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El Cinquecento
1. Arquitectura
La arq. del siglo XVI se distingue esencialmente de la del Quattrocento en su preferencia por el efecto de
masas y por la monumentalidad de sus líneas constructivas, abandonando las ricas decoraciones del siglo
anterior. El centro artístico se traslada a Roma, siendo los Papas los grandes mecenas. Los grandes artistas del
período son Bramante y Miguel Ángel, destacando Vignola y Palladio.
DONNATO DI ANGELO BRAMANTE (1444-1514), autor que marca la transición entre los dos siglos,
trabaja en Florencia y luego en Milán, donde realiza la iglesia de Sta. Mª de la Gracia, la iglesia de San Sátiro, la
arquería del patio de San Ambrosio y el Baptisterio, siguiendo plenamente las características del Quattrocento. En
1499 va a Roma, cambiando ya su estilo, construyendo el templo de San Pietro in Montorio, circular con columnas
toscanas en torno, friso con triglifos y metopas, balaustrada y cúpula sobre tambor con nichos para estatuas. En el
claustro de Santa María de la Paz superpone dos galerías, la inferior con arcos y la superior arquitrabada,
alternando las columnas y los pilares.
Su obra Fundamental es el proyecto de la iglesia de San Pedro: planta de cruz griega con ábsides
terminales en los cuatro brazos, cúpula sobre el crucero y otras cuatro entre los brazos de la cruz. Este proyecto fue
reformado posteriormente por Sangallo, Rafael, Miguel Ángel y, por último, Carlos Maderno.
Entre sus seguidores destaca ANTONIO DA SANGALLO, el joven, que se encarga en 1520, tras la muerte
de Rafael, de las obras de San Pedro, modificando la planta (cruz latina). Inicia también la construcción del Palacio
Farnesio (Roma) que terminará Miguel Ángel.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564), es el típico hombre renacentista, arquitecto, pintor,
escultor, etc., dejando su genialidad plasmada en todo el arte renacentista italiano del Cinquecento. Su estilo, en
ciertos aspectos, anuncia el Barroco. Emplea los elementos clásicos más puros, conservando las proporciones;
destaca fuertemente las línea constructivas, ya con policromía ya con el juego de masas. Ejs. imp. de su arq. son la
sacristía nueva de San Lorenzo de Florencia (Capilla Medicea) y la escalera de la Biblioteca Laurenziana.
Su obra fundamental es la continuación de las obras de San Pedro (Roma) tras la muerte de Sangallo:
Recupera la planta de cruz griega de Bramante, simplificando la estructura, eleva la cúpula con un tambor
circular con columnas pareadas y ventanas con frontones rectos y circulares alternados (obra cumbre del
Renacimiento italiano), rematando con recuadros de guirnaldas. También se encarga de la ejecución de la Plaza del
Capitolio y de la terminación del Palacio Farnesio.
IACOPO BAROZZI, IL VIGNOLA (1507-1573): Su obra principal es la Iglesia del Gesú (Roma), de una
nave con capillas a los lados y cúpula sobre el crucero, que inicia el tipo de iglesia jesuítica barroca (fachada de
Giacomo della Porta).
ANDRÉS PALLADIO (1508-1580): Sus obras principales son la Basílica de Vicenza y la Villa Capra,
conocida como la Rotonda, de planta central con cuatro ingresos con frontones y columnas jónicas.
2. Escultura
En la escultura del Cinquecento aumenta la reproducción de obras clásicas debido a la tendencia a la
idealización, a lo grandioso y a la mayor preocupación por el cuerpo humano, produciéndose una reacción
contra los "manieristas donatellianos" de la segunda mitad del siglo XV. Es importante destacar que a principios del
siglo XVI son descubiertas las Termas de Tito en Roma, donde se halló el Laoconte, que influye decisivamente en el
estilo del principal autor del siglo, Miguel Ángel.
La figura del genial artista y hombre renacentista MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564) domina
todo el panorama artístico de la Roma del siglo XVI. La escultura de Miguel Ángel sintetiza todos los logros del
Quattrocento, pero da a sus obras un equilibrio estable entre la masa y el movimiento. Su estilo está marcado por su
dramática vida y por la época.
Educado en torno al "jardín de los Médicis", sus primeras obras poseen un marcado estilo donatelliano,
como en la Madonna della Scala y la Batalla entre Centauros y Lapitas (Galería Buonarroti, Florencia). Tras la
El Renacimiento italiano – pág. 5

caída de los Médicis va a Bolonia, donde trabaja con J. della Quercia; de esta etapa es el Ángel con el Candelabro.
En 1495 va a Roma, donde ejecuta inicialmente La Pietá (San Pedro del Vaticano). En 1503, por encargo, realiza el
David (Florencia), de 5 mts. de altura, con una profunda expresión del movimiento y de la tensión emocional de la
acción.
En 1506 se descubre en las Termas de Tito (Roma) el conjunto del Laoconte, que influye decisivamente en
su obra, abriendo su período de madurez con la obra inacabada del Monumento sepulcral de Julio II. De este
proyecto realizó algunas partes, como los esclavos de Florencia y el Louvre y la enérgica escultura de Moisés
(Iglesia de San Pietro in Vincoli, Roma), una de sus obras maestras.
Entre 1520 y 1534 realiza los dos monumentos funerarios de Juliano y Lorenzo de Médicis (San
Lorenzo, Florencia), con forma piramidal, con un nicho donde sitúa las estatuas de Juliano y Lorenzo, bajo las
cuales, realiza representaciones alegóricas (En el de Juliano, el Día y la Noche; y en el de Lorenzo, la Aurora y el
Crepúsculo) en actitudes inestables.
Contemporánea a los sepulcros es la Madonna con el Niño, que abre su última etapa, donde sus
características se acentúan, primando el movimiento y la expresión a la masa, preludiando la posterior escultura
Barroca. Obras de esta época son dos importantes “piedades”, la Pietá Rondanini (Milán) y la Pietá de Palestrina
(Florencia).
Entre el conjunto de escultores de este mismo período y que siguen de alguna forma la escuela creada por
Miguel Ángel, hay que destacar a BENVENUTO CELLINI (1500-1571), cuyas representaciones tienen un carácter
apasionado, reflejo de su propia vida. Sus más importantes obras son el Salero de Francisco I (Viena) y el Perseo
(Loggia dei Lanzi), que sitúa sobre un rico pedestal de mármol muy ornamentado, con nichos con estatuas de bronce
y relieves que representan la Liberación de Andrómeda por Perseo.
También es destacable JUAN BOLOGNA (1529-1608), autor claramente manierista, cuyas obras más
características son el Rapto de las Sabinas y el Mercurio.
3. Pintura
Como ocurre en el resto de las disciplinas, el nuevo centro artístico es Roma, donde la pintura del Alto
Renacimiento busca la simplificación, abandonando el detallismo del Quattrocento, unificando el tema,
generalmente de grandes proporciones, por la eliminación de las escenas secundarias.
Los grandes artistas de este período son Leonardo, Miguel Ángel, Rafael y Corregio, que sintetizan los
logros cuatrocentistas en la característica fundamental del Cinquecento: la perfección formal.
En el último tercio del siglo XVI se abandona el manierismo para desarrollar el eclecticismo, que consiste
en la fusión de elementos de diversas tendencias, buscado la belleza por la belleza misma, sin preocupación por el
contenido psicológico de las obras. Este movimiento sirve de transición al Barroco.
LEONARDO da VINCI (Florencia, 1452-1519). A los diez años estudia en el taller del Verrocchio; a los
20 entra en el gremio de pintores. A los 30 trabaja en Milán para Ludovico el Moro; en 1499 vuelve a Vinci y
Florencia, viajando después por Italia. A los 50 entra al servicio de César Borgia, trabajando después para el rey de
Francia, lugar donde muere. Fue un artista polifacético, típico hombre renacentista. Desarrolla profundos estudios de
la técnica pictórica que plasma en su obra Trattato della pittura. En ella explica la base del denominado "esfumato
leonardesco", es decir, la sustitución del dibujo lineal (típico del Quattrocento) por un suave modelado que funde
los contornos con la atmósfera.
En su obra Adoración de los Magos (Uffizi) ya están presentes las características de su estilo durante el
considerado mejor período de Leonardo, el milanés (1482-1499). En la Virgen de las rocas (Louvre) plasma
perfectamente su concepto del "esfumato", jugando con la luz y las sombras del ambiente.
Entre 1495 y 1497 realiza una de sus obras más importantes y célebres, La Cena, para el refectorio de
Santa⋅María⋅delle⋅Grazie (Milán), captando las expresiones de rostros y cuerpos, desarrollando la escena en grupos
de tres, situando a Cristo en el centro sobre el fondo claro de una ventana.
De su estancia en Florencia son la Santa Ana (Louvre) y el boceto para la Batalla de Anghiari, única obra
que queda de su intervención en la decoración del Palacio Vecchio de Florencia. En 1505 realiza el retrato de La
Gioconda (Louvre), donde refleja perfectamente otra de sus características, la sonrisa leonardesca. Su última obra es
el San Juan (Louvre) donde se acentúan tanto el esfumato como la sonrisa de sus retratos. Quedan también de este
autor gran cantidad de dibujos en la Biblioteca del Castillo de Windsor y en la Ambrosiana de Milán.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564), esencialmente escultor, la pintura es para él expresión
del relieve; su claroscuro se origina por una luz convencional que destaca fuertemente la masa de las figuras,
concepto éste contrario al esfumato leonardesco. Discípulo de Ghirlandaio, está relacionado con la pintura de J.
della Quercia, Massaccio, Donatello y Signorelli.

Su primera obra es la Sagrada Familia (Uffizi), seguida de la decoración de una sala del Palacio Vecchio
de Florencia donde representa la Batalla de Pisa. En 1508 el Papa Julio II le encarga la decoración de la bóveda de
la Capilla Sixtina; en ella figura una decoración arquitectónica dividida en recuadros donde sitúa diversas escenas
del Génesis, y en los lunetos representa a profetas, héroes, etc. Las figuras desnudas son la máxima expresión de la
pintura de Miguel Ángel, que se acentúa en el fresco del Juicio Final que realiza sobre el fondo de la estancia.
RAFAEL DE SANZIO (Urbino, 1483-1520), hijo del pintor Giovanni Santi, inicia sus estudios con 12
años, y en el taller del Perugio a los 16. A los 21 va a Florencia donde aprende de Leonardo, Miguel Ángel y Fra
Bartolomeo. A los 25 va a Roma, entrando en el grupo de decoradores vaticanos. Su influencia en el s. XVI fue muy
imp. como creador de todo un estilo caract. por la belleza y perfección formal.
Su obra se caracteriza, en general, por su sentido de la belleza y del ritmo, pudiendo dividirse en tres
etapas.
La primera etapa corresponde a las obras anteriores a su estancia en Florencia, presentando una gran
influencia de la escuela de Umbría y de las obras y composiciones del Perugino. Se caracterizan por un suave
modelado de las figuras que las dota de un feminismo afectado. Destacan sus "Madonnas", como La Perla (M. del
Prado), Las Tres Gracias, el Sueño del Caballero, la Coronación de la Virgen y los Desposorios de la Virgen.
La segunda etapa es la de su estancia en Florencia, donde a la tradición de la escuela de Umbría se une la
influencia de Leonardo, Fra Bartolomeo y, en menor medida, de Miguel Ángel. Son de este período su mejores
"Madonnas", con un gran carácter leonardesco, como la Madonna del Granduca y la Madonna del Jilguero.
Otras obras importantes presentan rasgos de las composiciones de Fra Bartolomeo, como son: Sacra Familia
Canigiani y la Madonna del baldaquino. Con influencia de Miguel Ángel destaca el Santo Entierro.
El último período corresponde a su estancia en Roma donde realiza gran cantidad de frescos para las
estancias vaticanas, como la de la "Segnatura", donde compone obras de tema histórico-alegórico: La Escuela de
Atenas, El Parnaso, etc. Decora también otras salas como son la Sala de Heliodoro, la Sala del Incendio del
Borgo o la Sala de Constantino.
Además de estos trabajos vaticanos, realiza encargos como la decoración de diversas salas de "la
Farnesina", retratos como el de Baltasar de Castiglione, de los Papas Julio II y León X; la Transfiguración y la
Caída en el camino del Calvario (M. del Prado), entre otras obras, además de cartones para tapices.
ANTONIO ALLEGRI, IL CORREGGIO (1489-1534). Se forma en la escuela de Ferrara, pero pronto
recibe la influencia de maestros como Mantegna, Leonardo, Miguel Ángel y los venecianos. Su obra destaca por su
luminosidad, difusa y con múltiples reflejos, su gran cromatismo y la suavidad de los contornos. De su estancia
en Mantua destacan obras como la Natividad de Jesús y la Madonna con el Niño (Zingarella).
Establecido en Parma, realiza la decoración de una cámara del Convento de San Pablo y la considerada una
de sus obras maestras, la decoración de la Iglesia de San Juan Evangelista, donde ejecuta la Coronación de la
Virgen, en el ábside, y la Ascensión, en la cúpula, marcando un precedente a posteriores obras barrocas. Sus
composiciones ilusorias alcanzan el máximo apogeo con la Asunción de la Virgen, en el Duomo de Parma.
Obras que reflejan sus principales características son: el Matrimonio místico de Santa Catalina, donde
fija el tipo femenino; el Noli me tangere (M. del Prado), las composiciones en diagonal; la Natividad de Jesús, sus
profundos estudios de la luz. En sus últimas obras se centra en la temática mitológica, y al estudio del desnudo
femenino (Leda y el Cisne, Dánae, Rapto de Ganimedes, Io y Cupido, Júpiter e Io).
Pintura manierista italiana, siglo XVI
Los autores posteriores se incluyen en el denominado "manierismo", en el que los artistas se inspiran en
los grandes maestros, llevando sus características hacia la exageración; aún así, se desarrollan obras de gran
originalidad.
En Toscana destaca FRA BARTOLOMEO DELLA PORTA (1475-1517), cuya obra se distingue por el
carácter arquitectónico de sus composiciones, destacando la Pietá de la Galería Pitti, sobresaliendo también como
retratista, cuya obra más importante es el retrato de Savonarola. En Lombardía, el pintor BERNARDINO LUINI
es el autor más estrechamente relacionado con Leonardo, como en su Entierro de Santa Catalina o en la Salomé.
Como continuadores de Correggio hay que destacar a FRANCESCO MAZZOLA, IL PARMIGIANINO (1503-
1540), caracterizado por la elegancia de sus figuras (Madonna del cuello largo), y por sus retratos (Antea, la
Dama), siendo su pintura de amplia influencia en Francia.

Por otra parte, en Venecia, se continúa con la riqueza cromática característica aplicada a las formas
inspiradas por los autores romanos, produciendo un "manierismo" que se ha denominado cangiantismo. Autores
destacados de la corriente veneciana son Giorgione, Tiziano, durante la primera mitad del siglo XVI; y Tintoretto y
el Veronés, en la segunda mitad del siglo.
GIORGIO BARBARELLI, IL GIORGIONE (c.1478-1510), discípulo de G. Bellini, es un pintor
caracterizado por su técnica depurada y su colorido y cuya temática se desarrollará en toda la pintura moderna. De
su etapa inicial, influida por su maestro, es la Madonna entre santos, de la Iglesia de Castelfranco. Sus obras
maestras son: la Tempestad (gran síntesis de paisaje y figuras), la Venus de Dresde (gran desarrollo del desnudo
femenino), el Concierto campestre y los Tres filósofos.
TIZIANO VECELLIO (1477-1576). Artista con un largo período de formación, es discípulo de G.
Bellini, siguiendo después al Giorgione en obras tales como el Cristo de la moneda y el Concierto. Se muestra más
original en pinturas como la Assunta, donde se opone al Giorgione en el dinamismo de las figuras, aunque le sigue
en el desnudo femenino: Bacanal o Venus recreándose en la música (ambos en el M. del Prado). Posteriormente
recibe la influencia de Miguel Ángel (Sísifo y Ticio -M. del Prado-), y, principalmente, de Tintoretto con sus
contrastes de luz y sombras (Martirio de San Lorenzo o la Anunciación). Destaca también Tiziano por sus
retratos como los del Emperador Carlos V, el de la Emperatriz Isabel y su Autorretrato, todos en el Museo del
Prado.
JACOPO ROBUSTI, IL TINTORETTO (1518-1594). Este autor funde el gran colorido de Tiziano con el
dibujo de Miguel Ángel, como muestra en su obra el Milagro de San Marcos. A partir de 1548 su pintura
evoluciona a la búsqueda de los contrastes de luz y sombra (San Marcos salva a un náufrago, La sustracción del
cuerpo del San Marcos), caracterizándose también su pintura por plasmar el momento del movimiento por medio
de composiciones diagonales (el Lavatorio -M. del Prado-, la Última Cena de San Giorgio Maggiore).
PABLO CALIARI, IL VERONÉS (1528-1588); se caracteriza por su colorido exaltado y rico. Su temática
se centra en la vida veneciana, siendo los temas sacros una excusa para representar aquella (el Triunfo de Venecia,
El banquete en casa de Leví, Las bodas de Caná y el Moisés salvado de las aguas -M. del Prado-).
También en la segunda mitad del siglo XVI hay que destacar a IACOPO DA ONTE, IL BASSANO (h.
1515-1588), autor con gran influencia de Tintoretto (Adoración de los Magos), que a partir de 1560 resalta las
figuras por medio de una gran iluminación, iniciando una temática que se convertirá en pintura de género, las
representaciones de animales (La reconversión de Adán y el Arca de Noé, ambas en el M. del Prado).
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