S1

Introducción al Diseño
(Nivel 0)

TALLER 1: IDENTIPACK
El taller que a continuación les propongo a modo de presentación y de
Introducción al Diseño se centra entorno la búsqueda del sujeto para
encontrarnos a nosotros mismos y elaborar un universo de imágenes
significantes de nuestras ideas subjetivas. Este comportamiento obedece a la
hipótesis de la importancia que tiene, para cualquier persona, obtener los medios
para materializar las ideas a veces obstacularizadas por conflictos.
Por otra parte el diseño gráfico así como el arte pueden constituir el escenario
privilegiado para que ustedes vivan el principio de realidad y placer, porque las
leyes de la materia y las de la ideación estética deben encontrar un lugar acorde.
Las técnicas gráficas sólo son importantes como medio del lenguaje y este a su
vez es efecto de una vivencia.
Antes de presentarnos cada uno por individual des del Diseño gráfico les
propongo que reflexionen desde su identidad que consta de múltiples
ingredientes: heredados, adquiridos, asimilados... tantos que a menudo resulta
confusa. Estos conviven en el mundo intangible de la conciencia, y sí
pretendemos evaluarnos será necesario transportar-los a una dimensión física y
a un soporte gráfico-plástico, es decir traducir en imágenes, figurativas o
abstractas, las características de nuestra identidad.
1. Nuestra identidad empieza por como nos llamamos o nos llaman, por ello
vamos a iniciar esta práctica con el diseño gráfico de nuestros nombres: estético,
formal e informal, y a continuación, nos vamos a presentar.

2. Para familiarizarnos un poco más con el soporte gráfico practicaremos un
ejercicio de traducción de conceptos abstractos a imágenes gráficas. El profesor
menciona 6 emociones transmitidas por los alumnos durante su presentación
ante los compañeros y los alumnos las plasman sobre el soporte y apuntar 4
emociones más que ellos hayan sentido durante el transcurso de la clase.
3. Con las 10 emociones elaboran su código de barras, como si de un producto
nos tratáramos, las líneas deben ser más o menos gruesas o ubicadas antes o
después en función de como nos identificamos con las emociones.
Reflexiones:
1. Criterios y normas grafométricas:
1.1 Orden: Se refiere a la estructura de la escritura. Debemos observar el
conjunto y apreciar su orden, a los espacios correspondientes a la separación de
letras, palabras o líneas, los margenes desiguales o no, las invasiones que se
puedan producir en vertical, la dirección de la línea, si lo vemos trabajado o no.
1.2 Presión: Se refiere a la fuerza o presión que hace la mano al escribir.
Debemos observar si el trazo es firme, apoyado o pastoso, si hay bucles ciegos,
si el trazo es limpio o hay oscilaciones

1.3 Forma: Se refiere al estilo caligráfico. Partiendo de un modelo que puede ser
clásico, original con añadidos o decoraciones.
1.4 Inclinación: Se refiere a la dirección del grafismo. Observemos la dirección de
la letra, puede ser vertical, inclinada hacia la derecha o izquierda, o acostada.
1.5 Tamaño: Se refiere a la medida de la letra encajada en un renglón. Puede ser
grande, pequeña... hay que observar su tamaño como el mantenimiento constante
del mismo a lo largo de su ejecución.
1.6 Velocidad: Se refiere a la rapidez de la escritura. Debemos observar la rapidez
en el desplazamiento del instrumento.
1.7 Dirección: Se refiere a la línea en su forma de discurrir de derecha a izquierda,
si mantiene las coordenadas de continuidad y solidez en todo el texto.
1.8 Progresión de continuidad: Se refiere al avance seguro y distendido de la
escritura. Debemos observar la progresión de izquierda a derecha, si está
frenando o no, o en aquellos gestos de retroceso como bucles.
Veámos algunos ejemplos:

Espacio entre palabras= neurosis (espacio entre letras= persona que tiende a
distorsionar la realidad, a mentir), Letra redonda= muy dulce, emotiva (expresión del
sentimiento sobre cualquier otra cosa, sin embargo la letra cuadrada, puntiaguda,
angulosa significa lo contrario.

La T es una letra importante, Madonna la hace equilibrada= piensa mucho (si la hiciera sin
palo horizontal= le cuesta tomar decisiones, si la hiciera con palo recto= se piensa mucho las
decisiones, el palo hacia arriba y sin cruzar la asta= no piensa, impulsiva, el palo muy
pequeño= no saben tomar decisiones, esperan que lo hagan los demás y el palo hacia la
izquierda y sin cruzar el asta central= piensa mucho y no hace nada). Líneas ligeramente
hacia arriba= ambición y la firma indica que es muy sociable.

Lorca
Letra delgada y alta, lanzas
que cuando invaden líneas
inferiores= testarudo y si es
con gancho= persona
rencorosa; si lo hacen en
las superiores= carácter
fuerte. Letras inclinadas
hacia la derecha= persona
que mira hacia el futuro
(hacia la izquierda=cosas
del pasado no resueltas y
recta= persona racional).
Firma centrada y alejada
texto= poca sociabilidad y al
contrario si la pega
demasiado al texto (si
firman rápido y no se
entirnde nada= yo sé más
que los otros, orgulloso.
Letra en dirección hacia
arriba= ambicioso (si es
hacia abajo= depresivo, en
línea recta= persona
equilibrada, constante.

La grafología dice mucho de nosotros sin estar conscientes, lo mismo sucede con las
tipografías y el diseño gráfico en general, por ello la utilizan las empresas en el
proceso de selección pues pueden detectar factores que interesen o no para el
funcionamiento de la empresa.

Definición del diseño gráfico
Definimos el diseño, como un proceso o labor a proyectar, coordinar, seleccionar
y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos visuales
destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados.
El conjunto de elementos que implican la creación de un diseño, se relacionan
como:
_Traza, delineación de una figura.
_Descripción de un objeto o cosa, hecho con las palabras.
_Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a
diversos objetos figurativos o abstractos.
_Proyecto y plan de diseño.
_Concepción original de un objeto destinado a la producción en serie.
_La Forma de cada uno de estos objetos.
Un diseño, es una pieza con un cierto atractivo visual, con personalidad y de un
gran equilibrio estético.

Ámbitos de aplicación
El diseño se aplica, en todos los ámbitos y se encuentra por todas partes:
_Dentro del mundo digital, en toda la red, internet (la web).
_Diseños de todo el mundo publicitario, revistas, periódicos, libros, manuales
(diseño y maquetación).
_Encontramos diseño en nuestro mobiliario, una silla, un mueble... (diseño
industrial y ergonomia).
_Divisamos el diseño en el mundo multimedia, el cine, televisión, videos,
musicales, trailers y demás efectos especiales.
Las posibilidades del diseño gráfico, son infinitas, ya que cada vez son más los
campos en los que se emplean elementos creados a través del ordenador.
El diseño se podría dividir en tres grupos principales:
1. La edición, diseño de todo tipo de libros, periódicos, y revistas.
2. La publicidad, diseño de carteles publicitarios, anuncios, folletos.
3. La identidad, diseño de una imagen corporativa de una empresa.

Diseño vs Arte
Diseñar se puede considerar un arte, pero no es del todo exacto. Un diseño
puede reunir unas ciertas pautas estéticas como para considerarlas obras de
arte. En los museos de arte moderno, pueden verse carteles entre pinturas o
dibujos artísticos, y otros objetos que se crearon para una función especial y
específica, en las que puedan incluir el arte en sí.
La belleza de un diseño puede superar en muchas ocasiones, cualquier obra de
Arte, por muy preciada que ésta sea, siempre que siga los tres elementos
básicos de comunicación:
Un método para diseñar, un objetivo que comunicar y por último un campo
visual.
Los elementos básicos que debe dominar y tener en cuenta dentro de cualquier
diseño:
1. Lenguaje Visual: Saber comunicar el mensaje adecuado, con los recursos
oportunos, dependiendo del grupo de personas o público al que vaya dirigido el
mensaje.
2. Comunicación: Conocer los procesos de comunicación, para poder captar los
mensajes que el diseño ha de comunicar. A continuación unos ejemplos:

Lady Lilith (Prerrefaelista, D.G. Rossetti, s. XIX) & Madonna (carátula disco)
¿Qué semejanzas o diferencias observan entre las siguientes obras
artística y gráfica?

Comentario de texto:
“Creo que hoy día el automóvil es el equivalente bastante
aproximado de las grandes catedrales góticas: quiero decir una
gran creación de la época, concebida apasionadamente por artistas
desconocidos, consumida en su imagen, si es que no en su uso,
por todo un pueblo que se apropia con ella de un objeto
perfectamente mágico. El nuevo Citroën DS cae manifiestamente
del cielo en la medida en que se presenta de entrada como un
objeto superlativo. No debemos olvidar que el objeto es el mejor
portador de lo sobrenatural: hay fácilmente en el objeto una
perfección y a la vez una ausencia de origen, una clausura y una
brillantez, una transformación de la vida en materia (la materia es
bastante más mágica que la vida) y, por último, un silencio que
pertenece al orden de lo maravilloso. El “deesse” tienen todas las
características (al menos el espectador está empezando a
atribuírselas unánimemente) de uno de los objetos procedentes de
otro universo que alimentaron la manía por lo nuevo del s.XVIII y la
de nuestra ciencia ficción: el “deesse” es antes que nada un nuevo
Nautilus”. (“El deesse”, Roland Barthes, Mitos de hoy, 1957)

Catedral gótica vs Citröen DS

3. Percepción Visual: Estar informados, la manera en que las personas vemos y
percibimos lo que vemos. Aspectos tan importantes, como nuestro campo visual,
el recorrido de la vista, el contraste, la percepción de las figuras, fondos,
trayectoria de la luz...
4. Administración de recursos: Conocer todos los recursos de los que se
dispone, y aplicarlos lo mejor posible.
Conclusión:
_En nuestras sociedades industriales estamos rodeados constantemente de
elementos gráficos, pero no nos damos cuenta de los mismos por ser tan
habituales.
_No son elementos decorativos sino funcionales, prácticos a la vez que reflejan
el gusto de una época.
_Estos están constituidos por un lenguaje de signos e imágenes y siempre se
está tratando de comunicar información de un modo nuevo que resulte
interesante al publico.
_En la actualidad, los diseñadores gráficos trabajan en muchos campos que
antes no existían, como imagen corporativa, señaléctica, diseño de envases
(packaging)...
_Lo podríamos definir como la construcción de lo posible.

Estilos y tendencias en el diseño
En todo proceso de diseño, el diseñador utiliza toda la información posible,
retenida en su memoria, para realizar su creación. Una serie de imágenes,
signos y demás recursos comunicativos son asociados y entrelazados entre sí
dando lugar al diseño.
Las tendencias, son una serie de grupos con un cierto estilo que el diseño en sí
va adoptando. Se encuentran en continua evolución y marcan el estilo de los
diseños y de las futuras creaciones. Ahí, entra a formar parte el estilo como
forma de actuar, dando el toque personal al proyecto en curso (como
comentamos más arriba entorno al estilo de nuestra letra).
Lenguaje visual y la percepción
Es una ley específica del diseño. Es la capacidad que tiene un signo, un
elemento o un color ya sea aislado o integrado de provocar sensaciones o
reacciones de interpretar o expresar una idea o de hacer una determinada
comunicación visual. La forma y el estilo del signo, su densidad y dinamismo,
su estructura y equilibrio señalan su capacidad expresiva. Los elementos que
mas influyen en la percepción son los grafismos y los contra grafismos,
dispuestos sobre el formato. A continuación, contribuye mucho el propio formato,
la estructura de la página, la disposición de las masas, los caracteres, etc. y
todos estos elementos adecuadamente organizados de acuerdo a las leyes
compositivas, constituyen la forma apta para emitir un mensaje y ser percibida
por el lector.

Formas básicas de composición: El signo
El signo, es un objeto y acción que representa y sustituye a otro objeto, fenómeno o
señal. Del uso del signo surge la semiótica, que estudia las reglas que gobiernan la
producción, transmisión e interpretación de estos símbolos.
Podemos describir la comunicación entre los humanos, como una forma e
intercambio de transferir mensajes, la única forma de hacerlo es por medio del uso
de signos, tales como: el que se emite a través del habla, letras, números,
fotografías, etc.
Los signos, son el medio a través del cual se hace posible la transmisión de los
pensamientos, significados e ideas. Se extrae de ellos lo que hace posible, una
situación sígnica, la comunicación entre dos o más personas.
Clasificación de los signos: Indicativos
Los signos pueden ser, naturales y artificiales. El rasgo diferencial entre ellos es la
no participación directa del hombre en la creación de estos signos (naturales) y la
participación directa en la creación de dichos signos (artificiales). En ambos casos el
hombre lo interpreta, pero no siempre los crea, ya sea como actividad consciente o
inconsciente.
Los signos naturales reciben también la denominación de indicaciones o índices.
Ej.: Así el humo como indicio de que hay fuego, las nubes como indicio de
lluvia, las arrugas de la cara como síntomas de envejecimiento, etc.

Signos simbólicos: Signos lingüísticos y no lingüísticos
Los signos artificiales se dividen a su vez en lingüísticos y no lingüísticos,
incluyendo entre los primeros los sistemas verbales (los que sustituyen a partir
de ellos: escritura, morse, braille, etc.) de carácter natural o tradicional, (las
lenguas o idiomas).
Los no lingüísticos, se oponen a los verbales (base de todo el proceso de la
comunicación humana), se dividen en, señales, símbolos e iconos. Los primeros
influyen de una forma o de otra, sobre la voluntad de los individuos mientras que
los otros sólo actúan de forma inmediata.
Todos los signos son fenómenos materiales que actúan directamente sobre los
órganos de los sentidos. Ej.: El disparo de un cohete como señal de ataque o
el humo de una montaña, significa un incendio. Los símbolos se diferencian,
de los signos icónicos por tres características:
1. Son objetos materiales que representan ideas abstractas.
2. Funcionan por alegorías o metáforas, y van dirigidos a los sentidos.
Su representación ha de tener un cierto significado para que puedan
interpretarse bien. Ej. de símbolos: la Cruz, que representa al Cristianismo o
a un centro sanitario y la Media Luna que presenta al Islam.

Los signos icónicos
Funcionan de acuerdo con el principio de semejanza y en él pueden incluirse
toda clase de imágenes, dibujos, pinturas, fotografías o esculturas.
Son signos que tienen cierta semejanza con el objeto a que se refieren. Así, el
retrato de una persona o un diagrama son signos icónicos por reproducir la forma
de las relaciones reales a que se refieren, Ej.: señal de tránsito.
El signo icónico tiene algunas de las propiedades del objeto representado, es
decir, de su denotado. Sin embargo, si se observa una imagen publicitaria, no
siempre se representan todas las propiedades, ya que muchas de ellas están
simplemente sugeridas a través de otras.
El signo icónico reproduce algunas condiciones de la recepción del objeto,
seleccionadas por un código visual y anotadas a través de convenciones
gráficas.
Los signos icónicos, ofrecen al receptor real con toda la naturalidad de cada uno
de ellos representándose a sí mismos. No poseen las propiedades de la realidad,
sino que transcriben, según cierto código de reconocimiento, algunas
condiciones de la experiencia. Cuatro características tienen los signos icónicos:
ser naturales, convencionales, analógicos y de estructura digital.

Clasificación de los signos
El receptor es la persona a la que va destinado el signo. Así que el medio a través
del cual se ha de interpretar este el signo, ha de encontrarse familiarizado con el. Si
el receptor no conoce el símbolo que el transmisor está ejercitando, difícilmente
podrá comprender el mensaje del signo, propiamente dicho.
Para que pueda comprenderse un mensaje, emitido a través de un signo deben
incluirse tres aspectos:
1. Sintácticos: Estudian el signo según la forma percibida.
2. Semánticos: Estudian la forma en que el significado se encuentra conectado con
el significador, la relación entre la forma y lo que significa la forma.
3. Pragmáticos: Por su utilización e uso, el resultado de estos, los efectos del
mismo.

Elementos básicos del diseño: gramática del lenguaje visual
Todo diseño tiene estructura, que a su vez consta de un orden y un significado del
mensaje que se quiere transmitir, el objeto de la fuente emisora del mensaje
impreso es la transferencia de significado a la mente del lector.
Con este fin, la fuente emisora elige los elementos verbales y gráficos,
disponiéndolos en una estructura. Cada vez que se diseña o proyecta algo
gráficamente, se hace uso de un conjunto de elementos fundamentales en la
comunicación visual que contribuyen el esqueleto básico de lo que se esta
configurando y que serán lo que en ultima instancia perciba el receptor de la
comunicación.
La forma visual es un lenguaje que consta de un vocabulario. Esta formado por una
serie de elementos (el punto, línea, forma, tono, textura y espacio). Haremos uso
de ellos por combinaciones, repeticiones o ausencias con el fin de transmitir el
mensaje visual de la manera más efectiva posible.
Elementos de diseño:
1. Elementos conceptuales: Punto, línea, plano y volumen que no existen de
hecho sino que sólo parecen estar presentes, es tan imaginario como real, es decir
un punto es un elemento estructural que indica posición y no tiene ni largo ni ancho,
no ocupa una zona del espacio, es el principio & fin de una línea así como 2 líneas
que se encuentran y se cruzan.

Cuando un punto se mueve su recorrido se convierte en línea que tiene largo
pero no ancho, tiene posición y dirección, está limitado por puntos y constituye
los bordes de un plano. El plano es el recorrido de una línea en movimiento y en
dirección paralela a su trayectoria convirtiéndose en un plano que tiene largo,
ancho pero no grosor. Tiene posición y dirección, está limitado por líneas y define
los límites extremos de un volumen.
Y el volumen es a su vez el recorrido de un plano en movimiento en dirección
distinta a la suya intrínseca convirtiéndose en volumen. Tiene posición en el
espacio y está limitado por planos. En un diseño bidimensional, el volumen es
ilusorio.

Los mandalas (yantra) son diagramas o representaciones esquemáticas y
simbólicas del macrocosmos y el microcosmos, utilizados por el hinduismo (lineales)
y el budismo (figurativos). Es generalmente representado como un círculo inscrito
dentro de una forma cuadrangular. El punto central imaginario o real, hace
referencia a una posición en el espacio y ejerce una fuerte atracción sobre el ojo. El
centro óptico de un impreso es un ejemplo de punto imaginario, como las letras
iniciales de nuestros nombres que parten de un punto..

Mandala buda medicinal construido por el
monasterio Namgyal (Moscú, mayo 2002)

Mandala dedicado a la paz mundial y a la cooperación entre países:
Mandala Kalachakra

De la misma forma se usan los puntos grandes para atraer la vista. El punto supone
la unidad mínima de comunicación visual. Es el elemento gráfico fundamental, el
mas económico y simple del alfabeto visual y además es el único elemento gráfico
irreducible en sí mismo.
La línea: También puede ser real o imaginaria.
Es real cuando se utiliza para líneas de formas como sucede en el dibujo lineal o en
figuras o letras del alfabeto.
Es imaginaria en las palabras y en las oraciones que en si mismas forman líneas.
Para el diseño, es muy importante la línea imaginaria. La línea, es una forma de
energía que divide en letra, encierra y define los espacios. No solo comunica formas
sino también estabilidad, movimiento, acción y dirección.
Por definición, como ya hemos dicho sirve para conectar dos puntos en el espacio
aunque también puede entenderse como el resultado de la animación de un
punto. Se encuentra formada por una serie de puntos unidos entre sí,
sucesivamente, asimilando la trayectoria de la misma, seguida por un punto en
movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión
y afecta al resto de elementos juntos a ella. La línea constituye un elemento
indispensable para poder visualizar materialmente todo aquello que tenemos en
nuestra imaginación y en cualquier tipo de dibujo. Es rígida y definida en el dibujo
técnico o expresivo y espontánea en el dibujo artístico.

El primer elemento del diseño es línea. Las líneas se pueden utilizar de muchas
maneras y según su disposición:
_Ayudan a organizar la información.
_Pueden dirigir el ojo de sus lectores en cuanto a la organización de la
disposición.
_Pueden crear humor y el ritmo de un movimiento.
Ejemplo: las líneas pueden organizar la información y los límites en una página.
Las lineas verticales u horizontales se pueden también utilizar para dirigir a sus
lectores de una sola pieza, la información a otros.
Tipos de líneas:
Líneas dominantes: son las que dirigen el movimiento, la fuerza, la posición o la
forma. Ejemplo: los titulares.
Pautas, que apoyan la medida de la composición o las formas más dominantes
de la letra. Ejemplo: filetes, marcos, remate.
Plantillas o retículas: mediante las que las que se colocan los distintos elementos
de la página.

La mayoría de las culturas posee configuraciones mandálicas o mandaloides,
frecuentemente con intención espiritual: la mandorla (almendra) o vesica
piscis del arte cristiano medieval.

Laberinto de Horta (Barcelona)

2. Elementos visuales: Cuando procedemos a dibujar un objeto sobre el papel
usamos una linea visible para representar una línea conceptual. La línea visible
tiene largo y ancho. Su color y textura quedan determinados por los materiales y
técnicas que usemos. Los elementos conceptuales se hacen visibles a través de
la forma, medida, color y textura convirtiéndose en elementos visuales.
La forma es todo lo que puede ser visto:
2.1 La forma: Todo lo que puede ser visto posee una forma que nuestra
percepción permite identificar.
2.2 La medida: Todas las formas tienen un tamaño, que es relativo en términos
de grandez o pequeñez pero es todo caso es mesurable.
2.3 El color: Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color, en el
sentido amplio de la palabra tanto a lo que se refiere a los colores del espectro
solar así como a los neutros (blanco, negro y grises intermedios) y sus
variaciones cromáticas y tonales.
2.4 La textura: Es la cercanía en la superficie de una forma, puede ser plana o
decorada, suave o rugosa, puede atraer tanto al sentido del tacto como el de la
vista.

3. Elementos de relación: hace referencia a la ubicación y la interrelación de las
formas en un diseño. Algunos pueden ser percibidos, como la relación y
posición, otros pueden ser sentidos como el espacio y la gravedad:
3.1 La dirección: La dirección de una forma depende de como esta se relaciona
con el espectador, con el marco que la contiene o con otras formas cercanas.
3.2 La posición: La posición de una forma es juzgada por su relación respecto al
cuadro o estructura, manera en que la forma es creada, construida, organizada
junto a otras formas.
3.3 El espacio: Todas las formas, sean del tamaño que sean, ocupan un espacio
que puede estar ocupado o vacío. Puede ser liso o ilusorio para sugerir una
profundidad.
3.4 La gravedad: la sensación de gravedad no es visual sino psicológica, así
como somos atraídos por la gravedad de la tierra, tenemos tendencia a atribuir
pesantez/livianidad, estabilidad/inestabilidad a las formas, grupo de formas...

Elementos prácticos
Estos mandalas, mandorlas, laberintos, rosetones... constan de los siguientes
elementos prácticos:
1. La representación: cuando una forma ha sido derivada de la naturaleza, o del
mundo hecho por el ser humano es representativa, esta puede ser figurativa o
abstracta.
2. El significado: se hace presente cuando el diseño transporta un mensaje.
3. La función: se hace presente cuando un diseño debe servir un determinado
propósito, objetivo.
Ej. El mandala:
1. Puede ser figurativo y/o abstracto el que se inspira en hongos de la
naturaleza.
2. Hace referencia al macro y microcosmos.
3. Su objetivo es religioso.
El marco de referencia:
Todos estos elementos existen dentro de unos límites, reales o imaginarios. Ej.:
los bordes de un cartel publicitario, las páginas de una revista... así como el
mandala, mandorla... el marco de referencia puede tener cualquier forma,
aunque domine la rectangular. La forma básica de una hoja impresa es la
referencia al marco para el diseño que ella contiene.

El plano de la imagen
Esta dentro del marco de referencia, es en realidad la superficie plana del papel
o de cualquier otro material en el que se haya creado el diseño, pintado o
impreso y pueden parecer situadas arriba, abajo, ubicuas.. debido a ilusiones
ópticas espaciales.
Víctor Vasarely

La forma
Hemos visto que las formas se articulan con las líneas, pero también pueden
definirse en relación al tono, la textura, los contornos y el tamaño. El ser
humano, impone a lo que ve tres formas básicas: cuadrados, círculos y
triángulos. Existen infinitas variaciones y combinaciones de las formas.
Psicológicamente cada forma sugiere su propio significado. En diseño las formas
se definen mediante sólidos y masas. Un sólido, es un elemento de tamaño y
contorno definidos, por ejemplo: una fotografía; y una masa es un conjunto de
piezas individuales que colectivamente forman una unidad, por ejemplo una
columna de texto. Los sólidos y las masas establecen y mantienen el orden de
prioridad de la composición. Hay que considerar detenidamente la colocación del
espacio de los sólidos y las masas para que exista una armonía entre ellos.

Por su trazo las líneas pueden expresar:
_Un humor o una emoción.
_Organizar un diseño.
_Establecer las columnas del texto.
_Crear una textura.
_Crear el movimiento.
_Definir una forma.
_Llamar la atención a una palabra.
_Conectar trozos de información en su disposición.
_Capítular una imagen o una palabra.
La forma de los objetos y cosas, comunican ideas por ellos mismos, llaman la
atención del receptor dependiendo de la forma elegida. Es un elemento esencial
para un buen diseño.
Forma es cualquier elemento que utilicemos para dar o determinar el contorno de
un objeto..
Un ejemplo marcado por una forma sería el de una compañía internacional
utilice, un círculo en su insignia sugiriendo la tierra. Las formas inusuales atraen
la atención. Porque utilizan a la gente a ver formas regulares de las imágenes,
como un rectángulo, usando una forma tal estrella llamaría la atención a esa
imagen. Otro ejemplo estaría arreglando mecanografía adentro una forma más
bien que en columnas verticales.

Disposición de las formas:
Hay tres maneras de que la forma realce su disposición:
1. Primero, la forma ayuda a sostener interés del lector. Las formas se pueden
utilizar para romper hacia arriba una página que contenga mucho texto.
2. En segundo lugar, la forma se utiliza para organizar y para separarse. Una
parte del texto se puede poner en una forma con un fondo colorido y agregará
variedad a la página. Podemos utilizar la forma para conducir el ojo del lector con
el diseño.
3. Según las disposiciones, el ojo busca un lugar para comenzar y seguir con el
diseño al extremo. La forma puede ayudarle a guardar la atención de éste.
La forma y los elementos conceptuales:
Como ya he explicado los elementos conceptuales no son visibles, pues el
punto, la línea o el plano cuando son visibles se convierten en forma. Un punto
sobre el papel debe tener un figura, tamaño, color y textura si quiere ser visto y lo
mismo sucede con una línea o plano. En un diseño bidimendional, el volumen es
imaginario.

La forma como punto
Es tal cuando es pequeña, pero la pequeñez es relativa pues una forma puede
parecer grande cuando está contenida dentro de un marco pequeño, pero la
misma forma puede parecer muy pequeña si es colocada dentro de un marco
mucho más mayor.
La forma más común de un punto es la de un círculo simple, compacto, carente
de ángulos y de dirección y puede ser cuadrado, triangular, oval o irregular.
En definitiva un punto debe ser de tamaño comparativamente pequeño y de forma
simple.

La forma como línea
Una forma es reconocida como línea por 2 motivos, porque su ancho es
extremadamente estrecho y su longitud prominente.
Una línea normalmente nos transmite una sensación de delgadez, pero esta
como la pequeñez, es relativa. La relación entre longitud y ancho de una forma
puede convertirla en una línea, de la que destacan 3 aspectos:
1. La forma total: su apariencia general descrita como recta, curva, quebrada,
irregular, trazada a mano.
2. El cuerpo: como una línea tiene un ancho, su cuerpo queda contenido entre 2
bordes. Las formas entre estos bordes y la relación entre ambos determinan la
forma del cuerpo. Normalmente los bordes son lisos y paralelos, pero a veces
pueden ocasionar que el cuerpo que el cuerpo de la línea parezca afilado,
nudoso, vacilante o irregular.

3. Las extremidades: pueden no ser importante si la línea es muy delgada, pero
si es ancha los extremos pueden convertirse en prominentes. Pueden ser
cuadrados, redondos, puntiagudos...
Los puntos dispuestos en hilera pueden dar la sensación de una línea, pero en
este caso la línea es conceptual y no visual, porque lo que vemos es aun una
serie de puntos.
La forma como plano
En una superficie bidimensional, todas las formas lisas que comúnmente no
reconocemos como puntos o líneas son planos.
Una forma plana está limitada por líneas conceptuales que constituyen los
bordes de la forma. Las características de estas líneas conceptuales y sus
interrelaciones, determinan la figura de la forma plana, que tienen gran variedad
de figuras:

1. Geométricas: construidas matemáticamente.
2. Orgánicas: rodeadas por curvas libres que sugieren fluidez y desarrollo.
3. Rectilíneas, limitadas por líneas rectas que no están relacionadas
matemáticamente entre sí.
4. Irregulares: limitadas por líneas rectas y curvas que no están relacionadas
matemáticamente entre sí.
5. Manuscritas, caligráficas o creadas a mano alzada.
6. Accidentales: determinadas por el efecto de procesos o materiales
especiales, u obtenidas accidentalmente.

Las formas planas pueden ser sugeridas por medio del dibujo, en este caso
deben considerarse el grosor de las líneas. Los puntos dispuestos en fila también
pueden sugerir una forma plana.
La forma como volumen
Ésta es completamente ilusoria: es el llamado espacio y formato.
El espacio es la distancia o el área entre o alrededor de las cosas. Cuando se
está diseñando, debemos pensar donde vamos a colocar todos los elementos y
a que distancia unos de los otros. El tipo de imágenes que colocaremos, la
dimensión de éstas, el texto y lo que habrá alrededor de ellas, etc.
Las diferentes tonalidades que emplearan los elementos y las formas, sirven
para crear relaciones espaciales y focales, de gran interés para el receptor. Se
pueden llegar a conseguir efectos muy variados y especiales dependiendo de
como se combinen, estos. Por ejemplo si usamos bastante espacio en blanco,
se produce un descanso para el ojo. Si dejamos mucho espacio en blanco,
alrededor de algún objeto, palabra o imagen, estamos haciendo que destaque
del resto de la composición.
Efectos que produce el espacio
_Dentro de nuestro campo visual al utilizar espacio en blanco en una
composición, el ojo descansa.

_Utilizando una pequeña cantidad de espacio creamos lazos entre los elementos.
_Lograremos una mayor profundidad a nuestro diseño, si superponemos un
elemento con otro.
_Si utilizamos mucho espacio en blanco, alrededor de un objeto, imagen o texto,
conseguiremos que sobresalga y destaque del resto de la composición.
_Los grandes márgenes, ayudan a seguir un diseño una de forma más fácil.
_Si utilizamos un espaciamiento desigual entre los elementos, crearemos una
página dinámica.
El formato: DIN A4. DIN A3 y DIN A5
El sexto elemento básico del diseño, es el tamaño. Cómo es grande o pequeño es
algo. En diseño, el tamaño puede funcionar, el tamaño puede atraer o el tamaño
puede organizar.
Dentro del espacio, es importantísimo el formato, que es la forma y el tamaño del
trabajo realizado. Cuando hablamos de formato de un archivo, hacemos referencia
al tamaño en el que será presentado e impreso.
Factores importantes en el formato:
_Otro factor importante, a tener en cuenta, es utilizar el tamaño adecuado, para
atraer a la clase de público o personas receptoras de nuestro diseño. Se puede
colocar elementos grandes y pequeños, contrastando entre ellos, o hacer una
imagen más grande y trabajarla de una manera interesante.

_Otro punto, que no se debe olvidar referente al tamaño dentro de la
organización de nuestro diseño. Si queremos atraer la atención de los
espectadores, destacaremos el elemento más importante diseñándolo, más
grande y el menos importante, lo colocaremos más pequeño.
_Los títulos, son generalmente el elemento más grande en una página, mientras
que los subtítulos y el texto del cuerpo, son más pequeños. Objetos más grandes
parecen estar más cerca de la página que los más pequeños, y eso se puede
utilizar para reforzar la importancia del elemento que queremos destacar y para
crear relaciones espacio - artificiales.

Dentro de los formatos de papel, encontramos los famosos tamaños ISO, que
son una serie de formatos establecios por el ISO (International Organization for
Standardization). Estas normas también las encontramos en tamaños DIN.
En los formatos DIN, existen los siguientes tamaños:
1. DIN A4 ( de 297 x 210 mm), es igual que un folio y el papel de uso más
corriente.
2. DIN A3 (de 420 x 297 mm), se usa normalmente para dibujos, pequeños
posters, etc. Este formato es el doble, de un folio, en lo que se refiere a la
anchura.
Existen otros formatos de papel, por ejemplo, para un diseño de carteles y
trabajos de dimensiones grandes, se puede usar un 4 A0 (2378 x 1682 mm, esto
es igual a 4 m2), en otros diseños más pequeños un DIN C10 (de 28 x 40 mm).
Formas positivas y negativas
Normalmente a la forma se la ve como algo que ocupa un espacio, pero también
puede ser vista como un espacio blanco rodeado de un espacio ocupado.
Cuando se percibe como ocupante de un espacio se la llama “positiva”.
Cuando se la percibe como un espacio en blanco rodeado por un espacio
ocupado, se llama “negativa”.

En un diseño en B/N tendemos a considerar el N como ocupado= positiva y al B
como vacío= negativa, pero esto no corresponde siempre a la realidad,
sobretodo cuando la formas se penetran, cruzan, interfieren entre sí pues aquí ya
no es fácil separar lo positivo de lo negativo. Ej.: mandorla.
La forma, positiva o negativa, se la llama comúnmente como figura que está
sobre un fondo, que designa la zona cercana a la forma o figura.
La forma y la distribución del color
El color en relación a la forma puede adoptar una gran escala de variaciones, así
por Ej.: una forma dentro de un marco en B/N se pueden obtener 4 formas
diferentes en la distribución del color:
1. Forma B sobre fondo B
2. Forma B sobre fondo N
3. Forma N sobre fondo B
4. Forma N sobre fondo N

1. El diseño es totalmente B y la forma desaparece.
2. Forma negativa.
3. Forma positiva.
4. El diseño es totalmente N, y la forma desaparece.
Pero podemos tener la forma dibujada en N dentro del 1, y en B dentro del 4.
Cuanto más aumenta la complejidad del diseño, más son las posibilidades que
surgen para la distribución del color:

Interrelación de formas
Las formas pueden encontrarse entre sí de distintas formas, por Ej.: si cogemos
2 círculos de la misma medida podremos encontrar hasta 8 maneras
distintas de interrelacionarse:
1. Distanciamiento: Ambas formas están distanciadas de sí, aunque estén
cerca.
2. Toque: Al acercar ambas formas, empiezan a tocarse anulándose el espacio
que había entre ellas.
3. Superposición: si las acercamos aun más una forma se cruza sobre la otra y
parece estar por encima cubriendo una porción de la que queda debajo.
4. Penetración: Igual que el anterior pero ambas formas parecen transparentes y
sus contornos siguen visibles.
5. Unión: Igual que en 3 pero ambas formas quedan reunidas y se convierten en
una forma nueva y mayor. Ambas formas pierden una parte de su contorno.
6. Sustracción: cuando una forma invisible se cruza sobre otra visible, esto es lo
que se le llama sustracción. La porción de la forma visible que queda cubierta
por la invisible se convierte asimismo en invisible. La sustracción puede ser
considerada como la superposición de una forma negativa sobre una positiva.
7. Intersección: Igual que la 4 pero sólo es visible la porción en que ambas
formas se cruzan entre sí. Como resultado de la intersección surge una forma
nueva y más pequeña. Puede no recordarnos las formas originales con las que
fue creada.

8. Coincidencia: Cuando acercamos aun más ambas formas y se convierten en
una de sola.
Efectos espaciales en interrelaciones de formas
Estas manera de interrelacionarse que acabamos de ver producen diferentes
efectos espaciales:
1. El distanciamiento y toque ambas formas pueden parecer equidistantes, más
cercana o más lejana al ojo, pero en el toque se ve mejor con color.
2.En la superposición y penetración, una forma está más adelante que la otra,
aunque en la penetración sea más vago con color se percibe mejor dicho efecto
óptico
3. En la unión y sustracción parecen equidistantes al ojo por convertirse en una
forma nueva.
4. Y en la coincidencia sólo tenemos 1 formas a excepción de si las dos formas
unidas son de diferente tamaño luego puede darse superposición, penetración,
unión, sustracción o intersección.

La repetición
Módulos:
Diseño formado por diversas formas idénticas o similares entre sí “formas
unitarias” o “módulos”. Se identifican con rapidez y un diseño suele contener
más de un conjunto de módulos. Estos deben ser simples, porque si los
complicamos terminan siendo “formas individuales”, pues el efecto se unidad
puede llegar a anularse.
Repetición de módulos:
Si utilizamos más de una vez la misma forma en un diseño, lo que hacemos es
repetir el módulo, Ej.: las puertas y ventanas de un edificio, las patas de una
mesa o silla, un mosaico... estos aportan una armonía, un ritmo: cuando el
módulo es usado en gran tamaño y pequeñas cantidades el diseño da una
sensación de calidez, sin embargo cuando usamos módulos pequeños pero en
gran cantidad, el diseño parece de textura uniforme con muchos elementos.
Tipos de repetición:
1. Repetición de figura, donde esta es lo más importante y su repetición puede
tener diferentes medidas, colores...
2. Repetición de tamaño sólo es posible cuando son muy similares.
3. Repetición del color, todas la figuras deben tener el mismo, pero sus figuras
y tamaños pueden variar.

Repetición de figura
Repetición de tamaño
Repetición de color
Repetición de textura
Repetición de dirección
Tipos de repetición

4. Repetición de textura: todas las figuras pueden tener la misma pero con
diferentes conformaciones, medidas y/o colores.
5. Repetición de dirección: Cuando todas las figuras muestran el mismo
sentido de dirección, sin ambigüedad.
6. Repetición de posición: Como se disponen las figuras de acuerdo a la
estructura.
7. Repetición de espacio: Todas las formas pueden ser positivas o negativas.
8. Repetición de gravedad: Es difícil que se dé porque es dificultoso conseguir
figuras de igual pesantez o liviandad, estabilidad o inestabilidad, a excepción que
todos los elementos estén en estricta repetición.
Variaciones en la repetición
La repetición puede ser monótona por ellos hay que experimentar variaciones:
1. Direccionales: con excepción del círculos, a menos que se agrupen, todas las
formas pueden variar de dirección en cierto grado:
1.1 Direcciones repetidas
1.2 Direcciones indefinidas
1.3 Direcciones alternadas
1.4 Direcciones en gradación
1.5 Direcciones similares
Las formas repetidas y las dispuestas de manera regular pueden ser mezcladas
con direcciones irregulares.

Direcciones repetidas
Direcciones indefinidas
Direcciones alternadas
Direcciones en gradación
Direcciones similares
Variaciones direccionales

2. Espaciales: Se dan cuando reunimos a las formas en gran cantidad de
interrelaciones, como describí en el capítulo “Las formas”.
Submódulos y supermódulos
Un módulo puede estar compuesto por elementos más pequeños, que son
utilizados en repetición: submódulos, y al revés cuando un módulo es
compuestos por elementos más grandes, que son utilizados en repetición:
supermódulos, que pueden utilizarse en un diseño al lado de módulos comunes
como los que acabo de describir.
Y así como podemos tener más de un tipo de módulos también podemos crear
variedad de supermódulos.
Formación de supermódulos
Partiremos de agrupar 4 círculos del mismo tamaño y podemos obtener la
siguientes disposiciones entre otras:
1. Disposición lineal
2. Disposición cuadrada o rectangular
3. Disposición en rombo
4. Disposición triangular
5. Disposición circular

1. Disposición lineal
2. Disposición cuadrada o
rectangular
3. Disposición en rombo
4. Disposición triangular
5. Disposición circular

Repetición y reflexión
La reflexión es un caso especial de repetición, es una forma que se parece al
original pero rotan en sentidos contrarios que nunca podrán coincidir del todo. La
reflexión sólo es posible en una forma no simétrica.

La textura
Aporta al diseño una mirada o una sensación, o una superficie. Diariamente
encontramos gran variedad de texturas, por todo el entorno que nos rodea. La
textura ayuda a crear un humor particular para una disposición o para otras en
formas individuales.
La textura, permite crear una adaptación personalizada de la realidad añadiendo
dimensión y riqueza al diseño.
Existen dos tipos de textura:
1. Textura táctil: Por ejemplo la de una superficie rugosa, con relieve o la de
otra más fina como la de un papel, o la suavidad del terciopelo. Son todas
aquellas perceptibles al tacto.
2. Textura Visual: Aquellas texturas impresas que se parecen a la realidad,
como la arena, las piedras, rocas. Entre esta clase de textura, pueden surgir
texturas que realmente existen y otras que son irreales.
Textura mosaico o patrón: Sería un tipo de textura visual. Cuando una imagen
o una línea del tipo que sea, se repite muchas veces, acaba creando una textura
visual. Un ejemplo de ello serían los patrones de luces, que en la oscuridad
agregan dimensión a una superficie. El papel que se envuelve, es un buen
ejemplo del patrón. Los patrones pueden hacer fondos.

Modelos de inspiración para práctica

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