones varias,
ceraydemás,yveocomoselollevanabrazadoalpechohacialaparada
de autobús y la noche lo apaga todo un día más.
Un agradecimiento y una lección antes de terminar. Muchas gracias a
la organización del Mes de la Lectura de Autor, con Renata Obadálková
siempre velando por nosotros, a las anfitrionas en cada sede y a las
traductoras Iveta Gonzálezová, Ilona Narebska e Irina Yevdokimova. Sin
todas ellas y muchas más –y mantengo el femenino porque la mayoría
fueron mujeres–, este viaje no hubiera sido posible. Ah, y la lección: La
vida es la que más te regala; así pues, no esperes más que vivir.
A

16septiembre
octubre
73
16septiembre
octubre
Noticias desde los fiordos Víctor Criado
Del “como si” al “como que”
sa fue mi primera reflexión, que surgió de modo casi
inconsciente, observando a un actor interpretar un papel
que muchos años antes yo mismo había trabajado (du-
rante más de cuatro años tuve la oportunidad de jugar-indagar-pro-
fundizar-mejorar ese personaje). La nostalgia es un filtro peligroso
que puede deformar los ojos del afectado, pero en aquel momen-
to, como espectador, considero que el veneno no estaba haciendo
demasiado efecto, o quizás lo que sucedió fue que el antídoto, en
forma de curiosidad, contrarrestó sus efectos.
Sea como fuere aquel actor, famoso, de los que salen en la tv y el
cine, pero que quieren hacer teatro, interpretaba el rol de un ena-
morado con evidente falta de emoción-credibilidad-entrega... Aquí
entra en acción el término “como si” que Stanislavski desarrolló en
su teoría sobre el arte de la interpretación del actor; actúa, acon-
seja el director, el personaje en las circunstancias dadas a través
del “como si”. Un término lingüístico que trata de contener en su
fórmula verbal el elixir mágico del arte teatral. Un concepto que nos
remite a la empatía; esa capacidad de ponernos en la situación del
otro para, en el caso del actor, ser ese otro ante los espectadores
que, aun sabiendo que la convención adoptada es una represen-
tación, está dispuesto a aceptarla como verdad siempre y cuando
ese “como si” cumpla su función. El actor debe actuar su personaje
tratando de hacer algo “como si” estuviera enamorado.
El problema de muchos actores es que en demasiadas ocasio-
nes sustituimos ese mágico concepto que Stanislavski se sacó de la
chistera de su experiencia, por este otro, mucho menos convincente,
aunque quizás a bote pronto más efectivo: el “como que”. Voy a
actuar “como que estoy enamorado” en el caso del actor que yo
comento. Con lo que la empatía queda sustituida por la imitación y
ahí (influidos como estamos por un incesante bombardeo de estí-
mulos visuales y de modelos preconcebidos) surge el estereotipo, la
imagen preestablecida. Algo que nuestra imaginación empobrecida,
devastada por ese bombardeo inclemente, convierte en cliché.
Durante unos cuantos siglos el cliché, como forma artística, cum-
plió su función. El público, a través de una serie de formas acepta-
das lograba disfrutar con ese código establecido. Pero a partir de
Stanislavski (poco antes algunos otros ya lo habían intuido) la cues-
tión se hizo más compleja y ser actor exigió un grado de sinceridad
que tuviese su reflejo en la forma expresiva. El “como que” había
sido expulsado de la escena por el “como si”, a pesar de su obsti-
nado intento en permanecer. Pero el público, cuando ha degustado
el rotundo sabor de la verdad paradójica que es el teatro (entre
otras muchas cosas), ya no puede conmoverse con un cliché más o
menos bien ejecutado. Y a pesar de la ayuda que la fama concede
a este actor, en forma de positiva suposición (si sale en la tv, o el
cine tiene que ser bueno, ya que todos quieren y solo unos pocos
lo consiguen…), si en su actuación sigue haciendo uso, y abuso,
del “como que”, el espectador se aleja sin poderlo evitar de ese
lugar del alma donde reside la conmoción. Asiste amable al trabajo
en directo de ese actor “conocido” pero jamás llega a ver a ese
personaje que, en este caso, ama.
En el caso de los que conocemos el oficio nuestro juicio suele ser
más inclemente, como lo fue el mío. Aun reconociendo la maravillosa
dificultad de nuestro oficio no pude evitar enfadarme, a un nivel
profesional, con el trabajo tan flojo de ese intérprete.
Otra de las consecuencias negativas del uso de esa errónea fór-
mula es su reflejo en la palabra hablada, que queda vacía de inten-
ción, siendo sustituida por el “tono apropiado”, primo hermano el
“como que”.
Hace poco más de un año recibí un mail en el que Suzanne Osten
me animaba a presentarme a un puesto de rector en la STDH (es-
cuela de arte dramático en Stockholm). Animado por su confianza
presenté mi solicitud, de modo un poco precipitado pero con ganas
e ilusión. A las pocas semanas recibí una respuesta: la convocato-
ria se había suspendido pero me avisarían cuando se reanudase la
para continuar el proceso de selección. Mi capacitación resultaba,
según su criterio, adecuada a las necesidades del puesto.
Siete años antes había tratado de convalidar mi experiencia tea-
tral en la UPV-EHU, con base a mi CV (con más de 20 años de
experiencia en ese momento) y apoyándome en una formación aca-
démica (una licenciatura universitaria de psicología), para obtener
un título universitario que me acreditase como actor a nivel oficial.
En vano. Una concisa respuesta me remitía a realizar el curso de un
año previsto y realizar la prueba correspondiente.
Un compañero de profesión, con una experiencia y un CV mayor y
más lucido que el mío, se interesó hace poco tiempo por conocer los
requisitos necesarios para entrar a formar parte del cuadro docente
en una nueva titulación universitaria de artes escénicas en el País
Vasco. La respuesta fue que carece de la capacitación académica
solicitada.
Otro compañero, al que respeto artísticamente, y con una trayec-
toria más que contrastada, a la que añadía también una titulación
universitaria, también lo intentó, no se si optando al mismo puesto
o a otro diferente, con similares resultados.
Se supone que en esas escuelas se van a formar profesionales,
sin embargo, quienes atesoran el valor de la experiencia contrasta-
da, que en esta profesión-artesanía es decisiva, son relegados por
su carencia de títulos académicos. Unos títulos que nunca pudieron
obtenerse al comenzar su trayectoria profesional ya que, sencilla-
mente, no existían.
Entonces no puedo evitar remitirme a una reflexión que escuché
a una socióloga durante uno de los procesos de ensayo e investi-
gación en Unga Klara. Alguien que había estudiado y analizado la
estructura y el funcionamiento de las bandas criminales organizadas
durante varios años, especialmente en New York, a través de un
intenso y concienzudo trabajo de campo, jugándose su propia inte-
gridad física y poniendo a prueba los límites de su valor. Obteniendo
a cambio conocimiento real, empírico sobre la materia estudiada.
En una de sus exposiciones nos confesó que “La mayoría de los
sociólogos se dedican a dar conferencias sobre este tema frente a
otros sociólogos que escuchan atentamente, luego discuten, anali-
zan, contrastan datos y extraen conclusiones que son publicadas en
revistas especializadas, pero ninguno de ellos ha pasado más de
diez minutos de su tiempo junto a una de esas bandas”.
E

74
16 septiembre
octubre
Con la finalidad de promover,
difundir y promocionar el tra-
bajo de los creadores teatra-
les nacionales e internaciona-
les, la Secretaría de Cultura,
el Instituto Nacional de Bellas
Artes a través de la Coordina-
ción Nacional de Teatro con el
apoyo de la Dirección General
de Publicaciones, el Centro
Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli y Pasode-
Gato: Revista Mexicana de Teatro, organizan la IX Feria
del Libro Teatral (FeLiT 2016) que se llevará a cabo del
27 de septiembre al 2 de octubre en la Plaza Ángel Salas
del Centro Cultural del Bosque, en la Ciudad de México.
Esta Feria, la más importante de Iberoamérica en cuanto
a participación de expositores y por el número de visitan-
tes, realiza muchas actividades paralelas como son el Rally
Teatral, las lecturas dramatizadas, encuentros y debates
temáticos, presentaciones de libros de las diferentes edi-
toriales presentes, tanto mexicanas como extranjeras, y
además se proclama al ganador del Premio Internacional
de Ensayo Teatral que propician las entidades convocantes
de esta feria, más la editorial Artezblai.
El XI Congreso Mundial de
Teatro Universitario de la
AITU/IUTA se realizará del 5
al 9 de septiembre del 2016
en la Universidad de Caldas
(Manizales, Colombia), con
el título de ‘La investigación
teatral en la Universidad’.
Creado en el año 1994, el
congreso ha venido realizán-
dose en diferentes países miembro de la Asociación Inter-
nacional de Teatro Universitario (AITU). Sin embargo, la
mayoría de eventos se han realizado en Europa y tan sólo
una vez en América Latina, en el año 2008 en México. Es
por este motivo, que traer el congreso por primera vez a
Suramérica se convierte en un importante logro para el
teatro universitario ya que fortalecerá los lazos académi-
cos y de creación entre las universidades de la región, so-
bre todo de aquellas que se han vinculado a través de la
Red Latinoamericana de Creación e Investigación Teatral
Universitaria (constituida actualmente por 16 universida-
des de México, Colombia, Perú, Brasil, Chile y Argentina)
y otras que llegarán de los demás continentes. Se reuni-
rán 30 países, congregando a más de 300 académicos.
congreso Mundial
El Teatro de Cervantes
FeLiT
Mercartes, encuentro bie-
nal de los profesionales del
sector de las artes escéni-
cas de España, se celebrará
en Valladolid del 9 al 11 de
noviembre. Es una feria con-
vocada por las principales
entidades del sector: FAE-
TEDA, LA RED y AAT, y es el
principal espacio de debate
y networking del sector, que permite a los participantes
conocer a muchos otros operadores para incrementar su
red de contactos profesionales y encontrar o consolidar
oportunidades de negocio, a partir del espacio de feria
o de las actividades y temas que propone la organiza-
ción. Todo esto aportando una mirada actual sobre las
necesidades de la escena española. Mercartes se cele-
brará en el recinto de la Feria de Valladolid y se dirige
a creadores, compañías, empresas de producción y dis-
tribución, programadores y gestores de festivales y es-
pacios escénicos, empresas de servicios y equipamiento
técnico, e instituciones públicas. Se trata de un mercado
sin exhibición, con los stands expositores como punto
de encuentro, y varias actividades programadas para
dinamizar la compra-venta de espectáculos, como un
itinerario para programadores, un foro de los negocios o
una sesión informativa sobre mercados.
Del 9 al 12 de noviembre
con la organización de la
Asociación Internacional de
Teatro Español y Novohis-
pano de los Siglos de Oro
(AITENSO), el Instituto Al-
magro de teatro clásico de
la Universidad de Castilla-
La Mancha (UCLM) y el Pa-
tronato Municipal del Teatro
Rojas, se celebrará en Toledo el congreso extraordinario
de AITENSO titulado ‘El Teatro de Cervantes y el naci-
miento de la comedia española’, que se desarrollará en
el convento de San Pedro Mártir de Toledo (Cobertizo
de San Pedro Mártir s/n) sede de la Facultad de Cien-
cias Jurídica y Sociales de la Universidad de Castilla-La
Mancha. La sesiones matinales del sábado 12 tendrán
lugar en el Teatro Rojas. El Congreso contará con cuatro
ponencius planarias, una mesa redonda sobre ‘Cervan-
tes y la escena actual’ y presentaciones de proyectos y
publicaciones especializadas y la representación de la
obra de Miguel de Cervantes, ‘El Retablo de las Maravi-
llas’, a cargo de la compañía Morfeo Teatro. Está abierto
el plazo de presentación de comunicaciones hasta el 30
de setiembre de 2016. Más información en ialmagro@
uclm.es. El plazo de inscripción para las actividades del
congreso termina el 8 de noviembre.
Mercartes

76
16 septiembre
octubre
Estantería
Estantería
La CNTC ha publicado ‘La
villana de Getafe’ obra de
Lope de Vega que ha llevado
a escena la Joven Compañía
Nacional de Teatro Clásico
en versión de Yolanda Pallín.
Esta comedia tiene la diferen-
cia de clases como base y se
pregunta sobre la existencia
de los prejuicios entre clases
sociales y la verdad de los
sentimientos representada en
dos mundos diferenciados.
Texto TeatralTexto Teatral
La colección Teatroautor
Exprés de la Fundación Autor
tiene como objeto difundir
textos teatrales de reciente
estreno; las cinco obras
seleccionadas en 2015 son:
‘Juanita Calamidad de Antonio
Álamo Ana López Segovia,
‘GoZazo’ de Tino Antelo,
‘Snorkel’ de Albert Boronat,
‘Port Arthur’ de Jordi Casa-
novas y ‘40 años de paz’ de
Pablo Remón.
ADETeatro ha publicado
dentro de la serie Literatura
Dramática Iberoamericana
dos comedias de José
Sanchis Sinisterra ‘Misiles
melódicos’ una tragicomedia
musical en la que la parodia y
lo grotesco se dan cita para
desenmascarar las prácticas
mercantiles llenas de doble
moral y ‘Vitalicios’ en la que
el autor realiza una critica a
los recortes sociales.
Texto Teatral
La editorial La Uña
Rota ha publicado
‘¿Qué haré yo con esta
espada?’ una de los
tres textos de la nueva
trilogía de Angélica
Liddell denominada
‘Trilogía del infinito’.
Esta pieza se articula
a partir de dos hechos
violentos: el crimen
caníbal de Issei Sagawa
y la masacre del 13 de noviembre de 2015 en París,
“canibalismo y terrorismo, como toma de conciencia de
la propia existencia, en el corazón mismo del racionalis-
mo” explica la autora. La obra, nace del enfrentamiento
entre la poesía y la ley; o, más bien, del enfrentamiento
entre la prosa del Estado y el arrebato del espíritu. “Del
mismo modo que los científicos investigan el origen del
universo colisionando protones, esa hermosa violencia
de la batalla entre las partículas, es necesario regresar
al origen de la tragedia, para descubrir la fuerza, la
energía, los nervios, antes incluso de que apareciera el
sentimiento, esa sensación pura y sin nombre” aclara
Liddell.
Texto Teatral
Texto TeatralTexto TeatralTexto TeatralTexto Teatral
Bajo el título ‘Teresada’.
Inspirado en la vida y la obra
de Teresa de Jesús’ la Univer-
sitat de Valéncia ha publicado
la traducción, a cargo de
Evelino Miñano Martínez de la
obra de Louise Doutreligne.
Este volumen, se presenta
con un estudio de la obra
realizado por Miñano sobre
las ‘Séducionts espagnoles’
y Teresa de Jesús en la
literatura francesa.
En una edición dirigida por
Francisco Gutiérrez Carbajo,
Castalia ha publicado dos
obras de Juan Mayorga
‘Cartas de amor a Stalin’ y
‘La paz perpetua’. Dos textos
teatrales que en palabras de
Gutiérrez “invitan a reflexio-
nar sobre el ser humano ,
y también sobre temas tan
actuales como la censura,
la violencia o las políticas de
Estado”.
Fundación SGAE ha publicado
las obras del III Laboratorio
de Escritura Teatral. En un
mismo volumen se recogen:
‘El pequeño poni’ de Paco
Bezerra, ‘Territorio Madre’ de
Zo Brinviyer, ‘Nueve elefantes
blancos’ de Arturo Echeva-
rren, ‘Crudo’ de Fernando
Epelde, ‘Un resplandor en
el cielo del norte’ de Iñigo
Guardamino y ‘Betún’ de
Alberto Ramos.
Labio de liebre,
conserva muchos
de los rasgos que
caracterizan al trabajo
de Fabio Rubiano y
del Teatro Petra. Pero
esta obra con la que la
compañía colombiana
ha cosechado gran
éxito por parte de la
crítica y del público
y que ha publicado
Artezblai, “destaca frente a las demás y no porque en
ella se indaguen nuevas convenciones o formas del
drama, sino porque el efecto que suscita, en lo que la
dramatología denomina la recepción teatral, produce
resonancias de todo tipo pues se acerca la fecha en
que el gobierno y las FARC firmarán la paz, así que los
habitantes del territorio colombiano experimentamos
un momento de trascendencia para nuestra historia. La
latente configuración de ese utópico y soñado momento
de tregua hace que la sensibilidad de los espectadores
esté desbordada”. Son palabras de su autor, Fabio
Rubiano, quien ha dirigido y escrito más de veinte
obras de las cuales cuatro han sido Premio Nacional de
Dramaturgia de Colombia.

16septiembre
octubre
77
16septiembre
octubre
Kiosko
Estantería
En su número 179,
la revista ‘Conjunto’‘,
realiza su particular
homenaje al teatro
de grupo. Tal y como
explica en la editorial
de este número su
directora, Vivián Martí-
nez Tabares, el festival
Mayo Teatral celebrado
en La Habana reunió a
varios grupos de teatro
de América Latina que han celebrado sus aniversarios
como el colombiano Teatro La Andelaria o Grupo Culural
Yuyachkani de Perú. demás de diversos artículos sobre
el mencionado tema, el presente número incluye los tex-
tos ‘Camilo’, creación colectiva de Teatro La Candelaria y
la también creación colectiva ‘Cartas de Chimboe’ de los
peruanos Yuyachkani. Destacan a su vez los reportaje
‘La política y lo político en el vínculo con el teatro inde-
pendiente’ que firma María Fukelman y ‘Uhuru, Eshú, y
otras impertinencias sin nombre: Una tempestad” que
Gustavo A. Remedi ha realizado sobre la adaptación que
Aimé Césaire ha realizado sobre el clásico de William
Shakespeare.
Conjunto
Las entrevistas con Pedro
Moreno, último Premio Nacio-
nal de Teatro, con el director
de escena Declan Donnellan.
la directora del Festival de
Almagro, Natalia Menéndez o
Jesús Cimarro del Festival de
Mérida son sólo algunas de
las propuestas del número 4
de ‘Artescénicas’ publicación
cuatrimestral de la Academia
de las Artes Escénicas de
España (AAEE).
Artescénicas
La revista ‘ADEteatro’
presenta en su número 161
artículos y reportajes sobre
tres temas centrales: ‘Pre-
mio Europa para el Teatro
2016’, ‘Cervantes a escena’
y ‘El sonido y la imagen’. El
texto teatral elegido esta
edición es ‘Ultima edición’
de Eduardo Galán y Gabriel
Olivares al que le siguen va-
rias entrevistas con diversos
directores españoles.
ADEteatroZirkolika
Cuando se cumplen 40 años
de la muerte del payaso Fofó,
el número 49 de ‘Zirkolika’
le dedica varios artículos
en los que se repasa su
trayectoria artística. Destaca
también en esta edición una
entrevista con la payasa Pepa
Plana y vuelve a publicar la
entrevista que el periodista
Joan Armengol realizó a la
célebre trapecista Pinito del
Oro en 1960.
‘Teatro y representación
- Perspectivas contemporá-
neas sobre teoría, historia y
crítica del teatro latinoame-
ricano y europeo’ es una
publicación de la Colección
Biblioteca Plural La universi-
dad de Montevideo realizado
por un consejo editor forma-
do por varios estudiosos en
el tema y capitaneado por el
Doctor en Teoría e Historia de
las Artes Roger Mirza.
José Manuel González es el
autor de ‘Cervantes Shakes-
peare. Una aproximación
comparativa’ aborda la
magna obra de dos de los
más grandes autores de
todos los tiempos. “Sólo
Cervantes puede conside-
rarse igual a Shakespeare y
sólo éste puede compararse
con aquel” explica el autor de
este trabajo publicado por la
editorial Síntesis.
La editorial Fundamentos ha
publicado ‘Lecturas globales
del teatro español del siglo
XX’, un estudio realizado
por John P. Gabriele cuyo
propósito es mostrar cómo el
teatro de nuestro siglo puede
leerse bajo el prisma de la
globalización. Para ello rea-
liza un análisis de diversas
obras teatrales de varios de
los dramaturgos españoles
más significativos de hoy.
J. A. Sánchez y E. Belvis
son los editores de ‘No
hay más poesía que
la acción’ título publi-
cado por la editorial
mexicana Paso de Gato
dentro de su colección
‘Artes Escénicas’ que
aborda la noción de
teatralidad a partir del
análisis de la poten-
cialidad del cuerpo en
aquellos procesos de investigación y práctica artística
que buscan recuperar el espacio público como lugar
de manifestación de la comunidad. En este volumen
confluyen distintas propuestas que abarcan el lado más
visible de la historia reciente de la teatralidad disidente,
que incluye el uso de la representación y la organización
de los cuerpos para manifestar el desacuerdo direc-
tamente en las calles, en los espacios públicos, en la
manifestación del deseo y la dignidad ciudadanas frente
a las instancias del poder atrincheradas en un teatro
donde la realidad es aún regulada. Además comprende
experiencias de pequeño formato, laboratorios de
trabajo íntimo que crean espacios personales en los que
la colonización de lo espectacular no penetra.
Teoría TeatralTeoría TeatralTeoría TeatralTeoría Teatral

78
16 septiembre
octubre
E
n lo que va de año el gran espec-
táculo ha sido, sin lugar a dudas,
“Hamilton” de Lin-Manuel Miranda
que, para los amantes del hip-hop,
ha constituido un crisol de experiencias y
sensaciones cónsonas con el ritmo de esta
música, extraída de los guetos norteameri-
canos, donde la comunidad afroamericana
todavía se halla confinada. Un confinamiento,
cobrando visos de urgencia desde los re-
cientes enfrentamientos entre la policía y la
población negra de Dallas, que se ha cobra-
do vidas de ambos lados y ha escindido aún
más la percepción del problema racial en los
Estados Unidos. Resulta entonces paradójico
que un musical, macerado por la pobreza y
la marginación social de las minorías racia-
les, se haya convertido en el espectáculo
más económicamente rentable en la larga
historia de Broadway. De hecho las entra-
das, para el performance final de Miranda el
pasado 9 de julio, se cotizaron a un precio
de hasta 1500 dólares cada una.
Otras contradicciones, igualmente urgen-
tes, han venido acompañadas de la mano de
obras como “The Crucible” de Arthur Miller.
Esta nueva producción para el Walter Kerr
Theater de Broadway, en la dirección de Ivo
van Hove con música de Philip Glass, se ha
constituido en un hito importante de la tem-
porada, no solo por el poder intrínseco de la
obra, sino por sus connotaciones presentes.
Aquí el fanatismo de los miedos atávicos,
que llevaron a la cacería de brujas en Salem
durante el siglo XVII, espejea tanto la cace-
ría de “rojos” iniciada por el congreso en el
Washington de los años cincuenta del pasa-
do siglo, intertexto de la obra de Miller, como
los miedos contemporáneos, espoleados por
la derecha norteamericana de la mano de su
representante más vergonzoso: el billonario
neoyorkino y candidato republicano a la pre-
sidencia, Donald Trump.
De hecho, Van Hove trasladó la acción
al Brooklyn actual, para evaluar hasta qué
punto la integración racial y el respeto hacia
las creencias del otro son una realidad y no
una ficción. Pese a encontrarnos en una de
las ciudades más tolerantes, no solo del país
sino del mundo, son patentes las grandes
desigualdades entre sus habitantes a todo
nivel. Desigualdades, que la globalización
ha profundizado en lugar de cerrar, pues ha
dado origen a una minoría de enorme poder
adquisitivo, dedicada a explotar y manipular
a la gran mayoría modesta, creando una
ilusión de igualdad e interacción, desde las
plataformas tecnológicas y las redes socia-
les, cuyos auténticos beneficiarios son las
grandes corporaciones que deciden, mane-
jan e imponen.
“¡Oh, qué duro es cuando se desenmas-
caran las falsas pretensiones!”, le echa en
cara Abigail (Saoirse Ronan) a Proctor (Ben
Whisham), cuando el odio y la intolerancia
han envenenado a los restantes caracteres,
denunciando así la hipocresía del colectivo.
El recurso de ubicar la mayor parte de la ac-
ción en un salón de clase, hizo más aguda la
sensación de pérdida y descorazonamiento,
al convertirse el espacio del aprendizaje en
un espacio de rencor, fanatismo, sectarismo
y superstición, donde Van Hove puso a ac-
tuar a los personajes, hasta hacer trizas el
frágil tejido social al cual se aferran para no
perder su “integridad” y “respetabilidad”.
En sus palabras: “El salón de clases es un
espacio perfecto para mostrar el desarrollo
de la gente que debería constituir una so-
ciedad bien integrada pero que, al final de
la pieza, se ha transformado en una sala de
emergencia, un eral y una prisión”.
Una sensación similar nos dejó también
la producción de “The Cherry Orchard” de
Anton Chejov en la Brooklyn Academy of Mu-
sic (BAM), adaptada y dirigida por Lev Dodin
para el Maly Drama Theatre de San Peters-
burgo. Aquí la acción se centró en el modo
como la pieza anticipó el cataclismo histórico
que supuso la revolución bolchevique y los
desgarramientos de las guerras civiles y
mundiales del pasado siglo, pero sin perder
de vista el lugar que los caracteres ocupan
en el trazado de la Historia desde sus pe-
queña historias. Historias que quedaron in-
terconectadas con las del público asistente,
desde una puesta en escena que integró
los espacios del teatro a la representación,
borrando la distancia entre el escenario y la
audiencia.
Tal estrategia hizo aún más inmediata la
sensación de aplazamiento y digresión que
nutre el argumento y moviliza la acción; cual
si con sus vanas discusiones los persona-
jes pudieran detener el irremisible paso de
la Historia, que terminará por desintegrar
los últimos fragmentos de una forma de
vida llegando a su fin. El acto de cubrir con
fundas blancas muebles y paredes, donde
simultáneamente se proyectaban escenas
de la familia retozando entre los cerezos
en una época más feliz y los retratos de sus
protagonistas cual alter egos de sí mismos,
profundizó la sensación de pérdida y nau-
fragio, con la cual Chejov cerró no solo su
carrera sino su vida, al dramaturgo fallecer
seis meses después del aclamado estreno
de esta obra.
El muro de ladrillos con que en la escena
final la escenografía selló no solo el paso al
jardín, leitmotiv del argumento, sino la casa
misma, se constituyó en alegoría del encie-
rro interior de la sociedad previa a la revo-
lución, ciega a los cambios necesarios para
que el país entrara en la modernidad. Una
modernidad que el marxismo-estalinismo
siguió negándole, y que ni el capitalismo sal-
vaje, nacido con la desintegración del bloque
soviético, ni el régimen autocrático de Vla-
dimir Putin en el nuevo milenio han logrado
extender, al interior de una colectividad fuer-
temente arelada a atavismos y tradiciones
inmemoriales.
BAM igualmente trajo a los espacios del
Harvey Theater el ciclo de los reyes shakes-
Obras para entender un mundo
en constante conflicto
Temporada de teatro en Nueva York

16septiembre
octubre
79
16septiembre
octubre
perianos que marcaron los hitos más im-
portantes del medioevo inglés, “Richard II”,
“Henry IV” y “Henry V”. Este extraordinario
tour de force, dirigido por Gregory Doran
para el Royal Shakespeare, le permitió al pú-
blico neoyorkino apreciar el amplio registro
de unas obras, fluctuando de la tragedia a
la comedia, al interior de un marco histórico-
social donde las guerras europeas y las in-
trigas internas por el poder imprimieron su
sello a los turbulentos reinados.
David Tennant (Richard II), Jasper Britton
(Henry IV) y Alex Hassell (Henry V) dieron
vida a los monarcas cuya autoridad termi-
nó de unificar lingüística y territorialmente
a Inglaterra, además de incrementar sus
posesiones europeas; si bien el precio fue
sumamente alto, especialmente a lo largo de
las guerras de los cien años, la guerra de las
rosas y los conflictos con Francia.
En la pluma de William Shakesperare, es-
tas enormes hazañas quedaron inscritas en
la cotidianeidad de quienes formaban parte
del entourage de sus hacedores, destacan-
do por su agudeza e hilaridad la figura de Sir
John Falstaff (Antony Sher), amante del vino,
las mujeres y los bajos fondos, cuya actua-
ción catalizará con su cinismo el reinado de
Henry IV y educará a su hijo para asumir las
responsabilidades de la corona.
Una minimalista mise-en-scène, con pro-
yecciones digitales simulando ambientes y
paisajes sobre un fondo negro, enmarcó con
su sobriedad los excesos de estos reyes y la
época, sirviendo de contrapunteo a los des-
plazamientos sobre la escena de cortesanos,
plebeyos y soldados. Sus proezas, victorias,
derrotas y debacles reverberan en nuestra
contemporaneidad y hacen del bardo inglés,
cuyo cuatricentenario se celebró hace apenas
unos meses, un visionario de las pruebas que
aún le quedan por pasar a la Gran Bretaña,
todavía sacudida por las consecuencias del
Brexit, puesto a instalar otro período de in-
certidumbre tanto para el país como para el
resto de la Europa comunitaria.
Otro gran dramaturgo inglés pero de sig-
no opuesto, Oscar Wilde, fue el protagonista
de la pieza “The Judas Kiss” de David Hare,
dirigida por Neil Armfield para el Hampstead
Theater de Londres. Rupert Everett hizo de
Wilde el protagonista, no solo de esta pieza,
sino de las libertades recientemente gana-
das por la comunidad homosexual en varios
países del mundo occidental, haciendo de su
actuación un estamento político a favor de
las minorías sexuales. Tal cual escribió para
The New York Times, en ocasión del estreno
de la obra en BAM: “Todos nosotros den-
tro de nuestra comunidad —gay, lesbiana o
transgénero— todavía estamos discutien-
do, vibrando, marchando alborozados por
ello. Tal como Wilde predijo, nuestro triunfo
está no obstante manchado por la sangre de
muchos mártires, pero hemos progresado
mucho desde aquella mañana de mayo de
1895, cuando un juez condenó a un hom-
bre a dos años de trabajos forzados por ser
homosexual y recibió una ovación de pie por
ello”.
La obra en dos actos de Hare centra los
eventos previos y subsecuentes al juicio y la
condena del dramaturgo. En el primer acto
nos hallamos en el hotel de donde la policía
se llevó a un Oscar Wilde seguro de sí mismo
y de su decisión de no huir de Inglaterra para
enfrentar a sus detractores, y en el segundo,
asistimos a la decadencia de un hombre
destruido por la enfermedad, el abandono
y el olvido de quienes tanto lo habían cele-
brado, recordando desde su exangüe exilio
en Nápoles, la vida y la espléndida carrera
que quedaron truncadas por la intolerancia
de la época.
En la actuación de Everett, la figura de
Wilde cobró visos mesiánicos, por su poder
de escudriñar en la conciencia de amigos y
enemigos, a fin de exponer la hipocresía de
quienes hicieron de él el chivo expiatorio de
sus propios miedos. Y ninguno como Lord
Alfred Douglas, admirador, oportunista y
ocasional amante de Wilde quien, aun vien-
do el estado lamentable del poeta, siguió
anteponiendo sus nimiedades al drama del
escritor. Aquí la presencia del autor acaparó
la escena sin anegarla, manteniendo un me-
surado balance entre lo emocional y lo inte-
lectual, especialmente en los monólogos del
protagonista, donde Everett mantuvo en vilo
al auditorio, entregado al fraseo y los gestos
del actor.
Si bien Everett apuntó en una entrevista
su intención de llevar al cine el texto de Hare,
se hace difícil visualizar el paso a la pantalla
de una obra, que exige el grado de intimi-
dad y cercanía inherente al trabajo sobre
las tablas. Por lo pronto, sin embargo, esta
producción de una pieza que, estrenada en
1998, no tuvo entonces la resonancia ac-
tual, seguirá su recorrido por los teatros del
mundo. Y, tal cual ha ocurrido en numerosas
ocasiones, se hizo necesario esperar por el
actor que lograra darle todo su sentido y
más, a fin de transformar un fracaso previo
en un éxito rotundo.
Otro triunfo actoral fue la producción de
“Long Day’s Journey into Night” de Eugene
O’Neill, dirigida por Jonathan Kent para la
RoundaboutTheaterCompanydeNuevaYork
y el American Airlines Theater de Broadway.
Jessica Lange (Mary Cavan Tyrone), Gabriel
Byrne (James Tyrone), Michael Shannon (Ja-
mes Tyrone Jr.), John Gallagher Jr. (Edmund
Tyrone) y Colby Minifie (Cathleen) constitu-
yeron el magnífico elenco, dable de extraer
los múltiples matices de cada personaje, sin
caer en el melodrama y el exceso.
Si bien esta obra, montada póstumamen-
te, es quizás el mejor testamento que O’Neill
pudo dejarnos, la producción del Rounda-
bout Theater honró al dramaturgo, mante-
niendo la tensión de un argumento donde los
Tyrone se constituyen en el ejemplo perfecto
de disfuncionalidad producto de las drogas,
la enfermedad, el alcohol y, sobre todo, el
desencanto consigo mismos y la sociedad de
su tiempo. Una sociedad que, al momento de
escribirse la pieza, se hallaba inmersa en la
Segunda Guerra Mundial. No extraña enton-
ces que O’Neill, quien obtuvo póstumamen-
te el Premio Pulitzer con la obra, quisiera
exorcizar sus propios demonios, mediante
un texto que espejea además en parte su
propia biografía.
La violencia, el alcoholismo, la recrimina-
ción descarnada, las frustraciones por lo
que pudo haber sido y no fue, tan cercanas
al dramaturgo, tuvieron en la dirección de
Kent un lugar primordial en el desarrollo del
guion. La veteranía de los actores contribuyó
especialmente al éxito de la pieza, desde un
histrionismo de gran complejidad y fuerza,
donde el público pudo asistir a la desinte-
gración de los valores familiares de manera
total y lapidaria.
Jessica Lange en el papel de la matriarca
encargada de mantener una apariencia de
felicidad conyugal, pese a su adicción a la
morfina, Gabriel Byrne como el violento y
alcohólico actor cuya carrera quedó muti-
lada por su sexismo y adicción a la bebida,
Michael Shannon, como el hijo cuyo cinismo
y desencanto ante el mundo se aúnan a su
alcoholismo y personalidad autodestructiva,
y John Gallagher Jr., como el hijo soñador de
frágil constitución minada por la tuberculosis,
se sumergieron profundamente en la catar-
sis del drama, manteniendo sin embargo una
saludable distancia para con sus respectivos
caracteres, pudiendo mostrarlos en todo el
esplendor de su miseria.
La incomunicación de este microcosmos
familiar, espejeó ampliamente la imposibili-
dad de negociar y el ansia de poder de las
grandes potencias que llevó al estallido de la
guerra, arrasando a su paso con incontables
sueños y deseos. Algo que, ante la falta de
compasión y exceso de ambición de tantas
sociedades en nuestra contemporaneidad,
se hace mucho más urgente hoy, cuando
pareciera que el mundo se acerca cada vez
más a una conflagración global por culpa de
los mismos fanatismos que desencadenaron
las del pasado siglo.
Alejandro Varderi

80
16 septiembre
octubre
L
os números tienen un gran signifi-
cado para El Rayo Misterioso, que
comenzó su actividad como grupo
hace 22 años, y los descubre para
el mundo de los amantes de esta forma de
teatro en un festival al que llama Experi-
mente Teatro. Esta nueva entrega es la de-
cimosexta y la simbología de este número
está representada por la torre o La casa de
Dios, que marcó a los volantes, la revista y
afiches sobre este encuentro. El número 16
equivale al 7, representa el arma, y es una
ley arquetípica que se relaciona con el paso
el hombre por infinidad de puertas para
alcanzar la perfección. A su vez el 22 está
representado por el 4 la puerta (bitul) que
es el camino de entrada a la verdad.
Casualmente este año ambos conceptos
coinciden: la puerta y el arma, que al unirse
lograron generar un encuentro de “Teatro
de Grupo” diferente con improntas cuyas
sutilezas permitieron acceder a propues-
tas, provenientes de España, Latinoamérica
y Corea del Sur, en las que el tema de la
tiniebla y la muerte fue preponderante y en
casi todas el substrato estaba ligado a la
tragedia griega. Este año como siempre lo
hace El Rayo misterioso entregó su Orden
del Guerrero Teatral a Carlos Gil Zamora. Y
una vez más se reunió el Foro de Críticos
con especialistas argentinos y extranjeros
y el de Directores teatrales. El crítico rosa-
rino Julio Cejas coordinó las diversas mesas
de desmontaje teatral que se realizaba al
finalizar de cada espectáculo.
El Grupo Haddangse Theatre (Seul, Co-
rea del Sur) inauguró el Experimenta Tea-
tro, por provenir de una cultura diferente a
la occidental, y aportó una nota fresca con
su espectáculo para toda la familia “Brush”
(Brocha o pincel) dirigido por Si joong
Yoon. La historia trata de unos niños que
van en busca de sus ancestros para que
les expliquen temas de la vida. El espec-
táculo estaba concebido a mediante el di-
bujo realizado en grandes paneles y cuyas
líneas dimensionaban el viaje de los actores
a través signos y juegos. La magia de las
líneas permitió al Grupo Haddangse Thea-
tre compartir con el público una delicada,
deliciosa y cautivadora puesta en escena
colmada de personajes maravillosos que
a semejanza de la Linterna Mágica podían
entrar y salir del dibujo y jugar con la platea
mediante la música y plasticidad única.
“La Historia de Ixquic” (Costa Rica -Ar-
gentina). El director Juan Fernando Cerdas
Experimenta alcanza mayores
cuotas de espectadores
Experimenta Teatro 16

16septiembre
octubre
81
16septiembre
octubre
entretejió junto con Rubén Pagura,
actor, dramaturgo y músico, relatos
del Popol Vuh que se refieren a la
muerte de los dioses. A semejanza de
la mitología griega los Mayas soste-
nían la idea que el mundo tal y como
lo conocían se acabaría por la muerte
de sus dioses y para sostenerlo de-
bían instaurar una nueva religión. Las
aventuras de Hunahpú y Xbalanqué,
cuya madre fue Xkik’, hija del señor del
inframundo transcurren en dos esce-
narios. El primero es la superficie de
la tierra; el segundo, el inframundo, el
Xibalbá. Con un excelente dominio corpo-
ral y esquemas de romper el espacio en
varios planos Rubén Pagura logró recrear
el universo Maya, sostenido por música de
percusión y flautas mesoamericanas en un
fantástico juego de luces y sombras, a se-
mejanza del entendimiento que cada pue-
blo hace de sus mitos, que a su vez están
cercados por metáforas y simbolismos.
“Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz”
(Porto Alegre- Brasil) recreó para el públi-
co rosarino, a través de su creadora Tânia
Farias, sus métodos de investigación que
parten de su trabajo en teatro de calle y
de perfomance, y de una vertiente llamada
Teatro de Vivencia. “Evocando os mortos
– poéticas da Experiencia” es la demostra-
ción del camino del actor o del guerrero en
la creación de personajes que abordan la
problemática femenina y de violencia de gé-
nero a través de la historia, reelaborando
especialmente la visión de, dos autores ale-
manes y un chileno. Tomando el concepto
de teatro ritual del cual parte Antonin
Arteaud, el espacio se fue transformando
en un templo cuya sacerdotisa –actriz se
desdobla en Ophelia de “Hamlet – machi-
ne”, y Saspotás en “A Missão – Lembrança
de uma revolução” a partir de Der Auftrag
de Heiner Müller, “Kassandra” en “Kassan-
dra en process”, de Christa Wolf, y Sofía en
“Viúvas – Performance sobre a Ausência”
tomando como base “Viudas” de Ariel Dorf-
man. Tânia Farias no sólo demostró ser una
excelente actriz sino que hizo gala de una
gestualidad y plasticidad extraordinarias,
con las que consiguió cautivar al público
sin mayores esfuerzos.
“Teatro del Norte” dirigido por Etelvino
Vázquez llegó de Asturias (España) con
la tragedia de “Yerma” de Federico García
Lorca. En magnífica síntesis, manteniendo la
línea de acción del autor, la desequilibrada
vida del personaje se expuso mediante un
ejercicio interpretativo que conllevaba un
extremo esfuerzo. El travestismo, en este
caso muy justificado, le dio a Yerma una
fuerza inusual. La visión de la locura, muy
presente en otras obras de Lorca, se pose-
sionó en una poética escénica minimalista,
como esos espectáculos de naturaleza leja-
na. “Yerma” es la tragedia de la sequedad,
del vacío, de una asesina que redujo su
necesidad de maternidad a la enajenación.
Todo en “Yerma” es la dialéctica de un ser
que queda encarcelado en una geometría
de seres semimuertos y semivivos, y de
eso trató la puesta de Etelvino Vázquez de
mostrar esa geometría interior en el afue-
ra, sobre un escenario que era una tarima
rectangular abierta, como un gran signo de
interrogación, con imágenes que pusieron
en movimiento la esperpéntica realidad del
personaje.
El Grupo de Asunción (Paraguay) se
presentó con el espectáculo “Isla Piano”
dirigido por Hugo Luis Robles, com mú-
sica original de Pilli Ortiz que reforzó la
propuesta con acentos lastimeros sobre
creativas variaciones de su música tradicio-
nal. “Isla Piano” trajo una historia desco-
nocida sobre la defensa del Paraguay en
la llamada Guerra Grande o Guerra de la
Triple Alianza (Brasil-Uruguay-Argentina).
En esta versión la historia es narrada por
las mujeres que padecieron el acoso de los
invasores, las vejaciones y sobre todo se
partícipes en la muerte de sus hijos. Desde
el mundo de lo ocre, la tierra y el polvo de
la historia, el grupo paraguayo descendió al
infierno de su guerra y apostaron a través
del arte al redoblamiento de la vida. Esa
guerra pertenece al pasado y fue necesario
revivirla de un modo nuevo y pictórico a la
vez. La puesta estuvo teñida por una luz
muy suave, una luz comunicativa, que trató
de explicar la angustia y la desazón que ha
sufrido un pueblo al que se le mató varias
generaciones de hombres.
“Flores Ácidas”, con dramaturgia y di-
rección de Carlos Gil Zamora. El Grupo “Las
Damas” de Córdoba (Argentina) basó su
trabajo en la creación de compartimentos
estancos sobre una clase que por motivos
propios y ajenos está en decadencia. Las
actrices con gran histrionismo fueron des-
granado la realidad de tres generacio-
nes ligadas a la clase media, que como
el agua de un río turbulento busca su
salida al mar. Los tres personajes es-
tán relacionados con un cuarto que
hace las veces de coro griego y como
éste es el nexo con el público. Este
conflicto es una metáfora de la tras-
modernidad cuyo esquema parte de
una realidad sociopolítica y el avasa-
llamiento de los medios de comunica-
ción. La realidad de estos personajes
está inmersa en una tragedia shakes-
peariana, pesimista, pero con notas de
humor inexpresivo y melancólico. La puesta
es un formidable ejercicio de minimalismo
extremo, en el cual las actrices casi no rea-
lizan movimientos y la acción se repliega al
momento en que la tensión se evidencia,
cuando cada una de ellas interpreta su
monólogo. “Flores Ácidas” es una metáfo-
ra del mundo actual en donde la realidad
es como un abanico que al desplegarse
va mostrando cada una de las situaciones
de éstas mujeres, víctimas perfectas, que
chocan con una realidad avasallante y se
desdibujan en su propio laberinto.
El Rayo Misterioso presentó: “El fabuloso
mundo de la Tía Betty” (Teatro fantasmal),
dirigido por Aldo El Jatib. La obra se interna
en vertiginoso recorrido por el mundo de la
locura, que parte de un hospicio conven-
cional con enfermos encorsetados en cha-
lecos de fuerza para abrirse a una sucesión
de cuadros que muestran los instintos más
bajos, y lo más miserable y también, porque
no, lo sublime de los hombres, La llamada
Guerra Sucia de los años 70 desapareció
a una generación de jóvenes y cercenó el
crecimiento de otra. La niebla, “leiv motiv”
de la puesta en escena, acentuó el claros-
curo de la historia que el grupo quería con-
tar, y era ese paso por un mundo de celdas,
torturas, muertes, y cuerpos cuya desnu-
dez hería por el significado que cobraban.
Desde una “Deus ex machina”, que por
momentos rompía con la lógica del espec-
táculo y lo transformaba en un mundo que
rozaba el surrealismo, El Rayo Misterioso
se adentró en lo superlativo de lo oculto,
en donde el espacio de la intimidad de las
celdas o de la locura y el espacio del mundo
se vuelven consonantes. Y cuando se pro-
fundiza en la gran soledad del hombre al
enfrentarse a la muerte, como lo hace “El
fabuloso mundo de la Tía Betty”, el grupo
contrapone realidades fuertes y estables,
a imágenes dolorosas que subyacen en el
recuerdo de un mar profundo.
Beatriz Iacoviello

GRAN
TEATRO
FALLA
TEATRO DEL
TÍTERE LA
TÍA NORICA
SALA LA LECHERA ECCO OTROS ESPACIOS
EL CALLEJÓN
DE LOS PECADOS
Eduardo Guerrero
España
22:00
YO TAMBIÉN SOY FRIDA
La revolución de las maripo-
sas / Plaza Palillero a Plaza
del Falla / España
18:00
THE AUDITION Xa Teatre /
Plaza del Falla / España
21:00
MADE IN SALVADOR...
Y DE BORDAR EN
BORDAR SE ME FUE
LA VIDA
Teatro del Azoro
El Salvador
21:30
DEL MANANTIAL DEL
CORAZÓN
Saas Tun
México
19:00
TODO LO QUE
ESTÁ A MI LADO
Producción FIT - Fer-
nando Rubio
Argentina / España
11:30 a 14:30
18:00 a 21:00
THE AUDITION Xa Teatre /
Plaza de San Juan de Dios /
España
13:00
NS / NC
Varuma Teatro
España
19:30
ANTÍGONAS: TRIBU-
NAL DE MUJERES
Tramaluna Teatro
Colombia
21:00
DEL MANANTIAL DEL
CORAZÓN
Saas Tun
México
18:00
TODO LO QUE
ESTÁ A MI LADO
nando Rubio
Argentina / España
11:30 a 14:30
18:00 a 21:00
THE AUDITION Xa Teatre
/ Baluarte de la Candelaria /
España
12:45
VINCLES Circ Bover /
Baluarte de la Candelaria /
España
13:30
DONDE VIVEN LOS
BÁRBAROS
Compañía Bonobo
Chile
21:30
TODO PIOLA
Todo Piola
Argentina
20:00
CUENTOS DE PO-
CAS LUCES
A la sombrita
España
12:00 y 19:00
DISTANCIA SIETE
MINUTOS
Titzina
España
21:30
ALGO DE UN TAL
SHAKESPEARE
Los Tristes Tigres
México
20:00
TODO PIOLA
Todo Piola
Argentina
18:00
CUENTOS DE PO-
CAS LUCES
A la sombrita
España
12:00
EL REY
Teatro del Barrio
España
20:00
LA IRA DE NARCISO
La ira de Narciso
Uruguay
22:00
OLAS
Teloncillo Teatro
España
11:30 y 18:30
SANCHO EN BARA-
TARIA
Azar Teatro
España
12:30
ZENIT
Els Joglars
España
21:30
LA IRA DE NARCISO
La ira de Narciso
Uruguay
22:00
OLAS
Teloncillo Teatro
España
11:30
SANCHO EN BARA-
TARIA
Azar Teatro
España
12:30 y 18:30
TERRENAL. PEQUEÑO
MISTERIO ÁCRATA
Terrenal
Argentina
21:00
CAMILO
Teatro de la Candelaria
Colombia
19:30
TODO LO QUE
ESTÁ A MI LADO
nando Rubio
Argentina / España
19:00 a 22:00
EL CANTA, YO CUENTO
Casa de Teatro / Centro
Flamenco la Merced
República Dominicana
23:00
REINA JUANA
Grupo Marquina
- Siempre Teatro
presenta a Concha
Velasco
España
22:00
CAMILO
Teatro de la Candelaria
Colombia
19:00
TODO LO QUE
ESTÁ A MI LADO
nando Rubio
Argentina / España
11:30 a 14:30
18:00 a 21:00
SU À FEU Deabru Beltzak /
Plaza de San Antonio a Plaza
del Mentidero a Plaza del
Falla / España
20:30
21
22
23
24
25
26
27
28
29

3
artez
31FESTIVALIBEROAMERICANO
DETEATRODECÁDIZ
del21al29deoctubrede2016
Este suplemento acompaña a la revista
Artez 212 de Septiembre / Diciembre 2016
4-5 Presentación General
6-7 Argentina
8 Colombia
9 México
10 Uruguay
11 El Salvador – Chile
12-15 España
Miren bien el cartel, se trata de la trigésima
primera edición del Festival Iberoamerica-
no de Teatro de Cádiz. Una historia. Nuestra
historia. Una intuición, una ilusión, una rea-
lidad, un compromiso, una manera de en-
tender desde la cultura y el arte los vínculos
entre los pueblos iberoamericanos, por en-
cima de tópicos, de frases grandilocuentes,
desde la integración, la colaboración y el
respeto mutuo.
Una historia que cuando se revise se com-
prenderá que ha sufrido todas las contradic-
ciones que desde este lado, el ibérico, y des-
de sus instituciones más comprometidas en
hacer sostenible este encuentro multicul-
tural se han ido manifestando. Las contra-
dicciones se manifiestan de manera obvia
en los presupuestos. No es posible hacer
un evento de esta magnitud, de esta tras-
cendencia sin un presupuesto adecuado. El
recortarlo, acotarlo, mantenerlo en mínimos
es una mala noticia porque va jibarizando
sus contenidos, su proyección, su influencia
en la circulación de las obras y limita el co-
nocimiento y reconocimiento.
Situados a día de hoy, de nuevo Cádiz, ese
lugar en donde se han fertilizado de mane-
ra constante las artes escénicas iberoame-
ricanas, superando todas las dificultades
nos propone mirar y admirar lo que se está
haciendo allá y aquí. Nos vuelve a convocar
para celebrar nuestra pertenencia a un es-
pacio común que se manifiesta de muy dife-
rentes y variadas maneras. Por eso se hace
imprescindible este FIT. No es cuestión de
recomendar nada, es su totalidad, su pro-
puesta global la que lo hace incuestionable.
Por eso nadie debe faltar. Porque merece la
pena.
Carlos Gil Zamora
De nuevo Cádiz

4
artez
DETEATRODECÁDIZ
Del 21 al 29 de octubre se celebrará la trigésimopri-
mera edición del Festival Iberoamericano de Teatro
de Cádiz que apuesta por mostrar la capacidad del
teatro y de la danza de reaccionar frente a las sin-
gularidades históricas, sociales, políticas y econó-
micas, evidenciando la fuerza del arte, políticamen-
te involucrada, sin que se pierdan la ambición y la
pluralidad estética, además de seguir reafirmando,
como objetivo principal, el carácter de integración
de las diversas culturas de ese extenso territorio
afectivo que es Iberoamérica, manteniendo este
lugar privilegiado para el intercambio de conoci-
mientos, diálogos multilaterales y el análisis de las
herramientas expresivas de la profesión teatral.
En la programación se encuentran espectáculos
de nueva dramaturgia, Creación Colectiva, danza
flamenca, danza contemporánea, lenguajes trans-
versales, performance, títeres, teatro infantil, teatro
de calle, música y narración. Podremos ver: “Terre-
nal” de Mauricio Kartún, y “Todo piola” de Gustavo
Tarrío, Mariano Blatt y Eddy García, de Argentina;
“Donde viven los bárbaros” de Pablo Manzi, de Chi-
le; “Made in Salvador: y de bordar en bordar se me
fue la vida”, de Paola Miranda, Egly Larrinaga y Luis Felpeto, de El
Salvador; “Del manantial al corazón”, de Conchi León, de México; “La
ira de Narciso”, de Sergio Blanco, de Uruguay. Y “Reina Juana”, de
Ernesto Caballero; “El cuarto poder”, de Ramón Fontseré; “El Rey”,
de Alberto San Juan; y “Distancia siete minutos”, de Diego Lorca y
Pako Merino, de España.
Espectáculos de Creación colectiva son “Camilo”, de Teatro de La
Candelaria, y “Antígonas. Tribunal de mujeres”, de Tramaluna Teatro,
de Colombia. En conmemoración del 400 aniversario de la muerte de
William Shakespeare: el espectáculo “Algo de un tal Skakespeare”,
de Adrián Vázquez, de México. En conmemoración del IV centenario
de la muerte de Miguel Cervantes, el espectáculo: “Sancho en Bara-
taria”, de Azar Teatro, de España.
La danza flamenca estará presente con: “El callejón de los pecados”,
de Eduardo Guerrero y Rocío Molina. En lenguajes transversales, la
danza flamenca con lenguaje circense y musical: “Ns/Nc”, de Jorge
Barroso “Bifu”, de España, y el de danza contemporánea-circo con:
“La audición”, de Xavi Castelló y Alba Blanco, de España.
De teatro-circo “Vincles”, de Circ Bover, de España. De títeres “Cuen-
to de pocas luces”, de A la sombrita, de España. El teatro infantil con
“Olas”, de Teloncillo, de España. La música y la narración con: “El
canta, yo cuento”, de Casa de Teatro, de República Dominicana. Y el
teatro de calle con: “Su a féu”, de España.
Apuesta clara por la innovación
y el pensamiento crítico
multidisciplinar
Esta edición cuenta con la presencia de grupos de ocho países: Argentina, Chile, Colombia, El Salvador,
México, República Dominicana, Uruguay y España; y con grupos españoles correspondientes a 8
comunidades autónomas: Andalucía, Madrid, Cataluña, Castilla y León, Baleares, País Vasco, Región
de Murcia y Comunidad Valenciana que ofrecerán una amplia muestra de estéticas y lenguajes
integrándose en es ámbito cultural y emocional llamado Iberoamérica

5
artez
DETEATRODECÁDIZ
El teatro performativo con dos experiencias don-
de la creatividad gaditana va a estar presente. Una
es la coproducción del FIT: “Todo lo que está a mi
lado”, de Fernando Rubio, de Argentina, donde par-
ticipan siete actrices de Cádiz, y la manifestación de
arte colectivo de asociaciones gaditanas: “Yo tam-
bién soy Frida”, del colectivo La revolución de las
mariposas, en homenaje a las madres de Soacha,
Colombia, participantes en el Festival dentro del
elenco del grupo colombiano Tramaluna Teatro.
Como complemento al Encuentro de Mujeres de
Iberoamérica en las Artes Escénicas, se ofrecen
ocho espectáculos que contienen temática de gé-
nero o donde la presencia de la mujer adquiere un
papel protagónico tanto en la interpretación como
en la autoría, dirección o coreografía. Estos son:
“Made in Salvador: y de bordar en bordar se me fue
la vida”, de Teatro del Azoro, de El Salvador; “Del
manantial al corazón”, de Saas Tun, de México; “Ca-
milo” de Teatro La Candelaria, de Colombia; “Antí-
gonas. Tribunal de mujeres”, de Tramaluna Teatro,
de Colombia; y “Reina Juana”, con Concha Velasco,
de España; “Sancho en Barataria” de Azar Teatro,
de España; la producción del FIT, “Todo lo que está
a mi lado”, y la performance “Yo también soy Frida”,
del colectivo La revolución de las mariposas.
De los Actos Complementarios señalar que a par-
tir de esta edición, tanto el trabajo académico del
Encuentro de Investigación Teatral “Cruce de Cri-
terios”, como la labor activista del Encuentro de
Mujeres, unirán sus espacios en un afán de que el
enfoque de género obtenga sentido transversal en
todos los actos el festival, y que no quede solo cir-
cunscrito al Encuentro de Mujeres. Aprovechando
que el Encuentro de Mujeres de Iberoamérica en
las Artes Escénicas, cumple su vigésima edición, y
de que el Encuentro de Investigación Teatral “Cru-
ce de criterios”, su décima edición, respetando sus
respectivos objetivos, a partir de ahora desarrolla-
ran temáticas, estrategias y dinámicas de manera
conjunta, con la intervención activa de los partici-
pantes de ambas convocatorias.
De igual manera, la concesión del décimosexto Premio FIT de Cá-
diz -Atahualpa del Cioppo- al Teatro La Candelaria de Colombia, que
cumple sus rimeros cincuenta años desde su fundación en junio de
1966 por un por un grupo de artistas e intelectuales independien-
tes provenientes del naciente teatro experimental y del movimiento
cultural. Durante los primeros cuatro años se montaron obras de
vanguardia. Los críticos del momento calificaron esta etapa como:
“El acceso a la modernidad del Teatro Colombiano” Obras como:
Marat-Sade de Peter Weiss, La manzana de Jack Gelber, La cocina
de Arnold Wesker o El Triciclo de Fernando Arrabal, constituyeron
parte del repertorio de los 60´s, con la preocupación fundamental de
trabajar paralelamente por el acceso del público popular al teatro y
por la apropiación de la dramaturgia nacional.
A partir del 68 se instala en una sede colonial propia en el barrio La
Candelaria del centro de Bogotá en donde se adaptó una sala para
250 espectadores. A partir de allí toma el nombre de Teatro La Can-
delaria y emprende sistemáticamente la creación de obras originales
de dramaturgia nacional con el método de creación colectiva y parti-
cipación en la formación de la Corporación Colombiana de Teatro.
La incursión en temas míticos y la aprobación consciente de situa-
ciones y personajes nacionales produjeron un fenómeno masivo de
movilización de público que permitió, en muy poco tiempo, despertar
el interés por La Candelaria y por el movimiento teatral nacional a lo
largo y ancho del país y por parte de numerosos Festivales y eventos
Internacionales.
El trabajo de creación colectiva y la producción de materiales teóri-
cos por parte de La Candelaria y del movimiento teatral constituyeron
una verdadera escuela de formación y creación teatral en América
Latina.
A partir de 1982 algunos de los integrantes del grupo escriben y mon-
tan sus propios textos. De allí surgen: El diálogo del rebusque, escrita
y dirigida por Santiago García, La Tras-escena escrita y dirigida por
Fernando Peñuela. El viento y la ceniza escrita y dirigida por Patricia
Ariza y la Trifulca de Santiago García, entre muchos otros.
También se hacen algunas experiencias en Danza - Teatro como la
Historia del soldado de Stravinski – Ramus en coproducción con la
Orquesta Filarmónica de Bogotá.
Numerosos festivales del mundo se interesan por La Candelaria y
decenas de investigadores visitan al país y al grupo para estudiar los
procesos de montaje, las metodologías de trabajo y las obras.

6
artez
DETEATRODECÁDIZ
Un mito, un poema y una intervención son los
puntos de partida de las propuestas escénicas
argentinas de esta nueva edición del FIT.
Mauricio Kartun es el autor y director de Te-
rrenal. Pequeño Misterio Ácrata obra en la
que Caín y Abel viven una versión conurbana
del mito bíblico, dos hermanos en disputa
contínua que comparten un mismo espacio
hasta la misteriosa llegada de su abuelo Ta-
tita quien los abandonara años atrás y que
completa el relato bíblico del primer asesi-
nato, el del triunfo del hacer sobre el ser, del
propietario sobre el desposeído. La obra se
presenta con una puesta en escena apoyada
en el humor de personaje y el de situaciones
organizada en la vieja dialéctica clásica, la del
Payaso Blanco –altivo y cínico, encarnado por
Tatita–, el Augusto, en forma de Caín, –inge-
nuo y dando pasos de fracaso en fracaso– y el
Pierrot, Abel, –el soñador, el romántico–.
Dramaturgo, director y maestro de drama-
turgia, Kartun es un reconocido autor por su
larga y fructífera carrera en la que ha escrito
una treintena de obras teatrales –entre ori-
ginales y adaptaciones– tales como ‘Chau Misterix’, ‘El Par-
tener’ ‘La madonita’ o ‘El niño Argentino’ muchas de ellas
llevadas a escena bajo su dirección. Entre sus últimas obras
se encuentran ‘Ala de criados’ (2009) y ‘Salomé de chacra’
(2011) además de ‘Terrenal’, su último trabajo. Entre los
premios más importantes que ha obtenido destacan Primer
Premio Nacional de Literatura Dramática, Gran Premio de
Honor e Argentores, el Fondo Nacional de las Artes o el de
la Asociación de Cronistas del Espectáculo y en 2014 la Uni-
versidad de Buenos Aires lo galardonó con su Profesorado
Honoris Causa.
Todo Piola
La segunda propuesta argentina, Todo Piola de la compañía
homónima, parte de un poema de Mariano Blatt con cancio-
nes de Guadalupe Otheguy. Esta obra, dirigida por Gustavo
Tarrío. arranca en una esquina oscura en la que dos amigos
de un barrio cualquiera se saludan con un “todo piola” y des-
de ese momento se abren las puertas a un mundo inespe-
rado. Una obra que parte de un momento de soledad para
convertirse en un encuentro fantástico y efímero en la que
la intimidad se dispara a un estado de imaginación desatada
en una original combinación de romance, teatro físico y fan-
Tres compañías en
representación del
teatro argentino actual
Terrenal. Pequeño Misterio Ácrata

7
artez
DETEATRODECÁDIZ
Con este montaje Rubio quiere abordar el te-
mas como “la intimidad, el movimiento sutil,
las derivas de la memoria, el vínculo con los
otros, nuestra presencia en el tiempo y la ex-
traña forma que tenemos de habitar espacios
afectivos en relación a lo desconocido. Obje-
tos reconocidos en espacios reconocidos se
resignifican y mutan a través de los cuerpos”.
Este montaje móvil alrededor del mundo, es
una intervención en la que cada actriz debe “vi-
venciar la obra con toda intensidad, la obra es
un acontecimiento. Es la posibilidad de irradiar
un instante imborrable hacia alguien descono-
cido. El texto abarca un recorrido sobre distin-
tos momentos de la vida. Una geografía total e
incompleta susurrada hacia otro, como si ese
otro fuera yo”, explica Rubio. En definitiva esta
es una obra-instalación que “busca los límites
para su potencial reflexión sobre la experien-
cia en todas sus posibilidades: estéticas, con-
ceptuales, urbanas y vinculares” explica Rubio
para añadir que el montaje es “un aconteci-
miento, es la posibilidad de irradiar un instante
imborrable hacia alguien desconocido”.
tasmagoría. Eddy García, Carla Di Grazia y la propia Otheguy
son los intérpretes en escena de esta obra que fantasea con
un amor todopoderoso entre una chica y su amigo gay.
El proyecto de este espectáculo comenzó al conocer Gus-
tavo Tarrío Eddy García el poema que da nombre a la obra,
a lo que se unieron en la primera parte del proceso Virginia
Leanza para el diseño de movimiento con Eleonora Pascual
en la producción ejecutiva. Al poco se unió al equipo Othe-
guy con el fin de componer las canciones que conformar el
espectáculo y que pasó a interpretar en escena a la que se
unió la actriz Di Grazia formando así el equipo de tres intér-
pretes sobre escena.
Todo lo que está a mi lado
Como una intervención puede definirse la propuesta escéni-
ca del director, dramaturgo, actor y artista visual Fernando
Rubio, Todo lo que está a mi lado, una obra que su autor creó
después de un sueño, del recuerdo olvidado de una historia
de la infancia guardada durante 25 años.
Con esta obra Rubio continúa con los proyectos de búsque-
da de la intimidad y propone el encuentro de una actriz y
un espectador en una cama y tiene una duración de diez
minutos.
Todo Piola Todo lo que está a mi lado

8
artez
DETEATRODECÁDIZ
Tramaluna Teatro llevará a escena Antígonas,
tribunal de mujeres, creación ganadora de la
beca Arte y Memoria de la ciudad de Bogotá,
una beca que estimula la creación artística
entre víctimas del conflicto y artistas. Trama-
luna Teatro es un colectivo que forma parte de
la Corporación Colombiana de Teatro y tiene
alrededor de dos décadas de trabajo escénico
constante. La obra que se podrá ver en Cá-
diz ha sido creada junto con mujeres víctimas
de cuatro diferentes casos de violación de los
derechos humanos en Colombia: varias de
las madres de Soacha cuyos hijos fueron víc-
timas de los mal llamados falsos positivos o
ejecuciones extrajudiciales de jóvenes de las
barriadas pobres para presentarlos a la pren-
sa como dados de baja en combate y mostrar
que se cumple con las metas y los indicadores
de la gerencia de la guerra; mujeres sobrevi-
vientes del genocidio político contra la Unión
Patriótica; mujeres defensoras de los Dere-
chos Humanos, víctimas del caso de las chuza-DAS; mujeres
líderes estudiantiles víctimas de montajes judiciales e injus-
tos encarcelamientos. Estas mujeres han convertido su dolor
y su memoria en poesía, y, junto a las actrices y bailarinas,
están presentes en la escena. Nadie las representa, son ellas
mismas quienes presentan al público sus dolorosas historias
y su tenacidad. Su presencia en la escena como poetas y ac-
trices de su propia tragedia le concede una gran emotividad y
una conmovedora verdad poética a esta pieza.
Teatro La Candelaria representará Camilo, obra sobre Camilo
Torres, un hombre representativo de la intelectualidad colom-
biana, cofundador, con el maestro Fals Borda, de la Socio-
logía en Colombia, profesor universitario, sacerdote, político,
rebelde y, por último, insurgente. «Hacemos esta obra como
un acto de recuperación de la memoria al pie de la conmemo-
ración de los 50 años de su muerte y de la celebración de los
50 de vida de nuestro grupo. El cuerpo de Camilo está oculto,
para sus seguidores “desaparecido”. Y, nosotros y nosotras,
en un acto de fe en la memoria, prestamos, como dice uno de
los actores, nuestro cuerpo para su búsqueda y su presen-
cia», comentaban.
Desde Colombia, dos piezas con
contenido reivindicativo
Camilo
Antígonas, tribunal de mujeres

9
artez
DETEATRODECÁDIZ
La compañía mexicana Los Tristes Tigres
presenta Algo de un tal Shakespeare, una
invitación a jugar sobre la escena, un diver-
timento creado a partir de improvisaciones
sobre la literatura del universal autor inglés
que ofrece un recorrido lúdico por algu-
nas de sus obras con el objetivo de acerar
al público joven el teatro Isabelino que “no
tiene porque ser aburrido y en lenguajes
extraños, totalmente ajenos de la realidad
actual”. Utilizando los utensilios que pue-
den encontrarse en cualquier cocina como
escenografía o utilería, con un ritmo ágil
y vertiginoso Sara Pinet, Adrián Vázquez y
todo el equipo que conforma Los Tristes Ti-
gres abordan algunas de las obras más co-
nocidas de El Bardo de Strattford. ‘Romeo y
Julieta’, la gran historia de amor de todos
los tiempos es representada por verduras y
tomates, cebollas o berenjenas se convier-
ten en los miembros de las familias Mon-
tesco y Capuleto. ‘Macbeth’ se presenta ante el público en
forma de cuentacuentos a dos voces que e alternan y ge-
neran metáforas con el fuego como elemento de esta tra-
gedia del universal militar escocés y en ‘Titus Andrónicus’
los actores transfiguran su cuerpo para representar a los
personajes de esta sangrienta tragedia.
Desde Yucatán llega, Saas Tun para presentar Del manan-
tial del corazón, un espectáculo de teatro testimonial yuca-
teco creado a partir de una investigación que compila ri-
tuales y cuidados pre y post parto de las mujeres yucatecas
y los realizados en la primera infancia a las y niñas y niños,
todos ellos, basados en las creencias populares y el sin-
cretismo. Conchi León es la autora y directora de esta obra
llena de símbolos y elementos importantes en la cultura
del mestizaje como la cruz de madera verde, tijeras, flores,
almudes y santos que se utilizan en escena para relatar
éstas historias que al hablar de la vida necesariamente
acaban hablando de la muerte.
Una obra dedicada a todas las mujeres mexicanas que
“perdieron a algunos de sus hijos y algunas de ellas ni si-
quiera pudieron verlos muertos” afirma León.
Mujeres yucatecas y obras de
Shakespeare
Algo de un tal Shakespeare
Del manantial del corazón ©Enrique Gorostieta

10
artez
DETEATRODECÁDIZ
Estrenada en Montevideo en 2015 como parte
de la celebración de los diez años de la Com-
pañía de Artes Escénicas Contemporáneas
Complot, La ira de Narciso del dramaturgo
franco-uruguayo Sergio Blanco es un mo-
nólogo que relata la estancia del autor en la
ciudad de Liubliana, donde es invitado para
impartir una conferencia magistral sobre el
mito de Narciso.
El también dramaturgo, director y actor uru-
guayo Gabriel Calderón es el encargado de
interpretar al único protagonista, –ubicado en
un único decorado que traslada al público a
una lujosa habitación de un hotel de la capi-
tal de Eslovenia–, narra los preparativos para
la conferencia y los diversos encuentros que
mantiene en la citada habitación con un joven
actor de la industria pornográfica eslovena
que acaba de conocer.
Poco a poco, y a medida que va avanzando la
obra y tras descubrir en una de las paredes de la habitación
una inquietante mancha de sangre imposible de limpiar, el
relato irá dando paso a una intriga policial que desvelará los
macabros detalles de un crimen extremadamente violento
ocurrido en la misma habitación.
Blanco, encargado también de la dirección de este montaje.
alterna sutilmente tres de los modos de enunciación solitaria:
la narración, la conferencia y la confesión convirtiendo esta
propuesta en un “trayecto fascinante y arriesgado que de a
poco nos va adentrando en el laberinto confuso del yo, del
lenguaje y del tiempo, a la vez que irá abordando temas como
la creación, la soledad, la muerte, la sexualidad, la adicción,
la separación, la desesperanza, la belleza…”.
Para la puesta en escena de esta obra, Blanco y Calderón
se acompañaron de un equipo artístico de reconocido nivel
compuesto por los diseñadores escénicos Laura Leifert y Se-
bastián Marrero y por el video-artista Miguel Grompone lo
que llevó a que el espectáculo haya sido uno de los aconteci-
mientos teatrales más esperados de la temporada 2015 de la
capital uruguaya.
Sergio Blanco y
Gabriel Calderón
unidos en escena por Narciso
©Nairí Aharonián

11
artez
DETEATRODECÁDIZ
Las mujeres bordadoras hoy
Violencia normalizada
oportunidad de disfrutar con ella.
Cada una de estas mujeres, vive bajo un techo de lámina y
comparten los mismos dolores y bordan, día y noche para las
grandes empresas lo que convierte un oficio hermoso en una
terrible condena.
Con este espectáculo, Teatro del Azoro continúa su línea de
trabajo que se basa en utilizar herramientas de la antropología,
el periodismo y el teatro documenta. Siguiendo este camino
y para la creación de esta obra, la compañía estuvo visitando
Santo Tomás y Panchimalco, dos lugares en los que hay un im-
portante número de mujeres bordadoras que trabajan para las
maquilas desde sus casas. “Cuando comenzamos este proceso
no nos imaginamos el horror con el que nos encontraríamos”
explican desde la compañía.
Escrita por Pablo Manzi quien también se encarga de su di-
rección junto con Andreina Olivari, ‘Donde Viven los Bárba-
ros’ narra la historia de tres primos que tras muchos años
sin verse, deciden reunirse en chile en el año 2015. Lo que
debía ser una celebración familiar se ve truncada cuando Ro-
berto, anfitrión de la cita y director de una conocida ONG, se
ve involucrado en un extraño aso de homicidio de una joven y
este tremendo hecho desencadenará la violencia entre todos
los invitados.
Gabriel Cañas, Gabriel Urzúa, Paulina Giglio, Carlos Donoso
y Franco Toledo dan vida a los personajes de ‘Donde Viven los
Barbaros’ una obra con la que la joven compañía intenta ex-
plorar el modo en que se normaliza y comprende la violencia
de las relaciones humanas actualmente en Chile.
Un año más, la programación del FIT cuenta
con el montaje ganador del ‘Festival de Teatro
Joven de Las Condes’, evento que tiene como
finalidad incentivar la creación teatral de nue-
vas generaciones de actores y directores chi-
lenos a través de la puesta en escena obras
teatrales.
De las seis obras finalistas seleccionados por
un jurado para participar en la sexta edición
del festival, celebrado el pasado mes de agos-
to, el espectáculo ganador del certamen fue
Donde Viven los Bárbaros de la compañía Bo-
nobo, encargada por tanto, de representar a
Chile en Cádiz.
El espectáculo Made in El Salvador “... y de bor-
dar y bordar se me fue la vida” de Teatro del
Azoro ha sido creado a partir de un trabajo de
investigación sobre la realidad de las mujeres
salvadoreñas que trabajan para las maquilas.
Producida por Brücke le Pont y la Asociación
Mujeres Transformando y dirigida por Egly
Larreinaga y Luis Felpeto, la obra cuenta la
historia de cuatro mujeres bordadoras –inter-
pretadas por Paola Miranda, Ana Ruth Aragón,
Alicia Chong y Egly Larreynaga–, cuatro muje-
res invisibles para la sociedad, para el Estado,
para la propia compañía hasta crear la obra y
para el público en general hasta que tenga la

12
artez
DETEATRODECÁDIZ
Seis compañías llegadas desde diversos pun-
tos del Estado pondrán en escena otros tantos
espectáculos de temáticas, estilos y registros
diversos.
Diego Lorca y Pako Merino, o lo que es li mis-
mo, Titzina Teatro presentan Distancia siete
minutos, último trabajo de la compañía de
Barcelona en la que narran el encuentro de un
juez, Félix, y su padre en el domicilio familiar,
un encuentro que coincide cronológicamente
con el envío y aterrizaje del robot espacial Cu-
riosity. El entorno de los juicios donde el jo-
ven juez desarrolla su profesión, así como la
convivencia entre padre e hijo serán la excusa
para abordar temas fundamentales como la
justicia, la felicidad o el destino.
La veterana compañía Els Joglars pondrá en
escena Zenit, montaje con el que centran su
mirada en los medios de comunicación. “Una
vez más partimos de nuestro punto de vista sa-
tírico, con escena pautadas musicalmente que destilan mor-
dacidad” afirman los miembros de la compañía dirigida por
Ramon Fontserè. Para ello ponen ante el público el desarrollo
diario de un “gran periódico” donde observar los entresijos
de sus oficinas, el día a día de los periodistas convertidos en
media workers, de sus propietarios, el enfrentamiento entre
el periodismo ético y la voracidad del medio... “el peligro re-
cae en que esta maquinaria que se puso en marcha por unos
motivos nobles ha sido desvirtuada por la locura consumista y
ahora está fuera de control” matizan desde la compañía.
Una gran veterana es también la reconocida actriz Concha
Velasco, que en Reina Juana da vida a la que fuera hija de
los reyes católicos única protagonista de esta obra escrita por
Ernesto Caballero y dirigida por Gerardo Vera. En este uni-
personal producido por Juango Seoane para Grupo Marquina
y Siempre Teatro, Velasco pone en escena “la tragedia de una
mujer que se ve desde muy niña arrastrada vertiginosamente
por todas las turbulencias, intrigas políticas y religiosas de su
época. Una mujer, una reina destrozada emocionalmente por
sus grandes contradicciones, por su rebeldía, por su fuerte
Reyes, reinas, flamenco y
actualidad sobre los escenarios
Distancia siete minutos
Reina Juana
El Rey

13
artez
DETEATRODECÁDIZ
personalidad y por un enorme desequilibrio
afectivo que cristaliza en ese paseo por el
amor y la muerte que es su matrimonio con
Felipe de Habsburgo” explica Vera para aña-
dir que con esta obra Caballero plantea ”des-
de reflexiones de una gran contemporaneidad
todas las grandes preguntas de una época
marcada por la intolerancia religiosa, la co-
rrupción política y la ambición desmesurada
de una monarquía absolutista cuyos ecos, por
desgracia, aún resuenan en nuestros días”.
Y la monarquía es también el tema elegido por
Teatro del Barrio. El Rey es una ficción escrita
y dirigida por Alberto San Juan que tiene como
personaje central a Juan Carlos I, “un hombre
que, en el epílogo de su vida cae de la cima a un
sótano. Al menos simbólicamente. Un hombre
que, al parecer, ya no sirve. Aunque sirvió mu-
cho. Pero, ¿para qué? ¿Para quiénes?”.
‘El Rey’ es la quinta producción de Teatro del
Barrio, una obra interpretada por Luis Ber-
mejo, Guillermo Toledo y Alberto San Juan
/Javier Gutiérrez que trata de responder a
preguntas como ¿Qué papel ha jugado la mo-
narquía en España en los últimos cuarenta
años? ¿A qué fines ha servido? ¿Cuáles son
los objetivos de la monarquía española para
las próximas décadas? “Es una ficción contra
la ignorancia. Con la convicción de que sólo
puede cambiar su realidad aquel que la conoce” subrayan
desde Teatro del Barrio.
Dos momentos para el flamenco
Este año se podrá disfrutar con dos espectáculos de raíces
flamencas. Varuma Teatro presenta Ns/Nc un relato escéni-
co en el que la música flamenca y el baile se funden con la
música de los Balcanes. Jorge Barroso “Bifu” es el autor de
la idea y el director de esta obra de la que dice “el título de
la obra viene exactamente porque no sabíamos qué íbamos a
realizar, así que me acogí a esta expresión (...) luego enten-
dí que las escenas son muy sugerentes y que por sí mismas
podrían tener muchos significados. Pensé que debería dejar
abierta la posibilidad de que el público por sí mismo rescatara
sus propias sensaciones y concusión (...) cualquiera que fue-
re, para mí es válida”.
Eduardo Guerrero desarrolló la idea de El callejón de los
pecados cuya coreografía creó junto con Rocío Molina para
subir a los escenarios un montaje en el que demuestra su
preparación, fuerza, creatividad y experiencia a través de un
programa compuesto por una introducción, Taranto, Tangos,
Tonas, Seguirillas, Zapateado y Soleá por Bulerías. En este
espectáculo Guerrero se presenta ante el público acompaña-
do a la guitarra por Jesús Guerrero, Manuel Muñoz ‘Pájaro’ a
la percusión y Pepe de Pura y Miguel Rosendo al cante. Ac-
tualmente, Eduardo Guerrero es considerado como uno de
los importantes referentes del baile masculino Flamenco y ha
sido galardonado en diversos premios.
Ns/Nc El callejón de los pecados Zenit

14
artez
DETEATRODECÁDIZ
Las niñas y los niños tienen la posibilidad
de disfrutar solos o junto con sus mayores
de dos espectáculos. A La Sombrita es una
compañía de teatro de títeres, sombras y lu-
ces que hará disfrutar al público más joven
con Cuentos de pocas luces, un espectáculo
con el que invita a pasear por los orígenes
de los cuentos, desde que se descubrió el
fuego hasta la invención del cine. La obra co-
mienza con un viaje a las cavernas, a aquella
época en la que se descubrió el fuego para
recrear el que pudo ser el primer cuento del
mundo. El descubrimiento de la música y los
ritmos, la utilización de objetos y la fabrica-
ción de herramientas, serán los vehículos
para inspirar nuevos cuentos al igual que las
sombras de las manos y del cuerpo y la uti-
lización de objetos y títeres articulados junto
con las proyecciones y efectos visuales arte-
sanales, justo antes de la invención del cine.
Una propuesta de José-Diego Ramírez com-
puesto por varias microhistorias independientes que tiene
la evolución del Teatro de sombras como hilo conductor.
Olas de Teatro Teloncillo está dirigido a niñas y niños a partir
de seis meses y hasta los cinco años. Una propuesta senso-
rial en la que la poesía se convierte en canción, con un tema
central: el agua. Sonidos acuáticos, magia, luz, música y can-
ciones en directo, los dos intérpretes en escena juegan con
las gotas, con la lluvia, con el agua, con el mar, con los peces y
con las olas... Todo ocurre en el patio de Chloe, “porque Chloe
adora el agua y cada día se asoma a su patio para jugar con
las gotas de rocío, para pisar los charcos si ha llovido. Chloe
va a viajar, con las gotas va a saltar y juntas irán a la nube
desde el hondo mar”. Ana Gallego y Ángel Sánchez, creado-
res, intérpretes y directores de este montaje se han basado
en poemas de B.S. Hessling, Celia Viñas, Dora Alonso, Glo-
ria Fuertes, Eduardo Zamanillo y Marieta Monedero para la
puesta en escena de este su último trabajo.
Freddy Ginebra –promotor cultural y director de Casa de
Teatro–, Víctor Víctor –cantautor dominicano– y Juan Fran-
cisco Ordoñez –guitarrista y director musical– se han unido
para crear El canta, yo cuento, un divertimento íntimo entre
Teatro de sala para público
familiar y artes de calle
de día y noche
El canta, yo cuento VinclesOlas

15
artez
DETEATRODECÁDIZ
canciones y cuentos con el que deleitarán
al público. La risa, la nostalgia y alguna lá-
grima se mezclan con boleros, bachatas y
canciones desgarradas. Un cálido abrazo de
esa media isla que se llama República Domi-
nicana a todos los gaditanos que se reúnan
la noche del día 28 en el Centro Flamenco
La Merced.
Artes de calle
El circo, las acrobacias, la percusión y el fue-
go. Estos son los elementos principales de los
cuatro espectáculos de calle que dirigidos a
todos los públicos tendrán lugar en diversos
espacios del centro de la ciudad.
Xavi Castelló y Alba Blano dan vida a los dos
protagonistas de The audition, dos aspiran-
tes dispuestas a todo para ser las elegidas
en el casting organizado para ‘El lago de los
cisnes’. Esta es la idea central del espec-
táculo de Xa! Teatre, en la que a través del
circo y las acrobacias las dos particulares
bailarinas se enfrentan a un desafío de vida
o muerte. Bailar o morir, esa es la cuestión.
Y es que nadie puede imaginarse hasta donde pueden llegar
estas bailarinas... porque cuando dos son multitud, no hay
compasión posible.
Las artes circenses son el lenguaje utilizado por Circ Bover
que con Vincles –producción especial de la compañía para
celebrar su primera década–, y a través de cañas de bambú,
construyen un espectáculo que tiene como objetivo transmitir
la elegancia y la técnica de las artes circenses, transforman-
do elementos escénicos primarios que junto a las emociones
van dando forma a números de circo contemporáneo. A partir
de una idea original de Tià Jordà y dramaturgia y dirección
de Pay Bachero, Circ Bover ofrece un espectáculo innovador
aunque fiel a las características esenciales de la compañía: la
búsqueda de nuevos lenguajes, la calidad artística y técnica,
la sencillez y adaptabilidad, la música en directo, la proximi-
dad con el público y la simpatía.
Y desde Bilbao viaja a Cádiz Deabru Beltzak con su último
espectáculo, Su à feu en la que la danza urbana, el fuego y el
ritmo son explorados desde diversos ángulos para ofrecer un
itinerante protagonizado por unos personajes que recuerdan
a figuras del futuro y transforman la calle en un espacio en
el que los rituales modernos integran los gestos de la vida
cotidiana. Una fiesta de ritmo y luz, vital, llena de magia y
magnetismo como colofón a esta edición del Festival Ibero-
americano de Cádiz.
Su à feu
Cuentos de pocas lucesThe audition

Artez212

Más contenido relacionado

La actualidad más candente (20)

Similar a Artez212 (17)

Más de Artez Artes Escénicas (7)

Último (20)

Artez212