UT Numero 08

BEASTIE BOYS Video So watcha watcha watcha want?

Anthology
Un’overdose di Beastie Boys in uno spettacolare,
doppio DVD
matteo bittanti
Essenziale. Se siete cresciuti virtualmente in New Jersey e seguite
i Beastie da tempi non sospetti – diciamo dagli anni sbarazzini di
You Gotta Fight For Your Right To Party – questo doppio DVD e’
semplicemente da orgasmo multiplo. Diciotto video musicali (tutti
i piu’ grandi successi piu’ chicche come Ricky’s Theme e Netty’s
Girl), commenti dei registi (Spike Jonze, Adam Bernstein, Evan
Bernard, Tamra Davis, Ari Marcopoulos e David Perez), extra a
manetta, tra cui un finto talk-show con il cast di “Sabotage” (a sua
volta parodia di Startsky e Hutch) nonche’ un dietro-le-quinte dello
spin-off di Intergalactic, “The Robot vs. the Octopus Monster Saga”
partorito dalla mente vulcanica dell’ambiguo Nathanial Hörnblowér
fanno di questa Video Anthology un must. Il DVD fa parte della
prestigiosa collana Criterion, autentico sigillo di qualita’ che
conferisce dignita’ ad un genere – quello dei video musicali –
ingiustamente sottovalutato dalla critica “istituzionale”.
Mai le potenzialita’ del medium digitale erano state sfruttate in
modo cosi’ spudorato. The Beastie Boys DVD Anthology e’ un
colossale videogame che offre una marea di possibilita’ di fruizione.
Caratterizzato da un’interfaccia semplice ed intuitiva basata su
una serie di menu, il doppio DVD set offre ore di insano giustapposizione di immagini prese piu’ o meno a random da nove telecamere
intrattenimento in grado di soddisfare anche i piu’ esigenti fans dei differenti. Orbene, il DVD consente di gustarsi la performance dalle singole
Beastie. angolature di combinare le singole immagini creando de facto un nuovo
Dal menu principale e’ possibile accedere a due sezioni principali: video. Mamma, da grande faro’ Mike Mills. E non e’ tutto. Alcuni video
video musicali in formato “standard” oppure ferrarelle, ossia offrono inoltre l’accesso agli storyboard originali, altri a clip dal vivo. La
“extra”, ossia una cornucopia di opzioni per feticisti techno-ludici. raccolta e’ arricchita da una gallerie di ummagini rare scattate dal sommo
Completa il tutto un’overdose di materiale supplementare. Per Spike “Essere John Malkovich” Jonze e accompagnate da un soundtrack
farla breve, un’offerta senza precedenti che lascia letteralmente strumentale. The Beastie Boys DVD Anthology include anche una parodia
senza fiato, capace di provocare consumo compulsivo con correlata del classico talk-show americano, il fittizio Ciao L.A., presentato da Sofia
bulimia visuale. Coppola, moglie di Spike nonche’ figlia del grande Francis nonche’ regista
Dalla prima sezione - “Videos in Sequence” – si accede ad una dello splendido Il Giardino delle Vergini Suicide che non e’ piaciuto quasi
selezione di diciotto videoclip ripartiti sui due dischi. Ci sono a nessuno ma secondo me era brillante, specie il soundtrack degli Air. Il
praticamente tutti i piu’ grandi successi, da “Intergalactic” ad talk-show e’ una collection di interviste con il cast del video di “Sabotage”
“Alive”, da “Body Movin'” a “Sure Shot”. I filmati possono essere (Spike Jonze, 1994), omaggio alle serie televisive degli anni settanta.
fruiti sia in Dolby 2.0 sia in stereo Surround 5.1, in piedi o seduti, Totalmente post-moderno.The Beastie Boys DVD Anthology e’ quasi perfetto.
muovendo il piedino a ritmo oppure restando immobili come bonsai Diciamo “quasi” perche’ presenta almeno quattro difetti. Per cominciare,
affetti da elefantiasi. Un clic del telecomando e, zac, si passa la qualita’ video della seconda sezione "Videos with Supplements", e’ a
dall’audio originale al commento della band o del regista. Sono tratti mediocre, per via dell’eccesso di compressione e della sovrabbondanza
disponibili sottotitoli in inglese, un aiuto prezioso per chi non di materiale (quaranta remix, prospettive alternative, final cut, director’s
mastica lo slang della crew del New Jersey. cut etc). In compenso, la qualita’ video della sezione "Videos in Sequence"
Ma il vero punto di forza di The Beastie Boys DVD Anthology e’ la e’ a dir poco fenomenale, per non dire fenomenica. Un secondo difetto
sezione “Video with Supplements”, che offre una platora di opzioni riguarda una certa lentezza nella visualizzazione dei menu, sembra di
e di materiale inedito. Dozzine di remix di ogni singolo brano che lavorare su PC di due anni fa alle prese con Windows 2000. L’accesso da
in alcuni casi sono ancora piu’ entusiasmanti dell’originale. Un PC e’ piu’ semplice ed immediato – il mouse continua a battere il telecomando
esempio? Free Zone Remix di “Root Down”, magari ascoltato a in termini di semplicita’ d’uso. Terzo, trovo letteralmente idiota il fatto
volume undici giusto per far incazzare quello del piano di sotto che che alcuni sottotitoli siano stati censurati. Last but not least, e’ un vero
rompe costantemente i “coioni”, come direbbe mio fratello che ha peccato che la raccolta non includa i video del primo album dei Beastie
qualche difficolta’ a pronunciare correttamente il termine “coglioni” Boys, Licence To Ill. Del resto, non si puo’ avere tutto. O no?
[le ragazze ne vanno matte].
E non e’ tutto, perche’ il DVD consente di selezionare direttamente Scheda tecnica
le inquadrature nei video, opzione che fino ad oggi e’ stata sfruttata
Titolo: Beastie Boys Video Anthology
pressoche’ esclusivamente dai prodotti porno. Alcune tracce offrono
Descrizione in una riga: Due DVD che raccolgono tutti i video dei Ragazzi
inoltre la possibilita’ di accedere a scene inedite, recuperate da
archivi polverosi. “Intergalactic”, il primo video tratto da Hello Bestiali da Paul’s Boutique in poi.
Nasty, presenta nove angolature differenti. Per l’occasione, i ragazzi Extras: ogni traccia include una galleria di immagini e/o storyboard e/o
venuti dal New Jersey – uniforme giallobianca ed elmetto protettivo inquadrature selezionabili direttamente dall’utente e/o vari remix audio.
- invadono la metropolitana di Tokyo – e si producono in una sequenza Scena “cult”: Il talk show Ciao L.A. con il cast di Sabotage.
di movimenti a meta’ tra lo spastico e l’epilettico, molto pokemon. La Dettagli tecnici: Dolby 2.0, Dolby 5.1 Surround, sottotitoli in inglese,
versione originale e’ un calembour di immagini montate con troppa tutto schermo.
caffeina nelle vene. Un caleidoscopio intergalattico, ottenuto dalla

MAFFIA TRAVELLER

PARIGI 2001
Una città negligentemente appoggiata al proprio passato.
Una città-specchio del XIX° secolo. Frotte di turisti futuri

l’Ottocento ammireranno questo bellissimo MilleOttocento
magnificamente conservato. Parigi, una città

che avanza dinamicamente proiettata a ritroso. E il mattino del
mondo non abita più qui. Se n’è andato in un imprecisato
momento tra gli anni Trenta e gli anni Cinquanta del
paolo davoli secolo scorso. Andato, sparito, gone...

Erano parecchi anni che mancavo. Mi attendevo chissà quali
epifanie, sia musicali che artistiche. A una attenta analisi, nulla
è cambiato nella Parigi che avevo lasciato. Nessuna traccia della
speed of London che avvolge freneticamente la capitale inglese
e neppure traccia dell’alterità dolente e quasi spirituale della
ricostruita Berlino rivolta a Est. Nulla pare cambiato in superficie
a Parigi, la bella addormentata. La Parigi che amo è quella della
pagina scritta: Foucault e Barthes, Deleuze e Guattari, Derrida e
Baudrillard. Pensatori e scrittori brillanti, dinamici, originali e
utopici. La philosophie d’abord. E la musica? Esiste un nuovo
immaginario giovanile francese?

Mi ero ripromesso di non parlare dei Daft Punk in questo articolo
su Parigi. Naturalmente vengo smentito subito dai fatti: le pubblicità
Virgin del neonato album tappezzano letteralmente ogni fermata
del Metrò. Impossibile sfuggire a tale ragnatela mediatica. Sono
costretto a cozzarci contro. Meglio, molto meglio, borbotto tra
me e me, affrontiamo il toro per le corna. La Virgin ha perlomeno
il pregio di chiarire subito l’affaire Daft Punk: si tratta di un
capitolo di bilancio, anno contabile 2001, molto importante. E non
manca di farcelo sapere.
“Discovery” è un prodotto mediatico massificato, metagenerazionale
e metaterritoriale, una Bibbia del Pensiero Unico che sospinge il
duo parigino nell’olimpo del pop globalizzato contemporaneo
frequentato da Cher e Madonna (e fin qui nulla di male) e influenzato
musicalmente da artisti quali il Guardiano Del Faro, i Rockets e
perfino Rondò Veneziano. In questo mondo rovesciato, “Radio
Gagà” dei Queen è il non plus ultra dell’intellettualismo e
dell’intelligenza “pop” possibile...
“Discovery” ha però un grandissimo difetto: già al primo ascolto
si avvertono le “oliature” degli uffici di marketing globalizzati, il
rumore sordo degli ingranaggi delle strategie comunicative attente
al posizionamento del prodotto, i “bleeps” dall’efficacia “sensibile”
dei linguaggi pubblicitari. Ok siamo tutti consumatori, tutti abbiamo
letto Marx e sappiamo maneggiare “esteticamente” la categoria
(il feticismo!) della merce. Ma la domanda vera è: rivaluteremo
anche Canzonissima?
Secondo enorme difetto: manca l’ironia in “Discovery”. Sarebbe
stato un disco da perfezione assoluta (come merce) se l’ultima
canzone del disco fosse stata un remake di “I’m your money” degli
Heaven 17, guarda caso un “prodotto” d’epoca, fine Settanta/primi
Ottanta, simile a quello analiticamente omaggiato dai Dafties...(In
ogni caso, prima di ascoltare il nuovo Daft, cari netrunners,
lanciatevi su Napster e scaricatevi quel gioiellino post-kraftwerkiano
di “I’m your money”. E’ veramente prezioso!)
Buona parte della stampa francese, a differenza di quella prezzolata
di Grullopoli, svillaneggia i due “punk stupidi”: “...confondono
nostalgia e regressione...l’obiettivo dei Daft è quello di sedurre le
radio commerciali di tutto il mondo...” urla Patrice Bardot dalle
colonne di Trax, il Q’ran della scena elettronica francese; “Qui inizia
enki Bilal © desbois 2001

il Diciottesimo secolo!” ironeggia il decano dei ipersensuale, corpi maschili/femminili laceri,
giornalisti francesi, Yves Adrien, dalle pagine emotivamente violentati dal Destino, tecnologie
cool di Technicart, mensile “in” della futuribili incancrenite e decadenti...Siamo
technoculture francese mentre il think tank lontanissimi dalla ville lumiere edonista-museale
del pop d’oltralpe, Magic-Revue Pop Moderne, e pure da quella dei conflitti interrazziali della
sbeffeggia in questo modo “Discovery”: banlieu dei casseurs. La Parigi europea di Bilal
“Consigliato a tutti i bambini con almeno otto è aliena a quella che cogliamo dagli éclats della
anni compiuti”. Cosa aggiungere se non che, scena dance francese.
come macchina desiderante, “Discovery” fallisce Forse il fascino e l’eleganza retrò che avvinghia
mirabilmente l’obiettivo. Il kitch-retrò che lo molte delle produzioni francesi, anche recenti,
pervade funziona esattamente come un buco è un tratto profondo del patrizio parigino bianco
nero che tutto inghiotte: il presente e il futuro degli arrondissement centrali. Il Dimitri from
sono cronotopie sature e aliene mentre il Paris di “Sacre Bleu” che ha sullo sfondo
passato è vissuto come “magnifica ossessione”. l’immagine di una Parigi del dopoguerra liberata
Steamhouse, house vittoriana, house a vapore dagli Alleati apre uno squarcio “glamour” molto
del Diciannovesimo secolo, ecco il nuovo francese: la foto all’interno dell’album lo ritrae
subgenere dei Daft Punk. Con tanti omaggi a con un cocktail in mano mentre giace mollemente
Babbage... in poltrona nel suo pied à terre... raffinatezza,
gioco teatrale, vitellonismo gallico, coolness tutta
Per bagnarmi in un futuro sentimentale e parigina; preso in un primo tempo per lounge, in
altamente drammatico mi devo tuffare nella realtà “Sacre Bleu” è una versione da playmate
F U M E T TO P I T T U R A d e l l a r a s s e g n a parigino della funky house americana di cinque
“EnkiBilalAndeuxmilleun” di Enki Bilal anni prima. Un’altro artista che gioca
programmata alla Bibliothèque Historique de sull’immaginario “passatista” di Parigi è Saint
la Ville de Paris. Si tratta di un’esposizione Germain, che giocoforza batte sul celebre fascino
Bilal: bleu sang 1994 © desbois 2001
indispensabile per valutare e ammirare l’arte della Rive Gauche, l’esistenzialismo in bianco/nero
del non-solo-fumettista serbo-francese Bilal. del Quartiere Latino e di Saint Germain des Pres.
fallite dell’Est Europeo. Il futuro da lui immaginato Il suo riferimento a quell’epoca d’oro degli anni
Nato nel 1951 a Belgrado, Bilal viene festeggiato
è distopico, funereo ma eroico, di quell’eroismo Quaranta/Cinquanta delle cave parigine, dei
dalla città di Parigi per il suo cinquantenario
titanico molto slavo-orientale. Influenzato e bistrot frequentati da Sartre, Boris Vian e Camus,
con questa bella mostra retrospettiva, della
formatosi negli anni Settanta alla scuola Moebius si traduce in un brillante jazz dalle coloriture
s t e s s a c a r a t u r a d i “ Vi s i o n i d i F i n e
degli Humanoides Associés, Bilal ha elaborato house. Anche qui il riferimento è all’immediato
Millennio”organizzata a Milano nel 1998. In
negli anni un proprio percorso artistico sempre dopoguerra, forse il momento più fashionable
mostra quadri, fumetti, schizzi, manifesti che
più originale e qualitativamente alto. della Parigi sia letteraria sia notturna, quando la
concorrono a formare un mondo, quello di Bilal,
Ma quanto dolore nelle sue tele, quanto sangue capitale francese era il faro riconosciuto
segnato dalle ferite della Storia europea del
nei suoi disegni...Bilal sembra assumere sopra di dell’Europa in ricostruzione. In ogni caso
Dopoguerra. Artista sensibile, raffinato e
sè il peso e le cesure della storia della sua
vigoroso nel tratto, Bilal è macerato dalle utopie
Jugoslavia e di quella parte d’Europa che ha
vissuto il Secolo Breve del comunismo sovietico.
Per Bilal il secolo appena trascorso è il Secolo
del Dolore, della Guerra, del Pogrom e
dell’Immigrato, una condizione sociale che è
paradigmatica degli anni caotici che viviamo.
Tutta la sua produzione fumettistica degli ultimi
quindici anni va segnalata: da Partie de Chasse
(con testi di Pierre Christin- 1983) a Le Sommeil
du Monstre (1998), da La Foire aux Immortels
(1980) all’ultimo nato Le Sarcophage (con testi
di Pierre Christin – 2000) dove il tema del libro
è: può Cernobyl diventare il Museo del Futuro?
E i disegni sono provocazioni fortissime, da necrosi
materica, come nelle tavole Salle Glasnost e
Salle des Talibans. Mai il futuro mi è parso così
drammatico e osceno...

La Parigi di Bilal, stigmatizzata come la No Man’s
Land che ingloba un futuro atroce qui e subito,
è “sentita”, da vero immigrante qual’è Enki,
come frontiera, anche interiore. Parigi come
Sarajevo, Mostar, Belgrado. Città-frontiere dai
confini insanguinati, memorie e territori
sorvegliati, donne-guerriere dal romanticismo
Bilal: un siecle d’amour 1999 Bilal: festival de roanne 1999
© desbois 2001 © desbois 2001

“Boulevard”, l’album di debutto di Saint Germain del 1995, rimane forse uno dei tre dischi francesi migliori
degli ultimi dieci anni. Gli altri due? Ma naturalmente “Pansoul” dei Motorbass e “Moon Safari” degli Air.

“A Parigi il cielo non decolla mai, non si libra, è imprigionato nello scenario di edifici malaticci che si
fanno ombra gli uni con gli altri...” (Jean Baudrillard)
Il senso un pò artificiale di vagare in una città così adorabile ma anche così mummificata nel suo decor
Ottocentesco e museale, è letteralmente incrinato a Les Halles. Qui il nuovo mercato interrato nonchè
piazza sotterranea ipermoderna tutta cemento e vetri diventa il terminale-meta finale, di un viaggio
organizzato dalle banlieu più remote. A Les Halles “sbarcano” letteralmente i giovani neri africani dalle
periferie fuori controllo. Ed è tutto un andar in giro con aria di sfida in quattro-cinque, piccole gangs in
tute militari e griffe hip hop o raggastane, con trionfi di bandane, collane, occhialini scuri, orecchini,
nastrini, pattini, biciclette e walkman. Lì a Les Halles si danno appuntamento il sabato gli afro-gangsters
dei suburbi invivibili. Quando ti passano a fianco senti una piccola scossa di elettricità e di paura e come
scrisse Baudelaire “mi parve meno spiacevole perder le insegne, che non farmi romper l’ossa”. Li guardo
allora da lontano, in vergognoso segreto. Sono bellissimi e sensualissimi, femmine e maschi, nelle loro
capigliature africane e nei loro colorati indumenti da zazous metropolitani o da moderni Muscadins. Forse
è solo un piccolo assaggio dell’inferno che ci aspetta appena fuor de le mura...

E il breakbeat parigino? Quasi scomparso. O meglio, mai nato. A Parigi c’è una longeva e fortissima vena
disco-funky-house, che è la vera ossatura della scena dance della capitale francese. La scena è tuttora
influenzata massicciamente dalla dance statunitense: quindi l’house-garage di NY, la techno di Detroit e
l’house di Chicago sono tuttora amatissime. Così come l’hip hop. Sembra che gli ultimi dieci anni di
enki Bilal:
festival de cannes 1995

enki Bilal: salle glasnost (© 2001 dargaud)

elettronica europea, tedesca o inglese poco importa, non siano mai E il Nuovo che avanza? C’è e fatica molto a librarsi in aria. Ma in
esistiti. Nè Kruder & Dorfmeister, nè Grooverider, nè Jazzanova, nella ogni caso il Nuovo parigino è fortemente motivato e combatte
capitale francese. Le stesse serate da club, in luoghi storici della club intorno a uno sparuto gruppetto di etichette indipendenti: la Solid
culture come Bains Douches o Rex, sono tanto avanguardiste, trasgressive di Etienne De Crecy, la Yellow di Alain Ho, la F Comm di Laurent
ed eccitanti come il cambio delle guardie svizzere in Vaticano. Tanto Garnier e Aqua Bassino, la Versatile di Gilb’r e l’ultima nata, la
che il miglior club parigino non è un locale ma una nave sulla Senna. Il Ya Basta! di Gotan Project e Boyz from Brazil. La più raffinata tra
Batofar, questo il suo nome: un vecchio battello del Novecento attraccato queste etichette è senza dubbio la Yellow, patria europea dei
mollemente al Quai François-Mauriac che funge da locale anche per i monumentali Silent Poets e del primo Dimitri from Paris e ora del
live. Purtroppo nei giorni della mia permanenza a Parigi, la capricciosa progetto Bossa Très Jazz. La Yellow è una sorta di Talkin’ Loud
parigina, cun una marcia in più di vitalità e classe rispetto
all’etichetta inglese. Altri
Senna era in piena e il Batofar
artisti nel suo carnet sono:
desolantemente irragiungibile.
Shazz, Kid Loco, Bob
Sinclair, Dj Gregory e Dj
Qualche riga sopra si citavano gli
Yellow. Dall’house al nu-
Air. La giovane coppia di parigini
jazz, dalla neo-bossanova
è forse il lascito migliore che la
al downtempo, per la
nuova orda francese ha dato
Yellow è solo una questione
all’elettronica europea. Con
di stile.
l’orologio fermo al periodo 1978-
Più ancorati al matrimonio
1982 e la bussola indirizzata sulla
tra la techno-house e il jazz
Berlino maledetta di Bowie, Iggy
è la F Comm di Garnier. Più
Pop, Brian Eno del trittico
che il titolare stesso, la
decadente e modernista di
vena jazzata dell’etichetta
Low/Idiot/Lodger, gli Air sono
si esplica attraverso Aqua
l’archetipo del pop magico senza
Bassino, Frederic Galliano
tempo. Senza contare il loro
e L l o r c a . Pe r n o n
omaggio all’atmosfera tutta
dimenticare poi che la F
mitteleuropea delle synth bands
Comm fu l’etichetta che
del periodo, come quelle di John
produsse il capolavoro
Foxx o gli Human League quando
“Boulevard” di St. Germain
ancora si chiamavano Red Human
e di questo gliene saremo
League.
sempre grati. Aspettiamoci
La poetica degli Air sembra aver
grandi cose da questa
fatto il timestretching con il
etichetta, come il prossimo
remoto più recente. Il passato si
Frederic Galliano intitolato
contrae fino a diventare un
“African Divas” in uscita a
presente sterminato, espresso in
dicembre o i nuovi lavori
una forma musicale altamente
di Llorca in maggio e Aqua
poetica ed evocativa. Il loro pop
Bassino in settembre.
richiama quindi sia il gusto retrò
Della nuova etichetta Ya
francese già incontrato in Dimitri
Basta! in Rue Martel forse
o St Germain, sia il gusto anche
già molto avrete letto su
qui molto francese alla canzone,
UT5. Dal loro bellissimo loft
una tradizione dal brillante
nel quartiere ebraico di
passato che si snoda da Edith
Pa r i g i , l a c o p p i a d i
Piaf a Serge Gainsbourg e che
enki Bilal: bleu sang 1994 © desbois
produttori Cohen Solal e
permette ai francesi di
Mueller stanno lavorando alacremente per rifinire il primo LP di
apprezzare anche autori italiani quali Paolo Conte o Vinicio Capossela. Gotan Project, magico incrocio di dub e tango su ritmiche
Una poetica artistica quella degli Air che, questa sì, ha già fatto scuola, downtempo, con la partecipazione dei migliori tangueiros argentini.
influenzando svariate nuove band giovanili, dai Lemon Jelly agli Zero Dead line per settembre, oltre 60.000 copie già vendute tramite
7 per non parlare del catalogo di Record Makers (loro etichetta personale) pre-ordini e forse una dilagante distribuzione mondiale. Il prossimo
e Source (sub label della Virgin per la quale incidono gli Air). Il prossimo Ep, Chunga’s revenge, bellissimo come sempre, è in uscita a fine
album, intitolato “10.000 Hz Legend” uscirà a fine maggio. Saprà aprile. Noi pure scommettiamo su Gotan Project: già il primo Ep,
riproporre la magia di “Moon Safari”? El Capitalismo Foraneo, con il campione di Evita Peron, è un
classico!!

Sorge un dubbio: che il futuro della musica elettronica francese
sia in America Latina?

WOOKIE

Il Il Il Breakbeat è l’anima siderale della dance music, l’impalpabile
essenza della moderna vita metropolitana. Ha sviluppato una propria
lingua, i propri generi musicali (il drum and bass, la nu school
breaks, il 2 Step, il breakbeat garage, l’asian underground), un
proprio seguito, una propria forza. Ha creato insomma un proprio
universo, la propria utopia realizzata. Contestualmente al suo
sviluppo inglese, dato che il breakbeat anni Novanta nasce dall’uragano
Acid House della Summer of Love, le realizzazioni discografiche
sono sempre state parche, se non addirittura da Mercato Nero.
Infatti nella scena breakbeat funzionano e si affermano, come nella
tradizione giamaicana, i dub plate, i white label, gli acetati; un
mercato parallelo di musica fuori commercio o difficilmente
reperibile. Così gli autori di veri e propri LP, al loro debutto sulla
lunga distanza, sono già affermati produttori all’interno della scena
dei clubbers e degli iniziati, mentre sono sconosciuti ai più nel
mondo del pop e presso il grande pubblico.

“Tutti gli oggetti dell’universo evolvono” A. Brahic

IL PIANETA ELEGANTE DEL BREAK & BASS
I tre autori qui presentati sono già artisti “cult” nel mondo dance e i HIDDEN AGENDA
tre album di cui parliamo possono essere riassunti come un enorme
passo in avanti della generazione inglese nata dal drum and bass. Tutte
e tre le unità produttive qui recensite suonavano infatti jungle nel
1997...

Wookie ha sfornato il primo album capolavoro del 2 Step, il precipitato
sonico di drum and bass e soul-garage americano. Un matrimonio
riuscitissimo tra suoni e produzione d’avanguardia inglesi e dimensione
pop americana. Ma ciò che assolutamente convince in Wookie è il pop
modernista di cui è portatore. Le sue bellissime canzoni dalle melodie
memorabili sono allo stesso tempo, d’avanguardia e tradizionali.
Tradizionali nelle loro forme fenomeniche pop, avanguardiste nel taglio
dei suoni in quanto mirabili mutazioni-contaminazioni delle sideralità
breakbeat.La seduzione dei titoli dell’album Wookie è notevole: da
Get Enuff a Scrappy, da Battle a Back Up, è tutta un’arte della
precisione del taglio dei beats e del dinamismo iperbolico degli infrabassi
sgretolanti. Grandissima produzione quella di Wookie, severa e minimale,
e grandissimo senso della canzone: la misura di questo capolavoro è
altissima. Definitivamente l’avant-soul del 2001!

Hidden Agenda provengono invece dal più profondo iperspazio drum
& bass. Tra gli olvidados della Metalheadz di Goldie, la coppia sintetica
di Hidden Agenda si era inabissata nel consueto oceano di DAT, dub
plate e software craccati che contraddistingue la Breakbeat Generation.
Dopo oltre cinque anni dall’esordio sulla storica label Metalheadz e

dopo essere stati tra i favoriti di
Fabio, il re elegante della Jazzy End
of Breakbeat, gli Hidden Agenda
esordiscono con questa autentica bomba.
“Whatever happened to...” è un gioiello di
assoluto valore: è infatti un luogo simbolo
dell’incontro tra cinetico e cinematico, tra futuro
e iperfuturo, tra spazio interno e spazio esterno.
“Whatever...” Incarna la passione totale della coppia
per il jazz, la techno e il drum and bass. Con questo
album si è materializzato uno dei sogni dell’amante
testardo di Breakbeat: un circolo perpetuo, ipnotico
di bassi e breaks avanguardisti in uno spazio profondo
futuribile. “Whatever...” è l’elaboratore mitico del drum
and bass mutante, virus infetto che raggiunge un nuovo
paradiso del desiderio. Assolutamente magico!!

Un’altro fenomeno estremo, un’altro orgiastico album
contaminante. Si tratta del terzo T Power, junglista psichedelico
e jazzista mutante, intitolato “Long Time Dead”. Anche in
questo caso la produzione è pura utopia realizzata, un regno
definitivo dei bassi giganti e dei groove più viziosi che la storia
dance ricordi.
T Power è amante dell’hip hop, dell’electro e del drum and bass:
li prende e li shakera, li imbolsisce, li raffredda, li ricalorizza e
li risputa fuori in una forma iperfuturibile che ricorda, in alcuni
numerelli, il grande Tipper. Questa fase ulteriore di T Power può
Paolo Davoli solo giovare al sub genere della Nu School Breaks di cui fanno
parte alcune delle migliori promesse della scena elettronica inglese
T-POWER

press office
- Si Begg, Blim, lo stesso Tipper, Ils e Rennie Pilgrem - che spingono
per creare un nuovo fronte sonoro nei clubs inglesi, molti dei quali
fermi ai suoni archeologici della house e della trance. “Long Time
Dead” è dunque un album esplosivo, malsano, liberatorio, profondo
e con almeno due grandi tracce. L’iniziale ouverture di “So Long”,
riflessione uranica in forma quasi classica con un crescendo pieno
di tensione e oscurità. Molto tipperiano come episodio ma il suo
fascino è enorme. Il secondo pezzo memorabile è la lenta e
notturna “Dangerous”, malinconico frammento metropolitano
espresso in un dark rap blues fantascientifico. Per finire, qualche
menzione sui taccuini sonori rimasti: notevole il duetto con
Si Begg in “I like that” e l’illusorio soundtrack electro di
“American Psycho”, thriller sonoro sul filo del cinema horror,
veramente degno di nota.

Tre album memorabili. Tre artisti di cui seguire il percorso
umano e intellettuale.

HIDDEN AGENDA
Whatever happened to - Straight Ahead CH 2000

T POWER
Long Time Dead - Botchit & Scarper UK 2001

WOOKIE
Wookie - Soul2Soul UK 2000

CLUBLIT 2001
Cosa succede se nel club arriva la letteratura?
Con tutta probabilità certi storceranno il naso (“aridatece il breakbeat!”),
altri molto più semplicemente diserteranno la serata (“è un pacco!”),
altri ancora non sapranno mai che la letteratura è entrata nei club.
Ma perché mai dovrebbe farlo? Perché mai la letteratura dovrebbe varcare
la soglia di uno spazio che non le è proprio? E soprattutto, chi è stato
quello che gliel’ha permesso?
Discendono poi tutta un’altra serie di domande che ancora non sappiamo
se in queste righe troveranno risposta, l’unico modo per scoprirlo è
arrivare fino in fondo.
Innanzitutto, sarebbe corretto azzerare la concezione della letteratura
che tutti noi abbiamo mutuato dalle esperienze istituzionali legate a
questa modalità espressiva. Dante, Boccaccio, Ariosto e poi Joyce, Musil,
Svevo fino a Manganelli, Sanguineti, Perec ed Ellroy e tutto il resto della
simpatica congrega degli scrittori, non solo hanno redatto parole, ma
anche suoni, atmosfere, climi e mondi che sono stati relegati, per vizio
ideologico, alla pagina stampata, trascurando che la loro sostanza possiede
un aspetto sonoro assolutamente poco marginale. Quando poi, negli ultimi
tempi e non solo, si è potuto costituire su basi solide il processo di
“industrializzazione culturale”, che ci ha inesorabilmente condotto alla
pubblicazione di volumi a cura di pubblicisti, giornalisti, etc., abbiamo
reciso ancor di più i legami profondi che la letteratura aveva stabilito
con l’umanità. Così l’impressione che abbiamo oggi dei testi è
intrinsecamente legata a luoghi quali la scuola, l’università, la biblioteca,
le librerie, nei quali, se ci fate caso, di solito ci troviamo a sussurrare,
quasi a testimoniare che la pronuncia delle parole sia un’attitudine
pressoché delittuosa.
Ma se io scrivo sulla pagina delle parole è anche perché queste possono
essere pronunciate, dette, nella mia inflessione, con i miei accenti,
possono insomma portare nel loro profilo anche altri elementi capaci di
chiarificare/testimoniare ulteriormente il significato che ad esse voglio
dare nel disporle, utilizzarle, sceglierle.
Quando poi si profila all’orizzonte tutta una genia di scrittori quali Irvine
Welsh, Tiziano Scarpa, Aldo Nove, Alan Warner, e molti altri ancora,
il cui registro tende a rielaborare l’inflessione della strada, ci viene il
dubbio che il libro, la pagina stampata, non sia uno strumento
autosufficiente, un oggetto capace di racchiudere nei propri limiti fisici
la loro parola.
Solitamente e storicamente sono stati i teatri i luoghi in cui la parola ha
preso corpo, attraverso l’opera dell’attore e del regista, ma
progressivamente le platee si sono fatte deserte e gli stessi autori si sono
trovati costretti a rinunciare al confronto con tale mezzo. Senza dimenticare
che regista e attore conducono sul testo una interpretazione, la quale
sicuramente accresce il valore dell’opera, aggiungendo ad essa inediti
aspetti, ma l’inflessione dell’autore continua ad essere assente, latitante.
Con i teatri vuoti, con i libi rinchiusi negli scaffali delle biblioteche e
librerie, insomma in un panorama assai paludato e stantio, le istanze
primarie di chi non vuole interrompere la propria ricerca e contemplare
anche l’attitudine orale del proprio fare scrittura trovano quale luogo
naturale attraverso cui far emergere la totalità della propria esperienza
probabilmente proprio il club. Anche perché è attraverso questo luogo
che tutto un mondo ha saputo riaggregarsi nel nome della ricerca musicale,
superando di slancio tutti gli ostacoli che un mondo governato dalla
produttività imponeva. Se poi ci si rivolge al club e ai suoi corollari per
descrivere le evoluzioni e involuzioni sociali che ci stanno attorno, la

federico a. amico sato labo

letteratura e il club non si trovano più rappresentare mondi
radicalmente separati l’uno dall’altro, ma si compenetrano
ottimamente.
Il cut-up, la tecnica che con William Burroughs ha ridisegnato la
modalità espressiva di innumeri scrittori, non è forse assai simile
alle modalità compositive che il breakbeat ha saputo proporre negli
ultimi anni? Ricostruire una narrazione attraverso il taglia e cuci
delle parole non è forse una chiara esemplificazione del procedimento
che tutti i produttori di musica elettronica stanno attualmente
utilizzando per infiammare le piste di tutti i club d’Europa? Perché
allora la letteratura deve rimanere costantemente relegata a pratiche
di fruizione che la costringono al silenzio? Non può essa interagire
con un pubblico? Non può recuperare le sue funzioni di innovazione
espressiva attraverso una performatività dell’autore stesso, che è
così costretto a mettere in gioco tutto il suo fare: il tracciare i
profili delle parole, assegnare ad esse un significato, pronunciarle
secondo i propri intenti, fletterle alla materialità del suono?

E’ forse per rispondere a queste esigenze che ha preso corpo ClubLit. LELLO VOCE
Gli interpellati sono stati invitati sul palco perché la propria opera
assumesse una forma sonora che altrimenti sarebbe sfuggita o
rimasta potenziale. Portare degli autori in un club vuole quindi
essere tutto questo e altro ancora.
La musica e la letteratura sono sicuramente le due forme espressive
primigenie che, assieme alla pittura, hanno accompagnato l‘uomo
lungo tutta la sua storia. Se siamo pronti ad apprezzare quanto di
meglio i breaks e i bit dell’ultima ora propongono, dovremmo essere
in grado anche di affrontare la parola scritta o detta che sia, nel
tentativo di recuperare un rapporto con essa che trascuri finalmente
gli appellativi che ci hanno insegnato a utilizzare (mattone, pacco,
palla) e che, di nuovo per vizio ideologico, ci hanno tenuti separati
da un mondo fantastico come quello rappresentato da questo tipo
di espressione.
Senza dimenticare che attraverso la parola possiamo ridere, piangere,
stupirci, ovvero ripercorrere tutta una gamma di emozioni, tanto
quanto questo avviene attraverso la musica, e il suono sintetico o
organico che noi produciamo è semplicemente una variante della
parola, anch’essa musica, anch’essa melodia.
Non so se tutto questo sproloquio abbia risposto esaurientemente TIZIANO SCARPA ALDO NOVE
alle domande che abbiamo posto inizialmente, sicuramente si
potrebbe aggiungere ancora molto, ma lo spazio è tiranno, per cui,
dato che siamo delle carogne, poniamo un ulteriore quesito.
Se la musica elettronica conduce una ricerca tesa alla sintesi di
anima ed esattezza attraverso il dancefloor, la rappresentazione
performativa della letteratura può assolvere, secondo i canoni suoi
propri, allo stesso compito?

ClubLit è nato all’interno della prima edizione di Clubspotting
per poi diventare una rassegna che si è tenuta al Maffia nella
stagione 2000/2001 e che ha visto partecipare: Raul Montanari,
Aldo Nove, Tiziano Scarpa, Arturo Bertoldi, Giuseppe Caliceti,
Andrea Canova, Stefano Raspini, Rosaria LoRusso, Lello Voce,
Isabella Santacroce e il collettivo Baobab.
Le serate in questione sono state rese udibili sul sito:
www.clublit.it.

stefano camellini TIZIANA LO RUSSO

CLUBSPOTTING 2.O

futura 2000

Ora che la parola “club culture” è sulla bocca (e sulla penna) di molti, allargato anche al di fuori dell’Italia, focalizzando ’attenzione sulla
appare giustificata l’urgenza che ci ha spinto lo scorso anno a realizzare cultura di strada, progenitrice per molti aspetti della club culture.
la prima edizione di Clubspotting. Il progetto era desiderato già nel Ospiti d’eccezione di Clubspotting 2.0 saranno i tre artisti/graffitisti
1999; forte era la nostra volontà di uscire allo scoperto, dopo anni passati viventi più apprezzati al mondo ovvero Futura 2000, Mode 2 e Delta.
all’interno di un club a proporre gruppi, DJs, situazioni insolite e I loro lavori rappresentano lo stato dell’arte, nascono nell’ambito
quant’altro. Perché la cosidetta “cultura del club” che tanti trovano della street culture per sconfinare in territori affini fino ad arrivare
difficile da definire, diventa concreta quando produce oltre nei circuiti artistici di rilievo internazionale senza mai perdere di
all’intrattenimento, materiali tangibili come riviste, libri e cataloghi, autenticità. Questi, insieme ad altri che lavorano per etichette culto
siti internet e artefatti grafici e ancora produzioni artistiche che diventano come Mo’ Wax, Ninja Tune, Pussyfoot formeranno gli apparati visivi
cd/compilation, dj set itineranti, eventi creati ad hoc come la rassegna presenti sia in mostra sia in catalogo. Una sezione della rassegna
letteraria “Club Lit”. denominata “Outsiders” ospiterà flyers e visuals realizzati dalle crew
di graphic designer responsabili di cinque tra i migliori club che non
Clubspotting è un progetto esplicito: chiama a raccolta e rende visibili appartengono geograficamente alla fascia calda di Londra, Ibiza o
produzioni, spesso di notevole valore artistico, generate o influenzate New York. Sono i fratelli minori e maggiori del Maffia. Si tratta di club
dalla club culture e che coinvolge contemporaneamente interessi diversi talvolta distanti migliaia di chilometri ma animati dallo stesso spirito;
come musica, letteratura, arti figurative, streetwear, ed altro. La rassegna sono lo Zouk di Singapore, il Luxfragil di Lisbona, il Flex di Vienna e
propone un percorso denso di immagini, suoni e visioni che ciascuno può perfino il Dinamo Dvash di Tel Aviv. Visitate i loro bellissimi siti per
assimilare in diverse misure; lo stesso luogo di esposizione diventa un farvi un’idea di ciò che la cultura dei club può produrre.
messaggio. I Chiostri di San Pietro con i lunghi corridoi e le ampie stanze
disadorne, divengono spazi naturalmente stanziali che inducono alla Infine proprio perché l’artista principe di questo immaginario è il DJ,
conversazione o reclamano la riflessione. Sono così suggestivi che spesso saranno numerosi quelli che si alterneranno sulla console lungo i
ci si ritorna per essere presenti, non solo spettatori o visitatori, ma corridoio del chiostro. E saranno esclusivamente italiani; perché dopo
animatori di un monastero del ‘600 che assume tutto il calore del club. una lunga stagione di star è naturale che i “nostri” entrino in gioco
e lo facciano magari senza far rimpiangere i maestri d’oltremanica.
Il successo della prima edizione, visitata da più di 5.000 persone, e del
catalogo diffuso in Europa, Giappone ed America e giunto alla terza SITI:
ristampa, ha convinto le associazioni culturali del KFM e Arci Maffia www.zoukclub.com www.maffia.it
assieme all’Assessorato Cultura di Reggio Emilia a riproporre www.luxfragil.com www.clubspotting.it
l’appuntamento per la prossima estate, aumentando i giorni di esposizione www.dinamo-dvash.co.il
dal 23 giugno al 4 agosto 2001.
Quest’anno, come per la scorsa rappresentazione, l’orizzonte sarà

gabriele fantuzzi

mode2

DESIGNING MUSIC
Disegnare una rete, e designarla a rappresentarti. Forse
questo gioco di parole può essere un piccolo scrigno dove
trovare i tratti più rappresentativi della migliore espressività
contemporanea… perché no? Seguendo questa traccia sono
molte le isole che incontriamo, provarle a legare con un filo
comune potrebbe risultare importante e significativo.
Potrebbe anche dare un segno all’identità di quella vera e
propria esperienza globale che è la club culture.

grosso ièpiù distratti, là fuori, hanno capitonellaqualcosa di
Anche successo in musica, e non solo che musica, grazie all’avvento di dj e musica
campionata. Un salto di qualità concettuale oltre che sonoro. Elementi completamente nuovi
sono nati rimescolando le carte della fruizione artistica. La musica non fluisce più in un’unica
direzione, ma incomincia ad assumere un andamento a spirale (una spirale che respira: si
allarga e si restringe, ad lib). Sotto forma di campionatura, musiche passate tornano leggermente
diverse o completamente trasfigurate. Si spezzano i rigidi confini di spazio e tempo (prima
isola). Un break suonato da Bernard Purdie per James Brown decine di anni fa, con qualche
ritocco può diventare l’impianto base della musica più futuristica dell’ultimo decennio, la
drum’n’bass, dopo essere stato negli anni ’80 la colonna portante delle produzioni hip hop
fondamentali. E questo è solo un esempio fra mille. Si spezzano anche le gerarchie (seconda
isola). Una è quella che vuole una netta distinzione fra creatore e ascoltatore: il pubblico con
le sue reazioni guida spessissimo la scaletta della sua serata. Un’altra è quella fra cultura alta
e cultura bassa, con la musica da ballo che per lungo tempo è stata confinata esclusivamente
entro i confini della seconda, mero intrattenimento per uno sfogo fisico… ma oggi ciò quanto
può avere senso di fronte alla intensità poetica dei Massive Attack o all’astrazione di un Dj
Krush? (Di nuovo, solo due esempi di fronte alle migliaia di quelli possibili…).

La spirale di cui parliamo attira su di sé elementi non solo sonori (terza isola). L’iconicità degli
stili è diventata un elemento imprescindibile, e non potrebbe essere altrimenti dato il carattere
sempre più visuale delle nostre percezioni quotidiane, dall’invenzione della macchina fotografica
in poi. Ciò che ha portato in musica le rivoluzioni del campionamento come regola e del djing,
ovvero la cultura hip hop, è non a caso portatrice anche della cifra stilistica più forte degli
ultimi decenni sia nell’arte (tramite l’aerosol art, comunemente detta graffitismo) che nella
moda (sono gli stilisti a vampirizzare i grandi stimoli provenienti dalla strada e non viceversa,
per loro stessa ammissione). Etichette che hanno definito nuove vie musicali, come la
Talkin’ Loud con l’acid jazz e la Mo’ Wax col trip hop, hanno dato fondamentale importanza
alla grafica per darsi un’identità: le raccolte "Headz", pietre miliari del trip hop, non avrebbero
lo stesso sapore senza i segni di Futura 2000 e 3D, è un dato di fatto.

Ma le spirali, a non essere pronti ad affrontarle, possono essere pericolose.
Danno vertigini. Provare ad imprigionarle nelle care, vecchie, chiare
strutture di relazione verticale è impossibile. Proprio per la loro tendenza
a muoversi in forme circolari e non inquadrabili definitivamente (la
quadratura della circonferenza è ancora uno dei misteri della nostra
geometria euclidea, esiste sempre un pi greco di troppo) non avrebbe
senso affrontarle in maniera rigida. Esse tendono ad intersecarsi su piani
diversi e sempre mutevoli, e di queste ricorsività sempre differenti si nutrono. Meglio quindi non cercare
futura 2000 + 3D
troppe certezze semplici ma imparare a muoversi in rete, dove cioè trasversalismi ed elasticità sono
non estemporanee eccezioni ma necessità vitali. Ricordandosi una cosa fondamentale: le reti, proprio
per la loro elasticità, offrono un’opportunità unica di costruirsi un proprio itinerario e delle proprie
regole, cosa molto più difficile di quanto sembri a prima vista ma molto gratificante. Farlo non è solo
uno sfizio, attenzione: creare una rigorosa identità dalla moltitudine di stimoli che ci seduce è la nostra
arma contro il collasso da troppa contingenza e troppa quantità.
Disegnare una rete, e designarla a rappresentarti…

damir ivic

DAVE EGGERS
- la lunga intervista con una responsabile di mtv per la selezione
una straziante opera del cast di the real world]. Dave combatte [ma in fondo
placidamente accetta] l’imperativo della felicita’ prescritta dalla
di un genio sbalorditivo pubblicità che abbiamo ormai introiettato e alla quale
in/consciamente aspiriamo. Inoltre, come vuole il copione, Toph
si dimostra più maturo del fratellone [vedi altrove il rapporto
tra i fratello Caulfield, Phoebe e Holden]. Eggers descrive la
Volendo farla breve - tipo commento-strillo da quarta di copertina
tensione tra ambizione e disillusione, cinismo e ingenuità,
- potremmo dire che una straziante opera di genio sbalorditivo
autentico vs. finzione, autorealizzazione ed implosione. Una
è “il nuovo Generation X”. Ma i commenti-strillo da quarta di
straziante opera di genio sbalorditivo è un opera fatti di alti
copertina sono laconici, intecambiabili, anonimi. Lasciano il tempo
[vedi: la partita a frisbee con il fratello Toph come momento
che trovano – che è già poco ed è denaro, poco denaro - diciamo
di epifania e pura felicita’] e bassi, momenti straordinari ed
allora che una straziante opera di genio sbalorditivo è un quasi-
altri che non invecchieranno altrettanto bene [lo ammette lo
romanzo ottimamente scritto, esplicitamente autobiografico e
stesso Eggers nell’introduzione, captatio benevolentiae in full
spocchiosamente autoreferenziale. Già a livello strutturale, l’opera
effect]. Un racconto a tratti struggente, intriso di un
di Eggers si presenta come un “attimino” eccentrica, a metà tra
romanticismo disincantato e ingenuamente amabile che riflette
lo sperimentale ed il già visto innumerevoli volte. Il “romanzo”
si apre con una prefazione ed una introduzione che fanno da
manuale di istruzioni [“regole e suggerimenti per apprezzare
questo libro”, tavole tematiche, offerte speciali per fanatici,
discepoli ed adepti – in più la versione tascabile è stata
commercializzata con tre differenti retro-copertine ed un’appendice
intitolata “gli errori che sapevamo di commettere”] in cui Eggers
– supremo direttore/deus ex machina della rivista letteraria
mcsweeney's - si prende la briga di spiegare che potremmo
benissimo leggere solo le prime centonove pagine e lasciar perdere
tutto il resto. Giusto per. In ogni caso, quella raccontata da Eggers
è una storia “vera”, contaminata da dosi abbondanti di fiction –
opportunamente corrette in una sezione conclusiva con note e
contronote, modello David Foster Wallace. La morte ravvicinata
dei due genitori sconvolge la vita del nostro eroe, che a ventidue
anni si ritrova improvvisamente orfano. La nuova configurazione
esistenziale prevede che Dave si prenda cura del fratellino Toph,
copertina dell’edizione amricana cover della rivista letteraria
in arte Christopher, otto anni e un cappellino che puzza d’urina
on line www.mcsweeneys.com
in testa. i due lasciano Lake Forest, Illinois, dove sono nati e
cresciuti insieme alla sorella Beth, per trasferirsi a Berkeley,
e distorce l’epoca dei mass/narrow media in cui (soprav)viviamo.
California per vivere insieme pretendendo che le cose vadano per
Dal pdv stilistico-formale, Eggers alterna lo stream of
il resto giusto, quando in realtà la situazione – dalla vita sociale
consciousness a periodi accuratamente architettati e arricchiti
all’alimentazione – presenta allucinanti livelli di entropia. Dave
da tabelle ed illustrazioni anche se a volte eccede finendo per
capisce cosa significa essere a) poveri, b) squallidi e c) irrilevanti
annoiare anziche’ sorprendere. Infine è probabile che i lettori
nel paese dei balocchi e delle mille opportunità. Al che insegue
italiani poco avvezzi alle idiosincrasie della scena intellettuale
il riscatto nell’attività editoriale. I primi frutti maturano all’inizio
di San Francisco potrebbero trovare alcune sezioni poco
degli anni novanta, quando fonda la rivista satirica acuta incazzata
interessanti [tremendamente pallose] se non incomprensibili
incazzosa might che diventa presto il mensile di tendenza [punto
ma resta comunque il fatto che, insieme a Rick Moody, David
di riferimento, bussola] per i giovani intelligenti barra
Sedaris, Douglas Coupland (un po’ impanato/appannato dopo
intraprendenti di San Francisco – e non. Ma i problemi – dai
le ultime prove, fidanzata in coma e miss wyoming) e l’idolatrato
contenuti, alla ricerca disperata di finanziatori [esilarante e
(da una certa critica, almeno) Wallace Foster David, Eggers
tragico allo stesso tempo l’incontro con i guru di Wired che finisce
Dave rappresenta una delle voci più originali, innovative e utili
con un nulla di fatto, per non parlare del finto-necrologio di Adam
del panorama letterario americano [hey, questa suona come
Rich, star dello show la famiglia Bradford]. il tutto e’ intervallato
un commento-strillo da quarta di copertina].
da una serie di episodi di “vita vissuta” che spaziano dal melo’
al melange dei reality-tv [brillante – quasi un saggio di antropologia
DAVE EGGERS
una straziante opera di un genio sbalorditivo
mondadori, strade blu n. 26
450 p., lit. 26000, aprile 2001.

matteo bittanti
La recensione si riferiscce all’edizione americana.

kodwo eshun
PRESS REWIND IF IT DOESN’T
REMIX YOUR MIND
di kodwo eshun Roots & Future
introduzione di Paolo Davoli
Traduzione di letizia rustichelli e Paolo Davoli

Imbattersi in Kodwo Eshun è come venir travolti da un caterpillar alla velocità di una
Ferrari. Il suo stile di scrittura è immediatamente riconoscibile: un Marinetti del breakbeat
oppure un Majakovskij della “future black music”, proprio per rendere giustizia alla
messe enorme di neologismi e furenti analogie tra musica, fantascienza e scienze “dure”
quali la fisica quantitistica. Grazie a Eshun la critica/saggistica musicale riguadagna
finalmente il terreno perduto nel confronto delle sonorità elettroniche. Il loro astrattismo
e la loro proiezione futuristica trovano in Eshun un artista dalla penna funanbolica e
roboante. E’ tempo che emergano nuovi critici e giornalisti musicali in grado di dispiegare
l a s t e s s a We l t a n s c h a u u n g d e l m u s i c i s t a e l e t t r o n i c o c o n t e m p o r a n e o .

“Più splendente del sole” amplifica la
conturbante singolarità della musica
d’oggi. Dove la maggior parte delle
scritture sulla musica assorbe
passivamente lo shock del futuro di artisti
come Sun Ra, Alice Coltrane, Lee Perry,
Dr. Octagon, Tricky, Parliament, Goldie,
U n d e r g r o u n d Re s i s t a n c e e a l t r i
audiosovversivi afrofuturisti, Kodwo Eshun
disvela territori inesplorati attivando i
concetti che gli artisti stessi hanno
inventato, assemblando un intero nuovo
spettro di critica musicale che l’autore
definisce fantasonico: l’intersezione tra
fantascienza e suono. (…) Il saggio è una
sonda per perforare nuovi livelli di spazi
possibili. La sua missione è scardinare i
concetti che il nostro presente ha della
“ salute mentale” e della “ cultura “ e
stimolare il dileggio e l’astio contro questi
ibridi mostri concettuali. Più splendente
del sole, dedicato ai nuovissimi mutanti,
è una macchina per viaggiare alla velocità
del pensiero: premete riavvolgi se non vi
rimescola la mente.

Liberamente tratto da More Brillant Than
The Sun presentiamo parte del quinto
capitolo intitolato Virtualizing the
breakbeat che parla di due cose: il break
e il beat.
zeichenweg (cover s’apex)

dall’abbandonare il ritmo, il produttore
VIRTUALIZZANDO IL BREAKBEAT Futurista è lo scienziato che s’immerge
nel break, che varca la soglia del batterista
Avventure in stile selvaggio nelle iperdimensioni umano per indagare le iperdimensioni del
del Breakbeat: 4 Hero, Rob Playford e Goldie, Breakbeat dematerializzato.
A Guy Called Gerald.
La musica del futuro, tradizionalmente, è sempre I nostri batteristi non sudano più.
senza beat. Il beat è la zavorra che ostacola la (Kraftwerk)
velocità di fuga e che arresta la musica
nell’irrompere oltre l’orizzonte. La scienza del breakbeat è psichedelia
La musica del futuro è senza peso, trascendente, ritmica
nitidamente convergente con l’incorporeità online. Lo scienziato del Breakbeat non suda mai:
La Planet Suite di Holst così come la si usò nel la matematica del ritmo diventa meno
2001 Odissea nello spazio di Kubrick, la colonna esercizio e più “pensiero e ascolto” come
sonora di Apollo di Brian Eno e quella di Vangelis hanno detto i Kraftwerk. Muovendosi nello
per Blade Runner : questi sono tutti buoni dischi spazio possibile dell’iper-ritmo, il ritmo
– ma parlando in termini di suono - sono futuristici postumano è impossibile da suonare e
tanto quanto il Titanic, niente di più che aggiornati impossibile da ascoltare. Per Goldie, l’iper-
esempi di un Sublime da diciottesimo secolo. ritmo inizia in quel punto in cui “si va
oltre il batterista ”: è il momento in cui
La tecnologia ha reso possibile il guardare si inizia a “leggere il break come fosse
alla musica attraverso il microscopio. (Goldie) linguaggio braille“. Se parliamo del “ futuro
della musica generata da computer “
La computerizzazione del Breakbeat immediatamente pensiamo ad uno
Con la computerizzazione del Breakbeat post- scienziato-compositore accademico fermo
Marley Marl, tutta questa retrospettiva auricolare a un modello anteguerra della scienza
di ascolto è finita. Uscire nello spazio oggi, significa ufficiale. Ma la scienza del breakbeat è la
andare più lontano nel ritmo. Lungi futura disertrice della computer music
quando il suono alfanumerico fugge dal
laboratorio, replicandosi in una serie di
operazioni nascoste realizzate nei piccoli
studi di registrazione delle camere da
letto. La scienza del breakbeat è la
tecnologia segreta del suono
geneticamente binario, una scienza non
ufficiale della pirateria ritmica del break
che diventa un passaggio al viaggio e al
trucco da studio, una progressione di timbri
ed effetti sui ritmi. Come Dego Mc Farlane
dei 4 Hero spiega: “Si finisce con un suono
che è la sesta generazione di un campione,
completamente differente da quello da
cui si è partiti. “

Iperpercussione
La supersessione digitale dell’iper-ritmo
umano immediatamente altera la
percezione dell’atto percussivo. Come un
evento/azione nello spazio-tempo, il
drumming perde la sua solidità. La scienza
del breakbeat strapazza la logica della
causa-effetto ed apre una nuova illogica
di iperpercussione e super-percussione.
The Paranormal in Four Forms esemplifica
il traguardo super percussivo dei 4 Hero:
riconfigurare i ritmi così che essi possano
viaggiare attraverso lo spazio. Dego Mc
Farlane e Goldie parlavano spesso di questo
“suono così avvolgente e fisico che
sembrava toccarti dandoti una pacca sulla

spalla”.
In Paranormal, il ritmo è un break-missile cerca calore che diserta,
riorganizzando il suono in un’epica aerodinamica. Ogni break si ramifica:
nell’altoparlante destro è un serpente a sonagli che si contorce attorno alla
testa, svanisce dietro il collo inghiottendosi la coda. Nel lato sinistro il break
scompare, intersecandosi con l’altro in una turbolenza subsonica, riemergendo
così vicino all’orecchio da escoriare il cranio rendendo il break destro remoto,
subudibile. Simultaneamente il break del lato sinistro colpisce con un tono
ad alta intensità che esce all’improvviso stagliandosi all’altezza dell’orecchio,
stridendo come un jet da combattimento. Lo spazio alle spalle trema ad ogni
traiettoria di volo che scuote l’altra orbita a differente velocità.

Imbrigliati nell’audiolabirinto
Con “The Paranormal in Four Forms” si entra in una anamorfosi uditiva binaria,
tutta imbrigliata in quello che il produttore Dr. S. Gachet definisce audiolabirinto.
I beat si dividono e si lanciano in traiettorie parallele di volo. Il lato sinistro
è effettato da un tremolio di transistor portato alla massima intensità da uno
stressante stridore. Le due traiettorie s’inghiottono l’un l’altra e si incanalano
in una superficie omeomorfa taurina n-dimensionale. Le bacchette della
batteria diventano ferri da calza che colpiscono come molle elettrificate alla
velocità di 180 bpm, rompendosi nell’impatto contro le gibbosità di un basso
atonale. Ogni beat ricade suonando i nervi come le corde di un’arpa. Ambedue
le orbite dei beat negli speakers coincidono, la destra come una falce
affilatissima, la sinistra come un indistinto rumore speed metal, quasi fossero
i contorcimenti di un serpente a sonagli che comprimono i beat come molle
tanto in tensione quanto i rocchetti di Tesla. A questo livello i beat alterati
innescano ciò che Method Man definisce subpazzia. Dego Mc Farlane rievoca
‘ i ragazzi che venivano appresso parlando di Paranormal in Four Forms e di
come vedessero cose uscire dalle luci e cercassero di afferarle’. Tesi al massimo
come il grilletto, i break sovraccaricano i riflessi come molle fino a quando
il corpo diventa un fucile che muore dalla voglia di essere scaricato. I muscoli
grippano, il collo si rannicchia, il corpo intero s’inarca fino a diventare un
gigantesco proiettile di carne pronto per essere sparato.

Oggi la scienza è diventata una macchina di oltraggiosa rappresentazione.
( Paul Virilio )

La fisica della fisicità
L’iperritmo genera una nuova fisica della fisicità. I disorientamenti cinestetici
diventano udibili nei titoli astrofisici delle tracce presenti nel doppio concept
album dei 4 Hero del 1994, Parallel Universe, dello stesso tipo superparadossale
utilizzato da Escher nella sua litografia del 1954 intitolata Planetoide Tetraedico.
I titoli spaziali annunciano che le leggi fisiche del ritmo stanno involvendosi,
proprio come una incrinatura nel tempo collassa la struttura dello spazio-
tempo. I titoli scientifici rendono udibile la psichedelia ritmica. La scienza
nella breakbeat science non esaurisce la sensibilità, al contrario apre uno
spazio possibile all’ipersensibilità. Parlando ritmicamente, la scienza sensualizza.
La fisica non intorpidisce i sensi, li intensifica. Quando la capacità dell’occhio
di spiegare l’orecchio viene meno, la fisica subentra. La scienza prende il
sopravvento nel momento in cui collassa il visibile. La dissonanza cognitiva
della scienza amplifica la brusca torsione percettiva della psichedelia ritmica.
La fisica dei quanti si traduce facilmente nei fumetti della Marvel e nei cartoni illusiva di Foucault, quella che Ballard nel 1962 chiamò
animati della Warner Bros perché i quark, i gluoni e il Big Bang puntano tutto “la fantasia speculativa della scienza”. L’impossibile
alle leggi malleabili che sostengono la realtà fisica. Non è la parola di Dio che stato fisico dei quanti cromodinamici si trasforma
sostiene l’universo subatomico, è quella dell’ Uomo Plastico. La scienza del facilmente nei quanti e gluoni dei Parliament.
breakbeat apre quindi un continuum fra il titolo e la traccia stessa lungo il L’astrofisica della radiofonia si trasforma nelle tarlature
quale i concetti sensoriali si muovono liberamente. Le macchine del ritmo
d/evolvono nella Scienza Sonica. La Scienza d/evolve nella sensazionale fisica

linguaggio, quando la parola svanisce e sbaglia, felice.

L’astratto
Il tempo si allunga in uno stato di naufragio sensoriale che il produttore
Roni Size nel 94 ha definito “Phizical”. Più che disincarnare il corpo, il
Breakbeat digitale lo intensifica, a un livello più intuibile che spiegabile.
Questo collasso comunicativo è ciò che la scienza del Breakbeat chiama
astratto.
L’astratto non significa rarefazione o isolamento bensì l’opposto:
rappresenta un corpo alle soglie del futuro e sull’orlo del precipizio di
un nuovo linguaggio. L’estrema involuzione ritmica della Breakbeat
science induce forzatamente a un nuovo sistema motorio, convertendo
l’ascoltatore in un ballerino che ruota vorticosamente con riflessi
rinforzati. L’ascolto acuisce i sensi finché questi si rizzano come chiodi.
Il corpo è mutato arto dopo arto, come insiste il produttore jungle
Marvellous Cain [il Meraviglioso Caino, che nome ragazzi! ndr], da
sinuosità fisiche che il linguaggio non ha ancora raggiunto. Il linguaggio,
rispetto al suono, perde terreno. Perché è mal compitato, contorto,
risciacquato. Il linguaggio arranca dietro i beat ed irrimediabilmente
verrà travolto e distrutto. Il sistema moto-sensorio, invece, comunica
paralinguisticamente da un futuro che i media odierni non hanno neanche
iniziato a decrittare.
Dire che il produttore odierno è inarticolato e monosillabico rivela
solamente quanto la critica standard è sorda rispetto allo spettro
sensoriale catturato nella Fantasonica, nella Fantafonica e nella mitologia
delle macchine. E’ il linguaggio ad essere ordinario ed ottuso e deve
quindi essere adattato. Il sistema nervoso, il primo campo sensoriale ad
essere revisionato dal ritmo digitale, è ora ampiamente avanzato rispetto
ai giudizi tradizionali. La scienza del Breakbeat costringe in quello stato
diagnosticato da Norman Mailer nel 1957: “Noi siamo obbligati ad
affrontare il tempo del presente e del futuro con i riflessi e i ritmi del
passato; gli inefficienti e spesso antiquati circuiti nervosi del passato
strangolano la nostra potenzialità nel rispondere a nuove possibilità.”

Il cervello distribuito è un corpo
I riflessi moto-sensoriali del corpo sono secoli avanti alle menti ancora
chiuse in tradizioni morte. Il corpo è un cervello distribuito, un grosso
cervello le cui zone sono tuttavia separate l’una dall’altra da secoli e
da abitudini ereditate. Parallel Universe dei 4 Hero è tutto giocato sui
trucchi e sui “viaggi” di batteria il cui scopo è rendere il sensorio in
azione, per convertire l’intero corpo in un grande cervello. Il corpo
pensa in modi sconosciuti, in termini di intelligenza corporea perché è
un cervello esteso, perché il cervello è distribuito sull’intera superficie
del corpo. La psichedelia ritmica attiva quindi nuovi tipi di pensieri
dermici, ascolti del terzo orecchio, capacità trans-sensoriali di pensiero
incarnato. I poteri dell’orecchio di individuare la forma del suono nel
tempo, ciò che il teorico audiovisivo Michel Chion chiama i suoi “poteri
deliberanti temporali”, sono accellerati e intricati, sconcertando il senso
aquatiche dei Drexciya. La fisica è l’ingresso in una di posizione del corpo nel tempo. In Solar Emissions le distorsioni
cinestesia in cui la geometria è fisica e la topologia anamorfiche de-sintonizzate e i quarks s’allargano sopra la testa,
sensuale. La scienza del Breakbeat è la fisica del ritmo. facendo vibrare le orecchie. La psichedelia ritmica innesca l’occhio e
S’incunea a livelli apertamente spiegabili nei linguaggi il sentimento nell’orecchio, e come suggerisce il roborapper Craig Mack
normali di senso. I beat diventano astratti quando il corpo “il sapore nell’orecchio”. “Quando le sensazioni cinetiche ben organizzate
soccombe alle sensazioni che producono una crisi nel sono trasmesse attraverso un singolo canale sensorio - continua Mack -
attraverso questo possono immediatamente convogliarsi tutti gli altri
sensi”.
Elaborazione digitale da ESHER: planetoide tetraedico. 1954

Roots & Future

Forum Roots & Future:
Identità, linguaggio e forme di espressione dell'artista
contemporaneo.

Intervista a George Koulermos, Enrico Marani e Fabrizio tavernelli
I tre artisti italiani - Y:dk, F.Tavernelli, E. Marani - sono rappresentativi di un determinato ambiente musicale italiano che si è
forgiato negli anni Ottanta per poi personalizzarsi definitivamente negli anni Novanta. Tra le antiche reincarnazioni dei tre vanno
sicuramente citati i TechnoGod, le Forbici di Manitù e gli Afa, gruppi che hanno lasciato più di un segno all'interno del fantasmatico
mondo dell'underground italiano. Ma il motivo della loro scelta in questo forum risiede nella loro attitudine a sperimentare diversi
linguaggi, in primis quello elettronico. Il loro percorso artistico si snoda in parallelo all'evoluzione della scena elettronica in quanto
primi, tra i musicisti italiani, a venire investiti dalle novità e dalle contraddizioni portate dall’ondata digitale e pronti quindi a
coglierne in pieno tutte le più svariate sfaccettature. Buona lettura.

Enrico Marani. Enrico Marani nasce
musicalmente come membro del
progetto musicale T.A.C. (tomografia George Koulermos. Dj resident nella prima stagione,
assiale compiuterizzata) con cui pubblica 1995, del Maffia Club assieme a Maurizio Liguori, ebbe
tre album all'inizio degli anni 90 Fabrizio Tavernelli. Già dalla tenera età il pregio, in anticipo sui tempi, di introdurre alla platea
(Hypnotischer Eden, A circle of limbs, Fabrizio”taver”Tavernelli si cimenta in maffiosa i nuovi suoni di Chemical Brothers, Leftfield
Pioggia) di ambito elettronico industriale oscuri esperimenti casalinghi utilizzando e Prodigy. Troppo e troppo presto, come cantavano le
e si esibisce in rassegne teatrali ed tecnologie rudimentali: mangianastri, Dolls di New York, non solo per il nostro club ma anche
installazioni sonore. fonovaligie, cinevisor, cassette-reverse, per l’Italia, il duo di produttori e dj dal nome di
Entra nel progetto Forbici di Manitù e suoni corporei e concreti, modulazione di Technogod, dovettero farsi pubblicare il primo singolo
con il giornalista Vittore Baroni ed il transistors. Dopo lo Zecchino, le musiche per la Nation di Aki Nawwaz, mentore dei Fundamental
misterioso Manitù Rossi realizza cinque dei cartoni animati e le sigle di Carosello e primo agitatore dell’asian breakbeat. Il maxi Ep rimane
album per etichette nazionali ed estere. rimane invischiato in fase adolescenziale forse la miglior cosa prodotta dal gruppo bolognese di
Ricordiamo la tecno ambient di con punk, new wave, dark, post-punk, cui G.Koulermos era cantante. Successivamente i due
"Quadrivelogue" (disturbance records), psichedelia, elettronica, funk, hip-hop, album, “Hemo Glow Ball” del 1992 e “2000 Below Zero”
od il plagiarismo di "Trivelogue" jazz e chissà quant’altro… Le esperienze del 1995, in cui i Technogod incrociavano acido hip hop,
(Staalplaat) o le ultime derive musicali più importanti sono nell’ordine: groovy rock ed eurotechno, non ottennero il meritato
drum&bass con "appypollyloggy" (moloko En Manque D’Autre (surreale combo riconoscimento. Per i curiosi, ascoltatevi la loro bruciante
plus) o la colonna sonora "Luther Blisset splatterfolk-trashnaif-freepolka), Acid Folk versione di “We don’t need this fascist groove thang”
original soundtrack (vox pop). Alleanza (crossover tra canzone d’autore, degli Heaven 17 presente nel loro testamento “2000
Ha fondato con Fabrizio Tavernelli rap, metal e ottoni da banda), Afa Below Zero”. Dopo lo scioglimento del gruppo, Koulermos
(A.F.A., Groove safari) il progetto (nomadismo psichico, elettronica, trance). e Liguori fondano la Lost Legion, un collettivo alieno
Duozero, che ha dato alle stampe Nel frattempo ha modo di costruire progetti dalle identità nascoste e misteriose di cui fecero parte
all'inizio dell'anno l'album "no programma con Mondine, lunatici e partigiani (Materiale Ohmega Tribe e altre sigle perse nella memoria dei
1999-2000" per l'etichetta Snowdonia, Resistente) e di cimentarsi in pratiche non pochi electro-rocker dell’epoca. Remix, dj set e
cercando una via bizzarra all'uso del ortodosse di remissaggio, manipolazione e produzioni di grande qualità impegnano George K in
lessico elettronico e con cui si è esibito deejaying. In tutto una quindicina di dischi questi ultimi anni per poi approdare l’anno scorso
dal vivo in concerti e rassegne. circa. Nel 2000 è la volta dell’avventura all’album solista intitolato Y:dk, nuova sigla e nuovo
Con dj Rocca è l'altra anima dei 2blue, spaziale di Duozero e ultimo in ordine di corso per il graffiante cantautore elettronico del terzo
che hanno esordito partecipando alla concepimento, di Groove Safari, luminoso millennio. Y:dk è un album ruvido, che mette a disagio,
compilation "illicit sounds of maffia" con turismo sonoro pop-oriented. denso di ruggiti nella notte e di atmosfere lividamente
due brani e continuano tutt'ora tramare esistenziali. Da ascoltare assolutamente per chi ama la
nuove strategie. vita senza rete.
a cura di Paolo Davoli

Elettronica e rock. Due linguaggi giovanili diversi, a volte in aperto contrasto a volte in aperta contaminazione. Sono per voi, generi
separati con estetiche particolari e determinate?
Yorgo: Se il 76-77 è veramente esistito ed è stato vissuto veramente come doveva essere vissuto, il rock diventa un atteggiamento mentale.
Un modo di confrontarsi con qualsiasi forma d'arte. il rock degli anni 00 è fatto con campionatori e gigabytes. Infatti mi viene da ridere
quando i Thievery Corporation dicono di aver fatto parte della scena hardcore prima di mettersi a fare la fuffa che fanno mo'.
O prima erano semplicemente dei poseurs (come molti falsi punk modaioli) o semplicemente erano inclini a fare della melassa futile da
sempre. Quegli anni ti lasciano con una certa non-curante autoironia e il subdolo desiderio di inserire sempre qualcosa di destabilizzante
anche nelle atmosfere più rassicuranti. Come per dire che non si può stare mai troppo tranquilli e sereni, perchè prima o poi qualcosa ti
provocherà una reazione "non desiderata" non programmata, non prescritta dall'analista nè dal tuo capoufficio.
Trovo paradossale che, mentre il 76-77 cercava di radere al suolo tutto quel hippyismo rincoglionito, la muzak che si sentiva nei supermercati,
negli ascensori e nelle sale d'attesa del tuo dentista per tranquillizzarti e per farti fare i tuoi acquisti in uno stato di falsa euforia, sia
tornata alla ribalta in gran stile. Chi, come me, era sufficientemente vecchio per ricordarsi, quel muzak orrendo adesso è stato ridenominato
"lounge".
Però, vi giuro, la musica è la stessa. Muzak, alcuni insinuavano, era musica volutamente creata dalle multinazionali per ipnotizzare il
consumatore con stimoli endorfinosi che in qualche modo lo facesse spendere di più mettendolo in uno stato soporifero.
Fabrizio: C’è una costante nelle mie varie esperienze musicali:
annullare le distanze tra i generi, sconfinare sino a dove non è
lecito, assumere un approccio curioso verso la musica in ogni sua
forma. Ricerco da sempre i possibili incroci, le ibridazioni, gli
innesti. Non vedo quindi alcuna separazione tra rock ed elettronica,
sono definizioni usate per comodità. Per me esiste un magazzino
di dati in espansione da cui posso prendere a piacimento ciò che
mi serve: sperimentazione, pop music, contemporanea, black
music, etnica, jazz…sono tutte catalogazioni, files per risalire ad
un origine, ma in verità la musica non ha nome, sia che venga
prodotta da circuiti elettronici, da una voce o da una chitarra.
Enrico: Credo siano estetiche profondamente diverse. E' difficile
parlare di generi separati, viste le continue contaminazioni, ma
le metodologie compositive e di approccio alla composizione
sono, a mio parere, radicalmente diverse. Il campionatore come
strumento e metodo di lavoro, ha scalzato la band tradizionale,
così come la intendevano Beatles e Stones. Per cui la scrittura
musicale attraversa canali diversi, anche sul piano del confronto
umano, fra chi collabora ad uno stesso progetto. Per esempio si
"scambiano" suoni, si costruisce una biblioteca sonora, e si riflette
maggiormente su un piano progettuale penalizzando
l'improvvisazione e la spontaneità, eccessivamente valorizzate in
passato, come espressione di una genuità, decaduta ormai nella
parodia. Inoltre anche a livello mediatico, l' artista rock è ancora
aderente all'icona del "bello e dannato" (da Keith Richards a Vasco
è sempre la stessa fola) ad uso di adolescenti "ribelli" in preda a tempeste ormonali. Il musicista elettronico appare come una figura più
velata, obliqua, non esposta come divinità di cartapesta, ma sovente celata dietro varie sigle ed identità diverse, e complessivamente
veicola un messaggio più raffinato. Valgono ovviamente reciproche eccezioni.

Preferite il deejaying o il live set? Quali dei due modi d’espressione vi pare più consono ai tempi?
Yorgos. Lo so che sembrerà piuttosto paradossale, visto che faccio il dj da molti anni, ma sono sempre più convinto che il cosiddetto
deejaying abbia ucciso la musica, soprattutto quella dal vivo. Mi spiego: la stragrande maggioranza degli ipotetici dj, non sono dei dj,
bensì dei musicisti furbacchioni che hanno capito l'antifona e invece di sbattersi portando strumenti in giro per le autostrade e dovendo
pagare fonici, tour manager, musicisti etc. hanno scoperto che potevano prendere gli stessi soldi presentandosi con una valigetta di dischi
e lo spazzolino da denti e la gente (pecorona efessacchiotta) era contenta. Peccato che più dell' 80% di quei finti dj set sono un pacco
immondo. La dj culture ha portato alla pubblicazione di quintalate di mix, compilation al kilo e dj con velleità di pubblicare degli album
in virtù del fatto che nel cd ci sono due singoli da classifica
e 50 minuti di stronzate spesso già pubblicate in 12". Q-bert, Jeff Mills giusto per citarne due a caso, sono dei dj che suonano con i piatti
e riescono a fare spettacolo oltre a far ballare. Mi piace l'approccio molto laico che ha Moby nei confronti della musica elettronica. Non
si nasconde mai dietro ad essa, fa sempre di tutto per dimostrarne la fragilità. L'elettronica ha bisogno di essere resa live e può essere
rivitalizzata o attraverso l'utilizzo di musicisti veri che suonano parti che magari sul disco erano solo campioni, oppure attraverso l'utilizzo
di scenografie e illuminazioni che in qualche modo coinvolgano il pubblico. A volte, se la gente ti guarda e ti ascolta invece di ballare come
un forsennato, è un segnale di coinvolgimento su un piano diverso, emotivo e intellettuale.
Fabrizio. Mi interessa l’interazione dei due aspetti. Il deejaying ha aperto nuove strade, ha indicato nuove direzioni ai musicisti. Strumenti
tradizionali, giradischi e campionatori possono insieme contribuire ad una evoluzione sonora. Non è tanto importante il mezzo, ma piuttosto
l’uso che si fa di questo mezzo. Abbiamo a disposizione una vasta gamma di possibilità espressive, sta a noi cercare di ridurre sempre più
la distanza tra ciò che nasce nella mente e le protesi che trasformano l’impulso in suono, colore, immagine. Il prossimo passo è affidare
la memoria sonora umana al computer, il futuro della comunicazione è la diretta connessione tra mente e intelligenza artificiale. Impulsi
nervosi e bit digitali cambieranno l’idea ed il modo di produzione e fruizione della musica.
Enrico. Non mi nego nessuna voluttà, però se live set è, live set sia, altrimenti preferisco il deejaying. In altre parole, accade a volte di
assistere a live set di musicisti elettronici un poco afasici ed in cui non è chiara l'interazione fra l'uomo e le macchine e dove l'aspetto
courtesy of editions olms ag (ch) © 1999

della comunicazione con i fruitori appare troppo trascurato.

Quali sono i limiti e i pregi dell’elettronica? Nel mondo del pop, rappresenta una vera e propria cesura rispetto al passato?
Yorgos. I pregi dell'elettronica sono l'infinità di possibilità di soluzioni. I limiti dell'elettronica sono l'infinità di possibilità di soluzioni.
Se uno ascolta la musica elettronica del passato, i musicisti dovevano continuamente lottare contro i limiti delle macchine analogiche
e dovevano ingegnarsi (a volte erano dei veri e propri ingegneri elettronici) per riuscire a far suonare certe cose a delle macchine
evidentemente primitive. Adesso mi sembra che per produrre della musica elettronica occorra veramente poco impegno: è molto più
faticoso essere originali.
Oggi l'elettronica non è altro che una reiterazione ed emulazione digitale delle sonorità e algoritmi analogici degli anni 60-80. Le
macchine vintage
vanno a ruba e molti produttori di quelle macchine
sono tornati sul mercato con rivisitazioni digitali
delle stesse. Mi sembra che, sia da un punto di vista
tecnologico che da un punto di vista musicale, abbiamo
fatto il giro di boa. Tutto quello che sento da Titan
a Mirwais, non sono altro che esercizi di stile anni
60-80.
Fabrizio. Né limiti né pregi. Semplicemente un
potente mezzo per ampliare enormemente le
possibilità di espressione. All’inizio ci sono sempre
diffidenze, chiusure e ghettizzazioni, ma grazie alle
intuizioni di alcuni pionieri le innovazioni vengono
prima o poi assimilate. La maggior parte della musica
pop dei nostri giorni può essere definita in un qualche
modo “elettronica”, anche quella che si presenta
con una mascheratura organica, è in verità creata
con procedure tecnologiche. L’elettrificazione, il
mixer e lo studio di registrazione, l’effettistica, la
manipolazione e il programming, mp3, pro-tools …
sono passi dello stesso cammino.
Enrico. Se devo citare un difetto direi che la scena
elettronica infetta con torrenziali produzioni i negozi
di dischi e sovente queste ripetono con poche varianti
il sound del momento con una qualità non sempre
all’altezza delle aspettative.
Fra i fruitori si nota l'ansia di essere "all’ avanguardia",
conoscere l'ultimo nome di grido, vedere in azione
il dj più sconosciuto.… Penso sia giunto il momento
di storicizzare, volgendosi verso quegli artisti che
sono stati capaci di una discografia decente, sia
qualitativamente che quantitativamente. Il pregio
principale credo sia il rovescio della stessa medaglia
cioé il facile accesso per chiunque alle macchine e
a quei metodi di lavoro che permettono di "fare
musica" con soddisfazione e in tempi ristretti. Certo
non si potrà più comporre pop senza tener conto di
questa rivoluzione. L'ultima discografia di Madonna è esplicativa in proposito.

Guardando il vostro percorso artistico personale quand’è che siete entrati in contatto con l’onda elettronica? Quali artisti o quali
generi elettronici vi hanno fatto catturato all’inizio?
Yorgos. L'elettronica l'ho incontrata iniziando a lavorare nel 1990 con Maurizio Liguori con il quale abbiamo fondato i Technogod. Io
provenivo da esperienze di band tradizionali, lui da musiche sintetiche: ci siamo scontrati a metà strada. Kraftwerk soprattutto, la serie
di "Switched on Bach" fatti con il moog e "Planets" fatto da Tomita. Questi dischi li ascoltavo insieme ai Beatles, Celentano e Deep Purple.
Fabrizio. La mia attenzione, sin da quando ho iniziato a decodificare i suoni, è stata attirata da quei particolari più bizzari ed inconsueti.
Il nostro orecchio seleziona e la nostra sensibilità ci porta a preferire frequenze ed ambienti sonori piuttosto che altri, ognuno tende a
costruire nel tempo la propria soundtrack. E’ un approccio da animale tecnologico. Mi ricordo gli orgasmi uditivi mentre scoprivo gli
strani suoni sparpagliati qua e là nei dischi di Bowie, Eno, Kraftwerk o in quelli del primo periodo punk new wave (Devo, Pere Ubu,
Talking Heads, Residents, Suicide...) da lì ho iniziato una personale esplorazione che mi ha portato a ritroso verso i corrieri cosmici
tedeschi (Can, Faust, Tangerine Dream…) e successivamente verso gli inventori contemporanei-minimalisti (Cage, Varèse, Glass, Reich,
Ryley…), contemporaneamente mi colpiva la futuristica black music: hip-hop, electro, house, techno, drum’n’bass e tutti gli sviluppi
della scena post-dance.
Enrico. Ricordo ancora quando con il registratore a bobine della Geloso registravo dalla radio (Mivar) dei miei genitori "The Robots"
dei kraftwerk. Loro erano fra i miei idoli già in seconda media! Poi a sedici anni ascoltavo Cabaret Voltaire , Human League, Coil, Clock
Dva e ... Krisma (il loro "Miami" continua a piacermi anche adesso). Un discorso a parte per Brian Eno e Bowie . Mi hanno influenzato,
sia come musicisti che come sperimentatori (mi piace citare rispettivamente "Before and after science" e "Low"). Poi Orbital, Orb con
l'indimenticabile "Blue Room", Aphex Twin e Plaid che sono fra i miei favoriti. Sono appassionato di musica etnica, per cui seguo anche
la scena "asian" con Talvin Singh e Sacred System in particolare.

Due di voi sono anche cantanti. Il ruolo della voce nell’elettronica è molto sacrificato. Molti dei brani sono strumentali, altri hanno
solo campioni. Ora sta riemergendo una volontà al “pop” che sembra riportare al centro della composizione testo e voce. Qual è la
vostra posizione rispetto alle potenzialità della voce nell’elettronica? E’ quella del pop una domanda ineludibile?
Yorgos. Personalmente, sono attratto dagli opposti, dalle alchimie improbabili, dalle combinazioni che in qualche modo vadano a turbarti
(vedi "Un giorno dopo l'altro", la cover di Tenco in Y:dk). A volte mi sembra troppo facile e troppo scontato filtrare e digitalizzare la
voce per farla stare dentro una base elettronica. Di fronte ad un muro di macchine e sequencer preferisco lasciare la voce nuda e cruda.
Se la voce, emotivamente parlando, non si lascia sopraffare può rendere disarmante il tutto. Il pop non ha tempo. Un pezzo diventa pop
e non nasce tale. La melodia è spontaneità e molto banalmente genera emozioni a chi ascolta. Tutto ciò non ha tempo e trascende le
mode.
Fabrizio. C’è un problema di permanenza mnemonica che coinvolge le musiche definite “elettroniche”. Una composizione deve sostenere
il confronto con il tempo. Alcune cose rimangono, anche inconsciamente, mentre altre vengono seppellite sotto strati e strati di
informazioni. La mutevolezza e l’immaterialità delle
nuove musiche digitali è un aspetto affascinante, ma
è allo stesso tempo ciò che le rende sfuggenti e
facilmente deperibili. Ecco allora il ruolo della voce
e delle parole: caratterizzare e lasciare segni
indelebili. Non c’è poi differenza tra voci campionate
o reali, l’importanza della vocalità o di elementi
verbali nell’elettronica è una rappresentazione
concettuale del riuscito incontro tra organico e
tecnologico, tra biologia e artificialità. Io mi occupo
principalmente della forma canzone, il vestito migliore
di questi tempi per i miei brani è elettronico. Il pop
in questo senso è assolutamente malleabile.

Con l’elettronica cambia la figura di artista. Non
esiste più l’archetipo dell’artista maledetto, figlio
del climax romantico europeo ottocento/
novecentesco (figura cara sia al rock che al jazz
classico). Con l’elettronica si parla di scomparsa
della figura artistica, di mascheramento identitario,
di morte dell’autore . Il nuovo artista elettronico
è camaleontico, ha plurime identità, è abituato a
entrare/uscire dal mercato discografico ufficiale
con flessibilità. Vi riconoscete in questo nuovo
artista?
Yorgos. Mi riconosco e mi disconosco. Sono un
cantautore elettronico che cerca nuove possibilità
di intrecci con la canzone tradizionale, ovvero quella
dove si cerca di comunicare delle cose, idee,
sensazioni, vuoti, dolori, roba da secolo scorso
insomma, abbinandola a linguaggi e tecniche di
costruzione sonora multiforme dove si sartorizza
quel taglia e cuci alla Fatboy Slim, sopra la quale si
interagisce suonandoci partiture alcune delle quali
poi vengono reinserite dentro il grande
computer...blah blah... Alla fine l'obbiettivo è sempre
lo stesso di cento anni fa: raccontarsi, raccontare, coinvolgere, smuovere emotivamente sia te stesso che chi ti ascolta.
Infatti, in Y:dk ci sono dei pezzi dove c'è solo la voce e una saldatrice (not very electronic). L'elettronica rende facile la vita. Tutto è
molto più
facile, veloce, quantizzato. Non devi rapportarti con 30 musicisti diversi, ci sei solo tu e i tuoi collaboratori/programmatori. questo,
nel bene e nel male è l'elettronica per me. Un modo più semplice per lavorare e produrre musica a basso costo. però, se mai riuscirò a
tornare sul palco, vi assicuro che di elettronico ci sarà molto poco.
Fabrizio. Sì, mi riconosco. Tant’è che porto avanti diversi progetti paralleli. Da una parte nutro e liscio la mia anima “pop” e cerco di
flirtare con il mercato, dall’altra mi concedo una totale libertà espressiva. Posso comparire o scomparire, valutando le diverse situazioni,
posso accentuare una mia identità o certi aspetti della mia sensibilità artistica. Non mi piace in ogni caso l’immobilità, preferisco rischiare
e muovermi tra estremi e contraddizioni. Forse l’artista potrà sparire (sostituito da entità virtuali o robots), di certo non spariranno le
idee dell’artista.
Enrico. Direi di sì, anche se una certa prudenza è d'obbligo o meglio si incontrano eccezioni. Un artista lo si promuove ancora veicolando
il suo
ego (vedi l'esempio di Goldie, un dj che si comporta come una rock star). Non parlerei di morte dell'autore, ma di "schizofrenico" fiorire
di diverse identità in uno stesso autore....E questa mi pare una manna dal cielo. Si possono evitare i gioghi delle case discografiche,
abbandonare identità ormai bolse e rinnovarsi con continuità. Ma non cederei a facili entusiasmi. In particolare il fenomeno della musica
elettronica è ancora un frutto giovane e la costruzione di una riflessione critica richiede almeno un altro decennio al fine di realizzare
una valutazione obiettiva ed approfondita, anche se appaiono evidenti molteplici trasformazioni. Ritengo inoltre sempre necessario fare
distinzioni, di ordine qualitativo e mantenere la debita attenzione per quelle forme musicali, anche non propriamente elettroniche, ma
che influenzano profondamente l'intero panorama musicale (jazz, etnica e certa musica contemporanea). Perché proprio quel panorama
sarà "vampirizzato" dai musicisti elettronici stessi e trasformato in quella alterità che mi affascina molto.

Roots & Future

MUSICA
ELETTRONICA,
CONCRETA,
SU NASTRO
Armando Gentilucci (1939-1989) è stata una Musica elettronica, musica concreta, musica sperimentale su nastro : questi
notevole figura di artista, critico musicale e termini, che definiscono esperienze artistiche recenti ma ormai “storiche”, sono
ancora circonfusi, nello status dell’attuale coscienza d’ascolto del fruitore comune
intellettuale tout court del secolo scorso.
e occasionale, da una nebbia di esoterismo tecnologico.
Leccese di nascita e reggiano d’adozione, fu L’equivoco , favorito magari, oltre che dall’ostentato scientismo polemico di alcuni
a lungo direttore dell’Istituto Musicale musicisti “sperimentali” in anni sepolti anche se ancora vicini a noi, dal
“Achille Peri” di Reggio Emilia. Protagonista neoimpressionismo d’accatto di tante colonne sonore per documentari e film di
a livello internazionale della stagione delle fantascienza, cioè a dire dall’associazione esterna, superficiale almeno, tra
determinati suoni prodotti elettronicamente e immagini riferibili al moderno
avanguardie musicali “colte” del Novecento,
folclorismo tecnologico, induce gran parte dei “non addetti ai lavori” a considerare
Gentilucci ha saputo unire il sapere le recenti esperienze elettroacustiche dell’avanguardia alla stregua di un’abdicazione
accademico con il furore creativo delle dell’umano a vantaggio del culto feticistico, esclusivo, per la ricerca su inediti
avanguardie storiche. Il suo contributo critico generatori di suono. A che titolo ciò avverrebbe, non è certo chiaro nella mente
alla elaborazione di un sapere “elettronico” dell’ascoltatore poco provveduto: arida catalogazione di possibilità foniche o
ebbrezza bruitistica, gusto machiniste o tentazione alchimistica al limite di una
in ambito musicale è di notevole spessore
magìa nera musicale?
culturale, essendo la sua figura discendente Naturalmente, quand’anche fosse vero che parte della produzione recente nasce
diretta di quella “forma mentis” che permeò o è nata all’insegna di una nuova “era dei ghiacci”, resterebbe da stabilire perchè
la migliore delle scuole europee, quella di ciò avvenga: ma questo non è problema che riguardi esclusivamente la musica
Theodor W. Adorno e della sua Scuola di elettroacustica, quindi tale da giustificare timori specifici, circoscritti. Infatti,
Francoforte. Del mestiere di critico e saggista la produzione di nuovi suoni elettronici attraverso la conversione di vibrazioni
elettriche in vibrazioni sonore, in sè e per sè costituisce un fenomeno al quale
ricordiamo i libri per Feltrinelli “Introduzione anche ascoltatori distratti o superficiali si sono ormai assuefatti attraverso l’ascolto
alla musica elettronica” e “Guida all’ascolto sistematico della musica leggera tecnicamente più aggiornata. I complessi pop e
della musica contemporanea”. Ed è proprio simili si distinguono l’uno dall’altro quasi esclusivamente per un particolare sound,
dall’edizione del 1972 di “Introduzione alla mentre la struttura melodica, ritmica e armonica delle loro composizioni è
musica elettronica”, ora fuori commercio, pressochè standardizzata. L’uso dei sintetizzatori elettronici, che inserisce effetti
sonori nuovi, e degli amplificatori, crea situazioni d’ascolto notevolmente più
che pubblichiamo, grazie a Feltrinelli editore, complesse e interessanti. Al di là dei mezzi timbrici nuovi, degl’impasti inediti e
l’incipit del prezioso libretto. Al suo interno quindi della maggiore disponibilità “materica” che contrassegna la musica pop
si trovano descritti i tempi, ora leggendari, sta però la somma dei nessi grammaticali e linguistici tradizionali: melodia,
di innovatori quali Stockhausen e Berio, Nono tonalismo o quanto meno modalismo diatonico, armonia basata su accordi
e Schaeffer. Il 1972, anno di scrittura del elementari, ritmo simmetrico-
continuativo (non si dice ovviamente del sistema temperato).
saggio, è allo stesso tempo l’alba del suono
elettronico per le masse contemplato dai Essi, nella produzione etichettabile all’insegna del consumo, anche in quella
Kraftwerk. Da lì in poi, figure nuove di artisti artigianalmente scaltra, restano pressochè intatti, dovendo assolvere a ben precise
come il dj e il tecnico-produttore di studio funzioni di conservazione culturale, di invito alla passività e di integrazione acritica
nasceranno e si imporranno, scardinando e rispetto al mondo così com’è. Solo in questo modo si può spiegare perchè,
rimanendo sul generico, quelle stesse ambientazioni sonore che nel campo “leggero”
ridefinendo concetti traballanti e antitetici non ostacolano ma anzi favoriscono il successo dei vari “complessi”, in quello
come pop e avanguardia, musica “leggera” della musica cosiddetta “seria” inducano a diffuse perplessità. Nel primo caso la
e “seria”, melodia e rumore, espressionismo novità timbrica ha un valore largamente sovrastrutturale sia pure vistosamente
“colto” e impressionismo elettronico, sottolineato e non privo di combinazioni abili: nel secondo, i mezzi elettronici e
accademia e pista da ballo. sperimentali in genere aprono un campo di possibilità su cui il musicista fa leva
per operare radicali o quanto meno ulteriori (anche rispetto all’avanguardia

di Armando Gentilucci courtesy of editions olms ag (ch) © 1999
a cura di Paolo Davoli

storica) trasformazioni linguistiche. Le quali costituiscono alla musica elettronica”, (...) faccia riferimento nel titolo alla sola
dunque verosimilmente il vero motivo di preoccupazione musica elettronica, in realtà chiami in causa lo sperimentalismo
per ascoltatori bloccati a schemi percettivi unilaterali: acustico nel suo complesso e sia comprensivo quindi del concretismo
oppure magari, all’opposto, i veicoli di entusiasmi sospetti, e di ogni impiego del nastro elettromagnetico come serbatoio in grado
dove la fascinosità misteriosa dei suoni mai uditi viene di immagazzinare materiali di svariata provenienza da elaborare
associata con disarmante ingenuità alla sfera del misticismo, attraverso il montaggio, il mixaggio, ecc. Ciò si spiega con la genesi
dell’inconscio e simili (ascolti di tipo impressionistico, con e lo sviluppo obiettivo del processo di impiego dei mezzi elettroacustici,
tentazioni esoterico-simboliste). La musica costruita con con l’intrecciarsi di vari esperimenti sonori. Se infatti per un certo
materiali prodotti mediante generatori sonori di origine tempo la musica concreta e quella elettronica hanno rappresentato
tecnica o comunque elaborati attraverso le apparecchiature campi di ricerca diversi, talora addirittura opposti seppur avviati a
elettroacustiche si affaccia sulla scena proprio in un momento una progressiva integrazione, dopo il 1960 si può parlare di assimilazione
preciso, in rapporto alla crisi storica della civiltà musicale della prima da parte della seconda. Sempre più la musica elettronica
europea e occidentale, in seguito all’emancipazione del si è servita di rumori, sia attraverso apparecchiature autonome
rumore (o suono indeterminato) e all’accentuato timbrismo (generatore di rumori) e sia mediante registrazione attraverso il
della corrente post-weberiana, vale a dire dell’avanguardia microfono di materiali precostituiti e di varia fonte, vere schegge
musicale del dopoguerra. (...) sonore d’esistenza. Se all’inizio i concretisti soprattutto francesi
Per musica elettronica si deve intendere dunque non tanto guardavano alla musica elettronica pura come a un’asettica costruzione
un generico ricorso a strumenti il cui suono viene prodotto artificiosamente volta a ingigantire, dilatare il processo di ferrea
elettronicamente, bensì quell’esperienza compositiva che, razionalizzazione della musica seriale in campo vocale-strumentale,
muovendo dalle virtualità materiche intrinseche ai nuovi mentre gli “elettronici” li ripagavano della stessa moneta ritenendoli
mezzi, ha realmente allargato e approfondito l’area delle fermi a un grezzo gusto per facili suggestioni decadentistiche o
possibilità foniche unitamente ai processi operazionali di naturalistiche, il successivo intrecciarsi di componenti provenienti
composizione, ai moduli costruttivi. (...) dagli opposti campi ha permesso di puntare, al di là di ogni mero
Il lettore si sarà accorto come questo libro, “Introduzione affinamento dei materiali in astratto, su un nuovo potere comunicativo.

può sforare ed essere in primo piano
anche rispetto a un blocco massivo di
ottoni (trombe, corni, tromboni, tube,...)
che in condizioni “normali” lo avrebbero
schiacciato rendendolo pressochè
inudibile. Al di là del culto feticistico per
il suono sorgivo sta dunque anche la
volontà di rivedere, mediante un rigoroso
empirismo che da elementi comuni trae
singolari impasti, fatti acustici non più
dati una volta per tutte, non più
istituzionalizzati.

Premesso quanto sopra, se ne deduce che
tanto nella musica elettronica pura quanto
in quella concreta che non ricorra alla
registrazione di suoni prodotti da
strumenti o voci e poi deformati,
denaturati e così via, scompare la figura
dell’interprete. Questo aspetto non ha
mancato di produrre una più che legittima
inquietudine in coloro i quali, pur senza
feticizzare l’interprete in quanto deus ex
machina, hanno avuto il sacrosanto timore
che venisse meno proprio una tra le
virtualità specifiche e difficilmente
rinunciabili dell’attività musicale, vale a
Ma cosa si intende per musica elettronica e per musica concreta ? Onde evitare confusioni dire la possibilità di rivivere il testo in
e fraintedimenti va precisato il punto che riguarda affinità e differenze tra le due molteplici incarnazioni esecutive e in una
esperienze considerate allo stato puro e dunque in una fase storicamente iniziale. Come sempre rinnovata, attiva tensione
si è già detto e si preciserà in seguito dettagliatamente, sebbene il clima storico accomuni comunicativa. Si è temuto insomma che
questi due filoni di ricerca nati da differenti ma complementari temperie culturali e la musica finisse per assumere carattere
sempre più spesso intersecati fino a confondersi o a relazionarsi al modo di momenti fantascientifico, asettico, astratto da
integrati o dialettizzati, purtuttavia vi sono caratteri specifici che esigono una distinzione quel reale contatto fisico e umano che
preliminare chiara, sia pur essa provvisoria, schematica e da rimettere in discussione unisce interpreti e pubblico in un teatro,
ogni qualvolta gli esempi musicali smentiscono, con le loro multiformi combinazioni, sala da concerto, luogo pubblico. Va
classificazioni rigide oggi insostenibili e largamenti inattuali. peraltro detto che si tratta di un problema
Nella musica concreta allo stato puro il materiale sonoro di base è sempre precostituito: in larghissima misura superato: gli sviluppi
suoni e rumori provenienti da qualsiasi contesto, anche di natura esistenziale, cioè a successivi, dall’iniziale entusiasmo
dire ricavati dalla quotidianità, dalla natura, dalla tecnologia come da voci e strumenti esclusivo per il materiale tecnico, hanno
tradizionali, vengono registrati con il magnetofono, immagazzinati e successivamenti mostrato la tendenza a integrare il nastro
elaborati mediante la tecnica del montaggio e più o meno denaturati. elettronico con l’esecuzione dal vivo. Si
Al contrario, la musica elettronica pura si serve solo di suoni prodotti attraverso generatori può parlare allora di un periodo iniziale
di frequenza, di rumori, di impulsi, di onde. I suoni che ne derivano sono dunque di purismo elettronico che si è protratto
totalmente nuovi. Tra i mezzi elaborativi comuni vanno citati tutti gl’ingredienti nel fin verso il 1960, a cui ha fatto seguito
campo della stratificazione materica, dell’intensità e poi ancora l’uso simultaneo di più un’apertura verso molteplici integrazioni.
nastri, il mixaggio, il lavoro di forbici sul materiale fissato su nastro, con sezioni anche Si spiega così come siano oggi largamente
piccolissime montate secondo criteri soggettivi di composizione, retroversione del suono, plausibili opere concertistico-
sfumatura del suono, cancellazione di parte del nastro ad uso di modificazione e filtro rappresentative basate in larga parte su
d’altezza o timbrico, spazializzazione mediante altoparlanti. materiali elaborati in sede di studio
Inoltre si viene ad avere una possibilità di controllo assoluto delle durate, la cui elettroacustico, contrariamente a quanto
misurazione avviene sulla base della lunghezza del nastro scorrevole. Le figurazione avveniva anni addietro, allorchè musiche
ritmiche irrazionali, anche quelle assolutamente non controllabili nell’esecuzione viva squisitamente radiofoniche subivano la
(vocale o strumentale), fuori della portata della percezione sensibile, possono essere grottesca cerimonia rituale dell’ascolto
realizzate senza problema alcuno. collettivo di un nastro in sale semibuie,
Nel campo “concreto” come in quello di sintesi elettro-acustica di molteplici fonti, suoni senza che intervenisse alcun apporto di
e “rumori” costituzionalmente votati alla dissolvenza (strumenti a percussione in metallo, natura gestuale-visiva. (...)
vibrafono, campane, pianoforte, arpa e altri ancora) per la prima volta nella storia della
strumentazione timbrica conoscono la possibilità del “crescendo” attraverso la Liberamente tratto dal Capitolo I de
retroversione. Così come (e si portano qui solo alcuni esempi molto elementari) viene Introduzione alla musica elettronica, di
rivoluzionato il tradizionale rapporto fonico tra le varie famiglie dell’orchestra. Un suono Armando Gentilucci, Feltrinelli Editore -
“colorato” più o meno come un flauto (suono sintetico), oppure un flauto “elettrificato”, 1972

JONATHANGLAZER
IL GLASSIFICATORE

Glazer: s.m., colui che applica smalto o glassa a una superficie di
ceramica, vetro o porcellana.

Jonathan Glazer, professione smaltatore.
Prezzi modici. Telefonare per appuntamento.

maurice linder

Jonathan Glazer e’ uno smaltatore professionista. Glazer tuttavia non lavora con ceramica, vetro ispirazione di “Karma Police”, ha
o porcellana. Glazer smalta immagini. Ricopre la pellicola con un sottile velo di glassa. Crea confessato Glaser, e’ un incubo che lo
immagini appiccicose, che si attaccano al cervello, alle dita. Immagini che macchiano. Che ha tormentato per anni. L’inseguitore
lasciano il segno. Immagini eccessive, che provocano la nausea. Immagini che trasudano karma. che diventa inseguito, la vittima
Immagini in coma. Immagini cosi’ scioccanti che ti verrebbe voglia di chiamare la polizia. carnefice. Immagini che si
accompagnano perfettamente alle
liriche, o e’ il contrario? Thom cieco,
Materializzatosi in Inghilterra nel 1966, Jonathan Glazer si laurea in arti teatrali presso il Polytechnic Thom come Tiresia, Thom che narra la
College del Middlesex, ma, seguendo l’esempio di Ridley Scott, si lascia presto ammaliare dalla storia, ma il vero protagonista e’ lo
sirena della pubblicita’ e dei video. Il suo debutto - e che debutto! - risale al 1995 con “Karmacoma” spettatore, dietro il volante. E’ lo
per Massive Attack. Esplicito homage a The Shining di Stanley Kubrick, il video e’ un collage spettatore che alla fine viene arso vivo.
di atmosfere surreali ed oniriche. Mentre Tricky balbetta parole prive senso [“Walking through Il fuoco purifica lo sguardo.
the suburbs though not exactly lovers/You’re a couple, 'specially when your body’s Del resto, analoghe, propedeutiche
doubled/Duplicate, then you wait for the next Kuwait”], l’occhio passeggia su e giu’ per le stanze tematiche le avevamo incontrate in
dell’Overlook versione due punto zero, si riposa e assaggia il resto [Take a walk take a rest taste “Street Spirit” (1996), sempre per
the rest]. Sogni che diventano incubi, come in Bunuel. Radiohead. La scena si svolge nel
deserto alle porte di Los Angeles. Thom
L’influenza del maestro Kubrick – se non altro a livello stilistico – e’ evidente anche in “Karma Yorke canta – ancora una volta i suoi
Police” (1997), straordinario clip per Radiohead, un lungo piano sequenza che lascia senza fiato. occhi sono (soc)chiusi – mentre immagini
Thom Yorke abulico apatico catatonico – occhi chiusi, non guardare, non vedere, sogna piuttosto apparentemente casuali, scorrono sul
– giace nel sedile posteriore di un’auto, che parte all’inseguimento di un uomo [I've Given All I video e si accompagnano allo stream
Can]. Ad un certo punto l’uomo in fuga si ferma si gira si volta fronteggia i suoi inseguitori scorge of consciousness. Cani che abbaiano,
un rivolo di benzina sull’asfalto sogghigna satanicamente estrae l’accendino gli da’ fuoco l’auto ragazzini, locuste, vernice, vetri rotti...
fa retromarcia ma le fiamme corrono corrono piu’ velocemente e in un attimo la raggiungono. Nel frattempo, gli altri membri della
[It's Not Enough]. Thom non c’e’ piu’, e’ sparito. Fuoco cammina con me. “Karma Police” e’ band saltano su e’ giu’ dalle sedie.
video straordinariamente lynchiano, ellittico, tres lost highway, inseguimenti nella notte, strade che “Movimento” perpetuo, ma illusorio,
non portano da nessuna parte perche’ il punto di partenza e’ anche il punto di arrivo. La fonte di perche’ non c’e’ un vero e proprio

MASSIVE ATTACK: KARMACOMA

RADIOHEAD: KARMAPOLICE

BLUR: THE ORIGINAL

“spostamento”. Lo slow motion Christian suburbaniteWashed down the 1 2
enfatizza, prolunga, dilata tempi e toilet. Money to burn] Un’altra auto lo
spazi. Il video vive nella dimensione prende in pieno, ma questa volta l’uomo
fantastica dello spettatore prima non cade. L’auto invece esplode. Fine. Un
ancora che sulla finestra dello video troppo controverso e sovversivo per
schermo. la sempre piu’ mainstream MTV, che si rifiuta
Glazer aumenta le dosi di glassa per di mandarlo in onda, dirottandolo su MTV2.
Jamiroquai, per il quale realizza C’e’ molto di Adrian Lyne (Allucinazione
video piu’ accessibili e meno Perversa), tanto nelle liriche di Yorke [If
c o n t r o v e r s i . Tu t t ’ a l t r o c h e you're frightened of dyin' and you're holding 3 4
sorprendentemente, “Virtual on... You'll see devils tearing your life away.
Insanity” si aggiudica l’MTV Video But...if you've made your peace, Then the
Award nel 1997 nella categoria Best devila are really angels Freeing you from
Video of the Year. Jay Kay recita il the earth.....from the earth....from the
suo inno luddita ed antitechnologico earth] quanto nelle immagini di Glazer...
in una stanza dal design futuristico,
vuota, blu e bianca. Il pavimento di Jonathan Glazer, smaltatore professionista.
muove come un tapis roulant, il Glazer crea immagini appiccicose, che si
mobilio appare e scompare, le pareti attaccano al cervello, alle dita. Immagini 5 6
si allargano e si restringono. Niente che macchiano. Che lasciano il segno.
silicio, per carita’! Siamo dalle parti Immagini eccessive, che provocano la
di Melies, trucchi e barbatrucchi nausea. Immagini che trasudano karma.
straordinariamente “analogici” e Immagini in coma. Immagini cosi’ scioccanti
atecnologici: il set si muove per che ti verrebbe voglia di chiamare la polizia.
mezzo di ruote e le scene vengono
riprese da una telecamera appesa al
m u r o . L’ i l l u s i o n e o t t i c a e ’
convincente. E anche qui il CAVALCANDO L’ONDA
protagonista del video si “muove,
ma non arriva da nessuna parte”
(non a caso, il titolo dell’album di Il genio di Glazer – la sua glassa – pervade anche le
Jamiroquai e’ Travelling Without produzioni pubblicitarie. Il suo capolavoro assoluto, in
Moving). Un video incredibilmente questo senso, e’ Surfer (1999), per la birra Guinness Si
semplice eppure affascinante, che noti che oltre a Glazer, altri registi che hanno realizzato
non richiede la lettura di Metz e spot pubblicitari per Guinness sono Tony Kaye, autore di
delle sue teorie sul trucage per poter American History X, nonche’ Hugh Hudson, Alan Parker e
essere apprezzato fino in fondo. Un Ridley Scott. . Girato interamente in bianco e nero, il
video che non provoca le vertigini, filmato si apre con un primo piano sul volto corrugato di
non violenta l’occhio, ma lo seduce un uomo (1). Stacco. L’immagine succesiva mostra quattro
e lo veste in Stussy. surfisti in corsa verso l’”onda perfetta” sta arrivando (2).
matteo bittanti Stacco. I surfisti sono a cavallo del muro d’acqua... (3)
Di tutt’altra pasta lo straordinario Mentre l’onda si arriccia, avviene un miracolo: giganteschi
Rabbit in Your Headlights di cavalli bianchi si mettono a cavalcare sopra ai surfisti (4).
U.N.K.L.E.), il capolavoro di Glazer. Stacco. Uomini e cavalli si slanciano in avanti: un surfista
VIDEOGRAFIA ESSENZIALE
Un barbone che farnetica. Farnetica cade (5), ma altri tre rimangono “a cavallo” delle loro
qualcosa mentre cammina nel tunnel Massive Attack “Karmacoma” 1995 tavole (6). Brillante. Mitologico e allegorico – la cavalcata,
[un tunnel di Stoccolma]. Farnetica l’onda come bestia selvaggia da domare, i cavalli che
Blur “Universal” 1995
qualcosa mentre gli automobilisti lo incarnano e manifestano lo spirito prorompente della
sfiorano, lo deridono, lo invitano a Radiohead “Street Spirit/Fade Out” 1996 natura – contrasto di elementi liquidi e solidi (i corpi
bordo [ma lui non sale]. Farnetica Jamiroquai “Virtual Insanity” 1996 muscolosi dei surfisti), fanno di Surfer un lavoro dotato
qualcosa mentre lo investono. di una grazia straordinario, un equilibrio impressionante.Gli
Farnetica qualcosa mentre si rialza. Nick Cave “Into my arms” 1997 effetti speciali sono stati realizzati da The Computer Film
Farnetica [come Ellen Burstyn in Radiohead “Karma Police” 1997 Company, la stessa compagnia responsabile dello spot
Requiem for a Dream]. Poi ad un “Parklife” (Nike) e del controverso video di U.N.K.L.E.,
Jamiroquai “Cosmic girl (v. 2)” 1997 Rabbit in Your Headlights. Colonna sonora dello spot “Phat
certo punto, si ferma, allarga le
braccia, come Gesu’ Cristo crocifisso. UNKLE “Rabbit In Your Headlights” 1998 Planet” di Neil Barnes e Paul Daley, in arte Leftfield.
[I'm a rabbit in your headlights. copyright Guinness 1999

Roots & Future

Kraftwerk: I was a robot
Vuoto culturale: Dusseldorf 18 aprile 1999

Quando ascolto il mondo attorno a me e
paragono i suoni prodotti dagli altri gruppi
con quello dei Kraftwerk, la prima differenza
che noto è la line-up strumentale e poi il
suono. All’inizio degli anni Settanta, quando
iniziammo a sperimentare con i primi
sintetizzatori Minimoog e il mio kit
autocostruito di batteria elettronica, i media
vissero la nostra musica come avanguardia e
si divertirono nell’etichettarci come dei “pazzi
spingi-bottoni”.

Quando Ralf e Florian (la coppia base dei Kraftwerk)
erano immersi nella loro fase sperimentale, io ero
molto lusingato dalla loro musica e dalle loro figure.
E’ difficile per un pioniere o un visionario portare alle
masse le nuove idee e i nuovi suoni. Gruppi come
Tangerine Dream, Amon Duul, Guru Guru, Ash Ra
Temple, Kraan, Embryo e Triumvirat hanno dovuto
combattere con gli stessi problemi all’inizio dei
turbolenti anni Settanta, ma ognuno di quei gruppi a
modo loro ha dato slancio a questo genere musicale
(elettronico-sperimentale – n.d.r.)
Solo quando iniziammo a comporre i nostri pezzi secondo
i canoni delle canzoni pop inserendo il cantato (anche
se con una forte pronuncia tedesca) con la convenzionale
struttura verse and chorus, i Kraftwerk vennero provocato da una terribile stupidità di massa e un repulsivo fanatismo militare di
programmati dalle radio e uscirono dalla nicchia una generazione sottomessa agli ordini. Come potevamo noi giovani essere felici
sperimentale raggiungendo in breve tempo il successo quando pensavamo alla nostra nazione e ai nostri genitori, che avevano o causato
internazionale. o partecipato o distolto lo sguardo come codardi da tutto ciò che accadde durante
La gente familiarizzò velocemente con i nuovi suoni il Nazismo? Non c'era nulla per la nostra generazione a cui riferirsi guardando al
e le liriche sconosciute e strane. Ma nonostante questo, nostro passato; c'era solo il futuro. Il futuro era la terra della speranza, degli eroi,
la nostra musica era ancora etichettata come krautrock, della sicurezza, della musica e della moda. Era naturalmente un futuro dominato
legandoci indirettamente con gruppi orientati al rock, dal consumismo americano e dai suoni inglesi. Copiavamo tutto da queste culture
la qual cosa ci annoiava parecchio dato che nella (…)
nostra musica non erano presenti elementi musicali (Durante gli anni Sessanta…n.d.r.) Molte persone della mia generazione iniziarono
riconducibili al rock. a prendere droghe che alteravano la mente, filosofando constantemente e aprendo
Considerate il periodo, intorno al 1973, che funge da discussioni su tutto. Praticammo la libertà di pensiero e di esibizione. I giovani
terreno per tutti questi eventi. Un periodo che giungeva artisti furono i migliori ad esprimere ciò e il loro messaggio fu spesso radicale.
alla fine di una rivoluzione globale giovanile, un conflitto Frequentammo eventi artistici caotici in fabbriche dismesse e concerti rock ad
generazionale che poteva iniziare e crescere solo grazie altissimo volume nei parchi con l’aria greve del fumo di marijuana. Le ragazze
alla fine della peggiore di tutte le guerre possibili. Il giovani indossavano minigonne cortissime passando di festa in festa dalle camere
nostro immediato passato era rappresentato dalla studentesche alle comuni, libere sessualmente di “stare” con chiunque. Quando
Seconda Guerra Mondiale, un incubo che portò indicibili eravamo giovani sentivamo che il mezzo espressivo più efficace per noi era il pop
sofferenze alle nazioni europee e anche a noi stessi, e la musica rock, ma ciò che ascoltavamo era prodotto esclusivamente copiando

di Wolfgang Flür the vegetarian tour - jaoanese caricature (1981)
Traduzione di Paolo Davoli courtesy of sanctuary publishing limited © 2000

i gruppi americani e inglesi – lo stesso modo di cantare, di far urlare le chitarre e di martellare generatori di toni per evocare milioni di nuovi
le batterie. Succhiammo avidamente tutto ciò che era non-tedesco e credemmo ingenuamente suoni. E’ esattamente questo ventaglio di
che tutto ciò che proveniva dall’America e dall’Inghilterra fosse bello, moderno e onesto. possibilità che mi fa impazzire nell’utilizzo
I nostri genitori non erano stati capaci di fornirci di ciò che desideravamo e così noi consumammo di questo strumento.
i prodotti confezionati in altri paesi. Con i Kraftwerk, passammo attraverso periodi
Nel mezzo di questo vuoto culturale e crisi d’identità, lo sperimentalismo musicale dei Kraftwerk difficili, da pionieri, protagonisti e
apparve improvvisamente sulla scena e tutto cambiò completamente. Ci presentammo all’audience propagandisti quali eravamo, ma alla fine la
come Tedeschi e allo stesso tempo “fashionable”, cantando in tedesco e dandoci provocatoriamente nostra ostinazione pagò e altri gruppi
un nome tedesco (Kraftwerk significa centrale elettrica). Suonavamo canzoni che apparivano sia entusiasti dei synth misero da parte le chitarre
“tecnologiche” sia “calcolatamente fredde” come se fossero state scritte da scienziati attraverso e svilupparono il proprio individuale suono di
o formule chimiche o il DIN, lo standard qualitativo dell’industria tedesca. electro pop, ispirati dalle nostre tematiche
Nei nostri testi, cantavamo di autostrade, passeggiate mattutine, luci al neon e radioattività – filosofiche e con un riconoscibilissimo suono
commenti urbani sul nostro sviluppo sociale. kraftwerkiano. Dieci anni più tardi (primi
Ma cosa esattamente ci aspettavamo di ottenere con questa immagine tecnologica, con questi anni Ottanta) in Inghilterra ci fu una vera e
temi incentrati sulla sostenibilità dello sviluppo e con i rumori emessi dai nostri modulatori di propria epidemia di synth, con artisti come
frequenza? Rompere entro pochi anni l’abitudine all’ascolto delle chitarre e alle canzoni d’amore? Orchestral Manoeuvres In The Dark, The
Sì e no. Human Leaugue, Depeche Mode, Gary
In ogni caso sono convinto che l’abilità a riconoscere il suono degli antichi strumenti a corda è Numan, Cabaret Voltaire e molti altri che
stata tramandata geneticamente, di generazione in generazione, in migliaia d’anni di evoluzione presero a modello i Kraftwerk e iniziarono a
umana, esattamente come il linguaggio, la sensibilità alle forme, il riconoscimento dei colori e creare il proprio suono sintetico. (…)
altre abilità sensorie. Sebbene il sintetizzatore sia vecchio di oltre 30 anni come strumento
musicale, e sia usato quanto la chitarra in ogni produzione pop, è ancora un bambino se paragonato (Tratto dal capitolo 38 intitolato "Cultural
agli strumenti a corda della musica classica. Siamo ancora all’inizio dell’era del suono elettronico Vacuum" - Kraftwerk: I was a Robot di W.
e continueremo a sviluppare il sintetizzatore ancora per altri decenni a venire, blandendo i suoi Flür – Sanctuary P.L., London 2000)

videate dal sito:
www.kraftwerk.com
© 2001 kraftwerk

Roots & Future

Modulations
A History of Electronic Music:
Throbbing Words on Sound

Pubblicato lo scorso ottobre negli Stati Uniti, Modulations ricostruisce
la genesi e l’evoluzione della musica elettronica dal novecento ad
oggi. Nato come spin-off dell’omonimo documentario pubblicato nel
‘98 da Iara Lee, Modulations è un’opera di largo respiro che supera
i limiti strutturali dei volumi della collana inglese Rough Guide.
Impreziosito da una selezione di saggi scritti da musicisti, giornalisti
e critici musicali del calibro di David Toop, Peter Shapiro, Rob Young,
Kodwo Eshun, Chris Sharp, Tony Marcus, Kurt Reighley e Michael Berk,
Modulations delinea in modo preciso i contorni di generi come hip-
hop, disco, jungle, drum ‘n’ bass, ambient, downtempo, house,
techno. Generi le cui origini vengono ricondotte a matrici comuni
come la sperimentazione dell’avanguardia futuristica italiana e le
invenzioni di Pierre Henry e Pierre Schaeffer. Modulations racconta
in modo puntuale e preciso i primordi della musica elettronica
attraverso una serie di profili di autori come Kraftwerk, Xenakis,
Moroder, Moog e Cage. Il volume è arricchito da un ampio glossario,
una cronologia, una serie di schede degli autori trattati, un’articolata
discografia e numerose interviste (Squarespusher, Moroder, Macero,
Genesis e P-Orridge, tra gli altri). Chiude il volume una chiacchierata
con il futurologo di professione Alvin Toffler. E per chi è alla ricerca
dell’esperienza multimediale totale consigliamo anche il documentario
originale (Modulations: Cinema For The Ear, una serie di interviste
ai padri dell’elettronica, da Karlheinz Stockhausen a Roni Size) ed
il soundtrack che include chicche come “Planet Rock” di Afrikaa
Bambaataa, “Amazon 2-King Of The Beats” di Aphrodite, “The
Il gruppo “WE” in azione , foto di Iara Lee
Shadow” di Goldie & Rob Playford nonché il remake di Moroder di
“I Feel Love” targato Donna Summer.

Iara Lee,
Peter Shapiro, Simon
Reynolds
MODULATION
Art Publishers
264 pagine $29.95
Ottobre 2000 (USA)

matteo bittanti

FATBOY SLIM
è il # 1, perché provare qualcosa di più duro?
Dalla sua vita precedente di popstar, il fu Norman of Asia dei Cornershop e quello di Wildchild,
Cook ha ereditato solo la capacità di scalare le Renegade Master, insieme a Rockafeller Skank,
classifiche di vendita, nient’altro. Il ricordo della singolo tratto dal suo album più venduto. Le cifre
sua figura di bassista degli Housemartins si perde insomma parlano chiaro, mai il suo nome è volato
ormai nella notte dei tempi, nulla più della sbiadita così in alto. Dal 1996 Fatboy Slim non cambia
immagine di un ragazzo mingherlino, con addosso più pseudonimo, non succedeva da tanto tempo
una sgualcita e attillata adidas rossa, perché alla e un motivo ci deve pur essere.
bellezza di trent’anni suonati e passa, Fatboy Slim In Inghilterra, può vantare l’onore di essere
ha avuto il coraggio di resettare il counter e ripartire considerato il party man per eccellenza. Alle
da zero. spalle ha anni di esperienza acquisita in prima
s’intende, semplicemente l’irresistibile folgorazione persona sulle piste più prestigiose dell’intero
della Summer of Love alla fine degli anni Ottanta. Da allora Mr. pianeta, a partire dall’Heavenly Social di Londra, il club dei
Cook si è smaterializzato dietro mille nomi differenti, senza
Chemical Brothers, dove suonava insieme a Midfield General,
perdere mai di vista le chart britanniche e non solo: Freakpower,
per arrivare fino alla sua Big Beat Boutique di Brighton che è
Mighty Dub Katz, Pizzaman, Norman Cook presents Wildsky e
nata ispirandosi proprio a quelle nottate londinesi, come racconta
Fried Funk Food. Sei sono i singoli che è riuscito a piazzare nelle
Andrew Curley, il responsabile della Boutique.
classifiche inglesi, tutti con pseudonimi differenti, fra questi ci
sono ben due numeri uno e svariate medaglie d’argento.
Nell’elettronica tutto si muove alla velocità della luce e appunto
Tuttavia la stampa italiana, almeno quella più mainstream, continua
perché il termine big beat rischia di suonare già obsoleto la
ancora a considerare questo suo “mestiere” di dj un vezzo artistico,
crew, consolidatasi nel giro di questi anni intorno al suo leader,
un divertissement, il capriccio di una personalità un po’ eccentrica.
ha deciso di cancellare, una volte per tutte, quella sigla, diventata
Eppure nella conferenza stampa che ha preceduto la sua prima
ormai scomoda, dal nome che la identifica: non più Big Beat
e, fino ad oggi, unica apparizione italiana, al Maffia di Reggio
Emilia, Fatboy Slim lo ha gridato a chiare lettere. Quella del dj Boutique quindi, ma semplicemente The Boutique. Nata in
non è solo la sua principale attività attuale, ma è anche quella stretta simbiosi con la Skint, da sempre l’etichetta di Fatboy
che, più di qualsiasi altra, gli ha dato soddisfazione. Slim, oggi la Boutique ha deciso di diversificare ancora di più
Come dargli torto? Solo in Italia Halfway Between the Gutter le sue proposte convocando accanto ai suoi dj ospiti affini dalla
and the Stars, il suo ultimo album, ha venduto già più di 40.000* più disparata origine timbrica. Tutto per salvaguardare l’atmosfera
copie e si sta inesorabilmente candidando a diventare il degno goliardica, da festa, che da sempre la contraddistingue, nel suo
successore di You’ve Come a Long Way, Baby che, con 80.000* club a Brighton come all’estero, nei paesi dove ha esportato
copie (più di quattro milioni in tutto il mondo), resta ancora il con successo la sua filosofia ludica e tra questi c’è naturalmente
suo maggiore successo, mentre Better Living Through Chemistry, anche l’Italia, grazie ad un manipolo di selezionatissimi club.
il primo disco come Fatboy Slim, è ancora adesso considerato
dalla critica come il manifesto del big beat. Fatboy Slim non è solo colui che incarna, meglio di qualsiasi
Poi, ci sono altri numeri uno: l’indimenticabile remix di Brimuful altro, tale spirito. Lui, infatti, queste serate le ha praticamente

*(dati ufficio Sony Milano) michele sotgiu

8 giugno: Jon Carter @ Classico Village (Roma)
9 giugno: Fatboy Slim @ Magazzini Generali (Milano)
infoline: 0522.282128 - www.maffia.it

create e plasmate. I suoi set sono baccanali dionisiaci, riti più, unico comun denominatore: le radici operaie sventolate
propiziatori votati al puro divertimento. Si parte con Right Here, a furor di popolo, oggi come allora. Fatboy Slim tornerà nel
Right Now, antifona popolare, dopodiché dalle sue performance nostro paese, sabato 9 giugno, ancora una volta per un'unica
è lecito attendersi di tutto. La sua consolle può macinare qualsiasi apparizione come ospite dell’MTV IBIZA CLUB TOUR 2001
cosa dai Clash al funk più nero fino all’house, dal surf, all’hip a Milano per una serata in collaborazione con IOD e Maffia
hop: lo stile di non avere stile. L’importante è che suoni groovy, Club presso i Magazzini Generali e a Roma preso il Classico
funky, largo, bisunto e sporco. Oggi, a sostituire quell’adidas Village venerdì 8 Giugno dove Jon Carter darà il cambio
striminzita, c’è una camicia lisergica con psichedeliche serigrafie all’headliner milanese Norman Cook.
beatlesiane, indossata orgogliosamente come una divisa sopra
un ventre appena prominente, gonfio di qualche litro di birra in

stefano camellini

BREAKBEAT MUNDI
Roma 8 GIUGNO 2001
A Roma, la serata più attesa dell’anno: l’ Mtv Ibiza Club Tour 2001 sbarca nella capitale. Organizzazione di Mtv Europe,
Institute of Dubbology e Maffia Club. Al Classico Village si alterneranno dietro ai piatti alcuni dei migliori dj europei: Jon
Carter, Cut La Roc, Llorca, Juri Hulkkonen, Maffia Soundsystem.

jon carter cut la roc llorca

Tutto era pronto per portare a Roma il magico Fatboy Slim e bissare o “Lalo caught me dancing”, pura fisicità jazz
quindi la data di Milano. Ma il destino inappellabile ci ha negato la del XXI secolo e il nu Brazil bossa di “Indigo
soddisfazione di vedere Norman Cook all’ombra dei Fori Imperiali. Blues”. Tuffatevi poi nel cine-noir da Cyber
Per alzare il livello della sfida al re della (ex Big Beat) Boutique, Mocambo di “Lights behind windows”, classe pura
perchè non affidarsi ai suoi degni compari nelle roventi residenze sparsa a piene note e riemergete con lo sfavillante
al già mitico Fabric di Londra? Assoldare quindi l’irrequieto Jon nu soul di “I cry”. Neanche ve le elenco tutte
Carter e il suo alter ego Junior Cartier non è stata impresa facile. perchè ognuna è un piccolo capolavoro!
Anche per lui si stanno aprendo le porte dorate della fama: la sua Recensione approfondita nel prossimo numero di
miscela di smash house e large beats ha da tempo fatto proseliti UT...intanto segnatevi questo nome: Ludovic
all’interno della scena chemical londinese. Altro degno compare Llorca.
della nidiata Skint e anch’egli resident al Fabric e al Concorde di
Brighton con Fatboy, è la nostra vecchia conoscenza Cut La Roc, Giusto per chiudere il cerchio europeo della
gran maestro del taglia e cuci albionico nonchè notevole roditore qualità ecco arrivare dalla terra nordica dei piccoli
di Hip Hop e beats assortiti. Recentemente a Roma, in una serata laghi, il finnico Juri Hulkkonen. Basterebbe
Boutique con Freqnasty all’Agatha, ha causato un pogo ininterrotto rimarcare che è il dj house preferito da Laurent
per oltre due ore!! Aspettatevi dj set infuocati e caldi al punto Garnier e che ultimamente se l’è portato in giro
giusto: in quel di Londra e in mezzo mondo i due, insieme, non per il mondo per dieci date sold out dove ha
hanno eguali... destato enorme impressione. Il 2001 è forse l’anno
della sua definitiva consacrazione, grazie a due
Ma la vera sorpresa è l’arma segreta francese che ha sfoderato Mtv singoli che girano nelle migliori piste europee e
Europe. Scelti i due pesi massimi inglesi, l’opzione è stata estesa americane. L’ultimo suo album “When no one is
alla qualità europea. E fresco di enorme consenso qualitativo, grazie watching, we’re invisible”, uscito l’anno scorso
al suo meraviglioso album d’esordio, c’è l’astro nascente del JazzTech- per F Com, ha portato ulteriori fans nel suo
soul, Llorca. Rampollo da oltre tre anni della F Communications carnet, ora più vicino al suono tech-house. I dj
di Laurent Garnier, il giovane dj innamorato del jazz è uscito dal set in giro per il mondo, dal Giappone agli Stati
lotto francese grazie a un’opera di debutto che farà morire d’invidia Uniti, hanno consacrato il giovane finlandese una
gente come Saint Germain o Carl Craig. “New Comer” questo il delle punte europee della dance elettronica. Per
titolo dell’opera prima, è un album illuminato dal jazz e intriso di chiudere la lista dei dj ospiti, ci sarà il nostro
eleganza soul e minimalismo techno. Con grazia tutta francese e un Maffia Soundsystem a fare gli onori di casa...
gusto per i ritmi tutto latino e mediterraneo, Llorca guadagna punti Con questi nomi dietro alla console, la serata al
rispetto ai suoi rivali perchè possiede un suono più caldo e dancefloor Classico Village risulterà quanto mai groovy e
friendly. L’album New Comer è sicuramente uno dei must dell’estate caliente!
– occhio ai suoi contrabbassi!! Cercate titoli come “The novel sound”

paolo davoli press office

paolo davoli

herbert
press office

CINEMA PER
Parte prima: Play it again, Herbert
Chi non conosce il film per eccellenza del Novecento, Casablanca? Un film entrato, giustamente, nel mito. Ricordate la magica frase, poi ripresa
anche da Woody Allen, di “play it again Sam” - suonala ancora Sam - profferta da una bellissima Ingrid Bergman al pianista nero Dooley Wilson già
fedelissimo della coppia Bogart/Bergman in quel di Parigi? Le ricordate quelle atmosfere da amour fou, tra desiderio, tradimento e nostalgia di
tempi irrimediabilmente perduti? Ebbene, quelle atmosfere si materializzano nell’opera “Bodily Functions” di Herbert, alias di Matthew Herbert
o Doctor Rockit, outsider della scena breakbeat, già in odor di eresia suprema nel borgo di Londra.
Nella sua ultima opera, Herbert è il regista misterioso delle partiture ritmiche, inquadrature a volte sfocate, a volte calibratissime di jazzy breaks
molto housy, nonchè producer di talento nelle parti cantate da Daniela Siciliano e infine notevole sceneggiatore di tocchi jazz, distribuiti in gran
quantità lungo tutto il long playing. Ma attenzione, quando con Herbert si articola la parola jazz, si va a parare dalle parti di Billy Holiday o Ella
Fitzgerald e non negli studios fusion apparecchiati dalle parti di West London.
“Bodily Functions” è un album strepitoso, notturnamente jazz, raffinatamente elettronico. Lontanissimo dalla poetica del freddo jazz tecnologico
di St Germain o dei 4 Hero. Lontanissimo dalla lezione nordica di Nils Petter Molvaer o Bugge Wesseltoft. Certamente più vicino a certe immagini
che suonano à la Cinematic Orchestra o Barry Adamson.
Questa generation H – Hefner, Herbert- di musicisti dal talento cinematografico, ha innata la capacità di narrare suoni attraverso un inner cinema
immaginario. Il loro orecchio filmico crea nuove forme audionarrative grazie a una geniale deriva nonlineare. La musica come pura luce, il suono
come fascio luminoso proiettato nello spazio: l’aleph sonoro diventa cuneo lucente (ricordate la copertina di Metamatic di John Foxx, altro grande
incompreso orecchio filmico?). Immagini filmiche e immagini sonore vivono in “Bodily Functions” una simbiosi emozionante di rifrazione di sensi
nell’orecchio del mondo.
Il cinema per le orecchie si è già donato il proprio capolavoro con l’album di debutto “Residue” di Hefner. Ora “Bodily Functions” gli va pericolosamente
vicino. Con Herbert si allunga la lista, potenzialmente enorme, di giovani talenti sonici che inghiottono nuove scritture musicali.
Herbert, senza sfavillanti effetti speciali, brilla per originalità, talento e freschezza. Segnatevi questo nome, perchè ne vedremo delle belle. Play
it again, Herbert!

Herbert
Bodily Functions K7

Ian Simmonds
www.matthewherbert.com
www.crammed.be/snooze
www.studio-k7.com

LE ORECCHIE

d’ombra influenzato da Antonioni e Wenders.
Parte seconda: Snooze e Ian Simmonds, Snooze è belga e anche lui vive questa
i due cineasti del suono europeo. ambivalente sfasatura spazio/temporale e
audio/visuale che gli permette di sfornare
Giusto l’altro giorno, stavo scorazzando nelle praterie digitali della rete quando m’imbatto nel
calendario fitto di appuntamenti di Ian Simmonds. Parigi, Liegi, Berlino, Zurigo: tutti luoghi un ottimo lavoro, il suo secondo,
che ospiteranno i suoi sfavillanti dj set. Finalmente sta giungendo il riconoscimento che Juryman, magistralmente intitolato “Going Mobile”.
un artista in anticipo sui tempi, diciamo dieci anni, si merita. Dal freakjazz bohemienne dei Cinematograficamente parlando, più vicino
primi anni Novanta al breakbeat esistenzialista messo in scena attraverso la Pussyfoot con un a “Pink Panther” che a “Blow Up”, “Going
paio di amici, tra cui Spacer e John Harris, Ian Simmonds è da circa tre anni che sta sfornando Mobile” è un’opera garbata, quasi innocente
pura magia musicale. Robusta qualità poetica, grande narratività fimica dei suoni (pari a quella di musiche mercuriali che cercano, di vedere
di Hefner), visionaria capacità di cucire jazz, elettronica e cinematic breaks. Questo secondo il suono del futuro attraverso il passato.
lavoro su K7! arriva dopo “Last State of Nature”, lavoro maturo e nervoso e dopo il suo capolavoro Album godibilissimo quindi, con molta fiction
su SSR, quel “The Hill” con l’alias di Juryman dell’anno scorso, che vale per intero i sei pomodori da grandi spazi e big cities, gran messe di
che solitamente attribuiamo alle opere che amiamo senza ritegno. campionamenti pop, da State of Bengal ai
“Return to X” riesce a mantenersi ad alti livelli; più ombroso e scarno di The Hill, l’albo si Clash, dai Queen a Mc 900 feet Jesus.
inerpica come un “surfista della mente” tra fraudolenti marosi sonori e onde jazz dalle coloriture Dominique Dalcan, aka Snooze, supera il
limacciose. Atmosfere immobili e silenti, suoni e campi lunghi, liquid jazz e future blues, questa precedente “The Man in the Shadow” (SSR
la pellicola proposta dall’irrequieto artista. Niente canzoni questa volta, a differenza di “The 1997) con un’opera di altissima eleganza e
Hill”, solo inquadrature esistenziali per questo cineasta di suoni, sound designer di linee raffinatezza, molto vicino al suono francese
di etichette glamour come Yellow e Solid.
Un album, “Going Mobile”, che riproduce
tempo in continue dissolvenze e flashback:
in questo continuo smottare di ritmiche lievi
e fragranti, violini mutevoli e deliziosi,
cantanti dominatrix e arie che s’imprimono
maledettamente veloci nelle nostre menti,
Snooze ha realizzato una mirabile vischiosità
che aggroviglia sogno e gioia allo stesso
tempo.
“Going Mobile” è il simbolo stesso della
leggerezza che rasenta, quasi, la perfezione.

Ian Simmonds
Returno to X K7
Snooze
Going Mobile SSR

PRESSURE DROP

Se ha senso un termine come comunità elettronica o scena
dei “London Beats”, beh, i Pressure Drop sono in quella
comunità dal primo giorno. Ne sono i “vecchi saggi” rispettati.
La loro maestria di “selectah” è diventata leggendaria. Dalle
loro borse di dischi emergono a volte polverosi sette pollici
di dub reggae, mitici nella loro stoicità. Oppure luneggia un
“white label” di ragga-jungle talmente irsuto che si dubita
della veridicità di una siffatta Giamaica digitale.

Con i Pressure Drop si entra a pieno diritto nell’aura del mito,
del racconto epico del breakbeat, del “queste cose non
avvennero mai, ma sono sempre” come scrisse Sallustio. Non
c’è suono, voce, beat o melodia nata e svezzata a Londra che
non trovi amoroso porto nelle “record box” dei Pressure Drop.
Il termine underground con loro acquista di nuovo la purezza
originaria e il “nightclubbing” si trasforma in un viaggio
all’interno di un’autentica cultura, quella della Londra
notturna.

I loro quattro album sono dei “desiderata” per ogni “beatheadz”
che si rispetti. Da avere assolutamente, come almeno una
www.pressuredrop.co.uk
volta nella vita, bisogna assistere, partecipare e “vivere” un
loro dj set.
paolo davoli tratto da Clubspotting, Happy Books, 2000 PRESSURE DROP
Tread - columbia 2001
press office

afro britannica, fra tutte, forse,
quella più originale e genuina. I
campionamenti raggamuffin dei primi
dub plate tradivano radici caraibiche
giamaicane, così come le sue trame
ritmiche frastagliate, “che si
snodavano sinuose ed avvolgevano
gli altoparlanti”, evocavano tribali
poliritmie africane. L’esplosione del
drum’n’bass, nei primi anni Novanta,
è stata violenta ed ha travolto in
poco tempo l’edonismo acid house
post Summer of Love.
Il suo impatto è stato travolgente e
per trovare una rivoluzione di analoga
portata è necessario, ancora una
volta, andare indietro nel tempo e
tornare al jazz. Non è assolutamente
un caso, infatti, che la storia del
drum’n’bass s’intrecci con quella del
jazz. Il be bop ha vissuto vicende
analoghe, nei primi anni Quaranta,
quando, con la forza di volontà, riuscì
ad emancipare la musica
afroamericana, trascinandola fuori
dalla dimensione “ludica” della pista
da ballo.
Il drum’n’bass, al contrario di quanto
sancisce certa stampa musicale, è
in realtà ancora vivo e vegeto. Esso
gode anzi di ottima salute. Sono
passati pochi anni dalla sua nascita,
ma al suo attivo può già vantare una

RONI SIZE & MC DYNAMITE storia molto intensa, durante la quale
si è evoluto ed ibridato con altri
suoni, il jazz prima di ogni altro. Se
Il solo aspetto, di Roni Size, incute timore reverenziale. I suoi lineamenti, i tratti ed il portamento oggi la jungle non è uguale a otto
regale della sua figura impongono serietà, rigore e disciplina. Roni Size chiede, anzi, pretende anni fa è di certo un pregio, non un
rispetto. difetto.
Il drum’n’bass in Inghilterra forma, da sempre, una scena ermetica ed autoreferenziale ed è Di questa realtà, Roni Size e Goldie
unicamente questo il motivo che impedisce a Roni Size di diventare un simbolo per la sua sono gli esponenti più importanti,
comunità etnica. Eppure, a ben vedere, è difficile trovare oggi, nell’ambito della musica nera, ognuno dotato di una personalità
un artista dotato di un’immagine e di una personalità così potente. Dego dei 4 Hero potrebbe, molto diversa dall’altro, due
forse, essere uno dei pochi in grado di competere, ma la nicchia in questo caso si restringerebbe personaggi della stessa famiglia quasi
ancora di più. Per farlo bisogna scardinare le coordinate spazio temporali e risalire a ritroso il agli antipodi: anche questo è
corso del tempo, oltrepassando le differenze tra i vari generi musicali. sinonimo di ricchezza. La violenza
Se proprio dovessimo individuare un musicista dotato di caratteristiche simili, con ogni probabilità espressiva di Goldie è un’istintiva
e le dovute proporzioni, la scelta ricadrebbe su John Coltrane. La musica non c’entra niente raffigurazione dei ghetti urbani, da
sia chiaro, di ben altro si tratta. A partire dalla fine degli anni Cinquanta, Coltrane ha rappresentato, cui questa musica proviene, quella
senza dubbio, un punto di riferimento per la minoranza afroamericana statunitense, un esempio di Roni Size, invece, è il frutto di
di coerenza, consapevolezza ed orgoglio nero. una consapevole presa di posizione
L’alone carismatico emanato da Roni Size è talmente penetrante da trascendere i confini e testimonia una netta coscienza
strettamente musicali e in fin dei conti, ha poca importanza quante persone possano effettivamente sociale.
conoscerlo. Comunque, vincere un Mercury Prize ha indiscutibilmente contribuito ad aumentare E' da molto tempo che Roni Size
la sua popolarità e 600.000 dischi (tante sono le copie vendute da New Forms) non sono certo manca dall'Italia. Venerdì 1 giugno
uno scherzo. Roni Size rientra senz’altro nella cerchia di coloro i quali hanno, con successo, suonerà a Milano ai Magazzini
tentato di affermare un’identità etnica attraverso la propria espressione artistica. Anche per Generali ed il 2 giugno al Maffia di
questa ragione, all’interno della comunità jungle, formata per la verità non unicamente da neri, Reggio Emilia. Si tratta di
lui è certamente un punto di riferimento. In ogni caso, resta la sensazione di trovarsi di fronte un'occasione più unica che rara per
ad un simbolo, per una cultura che non ha alcuna intenzione di cedere all’assimilazione, ma scoprire il futuro del drum'n'bass.
pretende di essere accettata per quello che è, senza alcun compromesso.
La musica jungle è sempre stata, fin dalla sua nascita, una forma espressiva della comunità

michele sotgiu island records

ROOTS & FUTURE

“...E’ sempre la stessa storia: una
volta liberati siamo costretti a
chiederci chi siamo.”
(Jean Baudrillard)

paolo davoli zeichenweg

Liberati dal rock e dalla sua interminabile decadenza. Liberati dalle
grossolane geografie WASP centriche. Liberati da uno scenario musicale
e artistico non più all’altezza dei tempi. Liberati infine dalla retorica
angusta dell’artista romantico e maledetto. Uno scatto verso la
contemporaneità dell’Apocalisse morbida e lo scaricarsi delle
potenzialità della “techne” ecco, forse, ciò che è stato l’affermarsi
della musica elettronica e della rivoluzione dance nel mondo
Occidentale. Ma di una determinazione non riesce a liberarsi
l’elettronica: dell’abbraccio mortale del proprio linguaggio con le
prigioni della tecnologia. Costretta, quindi, all’imbrigliarsi della
propria arte con la terribile velocità dell’accumulazione e successiva
dissipazione tecnico-produttiva. Nell’era dell’immaterialità, la macchina
soffice dell’elettronica rischia un’obsolescenza precoce e inarrestabile:
saprà, la musica digitale,
sciogliere “esteticamente” l’intreccio tra Arte e Tecnologia?

Adrian Boot courtesy of penguin books. © 2000

Qual’è dunque il futuro di questa musica? Perchè è nata questa Chiude l’inserto il forum, sotto forma di intervista, con tre musicisti
“ansia” di radici? “Roots and Future” è uno degli slogans che risuonano italiani, Y:dk, Fabrizio Tavernelli ed Enrico Marani, che hanno “abitato”
più spesso nelle discussioni dell’area breakbeat, la parte più avvertita il terreno gibboso della sperimentazione underground, sia in ambito
e cosciente della scena dance. Ancorarsi alle radici o proiettarsi nel rock che elettronico. Grazie alla loro esperienza pluriennale cerchiamo
futuro, questo è l’attuale dilemma. In effetti, negli ultimi due-tre di definire la figura dell’artista contemporaneo rispetto al “divenire”
anni, di pari passo con l’affermarsi della dance e dell’elettronica elettronico. Infatti temi come empatia tecnologica, non linearità
come fenomeno di massa, il mercato discografico, i critici musicali testuale, razionalità anfibia, fenomenologia della tecnica, identità
e i semplici appassionati si sono spesso dedicati allo sforzo di provvisoria, nomadismo, molteplicità, epistemologia del confine,
comprendere, decifrare e interpretare la nascita e lo sviluppo di relazione uomo-macchina, sono tutti ascrivibili anche all’orizzonte
questa musica. Sforzi non sempre felici, a giudicare “tragico” della musica elettronica. Al di fuori di ogni
dai risultati finora pubblicati; in questo si è distinta mistica macchinolatra, oggi l’artista contemporaneo
negativamente soprattutto la critica musicale, in si deve misurare con un “ambiente” il cui senso non
particolare quella britannica, proveniente è più riconoscibile e quindi ne indaga l’estensione
dall’universo del rock. Parafrasando Nelson e la profondità attraverso la dis-misura tecnologica.
Goodman, non esiste orecchio innocente... Questo atteggiamento teoretico e artistico, già
evidente in Russolo, Xennakis, Nono e i Kraftwerk,
L’inserto “Radici e Futuro” vuole essere un momento riappare, anche se più immersivo e “selvaggio”, con
di approfondimento e di analisi rispetto al fenomeno, i nuovissimi mutanti audiosediziosi, da Tipper a Talvin
dilagante in Europa e in forte crescita altrove, della Singh da Wookie a Roni Size. Ma forse l’uomo, a
musica elettronica e di come questa possa dialogare causa della potenza suprema della Tecnica, come
con altre discipline non solo artistiche. A questo scriveva Heidegger “non è ancora pronto a questo
proposito, abbiamo inserito un saggio introduttivo radicale mutamento del mondo”....
all’elettronica “colta” del compianto A. Gentilucci,
critico militante e musicista italiano del Novecento. Ultima chiosa, un elenco di libri che possono aiutare
Un’altro contributo essenziale è dato dal visionario i lettori di Ut nel dedalo, non solo musicale, della
“ingegnere concettuale” Kodwo Eshun, techno- musica elettronica e dance. Per quanto riguarda la
critico freelance inglese, che analizza la “pericolosa” frequentazione tra droghe sintetiche
digitalizzazione del breakbeat interfacciando l’afro- e dance il libro migliore apparso sull’argomento è
futurismo della black music con il sapere scientifico “Stati di alterazione” di Matthew Collin. Nel lato
e la letteratura fantascientifica. Termini ora di uso “storicistico”, il più completo e profondo sullo sviluppo
corrente nelle riviste musicali e nel lessico “interno” del deejaying nel Novecento, è “DJ Culture” di Ulf
della scena dance, come sampledelia, sonic fiction, hypercussion o Poschardt, mentre, del settore breakbeat, il più visionario e apocalittico
rhythmic psychedelia hanno i propri natali nell’eccitante libro di saggio è “More Brilliant Than The Sun” di Kodwo Eshun
Eshun “More Brilliant Than The Sun”. L’intervento finale dell’ex- La fabula più avvincente sulla scena primordiale e più influente, che
Kraftwerk Wolgang Flür, è tratto dalla sua biografia, “Kraftwerk: I ha dato i natali a molte delle determinazioni in essere nella dance,
was a robot”, nella quale il musicista tedesco evidenzia il retroterra il dub-reggae, la trovate in “Bass Culture” di Lloyd Bradley. Due
culturale e generazionale in cui nacque la poetica techno fortemente segnalazioni infine nell’ambito filosofico, per esperire il connubio di
tedesca ed europea dei Kraftwerk, imprescindibile trait d’union, nel logos, arte, tecnologia e società: “Arte, tragedia, tecnica” di Massimo
Novecento, tra accademia e tanzmusik. Giusto per rimarcare, Cacciari e Massimo Donà e “Psiche e techne” di Umberto Galimberti.
attingendo alla fonte diretta, quanto distante fosse, anche negli anni That’s all, folks!
Settanta, il linguaggio dell’elettronica da quello del rock.

Armando Gentilucci Introduzione alla musica Feltrinelli, Milano 1972

Matthew Collin Stati di alterazione Mondadori, Milano 1998
Ulf Poschardt Dj Culture Quartet Books, London 1998
Kodwo Eshun More Brilliant than ... Quartet Books, London 1998
Lloyd Bradley Bass Culture Viking, London 2000

Sarah Thornton Dai club ai rave Feltrinelli, Milano 1998
Wolfgang Flür Kraftwerk: I was a robot Sanctuary P.L., London 2000
Peter Shapiro Modulations Caipirinha, New York 2000
Erik Davis Roots and wires www.levity.com/figment

M. Cacciari – M. Donà Arte, tragedia, tecnica Raffaello Cortina, Milano 2000
Umberto Galimberti Psiche e techne Feltrinelli, Milano 1999
D. Massaro – A. Grotti Il filo di Sofia Bollati Boringhieri, Torino 2000

18

courtesy of studio K-7 Luca “rocca” roccatagliati

STACEY PULLEN:
tech-jazz invasion

Stacey Pullen, figlio della scena techno di Detroit anni ottanta, fa May, la Transmat, o Kosmic Messenger che gli consentì di produrre
parte di quella prolifica seconda generazione di produttori illuminati un EP, ed il suo secondo album nel 1997, “Electronic Poetry”, per
che dalla techno sono partiti per esplorare altri linguaggi sonori, la belga Elypsia.
lasciandosi permeare dalla cultura black in tutta la sua essenza Con la berlinese Studio K7 Stacey Pullen inaugura la fortunata
culturale. Come Carl Craig con Innerzone Orchestra e la sua etichetta serie dei DJ Kicks mixando dal vivo, per poi rieditare in studio, i
Planet E, il suono di Stacey Pullen si distacca dall’imprinting techno settanta minuti di musica che trasmettono a pieno la sua perfetta
Detroit, pur rimanendone profondamente influenzato, cercando di originalità di DJ visionario. Così come in studio, anche dal vivo,
esplorare una dimensione più organica jazzata e funky. Influenzato, si respira la cultura urbana impregnata di ambient e groove jazzati
come la maggior parte dei “Detroitiani”, dai Kraftwerk, Derrick May, afrocentrici, che hanno portato Pullen ad esibirsi dal Nord america
Jeff Mills, dall’house di Chicago come dalla piano-house italiana, all’Europa, dai Caraibi al Cile fino al Giappone.
Pullen incomincia a lavorare come DJ in una radio e nel locale più Il suo ultimo album, "Today is the tomorrow you were promised
sperimentale della Detroit dei tardi anni ottanta, il Music Institute. yesterday" uscito per la Science, la sotto etichetta elettronica
Diviso in due serate, il venerdì techno sperimentale con Derrick May della Virgin, è un viaggio sonoro attraverso quasi settantatré minuti
a fare da regista ed al sabato Disco-house con Frankie Knuckles, di grande musica, suddiviso in diciassette brani jazz di estrazione
questo club ha contribuito a creare la scena black urbana che ha techno. Abbandonata la tribalità più intrinseca, per usufruirne
spinto Pullen a diventare produttore. Inizia così nel 1990 l’avventura come esperienza di ritmica composta, Pullen, approfondisce
discografica, con un singolo per la Fragile records, dove il Nostro, l’ascendente che ha avuto il jazz nella sua formazione scolastica,
come Bango, combina gli elementi tribali percussivi con lo stile techno ricreando il clima delle sperimentazioni spirituali dell’Archestra
allora imperante. La sua abilità di Sun Ra con l’elettronica di Detroit. Si va da tracce meno
tecnica dilaga oltreoceano, coraggiose come “Junk” o “Tsunami”, moderne nei breaks ma non
permettendogli di remixare e nei suoni, al cinematico “Vertigo”, remixato dai 4 Hero su dodici
produrre brani per la maggior pollici, fino al vero e proprio tech jazz, con tanto di batteria vera
parte delle etichette elettroniche suonata e riprogrammata. Risaltano così gli sforzi visionari nelle
allora in nuce, coma la belga R&S, tracce di jazz sintetico, come “Futuristicfreakqueen” e “40th
la Plink Plonk di Mr C, la KMS, la streetblack” o nell’ibridazione con il funk di “Workshop401”, fino
Sublime, con sinonimi al moderno soul jazz di “Inside the outway”.
completamente differenti, come Questa ultima opera dell’ormai trentenne Stacey Pullen, conferma
Silent Phase, attraverso cui l’influenza che ha avuto la techno “spirituale” nella scena nu jazz
debuttò con il suo primo album europea, portando artisti come Ian Simmonds, Dego dei 4Hero o
nel ’95 (“The Theory of Silent Alex Attias, ad un percorso speculare, ma sempre rivolto a
Phase”) per l’etichetta di Derrick comprendere la moderna sintassi della musica sintetica come una
forma grammaticale per l’espressione progredita del jazz.

TIMO E
LA MUSICA
PER LE
MAASSE
Il dorato, si fa per dire, mondo della dance ogni anno tensione e al suo groove, molto vicino al gusto della funky
elegge a superstar un dj che fino a pochi mesi prima era techno breakbeat di Pilgrem, Freq e Freestylers. Ora, a
un perfetto signor Nessuno. distanza di quasi 18 mesi dall'uscita, continua a essere
Quest'anno, ma meglio sarebbe scrivere dalla seconda suonata da tutti i dj di ogni orientamento stilistico. Il
metà dell'anno scorso, Timo Maas, un giovanotto tedesco seguito della storia? Un super-booking che travalica i 12
di circa 30 anni, è riuscito grazie a un fantastico remix mesi, impegni in ogni parte del mondo, residenze nei
del 1999 di "Dooms Night" di Azzido Da Bass (qualcuno ha club più famosi del mondo - il Twilo di New York con i
mai sentito l'originale?) a "bucare" le veline dei più grandi Deep Dish e il Gatecrasher in Uk - e memorabili serate
magazine "dance" mondiali, non prima di aver squassato come quella recente al Cream di Liverpool. Ovunque
i dancefloor di tutta Europa con la sua particolare miscela grandi ovazioni.
di techno/trance/breaks. E' il tipico sogno di ogni aspirante L'album di esordio, uscito alla fine del 2000, è intitolato
dj la cronaca della conquista del trono come miglior dj ironicamente "Musica per le Maasse" e non siamo lontani
da parte di Timo Maas. I suoi inizi, come party-dj a metà dal vero. La techno trance di Maas travalica il logoro
anni Ottanta avvengono nel più completo sconforto confine di genere, come fece a suo tempo un altro grande
underground. Passato nei primi anni 90 alla scena rave dj europeo, CJ Bolland. Così Timo abbandona il proprio
tedesca, il giovane Maas inizia a farsi conoscere come status di artista trance-progressive per diventare un dj
"mastino" dei dancefloor più hardcore, ottenendo internazionale a suo agio con qualsiasi platea. E la musica?
finalmente la sua più importante residenza all'alba del Lui definisce il proprio suono "angry, nocturne and groovy"
1994 presso il Tunnel Club di Amburgo. Finita l'esperienza che tradotto suona come "notturno-arrabbiato e pieno di
nel 1996, Maas inizia la fase della produzione di singoli groove" come a rimarcare il suo "tiro" sulla pista. Non
tech-trance ma non è contento dei risultati ottenuti. I l'avevano chiamato "mastino del dancefloor" per nulla.
suoi esordi tedeschi su singolo del 1995/1996 sono ora Una volta catturata la folla in estasi, Timo non la molla
rifiutati perfino da lui stesso. Deciso a cambiar rotta, Maas più per oltre quattro ore, la durata minima dei suoi set!!!
si collega velocemente alla scena trance-progressive
inglese in quel di Londra. Il suo accordo discografico con
l'etichetta Hope e la sua residenza al Lakota Club di
Bristol, gli fanno ben presto guadagnare un nome tra i AZZIDO DA BASS - Dooms Night
clubbers inglesi. Poi il botto grazie al remix sopracitato (Timo Maas Remix)
e all'immediato supporto dei big della trance come BT, TIMO MAAS - Music for the Maasses
Sasha e Oakenfold. Tramite BT il remix arriva nelle mani (Hope/Kinetic)
dei dj breakbeat che lo iniziano a suonare grazie ai suoi
FAT BOY SLIM - Star 69
synth malsani e carichi di (Timo Maas Remix)

paolo davoli courtesy of jockey slut 10/2000

UT Numero 08

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