La Instalacion
- 1. 22 CAPITULO 3. LA INSTALACIÓN 3.1 Antecedentes de la Instalación El arte se ha ido abriendo paso a lo largo de la historia para expandirse mas allá de los cánones estéticos, y es en el dadaísmo donde encuentra una puerta abierta en este sentido. El movimiento dadaísta estaba formado por un grupo de inconformistas en contra de todo, pero más que nada en contra de la burocracia artística de la época. Buscaban liberar al arte de sus limitaciones creando un arte inaceptable y efímero, estaban a favor de lo inmediato, lo aleatorio y lo absurdo. Como los Marcel Duchamp Fountain 1917
- 2. 23 padres del anti-arte buscaban la desublimación del concepto artístico como lo diría Marcuse. Marcel Duchamp comenzó a descontextualizar objetos cotidianos con su Rueda de Bicicleta, naciendo así, Ready-Made. Desafía fuertemente esta burocracia artística y va contra todos los cánones estéticos cuando presenta ante el comité de selección de obras de los “Independientes” de Nueva York su famosa Fountaine en 1917, un urinario firmado con el nombre R. Mutt. Duchamp consideraba que en un mundo de comerciantes no había cabida para el arte. El 24 de Junio de 1920 se llevó a cabo la Primera Gran Feria Dadá, en cuyas salas de exposición se encontraban amontonadas las obras de los artistas, no había ningún sitio vacío que no se llenara con carteles o publicaciones dadaístas. Los dadaístas cambiaron la forma de presentar las obras de arte; sus exhibiciones no tenían nada que ver con las exhibiciones elegantes que se presentaban en los museos y en las galerías. Heartfield tomó a través del movimiento Dadá fuertes represalias contra la guerra; Kurt Schwitters Merzbau Hannover 1919-1937
- 3. 24 en una exhibición colgó del techo un maniquí vestido de oficial Alemán cuya cabeza era la de un cerdo. Kurt Schwitters hizo una aportación muy importante a este movimiento con su obra Merz-Säule; en su apartamento de Hannover comenzó haciendo un ensamblaje con todo tipo de materiales encontrados que utilizó para cubrir el techo y las paredes. Se podían observar distintas formas redondas y cuadradas en distintos volúmenes que cambiaban cada vez que Schwitters agregaba mas material a su obra, cuyo centro lo formaba una escultura llamada Säule que él comenzó en 1920. Según Schwitters todas las cosas que contenían un valor importante para él se encontraban en el Merzbau, regalos y recuerdos de amigos eran incorporados a las paredes del Merzbau a diario, su obra creció tanto que para 1934 ya ocupaba dos pisos. Ya Boccioni manifestaba su inquietud por incorporar el espacio a la obra de arte expresando su inconformidad con el arte plano y macizo. En sus propias palabras del Manifiesto de la Escultura Futurista, como lo cita Josú Larrañaga “Proclamemos la absoluta y total abolición de la línea finita y la estatua cerrada. Abramos la figura y encerremos en ella al ambiente, pues en ella se desarrolla la plástica y… la atmósfera que circunda las cosas.”(2001: 13)
- 4. 25 Los primeros en preocuparse por que el arte dejara de ser algo que se observa nada mas, por ser casi divino, como lo atribuían los museos, son los futuristas. Los futuristas querían ir mas allá de las fronteras que una pared y un museo imponían a la obra de arte; pintores, escultores y poetas se unieron para volverse intérpretes; para que como lo dijo Soffici “que el espectador debe vivir en el centro de la acción pintada”. Marinetti soñaba con una percepción mayor del arte, en la cual este no fuera algo que se observa una vez y se piensa sobre lo bello que era, sino en un arte en el cual se obtienen reacciones reales a través de una experiencia mas viva, como lo dice él mismo “debe ser un alcohol, no un bálsamo.” Sus obras trataban principalmente de conmocionar al público, preferían, según Marinetti, los abucheos a los “mediocres aplausos” ” como él los llamaba, porque eran más intensos y sinceros, de manera que en sus presentaciones él y sus compañeros hacían todo lo posible por molestar al público, como poner pegamento en las butacas. También los surrealistas surgieron con nuevas propuestas creativas con respecto al uso del espacio en la obra del arte; Dalí por ejemplo construyó en 1938 una habitación basándose en el Rostro de Mae West. Duchamp durante la Exposición Internacional del Surrealismo de París creó un ambiente compuesto por vitrinas, maniquíes y placas de calles
- 5. 26 parisinas que guiaban a la sala principal en cuyo techo se encontraban colgando varios sacos de carbón; en el centro sobresalía una estufa y se podía detectar un olor a café incorporando al espectador a este espacio. Marcel Duchamp es sin duda uno de los artistas más revolucionarios que marcaron el siglo XX. Se pueden ver aportaciones suyas en todas las áreas de la plástica. En 1942 creó una telaraña gigante en la habitación del Whitelaw Reid Mansion de Nueva York; la telaraña cubría cuadros y muebles atravesando la habitación de un extremo a otro. La obra comenzó a dejar de ser exclusiva de las paredes de los museos, tal como señala Josu Larrañaga, “…tanto en el sentido literal como en el metafórico, el plano del cuadro se estaba rompiendo hacia delante, hacia el espacio del espectador y hacia los lados, apropiándose del espacio expositivo.” (2001: 12) A finales de los cuarenta Lucio Fontana con su Concetto Spaciale perforó varios de sus cuadros incorporando así el espacio que lo atravesaba a la obra de arte. Lucio Fontana Concetto spaziale, 1961 Óleo sobre lienzo con agujero y graffiti 46 x 38 cm
- 6. 27 La rebeldía hacia los museos fue creciendo. Los artistas comenzaron a independizarse y a romper con este grillete que trataba al arte como una mercancía. La búsqueda comenzó por la inquietud de despertar en el espectador algo mas que una fría mirada crítica. Con los años 60 nació el arte conceptual, el cual se basaba en las ideas; la mayoría de las obras se quedaban en ideas, casi nunca se obtenía una obra tangible que pudiera venderse. Los artistas conceptuales buscaban que el arte dejara de ser un objeto de admiración para convertirse en la pura reflexión de las ideas. Dora Ashton dice: “Estos artistas tienen variados temperamentos, como cualquier otro grupo de artistas, pero comparten un impulso de moverse fuera, hacia los espacios, en los que no pueden ser contenidos por individuos.” (Battcock, Gregory, (comp); 1970: 13) La total apertura hacia el espacio comenzó con fines teatrales con el surgimiento del happening. Allan Kaprow inicio sus happenings en 1959 con 18 happenings en 6 partes en el cual utilizo diapositivas, música, la proyección de una película y la danza; realizó 3 cosas Robert Rauschenberg Monograma, Estocolmo, Moderna Museet 1955-1959 Varios medios: 122 x 183 x 183 cm
- 7. 28 simultáneamente con lo cual colmó a los espectadores. En los primeros Happenings de Allan Kaprow los espectadores no participaban, su integración a la obra fue posterior, en Yard de 1961 Kaprow acumuló neumáticos y varios objetos en un patio donde los espectadores podían participar o solo mirar. Así como había hecho Schwitters con su obra Merz recolectando objetos para crear un ensamblaje, varios artistas comenzaron a reunir objetos de chatarrerías y basureros; el Ready-Made de Duchamp renacía en obras como las de Rauschenberg quien en sus obras buscaba comprender a la sociedad de la era consumista utilizando un sin fin de materiales encontrados en sus ensamblajes, tales como animales disecados, bombillas, restos de carros y basura. Las actividades de los artistas fueron muy controvertidas ya que rompieron completamente con las actividades de la academia para seguir otras causas, entre ellas ecologistas o sociales, como los creadores del Land Art que trasladaban grandes cantidades de tierra y piedras de un lugar a otro, como lo hicieron Heizer y Smithson. Robert Smithson Spiral Jetti Rozel Point, Great Salt Lake, Utah Abril, 1970
- 8. 29 Por otro lado Dan Flavin en 1964 construyó para la Green Gallery de Nueva York una instalación que consistía en colocar varios tubos de luz de neón de colores sobre las paredes y el suelo, omitiendo el paso de la luz exterior a la galería. Con esto, Flavin incorporó el espacio como soporte para su obra manipulando así la percepción de los espectadores. Durante la década de los sesentas, el mundo del arte tuvo un cambio enorme, tenía que amoldarse a la época que cambiaba los caballetes de la pintura por el arte conceptual, los happenings, land art, etc. Y por lo tanto los museos dejaron de tener la importancia que se le comenzó a dar a las calles y a una gran variedad de espacios que ampliaba las posibilidades de los artistas. Oldenburg decía que los burócratas siempre encontraban la manera de atrapar a los artistas por más rebeldes que fueran, con el paso del tiempo encontraban la manera de comerciar con lo invendible, como lo hicieron con los dadaístas, así que en un gesto de rebeldía comenzó a Dan Flavin European Coples, and others Nueva York 1995-1996
- 9. 30 montar sus obras fuera de los museos y de las galerías. Joseph Beuys opina: “Tenemos una idea restringida de la cultura que envilece todo, y es el concepto envilecido del arte el que ha forzado a los museos a su actual débil y solitaria posición.” (1979) 3.2 ¿Qué es una instalación? Cuando hablamos de una instalación como término común lo relacionamos fundamentalmente con el acondicionamiento de algún espacio para darle un uso, respondiendo a necesidades específicas, ya sea como vivienda, negocio, recreación, etc. También se refiere al orden y manera de montar los cuadros o esculturas, obra en general, para una exposición. Hablando de la instalación como obra de arte se refiere al arreglo de un espacio concreto con obra exclusivamente diseñada para su acondicionamiento, siendo así que la instalación no se vuelve una obra de arte completa hasta que el espectador toma parte de ella, experiencia que puede compararse con la incursión en una obra arquitectónica como una
- 10. 31 catedral, cuyos techos elevados transmiten una sensación de grandeza y de cercanía con el cielo. En un artículo citado por Larrañaga Amnon Barzel dice: “La instalación representa una vía de salida al espacio pintado del ilusionismo y pone en práctica uno de los propósitos fundamentales del modernismo, el de llevar el arte a la realidad.” (2001: 87) El arte llegó a un momento en su evolución, en la cual ni la pintura ni la escultura satisfacían ya las necesidades del artista. La instalación permite que el artista se explaye recurriendo a una gran variedad de técnicas para la creación de una obra que permite la participación de todo aquel que la visita. En una instalación el espacio puede dar cabida a la creación de otro espacio. Puede haber instalaciones en las cuales los objetos utilizados dentro de ella sugieran ciertas características espaciales para su realizacion, pero tambien pueden haber instalaciones que sugieran cierto espacio específico para su realización y comprensión como la reciente instalación de Christian Boltanski en el museo de Santa Rosa en Puebla, donde todos los elementos utilizados tienen que ver con la historia de las niñas, que llegaron a este ex convento, cuyos nombres se escuchan a traves de un altavoz.
- 11. 32 Una instalación depende del espacio y la manera en que los objetos se sitúen en ella, y es imposible repetirla en su totalidad, se puede recrear, pero nunca será la misma, esto le da una cualidad efímera. Por lo tanto tampoco es una obra que sea de carácter comercial, aunque los objetos utilizados en ella si lo pueden ser, pero estos sólo pasarán a ser evidencia de la existencia anterior de una obra de arte. En general una instalación se exhibe por un tiempo determinado, depués del cual se desmonta, quedando sólo documentos para confirmar su existencia. 3.3 Artistas de la Instalación 3.3.1 Christian Boltanski Christian Boltanski nació en 1944 en Paris; de padre judío, memoria que viene a influenciar en la identidad del artista y en la temática de su trabajo.
- 12. 33 La obra de Boltanski gira alrededor de la vida y la muerte; entre los materiales que utiliza se encuentra la fotografía principalmente, además de juegos de luces y sombras y cualquier material que resalte lo transitorio de la vida. Sus personajes aparecen como fantasmas cuya vida ha expirado anonimamente. Su temática gira alrededor de los campos de concentración donde los prisioneros eran despojados de su identidad para formar una masa sin conocimiento de si mismos, muertos en vida para el mundo recluidos en la oscuridad, ausentes en vida. La instalación Sombras en el Museo de Santa Rosa en Puebla es una muestra mas de su extraordinario trabajo. La obra que realizó, la encuentro relacionada con la historia de este exconvento, en donde las jóvenes y niñas eran recluidas por causar verguenza, por ser una carga o por estar embarazadas. Podemos observar una pared tapizada con ropas que las niñas dejaron atras para Christian Boltansky “Sombras” Museo de Santa Rosa, Puebla, México 2003 Christian Boltansky “Sombras” Museo de Santa Rosa, Puebla, México 2003
- 13. 34 cambiarlas por el hábito, se escuchan ecos de nombres como Laura, Ana, Esther, María, Guadalupe, etc. En telas transparentes vemos fotografias que parecen fantasmas de las niñas. En una pecera encontramos una larga trenza de cabellos cortados, para dejar su vanidad atras. Todo esto se resalta con la oscuridad del lugar creando sombras que estremecen, la sensacion de la muerte se encuentra presente en cada rincon oscuro. 3.3.3 Ernesto Neto Ernesto Neto de nacionalidad Brasileña, nació en 1964 y es un artista que se dedica actualmente a la instalación; ha participado en numerosas exposiciones internacionales. El trabajo de Neto consiste en instalaciones en las cuales el espectador puede participar, recurre a distintas especias de olor intenso con las cuales rellena sus figuras abombadas de tela, que estan conectadas por túneles de tela Ernesto Neto Naves Hermanas, detalle Tamaño de la sala, lycra, fragrancia de clavo, arena y otros Wexner Center for the Arts Columbus, OH, USA 2000
- 14. 35 elástica. Naves Hermanas es una enorme instalación formada por dos cuartos de lycra conectados entre si por canales igualmente de lycra, se encuentran suspendida del techo y pegada al suelo a su vez por sacos de arena y esencias, también entre los túneles podemos encontrarnos con zonas acolchonadas en las cuales se puede uno acostar o sentar a descansar. En diversos lugares se encuentran colgando del techo bolsas que parecen gotas escurridas que contienen arena y fragancia de clavo, aunque también podríamos identificarlas como tetas gigantes. El título se debe a las dos naves pequeñas en las que viajó Colón con su tripulación, La Niña y la Pinta. Los espectadores se convierten en parte de la obra, dejan el estado pasivo que comúnmente adopta uno ante una obra y se convierten activamente en parte de ella, se quitan los zapatos y accesorios para pasar por estos túneles colgantes de un cuarto a otro, la interacción de los sentidos se vuelve muy importante, el roce suave e inestable de los materiales y los olores que emanan de Ernesto Neto Naves Hermanas, detalle Tamaño de la sala, lycra, fragrancia de clavo, arena y otros Wexner Center for the Arts Columbus, OH, USA 2000
- 15. 36 las gotas de arena colgantes, las luces tenues transportan a un lugar de ensueño. La lycra es un material que Neto utiliza en todas su obras por la sensualidad del roce de la tela y por su elasticidad, aquí podemos ver como abraza a los caminantes que se abren paso con las manos y pies para poder atravesar las áreas estrechas y suaves de la obra. En sus obras el artista le da mucha importancia tanto como a lo que pasa dentro y fuera de la obra. La experiencia de observar la instalación nos hace pensar que tiene vida propia. La delgada y elástica tela por la que se pasean los espectadores activos toma vida con cada paso, adquiere movimiento y la hace ver como un gran capullo blanco dentro del cual se lleva a cabo alguna metamorfosis. Ambas experiencias son muy importantes en esta instalación, la belleza lúdica de su mundo interior que es capaz de transportarnos, y la asombrosa vitalidad que podemos observar desde afuera.
- 16. 37 3.3.4 Helen Escobedo Helen Escobedo nació en México en 1934, de madre inglesa y padre mexicano; desde muy joven se interesó por el arte, sobre todo la escultura. Sin embargo su interes mayor se enfocaba en la relación del espacio y la obra, donde se desarrolló artisticamente. En su obra ¡Ya no soy lo que era! Escobedo ha colocado varios bustos creados con cascajo, una piedra quebradiza, sobre bases negras en una habitación blanca, estos bustos se miran en un espejo situado frente a cada uno. En una de las paredes del cuarto esta escrita la frase ¡Ya no soy lo que era! La artista cuestiona aquí la identidad. Un busto solía hacerse para retratar personajes importantes, sin embargo ella los muestra en este material quebradizo, todos iguales, donde los rostros se pierden en su propia amorfidad, mirándose a sí mismos, perdiendo su identidad en su reflejo. Helen Escobedo “Estar y no Estar”, Museo Universitario de Ciencias y Artes, 2000 Helen Escobedo “Estar y no Estar”, Museo Universitario de Ciencias y Artes, 2000